Kategorie: untold music

Welcome to the Madhouse

Allan Rayman macht mit seiner Musik Prosa. Er denkt sich Personen und Szenarien aus und taucht komplett in diese Figuren ein. Christian ist nicht, wie der Titel auf dem ersten Lesen vermuten lässt, religiös, sondern derName der Figur des Albums. Allan schreibt seine Musik innerhalb dieser Szenarien, die er fast zu einem eigenen Universum werden lässt. In seinen ersten zwei Alben schafft er ein Ausganssetting, in welchem sein alter Ego sich dazuentscheidet, seine Freunde und Familie zu verlassen, um sich abgeschottet der Musik hinzugeben. Er zieht sich in den Wald zurück und schreibt seine EP Courtney, das Album Nummer drei Harry Hard-On und jetzt vier mit Christian.

Mit Papa eröffnet Allan das Album und ich bin so hyped, jetzt schon. Es ist kurz, eröffnet mit Klatschen und wird dann zu einem simplen aber relativ schnellen Intro. Es ist voll mit References zu alten Alben und Geschichten und macht so klar: Christian gehört mit zum Universum Allan Rayman.

Dann kommt Madhouse. Es fängt an mit einer Art Rauschen, das einen leicht einhüllt und mit hellen Gitarrenklängen den Song einleitet. Als dieser sich dann entfaltet, ist es genau das, was ich mir erhofft habe. Seine Stimme, Leute über die Stimme habenwir noch gar nicht geredet. Allans Stimme ist so eigen und drückt mehr aus, als ich es selten von jemand anderen gehört hab. Sie ist besonders. Und in Madhouse ist es fast, als würde er uns mit ihr zu seinem Lagerfeuer im Wald führen wollen, bis wir seinen Geschichten lauschen: „Welcome to the big show, Welcome to the circus, Welcome to the madhouse“. Allan erschafft mit seinen Liedern Kulissen, benutzt das Rauschen als Wiedereinstieg nach der Bridge mit diesen hellen Gitarrenklängen, dass ich mich wirklich fühle, als würde man mich aus einem Sog hoch an die Oberfläche ziehen.

Blush, little bunny

Stitch kam schon im Juni letzten Jahres raus und greift eher den Sound vom letzten Album auf. Es ist rockiger und versprüht eine lässige, gut gelaunte Stimmung.

Dann kommt Blush. Eine Gitarre spielt ins Nichts ein paar Töne bevor eine simple Trommel sie unterstreicht und Allan mit seiner Stimme darüber tanzt. Man kann seine Stimme fast schon als eigenes Instrument bezeichnen, er weiß sie einfach zu benutzen. Das ganze Lied geht nur knapp drei Minuten und bleibt so tänzelnd simpel. Man braucht nicht immer eine riesen Produktion um Musik, meist kommt sie am besten in ihrer stripped down Version, wie sie sich der Künstler ausgedacht hat. Bei Blush kommt dann immer noch kurz eine Gitarre aus dem Off rein, die so viel Hall hat, dass ich gar nicht weiß, wie ich damit umgehen soll. Es rundet alles perfekt ab.

Blush ist zu Ende und ich habe schon wieder den Fehler gemacht und gedacht, zu wissen, was mich zu erwarten hat. Bunny fängt an und beweist mir, ich tu‘s nicht. Allan schreibt seine Songs nicht nach einer Erfolgsrezeptur, sondern jedes einzelne Lied steht für sich. Hier zum Beispiel fängt es nicht mal musikalisch an sondern mit zwölf „I love you“s in die Stille reingesprochen. Dann kommt wieder so ein leicht rockiges Riff wie in Stitch und alles hört sich leicht unharmonisch an. Während der Sound ruhig ist, sorgt der leicht im Hintergrund stehende schnelle Beat dafür, dass ich nicht zur Ruhe kommen kann. Es fühlt sich fast an wie eine Flucht oder Jagd, was es, wenn man drüber nachdenkt, wahrscheinlich auch soll, wenn er singt: „Run like bunny“. Doch Allans Kunst ist es, selbst solche unharmonisch klingende Lieder irgendwie harmonisch zu machen, dass man sie im Endeffekt immer und immer wieder hört.

