Kategorie: untold music

Laaang ist’s her: Nachdem sie im Februar 2020 zu einem für sie (wie sich dann im Nachhinein herausstellte) denkbar bescheidenen Zeitpunkt ihr Album „Good Luck“ veröffentlichten, war es musikalisch ruhig geworden um die KYTES. Doch die Zeit der Trübsal ist vorbei, juhu! Vor knapp zwei Wochen erschien nämlich ihre neue Single „the beat is on hold“. Und die gehört wegen ihrem erfrischenden Sound und dem lyrischen Augenzwinkern ab sofort in jede Gute-Laune-weil-Sommer–lass-mal-tanzen-Playlist. Wieso das so ist, erfahrt ihr jetzt von Jule. Kostenloser Profitipp: Entstaubt eure Tanzschuhe, sie wollen wieder benutzt werden.

Wir wissen alle, dass die KYTES inzwischen eine feste Größe in unserer geliebten Indie-Bubble sind. Und auch ich zähle mich absolut zu den langjährigen Fans der Jungs. Ich schäme mich fast es zuzugeben, aber bevor ich sie Anfang Juli 2021 bei den Acoustics Concerts endlich mal wieder auf einer Bühne erleben durfte, habe ich die KYTES das letzte Mal im Sommer 2017 (!) live gesehen. Das sind 4 Jahre, wow… Eindeutig ein viel zu langer Zeitraum, kommt nie wieder vor, versprochen! Wer noch nie bei einer Show von ihnen war, dem sei das hier mit Nachdruck ans Herz gelegt (Tickets für die Tour im Winter gibt’s übrigens hier, gern geschehen).

Bei ihrem Acoustics-Konzert haben die KYTES aber nicht nur ältere Songs von EP’s und die des aktuellen Albums „Good Luck“ (was übrigens zu meinen Top-Alben des letzten Jahres zählt und deshalb auch in meinem Jahresrückblick 2020 vertreten ist) gespielt. Sie haben auch ihre neue Single „the beat is on hold“ angekündigt und direkt präsentiert. Tja, ich sag’s euch wie es ist: Ich habe den Refrain seitdem pausenlos vor mich her gesummt. Ohrwurm at it’s best. Als ich dann endlich auch die produzierte Version hören durfte, gab es absolut kein Halten mehr. Jenes Wochenende bestand für mich einzig und allein aus diesem Song. Ich weiß nicht mal mehr, ob ich in dieser Zeit etwas gegessen habe? Samstagnacht um 3 Uhr habe ich jedenfalls mit „the beat is on hold“ auf den Ohren für ca. eine Stunde vor dem offenen Küchenfenster wild meine legs geshaked und mit lautlosen Lipsyncs so richtig einen weggefeiert. Manchmal brauche ich das einfach.

„But can we really work it out
would mean so much more“

Schon die ersten Takte von „the beat is on hold“ zwingen mich förmlich, aus meinem ca. 100-jährigen Pandemie-Schlaf aufzuwachen. Schon lange hat mich ein Beat nicht mehr so krass abgeholt. Diese Kombination aus Synthies, Drums, Gitarren und den Melodien… Also wenn die KYTES etwas können, dann das – i’m all in. Textlich verarbeiten Michael, Kerim, Timothy und Thomas während des Lockdowns entstandene Hypes wie Bananenbrot backen und exzessives Home-Workouts. An dieser Stelle sei mir dann auch noch eine kurze Zwischenfrage gestattet: Hat eigentlich schon irgendwann einmal irgendjemand das Wort „hold“ geiler und/oder melodischer gesungen als Michi es im Refrain tut? (NEIN!!) Ich glaube, dass 90% meines wochenendlichen Ohrwurms aus seiner Stimme bestanden, die immer und immer wieder dieses Wort gesungen hat. Das klingt vielleicht seltsam, aber hört es euch an und ihr werdet verstehen. Ich lieb’s jedenfalls total. 💚

Aber zurück zum Song: Die KYTES erinnern neben allem Augenzwinkern aber hauptsächlich auch daran, dass während der Pandemie verdammt nochmal die komplette Kunstszene stillstand bzw. teilweise immer noch stillsteht. Das zeigen sie auch sehr eindrucksvoll im dazugehörigen Musikvideo, das sie im Strom, Knust und in der Muffathalle gedreht haben. In diesem Video zeigen die KYTES aber auch unfassbar viele Fotos von den leeren Bühnen unseres Landes. Und das schmerzt bei einer leidenschaftlichen Konzertgängerin wie mir echt nochmal ganz anders.

Doch trotz seiner Thematik und der für mich echt traurigen videografischen Verarbeitung ist „the beat is on hold“ absolut kein „klassischer Corona-Downer-Song“, ganz im Gegenteil. Und das, obwohl es für die KYTES am Anfang der Pandemie schwierig war, Inspiration für neue Musik zu finden. Ihre Tour wurde zweimal verschoben, sodass sie das gerade erschienene Album nicht live präsentieren konnten. Geht’s noch deprimierender? Am Ende des Tages ist „the beat is on hold“ deshalb ihr Ruf nach Normalität, so positiv und aufbauend wie möglich. Und wie man es eventuell schon erahnt, mich hat der Song extrem aufgebaut. Er ist unfassbar spritzig und wird durch die humorvollen Lyrics auch nach dem 400. Mal auf Repeat hören nicht langweilig oder gar nervig – glaubt mir, ich spreche da aus Erfahrung.

