Kategorie: untold music

Fragile Masculinity is ruining society

Cavetown als männlicher Gegenpart

Cavetown übernimmt mit seinem Feature den Part des Jungen und rechtfertigt seine Ausbrüche dem Mädchen gegenüber, welches man hier annehmen kann, Brye ist.

“Too proud to show I’ hurting

Pushit on you ‘til you’re burning

That’s the only thing that I know how to do.”

Ich könnte hier wirklich Seiten darüber schreiben, wie wichtig solche Aussagen sind. Cavetown (übrigens auch erst 21) übernimmt die Narrative des Jungen mit der toxischen Maskulinität. Man wächst nicht nur als Mädchen in eine geschlechtertrennte Gesellschaft auf, in der man sich zurechtfinden muss, sondern auch als Junge. Auch wenn die Ungleichheiten nicht in ihrem Nachteil aufgebaut sind, so herrscht doch eine immense Menge an Druck, denen sich aufwachsende Jungen stellen müssen. Sätze wie „Sei ein Mann!“ oder „Boys will be Boys“ sind zwar uralt und werden immer mehr kritisch beäugt, sind jedoch die Hauptursache für das toxische Verhältnis zur eigenen Männlichkeit. Jule hat sich in der Review von Neeve’s „Bye Bye“ auch darüber aufgeregt und ich befinde mich hier in genau derselben Situation. Deshalb kürz ich das hier ab, falls jemand Interesse an meiner Bachelorarbeit hat (Die Konstruktion von Männlichkeit bei Jugendlichen + Deutschrap Bezug) holla @me (zb auf Insta).

Fazit: Hört diesen Song.

Fazit meines kleinen Ausbruchs: Lemons ist nicht nur thematisch ein unglaublich guter Song, sondern auch musikalisch etwas anderes zum überladenen Musikmarkt, der daran erinnert, dass weniger manchmal deutlich mehr ist. Und ja, es hat Ohrwurmpotential. Hab’s ausgetestet und laufe seit einem Tagdamit rum. Bin sehr happy

Der Sommer ist noch nicht vorbei und ehrliche Indie-Musik noch am voll am Leben. Wir präsentieren euch eine astreine Single-Empfehlung am Donnerstag: Bilbao und „Lobster“.

Bilbao sind die vier Jungs Jannes, Jan, Robin und Max. Auch wenn jeder von ihnen schon länger im Musikbusiness unterwegs ist, haben sie sich jetzt zu der Newcomer Indie-Band Bilbao zusammengeschlossen. Die ersten beide Singles Lifted und Tired Awake haben bereits auf die vier Multiinstrumentalisten aufmerksam gemacht, aber mit ihrer neusten Single Lobster haben sie michauf einmal 100% am Haken.

Schock-Verlieben in 1,2, …

These von mir: Ihr könnt den Song eigentlich nicht hören, ohne euch schon in den ersten Sekunden ein bisschen schock zu verlieben. Ich kenne wenige Songs, die schon in den ersten Sekunden so catchy sindwie dieser hier. Vertraut mir einfach mal:

Die Liedmelodie ist on point, ganz leichte Percussions und eine E-Gitarre mit nur angespielten Akkorden machen den Einstieg in Lobster perfekt: Ich hab wieder Bock auf Sommer. Und Cocktails. Und kein Corona. Dann steigt das Schlagzeug ein und ein paar Snythis, aber alles so subtil, dass die Sommer-Cocktail-Stimmung erhalten bleibt. Und auf einmal sind wir schon im Refrain, der ganz anders klingt als erwartet, aber vielleicht gerade deshalb so gut ist. Die Gute-Laune Energie aus der Strophe wird hier super komprimiert, kommt mit wenig Text aus und erinnert mich ein bisschen an das entfernte Gefühl von Live-Konzerten. Doch bevor ich mich darin verlieren, klickt der Song zurück in die Strophe, und ich höre zum ersten Mal bewusst auf den Text (vor lauter Begeisterung konnt ich das beim ersten Mal gar nicht).

„Obsession. Think I’ll need a priest for a confession. Think that I’m in love with fucking amazon, think I sold my sister just to let the money run.”