Allan talks to his cigarette and I never want it to end

Next up: Pretty Please. Meiner Meinung nach, einer der besten Songs, die Allan Rayman jemals veröffentlicht hat.Das merk ich allein nur daran, dass ich seitdem es im August 2019 rausgekommen ist, jede Woche mehrmals höre und es einfach immer noch so sehr liebe wie beim ersten Mal. Es ist ein ganzer Vibe. Alles stimmt sich miteinander ab und es ist so simpel, aber Allan macht es einfach zu Gold. Mir fehlen wirklich die Worte, euch das irgendwie zu beschreiben, also hört einfach hier rein.

Obwohl ich das Lied schon so lange kenne, hör ich es mir im Laufe des Albums noch einmal an, weil wie gesagt, leichte Perfektion. Als es zu Ende ist, hab ich fast vergessen, dass jetzt Lieder kommen, die ich nicht mehr kenne. Doch dann ertönen die ersten Klänge von Talk To My Cigarette und ich bin ein bisschen sprachlos. Side note: Es ist 1 Uhr nachts als ich das Album direkt nach Release im Dunklen mit Kopfhörern höre, aber auch jetzt im Hellen hab ich das gleiche Gefühl. Dieser Song ist ein Schlafsackaus Musik. Er wickelt mich völlig ein, ohne einschläfernd ruhig zu sein, sondern einfach pure Harmonie. Seine Stimme, die manchmal noch zusätzlich aus dem Off reinschreit, die Gitarren, jeder kleine nicht ganz zu definierender Sound, alles fügt sich zusammen und ich will nicht, dass es jemals aufhört.

 

Hello To Me. Ich bitte euch wirklich, parallel dieses Album zu hören, weil langsam sind meine Worte ausgeschöpft. Allan Rayman ist eine andere League, findet völlig abseits der Musikindustrie statt und ist EINFACH SO GUT. Die immer wieder abbrechenden Drums, die leicht verspielte Gitarre und seine Stimme klingen einfach hot. There, i said it. Allans Musik hat Sexappeal.

Road Warrior ist ein Indie-Bop

Okay, den werdet ihr lieben. Road Warrior ist wieder komplett ein anderer Vibe, es ist fucking Indie. Allan kann auch Indie, aber was für einen. Er nimmt diese Indie-Gitarre, die von eurer Lieblingsband sein könnte, und macht einfach sein eigenes Ding draus. Mit sowas hätte ich wirklich nie gerechnet, für mich ist Allan ein R’n’B Genie, aber auch ich lerne aus meinen Fehlern und möchte ihn nie wieder genren (wie gendern nur mit Genre, get it). Road Warrior ist ein Sommer Song, ein sich die Sonne ins Gesicht scheinen lassen und einfach gute Laune.

Ich muss hier wirklich jeden einzelnen Song mit euch durchgehen, weil sie alle so gut sind und jeder von ihnen könnte eurer nächster Lieblingssong sein. Vielleicht ist es Chief? Es ist ein bisschen lebendiger, sogar ein bisschen groovig. Vielleicht ist es aber auch Eye To Eye, das ist ein bisschen wie Blush, nur mit weniger Lounge-Vibe. Allan tänzelt auch hier über die im Vordergrund stehende Drums. Vor allem der Anfang vom Song sticht hervor, ich bin von Sekunde eins dabei. Auch wenn es sich danach weiterentwickelt und mehrere Elemente hinzukommen, kommt es im Endeffekt immer wieder auf diese Drums vom Anfang zurück und das liebe ich.