Leider hat der Song für mich aber ein kleines Manko, er ist nämlich nach nur 2:26 min. schon wieder vorbei 🙁 Ich weiß, Spotify-Algorithmus und so, sehr viele neue Songs sind momentan eher kürzer als länger. Aber: Gerade wenn ich so richtig in Fahrt bin, ist es halt auch schon wieder vorbei. Ich glaube, für mich liegt die perfekte Songlänge eher so bei mindestens 3:00 min. (falls es jemanden interessiert). Ich bin wirklich sehr dankbar für jeden veröffentlichten Song auf dieser Welt und ich verstehe den Struggle der Künstler:innen total, aber mich als Hörerin stören „zu kurze“ Songs irgendwie. Deshalb: Hey Spotify (i know you’re reading), änder deinen Algorithmus bitte, danke. Und vielleicht haben die KYTES den Song ja auch ganz bewusst und ohne Gedanken an den Algorithmus kurz gehalten und ich bin völlig umsonst abgedriftet, who knows?

Wie dem auch sei. Nach diesem energetischen „Hallo, da sind wir wieder“ der KYTES bin ich jedenfalls schon jetzt ziemlich gespannt, was für grandiose Werke sie während der Auszeit noch so gezaubert haben. An dieser Stelle möchte ich auch noch einmal hervorheben, dass die Jungs über ihr eigenes Label Frisbee Rec. alles DIY produzieren und releasen. Das ist schon ein ganz besonders schöner Spirit, wie ich finde.

So, aber nun muss ich mich leider ausklinken, mich meiner Obsession hingeben und „the beat is on hold“ streamen. Könnt (und solltet) ihr auch tun und zwar direkt hier:

Fotocredit: Florian Moshammer

Sie haben es versprochen und sie haben geliefert: Kaltenkirchen haben (ehrlicherweise schon vor einem Monat, upsi) die „PHASE 3: IMMER NOCH“-EP veröffentlicht. Sie ist die dritte von vier EPs, die in einem 7-wöchigen Rhythmus erscheinen und jeweils 3 bis 4 Songs beinhalten. Thematisch werden die Phasen, die Sänger Philip Maria Stoeckenius mit seiner Panik verbindet, und der Umgang damit behandelt. Die Review zum ersten Teil, der „PHASE 1: PANIK“-EP, könnt ihr hier nachlesen, zur Review der „PHASE 2: EISZEIT“-EP geht’s hier. Und auch, wenn wir die Veröffentlichung der finalen EP schon förmlich riechen können, möchte Jule eure Ohren doch nochmal um Aufmerksamkeit für die „PHASE 3: IMMER NOCH“-EP bitten. Es geht um Zukunftsängste und Selbstzweifel – aber vor allem um Hoffnung.

Erstmal ist es schön, dass wir uns wieder hier versammelt haben, um gemeinsam Musik von Kaltenkirchen zu genießen. So ein bisschen habe ich mich ja an die Regelmäßigkeit gewöhnt. Auch wenn meine Zeit, neuer Musik meine gewohnte Aufmerksamkeit zu schenken, gerade etwas eingeschränkt ist. Manchmal kommt einfach das Leben dazwischen, wir kennen es alle. So langsam fängt alles wieder an so zu werden, wie es 2019 war. Nur leider habe ich persönlich ein bisschen verlernt, wie ich 2019 war. Die Entschleunigung der letzten 1,5 Jahre hat mich irgendwie „lebensunfähig“ gemacht. Die einfachsten Sachen (wie eben entspannt neuer Musik zu lauschen) überfordern mich und mein Zeitmanagement. Das klingt wahrscheinlich dramatischer als ich es meine. Denn gefühlt geht es meinem kompletten Umfeld so. Ein Tag bräuchte gerade mindestens 60 Stunden, damit ich irgendwie hinterherkommen könnte. Das ist auch einfach der Hauptgrund, warum dieser Artikel zu Kaltenkirchens „neuer“ EP erst einen Monat nach Release erscheint. Aber gut, genug gejammert. Lasst uns jetzt mal gemeinsam in „PHASE 3: IMMER NOCH“ reinhören, denn – Spoiler – es lohnt sich mal wieder!

Euphorie vs. Frust

Der erste Song der EP ist auch gleichzeitig der namensgebende Track der EP: „IMMER NOCH“. Er beginnt mit einer für mich ganz bisschen überraschenden E-Gitarre, zu der sich im Verlauf dann fetzige Synthie-Beats gesellen. Textlich beschreiben Kaltenkirchen Zukunftsängste, Selbstzweifel und Leistungsdruck, die die Panikattacken mit sich bringen. Es geht aber auch darum, genau diesen Ängsten und Zweifeln den waffenlosen Kampf anzusagen. „Denn ich weiß immer noch nicht was ich machen muss, um mit mir klarzukommen. Doch ich erkenn‘ mich, auch wenn’s manchmal schwer ist“. Diese Zeilen beschreiben den Song und das Gefühl zu 100 % (well done!) – den Zwiespalt zwischen Euphorie und Frust. Man kehrt langsam zu sich zurück, geht zwei Schritte vorwärts in die richtige Richtung, aber fällt doch wieder einen zurück oder stagniert. Da geduldig und stark zu bleiben und weiter die Kraft zu haben, durchzuhalten, muss unfassbar zehrend sein. Aber die Zeile „Denn ich weiß, wohin ich mit mir will“ zeigt eben auch, dass Kaltenkirchen sein Ziel nie aus den Augen verliert. Vielleicht weiß er noch nicht wie, aber dafür umso mehr, dass er es schaffen wird. Das spiegelt sich auch im gesamten Sound von „IMMER NOCH“ wider: Der ist nämlich grundlegend positiv und beschwingt, hat aber auch seine ruhigen Momente, die den Inhalt des Songs absolut auf den Punkt bringen.