Thematisch sollte jetzt schon durchschimmern, worum es geht: eine Kapitalismuskritik in seinem 21. Jahrhundert-Ursprung. Bilbao erinnern uns daran, dass es sehr gefährlich ist, immer mehr zu wollen und den Bezug zur Realität zu verlieren.

Guckt euch zur visiuellen Unterstreichung auch das obige Video noch einmal an. Ich kann es jedem nur sehr ans Herz legen: es ist einfach unterhaltsam. Ich bin aus einem ästhetischen Grund sehr angetan von der visuellen Umsetzung vor dem orangen Hintergrund, der ohne Ablenkung auf das Geschehen im Zentrum weist. Die Bilbao-Jungs als sympathische Köche richten Gericht nach Gericht an für den Gast, der nie genug zu haben scheint. Spoiler: Er erstickt.

Trotz dieser leicht düsteren Note und der Erinnerung, dass wir alle unser Konsumverhalten stark überdenken müssen, ein paar letzte Worte von Bilbao selbst: „Lobster ist ein typischer Tanz-Song, der sommerliche Gefühle weckt und erst auf den zweiten Blick erkennen lässt, dass man Glück nicht kaufen kann“.

Death Cab for Cutie Fans aufgepasst: Dieser Song könnte was für euch sein. Margot Polo aus Kalifornien hat mit „This Old Thing“ einen Song hervorgezaubert, der nicht nur für ihn persönlich sehr wichtig ist, sondern auch mich so begeistert hat, dass ich das hier mit euch teilen möchte.

Margot Polo ist das Solo-Projekt des Kaliforniers David Provenzano. Mitte August hat er seine neue Single This Old Thing veröffentlicht, welche mich bereits beim ersten Hören so überzeugt hat, dass ich sie vielleicht oder auch nicht vielleicht seitdem immer wieder höre. Es ist vom ersten Klang der tiefen Gitarre an eine emotionale Indie-Ballade vom Feinsten. Ihr werdet merken, der Vergleich mit Death Cab for Cutie ist gar nicht so weit hergeholt. Margots Stimme ist sowohl klar als auch beruhigend und hüllt mich ehrlich gesagt direkt ein kleines bisschen ein. In diesem Song fühl ich mich wohl. This Old Thing ist auch gar nicht so langsam, wie man bei einer Ballade vielleicht denken würde, sondern im Gegenteil, der rhythmische Beat gibt eine klare Linie an und lässt einen sogar anerkennend mitnicken.

This Old Thing ist einfach gut –kein Hype, keine zu große Melancholie. Das Rezept sind einfach ehrliche, ambientische elektrische Gitarren, eine dezente Untermalung mit dem Piano und ein bisschen subtiler Synth zum Optimieren. All das kombiniert mit Margot Polos Stimme macht This Old Thing zu einer klassischen Song-Empfehlung á la Untoldency. Wenn ihr bis jetzt noch nicht reingehört habt, solltet ihr das nun aber wirklich tun. Hier:

Es geht um den Versuch, etwas einmal Wichtiges und Zerbrechliches zu retten, wie eine Beziehung, einen Traum oder den Glauben an etwas. Für Margot selbst steht der Song für seine Liebe ans Songwriting, etwas zu schaffen, was ehrlich und offen ist. This Old Thing ist jetzt sein Versuch, wieder zurück zum Ursprung zu kommen, nur er und seine Gitarre. Und das klappt hervorragend. Mir hat es jedenfalls sehr gefallen und ich hoffe, euch gefällt es vielleicht auch,

Wir sind wieder im Indie-Pop unterwegs, der vielleicht schönsten Art von Pop. Mit einer sanften Stimme, eingängiger Chorus-Melodie, leichten Indie-Gitarren und trotzdem tiefer Bedeutung. Das alles ist „Somebody“von OSKA.