It’s 6am and I’m still listening to this album

Das Album neigt sich dem Ende zu, aber ein Ass hat Allan noch im Ärmel: Russia klingt irgendwie tatsächlich nach einer Waldhütte im abgelegenen Russland mit Wodka und Kaviar, wie Allan singt, aber zugleich auch aufbrechend und dynamisch. Das kriegt mich zum Schluss noch einmal voll. Auch hier wieder, Gitarre mit Hall und seine Stimmeharmonisieren einfach perfekt. Es ist eine kleine Reise, bei der ich eine Stunde vor Abreise da sein will, damit ich auf jeden Fall nichts verpasse. Dieses ganze Album war eine Reise und ich weiß, ich werde mich noch so viele Male auf sie begeben dieses Jahr.

Mit 6am schließt Allan die Reise und das Album ab. Ich bin mir nicht ganz sicher, ob euch diese mit meinen Gefühlen vollgeschriebene Review überzeugt hat, in Christian reinzuhören und Allan Rayman als Künstler auf eurem Radar zu behalten oder nicht. Wenn dies noch nicht so ist, ist jetzt wirklich der allerletzte Aufruf euch dieses Album anzuhören. Und falls ihr das getan habt und euch wie ich ein bisschen (sehr) in Allan und seine Rundum-Ästhetik verliebt habt, dann geht gut mit ihm um. Er ist ein bisschen eigen und distanziert, hat sich zur Promo diesen Albums zwar zu ein paar Interview geöffnet, findet aber sonst wirklich gar nicht in der Öffentlichkeit statt, weil er das einfach nicht möchte. Er lässt lieber seine Musik für sich sprechen. Und das tut sie.

Hört euch hier Christian von Allan Rayman in Volllänge an:

Mavi Phoenix könnte einigen von euch bereits mit Aventuraoder Bite über den Radar gesprungen sein. Der Österreicher, der sich letzten Sommer als transgender identifiziert hat, war außerdem bereits 2017 mit den Jungs von Bilderibuch auf der „Magic Life“-Tour und erst Anfang diesen Jahres mit Milky Chance auf ihrer „Mind The Moon“-Tour. Mavi macht schon seitdem er 11 ist Musik, mit 13 veröffentlichte er seine ersten Songs auf MySpace. Nun hat er sich wieder ans Produzieren gemacht und gibt uns nach mehreren EPs mit dem Debütalbum Boys Toys einen Einblick in den Transformationsprozess seiner Gender-Identitätsfindung. Vom sexy Player bis zum Familienvater ist alles in Boys Toys vereint. Ich hab mich ans Werk gemacht und das für euch auseinander genommen.

ARE YOU READY?

Einleitend kann ich hier mal sagen, dass Debütalben immer eine bestimmte Art von Erwartung in mir auslösen. In Zeiten von Spotify und anderen Streaming Diensten ist das Konzept vom Album immer mehr zurückgegangen. Vor allem Newcomern stützen sich am Anfang immer mehr auf EPs und Single Releases, bevor das Konzept Album in voller Länge in Angriff genommen wird. Ich bin gespannt, wie sich das Konzept Boys Toys anhört und drücke auf Play.

Der Titelsong Boys Toys beginnt mit einem richtig gut gebauten Loop, der Mavis Autotune, für den er so bekannt ist, schon anklingen lässt. Mit tiefem Bass fängt Mavi dann an, über den vielschichtigen Beat zu rappen, aber was für ein Beat. Ich spul zurück und spiel’s direkt wieder von vorne. Beim zweiten Hören erinnert er mich ein bisschen an sein Aventura (guter Song, hört rein). Musikalisch bin ich hier also schon mal voll dabei. Es ist überhaupt nicht langweilig, sondern klingt experimentell und aufregend, als würde es uns alle mal ein bisschen aufrütteln wollen und sagen: hey, hört her, so klingt Boys Toys!!! Und wie sich herausstellt, lieg ich damit gar nicht so falsch: Mavi verrät, dass Boys Toys sein alter Ego als 10-jähriger Junge darstellt und mit dem Wissen im Kopf, hör ich auch die mit Autotune verzerrte Stimme ganz anders: Sie hört sich tatsächlich an wie ein kleiner Junge, der uns, hochmotiviert (ich fühle mich fast ein bisschen angeschrien) die ganzen Sachen zeigen will, die ihn begeistern. Mich hat er.