Zu „IMMER NOCH“ gibt es übrigens auch ein Musikvideo, das einige sehr geile Schmunzler versteckt hat. Könnt ihr euch hier anschauen, swoosh:

Hoffnung vs. Unsicherheit

Weiter geht es mit „LICHT“, den ich persönlich noch stärker finde als die Single-Auskopplung „IMMER NOCH“. Die Songs knüpfen thematisch aneinander an und ich find’s geil, dass die E-Gitarre hier auch wieder ihren Platz gefunden hat. Finde diese E-Gitarren auf jeden Fall ziemlich nice, steht dem Sound von Kaltenkirchen total gut, wenn ihr mich fragt. Im Verlaufe des Songs gibt’s dann auch noch ein Klavier – jawollo ey, das lieb ich doch. „LICHT“ klingt ein bisschen weicher und poppiger als der Song davor. Und die Melodie ist wieder so richtig ins Ohr fressend, den Refrain hatte ich tagelang im Kopf. Thematisch wird die Hoffnung, aber auch der oftmals schwere Weg zur Besserung, der aufgrund einer psychischen Erkrankung gegangen werden muss, beschrieben. Das lässt sich auch gut beim Gesang raushören, der was ganz Zerbrechliches und Liebliches hat. Das geht schon bisschen deeper in mein Herz, ich gebe es ja zu.

„Ich weiß nicht wie weit es ist
Bis alles wieder beim Alten ist
Vielleicht fallen wir weich, oder auch nicht“

Man hört diesen beiden Songs auf jeden Fall an, dass Kaltenkirchen seinem persönlichen (Behandlungs-)Ziel näher zu kommen scheint. Es läuft nicht immer alles nach Plan, es gibt Rückschläge und Unsicherheiten. Aber davon lässt sich Philip sowohl in „IMMER NOCH“ als auch in „LICHT“ nicht unterkriegen. Beide Songs strotzen nur so vor positiver Hoffnung. Und können wir mal festhalten, wie geil bei beiden Songs getextet wurde? Die Wortwahl ist immer ein bisschen unverblümt „Auf die Fresse“, lässt aber gleichzeitig super viel Interpretations-Spielraum. Hach, Kalti <3

Das ganz große Glück

Der letzte Song der EP heißt „ZWEI“ und ist ungefähr das süßeste, was ich 2021 gehört habe. Die Füchse unter euch werden wohl gecheckt haben, dass das nicht Sänger Philip ist, der uns hier engelsgleich ein paar Takte vorträllert. Vielmehr handelt es sich hier um die ersten Gesangsversuche eines Kleinkindes, das sogar einen Schluckauf zum Besten gibt, i’m melting. Verpackt in einen psychedelischen Sound und Kaltenkirchen-likem AutoTune klingt es durch die Doppelungen ein bisschen als würde ein Duett gesungen werden. Dass es sich bei der süßen Stimme um die von Philip’s kleiner Tochter Luka handelt (die fairerweise auch als Autorin des Songs erwähnt wird, der erste Schritt in Richtung Musikkarriere), hat er kürzlich via Instagram verraten. Ich möchte an dieser Stelle auch ausnahmsweise mal rein gar nichts interpretieren. Lasst uns einfach nur glücklich für Philip und seine kleine Familie sein und die Freude darüber spüren, dass er uns ein kleines Stück daran teilhaben lässt. Denn so wie Luka für ihn in schwierigen Momenten das (im Song davor besungene) helle Licht sein wird, kann sie es mit diesem Song vielleicht auch für dich und mich sein. Schön, dass du da bist, Luka!

Und mit dieser Emotion entlasse ich euch nun in die musikalische Welt. Denn bevor dann schon bald die vierte Phase erscheinen wird, könnt ihr euch die „PHASE 3: IMMER NOCH“-EP von Kaltenkirchen nämlich hier anhören:

Fotocredit: Steffen Geldner

Schon die erste Single, die Adam Lenox alias ZOUJ letztes Jahr herausgebracht hat, hat mich jegliche Fassung verlieren lassen. Danach ging es stetig weiter, die Songs und die Videos wurden immer krasser und langsam zeichnete sich ein Gesamtwerk ab. Tja, und jetzt ist es soweit: Mit „Tagat“ erscheint jetzt endlich ein Mixtape voller experimenteller, elektronischer Musik, versehen mit diesem unverwechselbaren ZOUJ-Charakter. Und Mixtape heißt in diesem Falle wirklich Mixtape — es erscheint tatsächlich auf Kassette.