Hinter OSKA steckt die 23-Jährige Newcomerin Maria aus Österreich, die warmherzige Geschichten in einfach nur schöne Lieder verpackt. Von irischen Folk-Balladen, die ihre Mutter gerne hörte, beeinflusst, schreibt sie fröhliche Lieder mit ernsten Themen und immer einer leichten Brise Melancholie. Perfekte Mischung, wenn ihr mich fragt. Somebody fängt an mit ein paar simplen Chords, die dann aber ganz schnell Platz machen für gezupfte Melodien, die die erste Strophe einleiten und mich auch direkt melodisch mitschwingen lassen. Es mag einfach wirken, aber die Kombi aus OSKAS angenehmer Stimme und nach Sommer klingenden Gitarrentönen kriegt mich ziemlich schnell. Man merkt, dass hier jemand mit Erfahrung (oder gutem Riecher) an der Produktion beteiligt war: ganz leichte Percussions und sogar mehrere Back-Up Vocals bauen die Spannung für den Refrain auf. Ohne dass ich es merke, schleichen sich sogar kleine Klaviertöne mit hinein. Hier ist wirklich alles am Start, was eineneingängigen Indie-Pop Sommer-Song ausmacht.

„I wonder if you are my somebody and if you can see someone in me. Or are you in love with a fantasy to be someone for somebody”

Geheimtipp mit Ohrwurmpotential (und schönem Video!)

Ich versprech euch, am Ende des Songs habt ihr einen Ohrwurm von genau dieser Stelle und ihr werdet es auch nicht bereuen. Somebody hat nicht nur das Potential, in eurem Lieblingsradio auf und ab zu spielen (@FluxFm what’s up), sondern auch euer kleiner Geheimtipp für den Picknick-Ausflug mit Freunden zu werden. Alles an Somebody fühlt sich an, als würde man ohne die alltäglichen Sorgen, die einen runterziehen, einfach frei schweben. Setzt euch auf euren Balkon, in euren Garten oder einfach in die Sbahn, schließt die Augen, ein bisschen Sonne schadet nicht, und lasst OSKA und Somebodyin eure Herzen.

Kurzer Exkurs am Ende zu sowohl inhaltlicher Bedeutung als auch dem Musikvideo, welches sich absolut lohnt anzugucken. OSKA selbst beschreibt die Bedeutung des Songs so: „Du weißt nicht, ob der andere tatsächlich dich mag oder nur einer Idee hinterjagt, die er von dir hat“. Diese Unsicherheit in einer Beziehung existiert vor allem am Anfang und drückt sich in einer Weise in ihrem Musikvideo aus, von der ihr euch nur selbst überzeugen könnt:

Düstere Gitarren treffen auf tiefe 808s und Synthesizer: So klingt „Lights Out“, die neue Single des Pop-Duos The King Of Cons aus München. Sagt euch noch nicht so ganz was? Hört einfach rein, denn wir haben nicht nur die Review, sondern auch eine kleine Videoanalyse direkt hier bei Untoldency.

808s pumpen in einer düsteren Bar –ob das gut geht?

Zuerst das Setting. In den ersten 40 Sekunden wird sich nur auf dieses konzentriert, auf den eigentlichen Song fiebert man hin, ohne ihn zu hören. Stattdessen befinden wir uns in einer Kneipe, hören ein tiefes Brummen und die Kulissengeräusche verstärkt. Ob das Klopfen einer Zigarette, das Herumstochern in einer Nussschale auf der Bar oder das Schlürfen eines Whiskeys, alles klingt unfassbar laut in dieser brummenden Stille. Selbst eine Fliege kann man hören. Zusammen kreiert es eine fast anzufassende Spannung, die erst aufgelöst wird, als eine Frau mit einem Kassettenrekorder die Bar betritt und auf Play drückt.

Ich denke, der Song geht los und die Szenerie in der Kneipe wird lebendig, doch ich bin nur halb richtig. Der Song geht tatsächlich los, doch statt der Kneipe beobachte ich ein Fotosetting zweier Typen, die, absolut richtig, das The King Of Cons-Duo sind. Lights Out fängt ruhig an, das Video wechselt wieder zu Kneipe und der Leadsänger an der Bar fängt an zu singen. Und damn, er singt hoch. Ich muss ehrlich zugeben, dass ich das nicht so erwartet hätte, aber ich bin jetzt fast umso gespannter wie sich der Song entwickelt.