Der nächste Song ist die vor kurzem erst veröffentlichte Single 12 Inches, die als Selbstbewusstseins-Boost aller Trans Dudes fungiert. Es ist kein aufwendig gebauter Beat, sondern klingt ganz chillig und schiebt den Fokus mehr auf die Lyrics: Mavi erzählt uns, wie er sich eben nicht von der Reaktion seiner Eltern auf sein Outing aus dem Konzept bringen lässt. Er nutzt viel mehrdiese Energie, um sich und seinem Erscheinungsbild (check out the video here) mehr zuzusprechen. 12 Inches strahlt lyrisch als auch musikalisch einfach eine reine Coolness aus.

Zwischen Deepness und Aufbruch-Mentalität

Bullet In My Heart ist dann das, was ich mir für Choose Your Fighter gewünscht hatte. Auch wenn es nicht mehr die gleiche Thematik behandelt, hat es trotzdem einen gefühlvollen und fast schon melancholischen Vibe. Mavi hat den Song, wie alle anderen auch mit ihrem Bruder Alex the Flipper produziert, und schon letztes Jahr veröffentlicht. Es ist sehr geprägt von Mavis Gesang, was nicht zu oftpassiert. Mir gefällt’s, es nimmt die Aggressivität vom Vorgänger und bringt alles ein bisschen runter. Zum Ende hin wird es nochmal ein bisschen aufgebrochen, man spielt mit all den einzelnen musikalischen Elementen vom Song.

Eine kleine Zwischenbilanz

Player ist stripped down und noch eine Schippe ruhiger als Bullet To My Heart. Ganz anders als die Lyrics, denn hier singt Mavi über die Fantasie des Frauenaufreißers –einfach mal ein Player sein eben. Es hat ein sehr schönes und ruhiges Outro, das einen kurz in eine andere Welt mitnimmt. Man hat kurz ne Pause.

Ein Meilenstein für die Trans-Community? Sehr wahrscheinlich.

Player ist vorbei und mein Lieblingssong kommt. Strawberries ist einfach nur ein ganzer Vibe, der sich direkt an Player anfügt. Ruhig und melancholisch, mit viel Bass und Melodie, ich hör sogar ein Saxophon. „How could I be man enough for you?” fragt Mavi und ich fühl’s voll muss ich sagen. Ich kann mir gar nicht vorstellen, wie empowering das ganze Album für die Trans-Community sein muss, wenn ich es schon so fühle. Mavi spielt mit verschiedenen Stereotypen von Männlichkeit, und versucht sich selbst dabei zu finden. Das ist nie so ganz einfach, wenn man seinen Platz in der Gesellschaft als Transmann leider immer noch erkämpfen und verteidigen muss. Aber:

JUST BECAUSE MY VOICE IS HIGH DOESN’T MEAN I’M NOT A GUY

Ganz genau, Mavis Boys Toys verfremdete Kinderstimme hat Recht. Und dass er selbst mit höherer Stimme ein bomben Album bis hier hin geliefert hat, steht auch fest. Fck It Up ist ähnlich wie Choose Your Fighter voller Tatendrang, die Dinge zu verändern bzw. einfach mal ein bisschen provokativ zu rebellieren. Doch Mavi kann auch anders. In Family schafft er eine ähnliche Stimmung wie in Player aufzugreifen und dabei thematisch doch was ganz anderes zu bearbeiten. Es geht hier um die Gründung einer Familie und Mavi als Transgender Dad –wenn auch nur hypothetisch.