༼ ºل͟º ༼ ºل͟º ༼ ºل͟º ༽ ºل͟º ༽ ºل͟º ༽

Wenn man sich ein wenig mit ZOUJ beschäftigt, wird ziemlich schnell klar, dass sein Schaffen ein gefestigtes Konzept hat. Es ist nicht nur seine Musik, die auf dem Mixtape nahtlos ineinander übergeht und wie eine einzige riesige Komposition wirkt — es sind auch die animierten 3D-Musikvideos, die Fotos, seine Instagrampage und seine Liebe zu Textfaces. Ihr wisst nicht was das ist? Dann solltet ihr unbedingt mal bei seinen Social Media-Accounts vorbeischauen. Denn er ist ein wahrer Meister dieser fast schon urzeitlichen Hieroglyphen, die er auch gerne anstelle von Songnamen verwendet. Die Faszination für seine Kunst greift bei mir wirklich tief. Ich habe das Gefühl, derartige Musik einfach noch nie vorher gehört zu haben. Ich versuche euch jetzt mal ein bisschen in diese seltsame Welt mitzunehmen.

So, what’s new here? Vier der neun Tracks auf „Tagat“ sollten dem eingefleischten Fan schon bekannt vorkommen, waren sie doch vorab schon als Single samt Video erschienen. Gleich zu Beginn werden wir aber mit zwei neuen Tracks belohnt, nämlich „o╮༼;´༎ຶ..̸̸̨̨۝ ༎ຶ༽╭o. (ten of swords)“ und „Embryo 2“. Während sich ersterer als ein klassisches Intro mit nihilistischen Gedankenentwürfen entpuppt, wird es bei „Embryo 2“ schon etwas wilder. Bei beiden Tracks fällt sofort auf: Die Synthesizer sind in ZOUJs Musik der zentrale Dreh- und Angelpunkt. Und Adam Lenox ist wirklich ein mächtiger dunkler Magier an diesen modularen Instrumenten. Im Song vermischt sich eine blühende Geräuschelandschaft mit minimalistischem Drumset und tiefen Synthbässen. Auf jeden Fall so treibend, dass die Beine gleich zu Anfang des Mixtapes schon zu zucken beginnen.

Gamechanger für mich ist dann die Melodie des Synthesizers im letzten Part des Songs, die an orientalische Musik erinnert und endgültig zum Dancebattle auffordert. Bereits nach zwei Tracks ist die Richtung, in die es weitergehen soll, klar. Wir finden fortan immer wieder auf allen Achsen verzerrte und gepitchte Vocals, teilweise bis zur Unkenntlichkeit verändert. Außerdem viele vertrackte perkussive Elemente und Noise aller Art aus den verschiedensten Ecken, die den Songs eine unglaublich tiefe Räumlichkeit verleihen.

（^Ｏ^）～♪

Sehr gut zu hören ist das schon in den folgenden Tracks. „Fl00te“ startet mit genau solchen perkussiven Synthelementen, die einfach genial random klingen. Bereits hier ist als Hörer nichts mehr vorhersagbar. Im ganzen Song gibt es immer wieder kurze Pausen, Stop and Go und plötzliche Stille. Dadurch wirkt die Musik rastlos und aufgewühlt. Das animierte 3D-Musikvideo nimmt uns in ein völlig absurdes Videogame mit, in dem ein glänzender Stier das melodische Hauptthema des Tracks auf einem blauen Flötemännchen. Klingt weird? Ist weird!

Dieser blaue Flöten-Cha ist irgendwie total beängstigend, aber auch niedlich zugleich und lässt in Verbindung mit den Lyrics einige Interpretationen zu. Zwischen dem Stier und der kleinen Flöte auf zwei Beinen könnte man eine Art Oppressor/Untergebener-Verhältnis herauslesen. In den Lyrics hören wir ebenfalls Anspielungen auf ein solches Verhältnis. Daraus entsteht dann einerseits vielleicht eine aufkeimende Revolte, oder andererseits die endgültige Resignation bzw. Kapitulation. Wie so häufig in derartigen toxischen Strukturen.

„This is not a pop hit we´ll leave that to the good boys
Stop the radios im staying with my own blood“

Cool finde ich auch diese Zeile des Texts. Hier wird noch einmal deutlich, dass ZOUJ wirklich ein ziemlicher Anti-Pop-Held ist, der mit seinem Hang zum Okkulten zwar überhaupt nicht in diese Welt passt, aber durch seine Melodien durchaus eingehende Ohrwürmer produziert, die sich irgendwo unter dem ganzen Wulst an Sounds verbergen.

(﹡ꑓ ︿ ꑓ`﹡)

„Anxious Sleep“ ist dafür wohl das beste Beispiel. Im Intro des Songs hören wir tatsächlich eine verhältnismäßig fast cleane Vocalline, begleitet von einer Art E-Piano. Der Drop von Drums und Bass könnte dann kaum mehr Gänsehaut erzeugen. Die Trägheit des Tracks passt hervorragend zu Thema Schlaflosigkeit und -störungen und die Lyrics geben den letzten Rest zum Nightmarefeeling. Wieder werden wir von allen Seiten überrascht von Sounds, Wassergeräuschen oder abrupten Pausen. Es ist schwierig zu folgen, allerdings werden die Strukturen mit jedem Durchlauf erkennbarer. Alle, die schon einmal Musik produziert haben, bekommen hier eine Ahnung, wie viel f*cking Arbeit in der Programmierung dieser Musik stecken muss. Denn auch wenn hier vieles zufällig wirkt, ist mit Sicherheit alles genau da, wo es hingehört.