Hallende Gitarrenklänge und leichte Beat-Akzente sagen eindeutig: Warte ab, das ist ein sich aufbauender Pop-Song. Doch auch hier werde ich wieder überrascht. Der Chorus ist kein Pop-Chorus aus dem Radio, sondern schlägt die Richtung in deepen Indie-Pop –und das find ich wirklich gut. Die Gitarren stoßen auf Synthesizer und alles wird mit einem Schlag sehr düster. Die Leute in der Bar fangen an sich zu bewegen, auch wenn ich nicht so weit gehen würde, um es tanzen zu nennen. Es ist eher so ein leicht beunruhigendes Schaukeln, was den bevorstehenden Wendepunkt anzukündigen scheint. Denn jetzt wird videomäßig schon ziemlich skurril.

Okay, es ist ein Horrorfilm

Birdmask veröffentlichte Anfang Juni seine neue Single „Set Me On Fire“ und seitdem läuft sie bei mir auf Repeat. Nun kam auch das Musikvideo dazu und warum es den Song noch einmal auf eine neue Stufe von künstlerischer Excellenz hebt, lest ihr genau hier.

Birdmask ist der Schweizer Mulitinstrumentalist Manuel Gagneux, der schon durch Projekte wie Zeal & Ardor bekannt ist. Mit Set Me On Fire ist er wieder zu seiner kreativen und musikalischen Basis zurück, und jeder, der ein Fan von Hozier und Take Me To Church ist (zu Recht), sollte hier auf jeden Fall reinhören.

„Don’t stare into the flames“

Lyrisch ist das Lied sehr dark, aber das lässt der Titel ja schon vermuten. Es geht um die eigenen schuldbehafteten Sehnsüchte und irgendwie auch um das innere masochistische Verlangen der eigenen Auslöschung – wordplay intended. Set me on fire and look another way. Don’t stare into the flames, ‘cause as long as I burn, I‘ll keep us warm. Alrighty.

Musikalisch ist Set Me On Fire aber wirklich unglaublich gut. Birdmasks Stimme ist sanft und klar zugleich und leitet uns vorsichtig in die erste Strophe. Doch sobald die rhythmischen Drums zum Refrain einsteigen, bekommt der ganze Song eine komplett andere Energie. Man kann die Qualen schon fast wahrnehmen, während sich das Lied immer und immer weiter aufbaut und das fast nur durch die soulige Stimme von Manuel Gagneux, die von einem Chor aus Harmonien und einer Kirchenorgel unterstützt wird. Der Vergleich zu Take Me To Church ist tatsächlich nicht so weit weg wie gedacht. Immer wieder bekommt das Lied energetische Schübe, um dann fast schon leicht auszuklingen. Es nicht unbedingt ein typischer Pop-Song, so richtig Indie ist es auch nicht, aber irgendwo dazwischen ist versteckt sich Set Me On Fire und holt mich einfach richtig ab.

Das Outro bekommt mich dann tatsächlich nochmal völlig neu, fast zehn Mal wiederholt Birdmask wie hypnotisiert die Zeile Burn me for goodness sake und obwohl das inhaltlich nach wie vor sehr düster scheint, ist es der perfekte theatralische Schluss zu einem packenden, theatralischen Song.

Ausdruckstanz ist underrated

Und jetzt: das Video. Dazu ließ sich Birdmask den gesamten Song in einem Ausdruckstanz visualisieren. Tänzer Luke Birch gibt sein ganzes Herz in die Choreographie, die emotional und zerrissen ist. Das ganze Video ist in schwarz-weiß gehalten, Kunstfanatiker wissen, wie viel Potential für eine Analyse hier drin steckt. Die erspar ich euch hier mal, aber die düstere und innerlich zerrissene Leidenschaft wird dadurch auf eine ganz andere Weise spürbar. Und die eigene Kunst, in Form von Musik oder Tanz, anderen Leuten spürbar zu machen, ist doch eigentlich das Ziel.

Abschließend kann ich euch die Single nur sehr empfehlen und hoffen, dass sie euch genauso packt wie mich.

Does Your Brain Ever Get This Loud?

Can someone show me how to kill self doubt ‘cause I’m 25 and can’t work it out.

“Squeeze my hand when you’ve had enough”

I hang out the washing, I’m not what she wanted. I’m folding the laundry, was my bed too hard for you, after all?