Post Summer und Who I Am sind definitiv beide persönlichere und ernstere Songs, die den perfekten Abschluss für das Album bilden. Vor allem Who I Am, das definitiv als Hymne durchgeht, ist ein überzeugender Abschluss des Konzept-Albums. Vibe-technisch gibt es auch hier einen fetten Daumen hoch von meiner Couch aus, aber ihr müsst es an besten mal selbst hören, um euch davon zu überzeugen, dass euch hier nicht nur irgendjemand irgendetwas erzählt. Denn auch oder gerade weil es musikalisch so unglaublich viel abdeckt, erzählt Mavi eine sehr persönliche Geschichte, der wir alle mal zuhören sollten.

Deshalb hier Mavis Debütalbum Boys Toys in voller Länge:

Wenn man einen Song das erste Mal hört und sich, noch während er läuft, in ihn verliebt, dann weiß man: Den hör ich jetzt nochmal und nochmal und nochmal. So war das bei mir und Sama Dams mit ihrer neuen Single Not Gonna Lie.

Dabei sind die ersten Sekunden gar nicht so spektakulär. Doch sobald sich die Struktur der Produktion entfaltet, bin ich hooked. Sama Dams wissen, wie man einen Song aufbaut. Die Drums erinnern mich ein bisschen anein chilliges Jazzlied, aber der verzerrte Bass und alle anderen Elemente, die sich auf einmal darauf legen, verwandeln es in eine einzigartige Indie-Rock-Nummer. Mein Tipp an dieser Stelle, einfach kurz runter scrollen, auf Play drücken und dann alles nochmal lesen. Dann macht diese Beschreibung auch Sinn.

Hier lohnt es sich auch zu sagen, dass Sama Dams ein Gesangs-Duo sind, die tatsächlich auch in einer erfolgreichen Ehe zusammen leben. Kein Wunder, die Stimmen-Harmonie der beiden ist on point. Beide verstehen es, mit ihren Stimmen den musikalischen angespannten Aufbau zu unterstützen und ihn dann energiegeladen im Refrain loszulassen. Not Gonna Lie raubt mir das Zeitgefühl und versetzt mich fast in eine andere Welt. Der Song bedient sich an allen möglichen Elementen des Jazzs, R’n’B, Indie-Rock und auch ein bisschen an der Klassik. Um die Metaphor ihres Pressetextes aufzugreifen:

„Sie kreieren dabei einen sinnlichen Musikteppich, der ganz eindeutig ihre Handschrift trägt.“

Besser hätte ich es nicht verbildlichen können. Falls ihr meinem Rat gefolgt seid und jetzt schon das Lied hört, wartet bis zum Ende, denn da wird’s tatsächlich noch einmal richtig spannend. Ich kann nicht genau sagen, was es ist, aber es hört sich an wie ein Solo eines Synthesizers? Jedenfalls haut es mich nochmal komplett vom Hocker und ich hab ein neues Lied in meiner Dauerschleife. Es ist Not Gonna Lie von Sama Dams. You’re welcome.

Guckt euch am besten auch das Video zu an, denn das scheint nochmal eine ganz andere Ebene aufzumachen: Richtige Kunst halt.

Me & The Monster sind eine vierköpfige internationale Indie-Band aus dem Beton-Dschungel Berlins. Nico, Andrea, Guilia und Niki sprechen verschiedene Sprachen und bringen verschiedene kulturelle Einflüsse mit sich und finden sich doch alle in der Musik zusammen. Anstatt sich ihre Unterschiede als Hürden zu stellen, profitieren sie aus ihnen und kreieren einen neuen Sound mit unterschiedlichsten Einflüssen. Anna hat ihre erste selftitled EP gehört und stellt euch hier das Review vor.