An dieser Stelle vielleicht ein kurzer Exkurs zum Thema Modular Synthesizer, die Adam in seiner Musik häufig verwendet. Für alle, die sich darunter nichts vorstellen können: Optisch ungefähr eine Mischung aus der Star Trek Kontrollbrücke und einem experimentellen russischen Atomkraftwerk, mit tausenden Kabeln, Steckern und kleinen blinkenden Lichtern. Von der Komplexität mal mindestens gleiches Niveau wie Thermodynamik, Teilchenphsyik oder das PAX Regalsystem von IKEA. Mit einem solchen Monster gilt es Sounds zu generieren, zu verändern oder gar gänzlich zu zerstören. Wenn ihr mal einen freien Nachmittag habt, schaut euch auf YouTube mal ein paar Videos an, das ist eine komplette Parallelwelt (die, glaube ich, auch eine bleiben möchte).

ᕕ( ཀ ʖ̯ ཀ)ᕗ

Die Mensch-Maschine-Beziehung ist defintiv in jedem Song deutlich zu hören, während ZOUJ offensichtlich mit seinen Musikmaschinen verschmilzt. Allerdings ist der Mensch eben keine Maschine, was man in Adams Texten immer wieder heraushören kann. Vom Instinkt sich permanent anpassen zu wollen und die resultierende Panik, nicht in bestehende Muster zu passen und die Zeit lieber alleine in sicherer Umgebung zu verbringen, handelt „j0_0j“.

Passend dazu ist der Track auf jeden Fall auch ein Vorzeigemodell, wenn es darum geht, NICHT in Muster zu passen. Die generierten Bleeps und Bloops fliegen mir nur so um die Ohren, ein scheinbar unbezwingbares Chaos mit unstetigem Schlagzeug. Bis zum Refrain, denn dann löst sich auf einmal alles ziemlich in Wohlgefallen auf und ein kleiner Fetzen jazziger Popmusik blitzt auf. Vielleicht bin ich zu konservativ, aber natürlich fiebere ich jedes Mal auf diese „gefällige“ Hook hin, denn diese ist erstens einfach geil und zweitens kann man super mitsingen:

„Run home where I’ll be safe in my skin
(All) My life (has) been trying to fit in
Most days something is stabbing in my spleen“

Dass Adam auf seinem Mixtape neben der Masse an elektronischen Instrumenten auch „echte“ Instrumente (wie unsere Dads sagen würden) verwendet hat, hören wir besonders gut an den Drums von „Lefty“. Für sein Projekt hat er sich nämlich einfach mal eine der besten DrumerInnen überhaupt mit ins Boot geholt: Linda-Philomène Tsoungui (MINE, Tarek K.I.Z., Fatoni, uvm.). Was diese Frau aus einem Drumset herausholt ist unbeschreiblich und passt einfach wie Fell auf Kessel zu ZOUJ. Definitiv einer meiner Lieblingssongs, geht dieser allerdings auch in eine etwas andere Richtung; der progressive, klarere Charakter erinnert mich am meisten an Adam Lenox‚ bisheriges Bandprojekt Lingua Nada. Und es steht mit seiner Präzession und der filigranen Geschicklichkeit im kompletten Gegensatz zu der in den Lyrics thematisierten Tollpatschigkeit, wenn sich wegen der großen Liebe mal wieder alles upside down dreht.

Ab und zu geht es auf „Tagat“ auch funky zu. „St00pid“ ist eigentlich ein astreiner Dancetrack, der mich stark an frühe Chicago-House Nummern erinnert. Die Bassline rollt und die Drums geben mit dem 4-On-The-Floor-Beat alles, um mich zum Ende hin noch mal aus dem Sessel zu holen. Im Text geht es um Fehler, die wohl gemacht werden müssen, um daraus zu lernen. Gleichzeitig spielt die akute und permanente Unzufriedenheit über den Status Quo des eigenen Nutzens eine Rolle; die Reflexion der „Work-Life-Balance“ ist damit wohl ein Thema, das eine ganze Generation momentan herumtreibt und von ZOUJ im Song verarbeitet wird.

Fazit ( ಠ ͜ʖರೃ)

Das hier ist future shit, ich sag’s wie es ist. Ich traue mich wirklich nicht, es einzuordnen. ZOUJs Songs sind so neu, dass sie mir teilweise zwar Angst machen, ich aber hauptsächlich süchtig danach geworden bin. Es gibt so viele Details! Wie ein Kaleidoskop, bei dem sich das Bild bei der kleinsten Bewegung schon verändert. Das ist Musik, die ich meinen Freunden zeigen möchte, einfach nur im sie zu überwältigen. Und um sehen, ob sie genauso im positiven Sinne shocked sind, wie ich es immer noch bin. „Tagat“ ist zum einen sicherlich Musik für Nerds, zum anderen aber der beste Beweis für eine spannende Subkultur in der Popmusik. Ich will mehr!

Fotocredit: BENJAKON

Vollblutmusikerin, erfolgreiche Fotografin und Yoyo-Akrobatin. All das ist Faye Webster, die jetzt ihr neues Album „I Know I’m Funny haha“ veröffentlichte. Ein selbstbewusstes Folkpop-Album zum Mitlachen und Mitweinen im schlichten Soundkleid.