“We can make it better”

Der nächste Song heißt Intermission und ist mein absoluter Lieblingssong auf dem ganzen Album. Hier ist er für euch verlinkt, damit ihr ihn wie ich auf Dauerschleife hören könnt. Während ich das schreibe, höre ich ihn gerade zum dritten Mal nacheinander und mein Fazit: er ist einfach viel zu kurz. Mit knapp zweieinhalb Minuten gibt mir St. South gar keine Chance als immer und immer wieder auf Replay zu drücken. Intermission ist nicht komplex oder pompös, sondern wie eine Schlafdecke, die sich aus mehreren Stimmen Samples zusammensetzt, mich einwickelt und alles andere ausblendet. Die Lyrics sind die kürzesten auf dem ganzen Album, hauptsächlich besteht es aus übereinander gelegten und versetzten Loops von „we can make it better, again“. Die leichten Geigen bringen dann noch ein bisschen Dramatik dazu und ich treibe endgültig davon.

 

Nachdem ich mich gerade komplett in Intermission verloren habe, geht es jetzt weiter mit I’m Still Me. Es greift den vorherigen Vibe direkt auf, ist aber wieder ein „richtiger“ Song mit Strophen und Chorus. Inhaltlich geht es um den Verlust einer geliebten Person und die Depression, in die man dadurch verfällt. Man ist während eines Break Ups meistens am härtesten zu sich selbst und das ist mental gar nicht so gesund. Dieses Gefühl greift St. South auch in A Little Alive auf. Während die erste Hälfte noch sehr niedergeschlafen und hoffnungslos wirkt, ist die zweite Hälfte des Songs, den Olivia auch mit mehreren Monaten Pause geschrieben hat, wütender und verständnisloser. Doch die Wut ist gut, denn dadurch fühlt man sich nicht nur ein bisschen mehr am Leben aber man ist auch einen Schritt weiter im Verarbeiten, was eigentlich geschehen ist. Und fühlt sich A Little Alive.

You Loved Me Yesterday

Es sind die letzten zwei Songs und mein frühzeitiges Feedback – Get Well Soon ist ein verdammt gutes Album, und es ist sogar noch besser, wenn man ein bisschen down ist. Das ist jetzt einfach mein Geheimtipp an euch für die Zeiten, von denen man ungern online vielen fremden Menschen erzählt, die aber trotzdem jedem von uns passieren. In Can I Come Over singt St. South von dem starken Band zwischen Freunden, die für einen da sind, auch wenn man es eigentlich gar nicht will. Doch Trauer und auch Depressionen sind nichts, für das man sich schämen sollte. Ganz im Gegenteil. Jeder hat sich schon mal so gefühlt, und auch wenn das alles absolut individuelle Erfahrungen sind, sollten wir mehr darüber reden.

 

You need to know that you’re strong, that you’re loved by someone.

Der letzte Song auf dem Album ist You Loved Me Yesterday. St. South hat ihn einen Tag nach dem Break Up geschrieben. Er ist sehr emotional und verletzlich und stimmt auch mich nochmal ein bisschen trauriger. You Loved Me Yesterday handelt aber auch von der Hoffnungslosigkeit und Resignation, die eintritt, wenn man akzeptiert, dass es sich jetzt einfach eine Weile so anfühlen wird, bis es besser wird. Es klingt aus mit zweieinhalb Minuten eines echt schönen und ruhigen Saxophon-Solos.

Die Message hinter Get Well Soon: Es ist in Ordnung, sich gleichzeitig gut und schlecht zu fühlen. Die Verarbeitung der Gefühle nach einem emotionalen Trauma, was ein Break Up absolut sein kann, ist vielschichtig und komplex. In den Worten von St. South selbst, ist Get Well Soon nicht nur ein Trennungsalbum, sondern viel mehr ein „self-care album –a soundtrack to self-empowerment“. Und diesem kann ich nur zustimmen. Get Well Soon ist kein Heul-Album von Anfang bis Ende, sondern im Gegensatz, es ist so vielschichtig und so kreativ produziert, dass es an Teilen fast eher beruhigt statt runterzieht. Musikalisch ist es auf jeden Fall absolut hörenswert und ich kann es euch allen nur ans Herz legen –gerade wenn ihr euch inhaltlich damit identifizieren könnt.

Fotocredit geht raus an: Liam Gillie