Der Name der Band Me & The Monster soll den modernen Menschen und seine Verbindung zu seinem Unterbewusstsein beschreiben: Das Monster, welches im Inneren eines Jeden lebt. Dieser drückt sich bei der Band in einem Mix aus elektronischen Klängen, progressiv indigen Melodien und kraftvollen Rhythmen aus.

my house is not where I am from, it is everywhere a little bit

My House ist nicht nur das erste Lied auf der selftitled EP, sondern auch die aktuelle Single der Band. Eröffnet wird es mit ausdrucksvollen Tribaldrums, die in absoluter Stille den Rhythmus des Liedes angeben. Sie hören sich an, als würden sie den Rest der Instrumente aus dem Dschungel zusammenrufen. Ich glaube, das ist eine der komischsten Metapher, die ich je aufgemacht habe, aber genau so hört es sich an. Nach nur 12 Sekunden bin ich absolut überzeugt, eine neue musikalische Entdeckung gemacht zu haben. Ich muss erstmal kurz Pause machen. Von hier an kann sich im Song noch alles tun, also versuche ich meine Erwartung, die sich selten so schnell so hoch angesetzt hat, ein bisschen zu relativieren. Aber beeindruckt bin ich schon. Ich drücke wieder auf Play.

Ein Klavier setzt ein und eine weibliche Stimme singt „Greetings, this is the jungle of my feelings“ ganz in dem von den Tribaldrums gesetzten Rhythmus. War die Dschungel Metapher also doch nicht so komisch, sondern umso zutreffender. Das bestätigt aber nicht nur mich, sondern viel mehr das musikalische Verständnis von Me & The Monster. Bevor ich mich in diese harmonische Drum + Klavier Melodie verliere, ist plötzlich ein Break. Nach gerade mal einer halben Minute verändert sich das Lied komplett: gezupfte und verspielte Gitarrentöne erklingen und geben dem Lied ein bisschen Tempo: Aus dem experimentellen Intro entwickelt sich in absoluter Indie-Song.Der darauffolgende Refrain greift die Drums aus dem Intro wieder auf und kombiniert diese mit den Instrumenten der Strophe. My House hört ruhig wieder auf, ich bleibe ein bisschen überrumpelt zurück.

i won’t quit fighting

The Shadow beginnt und es ist das komplette Gegenteil vom ersten Song. Anstatt sich leicht aufzubauen, werde ich direkt in den Refrains geworfen. Alles ist lebendig, gut gelaunt und wird nicht mehr so ernst genommen. Eine ohrwurmverdächtige Catch Phrase ertönt und nach dem zweiten Mal erwische ich mich schon beim Mitsingen: ♫Ringe-Ding-Ding-Ding-Dong♫. Wie ein gut komponierter Indie-Song, klingt die Catch Phase des Refrains aus und die ruhige Strophe leitet uns ein Stück weiter hinein. Die Leadsängerin wird unterstützt von einer männlichen Stimme und ich kann nicht anders als mich an Of Monsters And Men erinnert zu fühlen. Nicht nur der Bandname, als auch das Harmonie-Konzept der sowohl weiblichen als auch männlichen Leadstimmen erinnern mich an die Indie-Band aus Island.

Das ändert aber nichts daran, dass ich absolut wieder am Mitsingen bin, sobald der Refrain die Ruhe der Strophe aufbricht. Man hört eine E-Gitarre, die kurze Zeit später in den Vordergrund tritt, und auch hier haben mich Me & The Monster wieder gekriegt. Nichts bringt mich schneller dazu, einen Song zu lieben, als eine Gitarre, die einen mit ihrer hohen Melodie praktisch in ihren Bann zu ziehen scheint. Danach wird The Shadow auch nicht langweilig, sondern lebt von einer Variation vorheriger Elemente. Das Ringe-Ding-Ding-Ding-Dong gibt dem Lied einen leicht poppigen Dreh und ich könnte schwören, ich höre manchmal sogar ein kleines Pfeifen im Refrain. Alles in allem, ein absolut empfehlenswerter Song.

take me to the days of when this place felt like home.