„Oh, we got both kinds, country and western!“

Es kommt nicht so besonders häufig vor, dass sich Country in meine Gehörgänge verirrt – und vor allem auch dort bleibt. Auch wenn es nur ein Hauch von Country ist. Woran das liegt weiß ich natürlich nicht genau, aber ich vermute, dass ich diese Musikrichtung einfach immer ein bisschen zu kitschig finde. Und weil ich immer an Monstertrucks und Bullenreiten denken muss. Irgendwo in der Wüste. Und an diese komischen rollenden Staubbälle, begleitet von einer Mundharmonika. Und an 3 Liter Colaflaschen. Naja, ihr merkt schon, alles Klischees und wahrscheinlich echt großer Quatsch. Sieht man jetzt ja auch wieder schön, denn Faye Webster war für mich Liebe auf die ersten 20 Sekunden Stream.

Witzigerweise muss ich bei ihrem neuen Album „I Know I’m Funny haha“ kein einziges Mal an meine Vorurteile denken. Obwohl es musikalisch doch schon klare Signale in Richtung Country gibt, zum Beispiel in Form von Slidegitarren. Aber zu meiner eigenen Überraschung ist das sehr gut so, wie es ist. Und bei Faye Webster sind es eben diese Roots ihres Schaffens, die das Fundament bilden. Ein bisschen wie bei Taylor Swift, nur eben in cool. (*wegduck*)

Ein berühmter Fan und bittersüßer Sarkasmus

Aber hey, sagt mir bitte mal wie mein Album cooler eröffnen kann, als mit einem Song, der einfach einer der Lieblingssongs 2020 von Barack Obama war. HALLO? Ja, das habt ihr alles schon richtig gelesen. Barack f*cking Obama. Friedensnobelpreisträger. Vierundvierzigster US-Präsi. Ich meine, Faye Webster ist 23 Jahre alt, Baujahr ’98. Was möchte die Frau denn noch erreichen? Ich hätte es ihr nicht übel genommen, hätte sie danach mal schön die Füße hochgelegt. Aber nee, Frau Webster macht ein ganzes Album draus, was nicht nur Barack, sondern auch mir zu den sommerlichen Temperaturen ziemlich gut in den Kram passt.

Eben erwähnter Song „Better Distractions“ ist ein Song voller Sehnsucht und Schmacht. Ganz sanft schaukeln uns schon die ersten Takte des Tracks in Stimmung. Wie in der Vertonung einer Traumsequenz hat die Slideguitar mit ihren langen, wabernden Tönen direkt zu Beginn ihren großen Auftritt. Jetzt ist Abschalten und Zuhören angesagt. Na gut! Wie der Titel schon verrät, sucht Faye im Song nach Ablenkung. Sie beschreibt die gähnende Langeweile und die Lustlosigkeit, irgendetwas anderes zu machen, als an die schmerzlich vermisste Liebe zu denken.

Die Musik unterstreicht das wirklich hervorragend, da ist einfach etwas super lethargisches und faules in der Instrumentierung zu hören. Passt auch wunderbar zu diesem viel zu heißen Tag heute, während ich mir die Schweißperlen von der Oberlippe wegpuste. „Will you be with me?“ fragt Faye Webster schüchtern (und wirklich oft) im Refrain. Dabei bleibt offen, ob sie ihren Schwarm direkt anspricht, oder die Frage quasi in die Glaskugel hineinfragt. Das schöne daran; wir wissen nicht, ob es sich hierbei vielleicht sogar um unerwiderte Liebe handelt. Oder die angehimmelte Person überhaupt etwas von diesen Gefühlen weiß.

Bittersüße Melancholie flechtet sich also schon ganz früh in dieses Album ein. Auch im zweiten Song „Sometimes“, ein Song über das Verlassenwerden, aber irgendwie doch nicht so ganz Loslassenkönnen. Oder im Titelstück „I Know I’m Funny haha“, das irgendwie herzzerreißend sarkastisch ein paar kleine Fetzen aus einer Liebesbeziehung erzählt und ich nicht klar sagen kann, ob das jetzt irgendwie wunderschön oder ganz toxisch klingt.

„I think your sisters are so pretty
Got drunk and they forgot they met me
I made her laugh one time at dinner
She said I’m funny and then I thanked her
But I know I’m funny haha“

A different vibe

Das Musikvideo ist auf die gleiche ironische Art und Weise berührend, denn hier wurden verwackelte Handycam-Clips aus dem Alltag so perfekt zusammengeschnitten, dass es an einigen Stellen schon fast zu gut zum Text passt. Und wäre es nicht so super authentisch, würde ich kreischen: „safe gescripted!!!“. Aber glaube, das ist echt. Ehrlich, wer sich beim Schauen nicht auch heimlich in den Lifestyle von Faye Webster (und in sie selbst) verguckt, da weiß ich auch nicht mehr. Könnte ich mir Millionen Mal angucken.

Ich bin übrigens ursprünglich auch durch ein Musikvideo auf sie und das neue Album aufmerksam geworden. Und zwar zum Song „Cheers“. Ich habe wirklich selten so ein extrem cooles Posing vor motorisierten Gefährten gesehen, wie in diesem Musikvideo. Zur Abwechslung sieht man dort keine Ferraris oder Lambos, sondern Motocrossmaschinen. Und an solche habe ich bestimmt seit MX Unleashed für die Playsi 2 nicht mehr gedacht. Die Grafik war damals der Hammer. Ne Spaß, ich hab echt überhaupt keine Ahnung von Games, aber wollte das auch mal sagen.

Musikalisch hat „Cheers“ auch ganz schön was zu bieten und ist eigentlich mein Lieblingssong der Platte. Der stampfende Rhythmus von Drums und Bass in der Strophe fließt übergangslos in einen luftig-lockeren Refrain mit gezupften Chorus-Gitarren. In den Lyrics finden wir eine zuckersüße Liebeserklärung, die den ganzen Coming-of-Age-Charakter des Albums widerspiegelt. Denn ohne dass Faye uns das aufzwingen würde, erfahren wir auf dem Album so einiges über ihre momentanen Gefühlslagen. Und auch wenn ich immer erstmal etwas vorsichtig mit der Auslegung der Texte bin, können wir uns hier sicher sein, dass sie ihre eigene aktuelle Beziehung einfach gerade sehr genießt und das auch aller Welt zeigen möchte.

Did I fall in love with someone I don’t know?

Schaut man sich Faye Websters bisherige Karriere an, hätte man sich diese eigentlich gar nicht schöner ausdenken können. Bereits mit 16 hat sie ihr erstes Album released, dann wenig später ein Signing bei Awful Records aus ihrer Heimatstadt Atlanta, einem Label für überwiegend Hip-Hop und R’n’B. Mittlerweile zwar bei Secretly Canadian unter Vertrag, spürt man ihre Liebe zu R’n’B und die Einflüsse aus vergangenen Tagen aber auch weiterhin in ihrer Musik. Am stärksten fällt mir das im Song „A Dream With a Baseball Player“ auf. In diesem souligen Stück tönt uns sogar ein Saxophon entgegen. Da bin ich ja gerade sowieso sehr Fan von.

Der laid-back Groove des Songs ist der perfekte Soundtrack zu so einem Traum, wie ihn Webster wohl auch schon einmal hatte: Sie war, während sie eigentlich ständig nur auf Tour war, zu einer großen Baseballverehrerin geworden. Und da bleibt es natürlich nicht aus, sich auch mal in einen dieser Supersportler zu vergucken. Ein richtiger Crush! Vor allem, wenn man pausenlos reist und „echte“ Crushs nicht an jeder Ecke stehen. Im Song stellt sie sich selbst und uns immer wieder die Frage: „How did I fall in love with someone I don’t know?“. Damit thematisiert sie einen ziemlichen Klassiker aus meinen Jugendzeiten. Manchmal war ich auch so doll verknallt, dass ich ganze Gespräche mit meiner großen aber unerwiderten Liebe nur in meinem Kopf geführt habe. Und bei Faye könnte mir das auch passieren. Ja lacht ruhig!

Spätzünder

Obwohl diese Themen jetzt so gar nicht mehr meine Welt sind (weil ich jetzt alt und langweilig bin), tut es gut, mal wieder dahin zurückzukehren und diese Gefühle durch Songs wie „A Dream With a Baseball Player“ noch einmal durchzumachen. Ich denke für mich ist das ein Knackpunkt des Albums: Faye ist jung und manchmal mag sie wohl at first sight auch etwas naiv klingen. Aber sie schämt sich nicht, einfach mal zu erzählen, was sie so auf dem Herzen hat. Und das macht sie mit ihren Texten meistens ganz unmittelbar, aus dem Kontext gerissen, ohne lange Einleitung oder öde Moral zum Schluss.

Verabschiedet werden wir auf „I Know I’m Funny haha“ von einer ganz intimen Gitarrenballade im 3/4 Takt, die Faye auch nicht im Studio, sondern Zuhause am Schreibtisch aufgenommen hat. „Half Of Me“, eine Hymne für die einsamen Seelen. „Alone, alone, what could go wrong again?“ singt die Musikerin und weiß nichts mehr mit sich anzufangen. Muss schon ziemlich heftig sein die Sehnsucht, wenn sie sich außerdem fragt, was überhaupt der Sinn von allem so ist? Hier schließt sich thematisch so ein bisschen der Kreis zum ersten Stück und auch hier fühle ich mich persönlich ganz arg angesprochen (ich kann auch einfach nicht allein sein!). Richtig geil, Coming-of-Age mit Mitte/Ende 20. Danke!

„With nothing to do but thinking
I cried all the way home last week
And I felt bad for the stranger sitting next to me“

Fazit

„Vielleicht ist man auch nie zu alt für diese frischen und jugendlichen Themen?“, höre ich mich sagen und erinnere mich selbst dabei gerade stark an meine Oma. Ich weiß ich bin lustig haha. Aber komme nicht an Faye Webster ran, egal was ich mache. Und ihr müsstet sie erstmal diese krassen Tricks mit dem Yoyo performen sehen! Zum Glück gibt sie in ihren Musikvideos regelmäßig Kostsproben ihrer Kunst. Ich liebe an diesem Album, dass es so natürlich klingt, als würde sie mit ihrer Band bei mir im Wohnzimmer spielen. Und dann ist Faye Websters Stimme und ihr Südstaatendialekt natürlich absolut catchy. Die Ausstrahlung stimmt und sie präsentiert uns mit „I know I’m Funny haha“ ein selbstbewusstes Charakteralbum. Die sehr erwachsene lyrische Verarbeitung der kindlich-naiven Themen macht das Hörerlebnis spannend und lässt jeden altklugen Adult mit offener Kinnlade zurück. Von Faye Webster kann man einiges lernen!
Hat den Obamas sicherlich auch gefallen.

Fotocredit: Pooneh Ghana

Fleißige untoldency-Leser:innen, wie ihr sie natürlich alle seid, kennen ihn bereits: Newcomer Lyian. Der in Berlin lebende Künstler hat nach seiner Debütsingle „Methadon“ kürzlich seinen zweiten Song „Hollywood“ veröffentlicht. Und mit diesem zeigt Lyian, dass Genregrenzen absolut überholt sind und man sich nicht unbedingt auf einen Sound festlegen muss. Jule hat sich für euch ins musikalische Flugzeug gesetzt und lädt euch ein zu einer Geschichte, die nicht unbedingt ein Happy End erzählt – uns dafür aber auf ein Neues daran erinnert, dass Beziehungen eben nicht immer einem klassischen Modell folgen.

Schon in meiner Review zu „Methadon“ habe ich etwas über ihn erzählt, lasse mich aber nicht lumpen, das noch einmal zu tun. Lyian ist ein junger Musiker, den es, wie viele, vor einigen Jahren nach Berlin verschlagen hat. „Zu leise für die Punkband, zu queer fürs Vereinsheim“ – eine Beschreibung aus seinem Pressetext, die einfach super aussagekräftig und für viele sicher absolut nachvollziehbar ist. Julian, wie Lyian eigentlich heißt, hat in seinen jungen Jahren schon eine Menge erlebt. Und gibt es ein schöneres Ventil als Musik, um das Erlebte zu verarbeiten? Ich denke nicht.

„Du willst keine Family, ich fühls“

Schon in den ersten Sekunden von „Hollywood“ lässt sich erahnen, dass Lyian soundtechnisch eine völlig andere Seite von sich zeigt. Der 80s-Gitarrenpop aus „Methadon“ macht Platz für frische Rap-Sounds, die Hand in Hand mit catchigen Synthies den Takt vorgeben. Als die erste Strophe beginnt erinnere ich mich sofort wieder daran, was mich schon bei seiner ersten Single total abgeholt hat: Ich liiiiebe Lyians Stimme – dieses tiefe, aber gleichzeitig liebliche legt sich wohlig in meine Ohren. Ich wette übrigens, dass ich sie aus 100 Vocals sofort wiedererkennen würde. Auch seine Stimmfarbe einfach, ich lieb das.

„Hollywood“ und Lyian erzählen eine Geschichte, die sich ebenso schnell eröffnet wie der Sound. Er erzählt von einer Beziehung, die die andere Person nicht als solche betiteln wollte. Es geht jedoch weniger um nicht erwiderte Liebe als darum, dass verschiedene Menschen manchmal eben auch verschiedene Bedürfnisse haben – und dass es nicht immer einen Mittelweg gibt. Der Song fragt sich aber auch, wie man heutzutage zusammenfinden kann, wenn die Vorstellungen nicht dem „klassischen Beziehungs-Modell“ entsprechen. Wenn man eben keinen Bock auf ein Hollywood-likes Leben mit Kindern, Haus und Hund, sondern einfach nur auf den anderen Menschen hat. Im Song bleibt aber offen, ob Lyian sich tatsächlich mit der Situation arrangiert hat oder seine eigenen Wünsche bloß hintenanstellt, um der Person weiterhin nahe zu sein.

„Mir ist ganz egal wohin, aber so lang es geht mit dir
Und du sagst egal wohin, immer wird es irgendwann zu viel
Okay zu dir, hey, ok zu dir, keine Liebe, kein Ziel“

Was mir aber auch auffällt ist der Aufbau des Songs, der auch nicht unbedingt wie der eines „typischen Popsongs“ daherkommt. Lyian legt, wie für Rapsongs eher „typisch“, den Fokus mehr auf die Strophen und die Geschichte, die er darin erzählt. Die kleine Ohrwurm-Maus in mir kommt dabei zwar nicht zu 100% auf ihre Kosten, aber das wird sie verkraften. Dafür werde ich auf emotionaler Ebene in einen absoluten Sog gezogen. Glücklicherweise habe ich dieses „Hollywood“ noch nicht selbst erlebt, aber als sehr empathischer Mensch kann ich mich in den Struggle total reinversetzen.

Abschließend möchte ich noch loswerden, dass ich Lyian und seine Art, Musik zu machen, extrem spannend finde. Schon nach zwei Songs habe ich absolut Bock darauf, weitere Geschichten von ihm zu hören und zu sehen. Seine Vielseitigkeit und künstlerische Intelligenz triggert mich im positivsten Sinne. Deshalb seid euch sicher, dass ich dranbleiben und weiter berichten werde.

Checkt Lyian doch auch mal aus, solltet ihr das noch nicht getan haben. Wer Bewegtbild zu „Hollywood“ braucht, der findet hier das Musikvideo. Ansonsten auch gerne bei Spotify hoch und runter ballern – macht Bock, dafür stehe ich mit meinem Namen!

Fotocredit: Vic Harster