Der dritte Song auf der selftitled EP heißt Hereund beginnt mit ruhigen Klängen, in deren Hintergrund ein Naturrauschen zu hören ist. Es klingt ein bisschen wie in einer ruhigen Therme, einfach absolute Entspannung.Leichte Drums geben einen Rhythmus vor, Gitarre und Stimmen harmonisieren und tragen mich über die erste Strophe hinweg. Ich find’s mega schön. Dann baut sich das Lied plötzlich ein bisschen auf, die Stimmen werden nachdrucksvoller und kräftiger. Me & The Monster nehmen die Atmosphäre, die sie im ersten Teil aufgebaut haben und bauschen sie auf. Mir gefällt, wie hier alles trotzdem noch zusammenhängend erscheint und ich mich nicht der sanften Tönen beraubt fühle.

Dem Outro entgegen singen Sänger und Sängerin ihre Lines im Echo versetzt und kreieren so nochmal eine weitere Tiefe des Songs. Auch hier ist es von Anfang bis Ende eine reine Musik-Empfehlung.

give me fire, bring me fire

Give Me Fire war die erste Single Auskopplung der EP und beginnt mit sanften Tönen aus dem Synti bevor der Bass mit so viel Wucht einsetzt, dass ich mir jetzt schon denke, was ein geiler Song. Es ist manchmal echt simpel, mich zu begeistern. In diesem Fall hat es genau 24 Sekunden gedauert. Der Song bleibt ruhig, instrumentell passiert nicht viel. Es gibt auch keinen Break zum ersten Refrain, die Hauptstruktur kommt von dem basslastigen Drums, die mich wieder an die Tribaldrums aus dem ersten Lied My House erinnern. Selbst beschreiben Me & The Monster Give Me Fire als einen Song, der vor allem live besonders schön zu spielen ist, da die ruhige Melodie zum Mitsingen einlädt. Laut eigenen Aussagen ist es musikalisch eine Mischung aus der norwegischen Aurora und dem amerikanischen Bon Iver und da kann ich nur zustimmen.

Der Song ist die Suche nach Licht an dunklen Tagen, ein Hilferuf, wenn man alleine nicht mehr herausfindet. Und tatsächlich lässt mich Give Me Fire ein bisschen verloren fühlen, aber keinesfalls hoffnungslos. Es ist definitiv einer der ruhigeren Songs der Platte, aber absolut kein langweiliger.

don’t lose your colours

Den Abschluss der EP bildet Colours und auch hier wieder ein s/o an Me & The Monster. Der Song öffnet sich so harmonisch und catchy, dass ich mir direkt wieder klar ist: ich habe tatsächlich eine kleine neue Lieblingsband entdeckt. Das passiert nicht oft, dass man sich Hals über Kopf in eine gesamte EP verliebt, meistens ist es immer nur ein oder zwei Songs, von denen man total angetan ist. Bei Me & The Monster muss ich aber wirklich sagen, sie haben mich mit diesem Release komplett überzeugt. Während ich so darüber nachdenke, läuft Colours weiter. Die Stimmenharmonie der beiden gefällt mir immer mehr. Sie tragen mich durch den Song und spielen auch hier wieder mit vielen verschiedenen Elementen. Am besten gefällt mir die Bridge, die eine ruhige Gitarrenmelodie mit Wellengeräuschen im Hintergrund kombiniert. Es ist fast das Ende der EP und weiß, was noch kommen wird. Me & The Monster lassen den Song wieder aufbauen und geben ihm den Freiraum sich erneut selbst zu entfalten. Colours klingt ein bisschen nach dem Festhalten an sich selbst, nach Identitätsfindung und nach Überlebenswillen. Es fügt sich perfekt in den Mix aus ruhigem, energiereichen und deepen Indie-Tracks der EP ein. Für mich der ideale Abschluss einer abwechslungsreichen Reise nach mir selbst und dem Monster in mir.

Für eine visuelle Vorstellung von Me & The Monster hier das offizielle Live-Video von My House: