Vor etwas mehr als einem Monat hat Dayglow sein neues Album People In Motion veröffentlicht und verbreitet damit wieder mit einer Leichtigkeit gute Laune und Ohrwürmer. Musikalisch und klanglich knüpft er an seinem letzten Album Harmony House an, über das ich letztes Jahr bereits einen Artikel geschrieben habe, den ihr hier lesen könnt. Mit vielen Synthies und catchy Melodien hat Sloan, der hinter Dayglow steckt, seinen Sound gefunden. Wir haben mit ihm gesprochen und er verrät uns in dem Gespräch, wieso er gerne alleine an seinen musiklaischen Projekten arbeitet und was ihn selbst inspiriert.
Dayglow im Interview
Franzi: First things first, congrats to your new album! How does it feel putting new music out in the world and what reactions did you get so far?
Sloan: It’s been so exciting and refreshing. This is actually kind of my first “proper” release where I get to tour the music as people get familiar with the songs. It’s been super cool to see people react to it in real-time. I feel like I made something that really matters and I feel really proud of this record.
Franzi: Your music is often about everyday situations and feelings, also on your new album People in Motion. Do you use your music to express the topics that also occupy you, or can you simply empathize well with situations?
Sloan: It’s a fair share of both! I’m hyper-sensitive and very self aware, so I tend to over-exaggerate feelings inwardly. I think that helps fuel my songwriting and inspires me to expand on the mundane. Mostly I feel like my songs are personal feelings that I have, but sometimes it’s inspired by a conversation I overheard or just a general feeling towards the world/society at large.
Franzi: Is it important to you that your albums are understood as a concept and heard as a whole, or how is your own claim about that?
Sloan: I love when records are cohesive. I want to always pay as much attention as I can to every song that I release, and make every album feel like a new chapter is written in the book of Dayglow. It’s an unarguable fact that very few people listen to records entirely anymore, so I have to just accept that haha. But as far as me making the art, I want my records to feel full and have at least one song that anyone could enjoy.
Franzi: On your last album Harmony House I think I heard a recurring melody in the songs Something, Into Blue, Moving Out and Like Ivy. Did you hide such little Easter Eggs again on People in Motion or was that just a coincidence on the last album?
Sloan: For Harmony House, that was very intentional. The idea behind that record was to create the soundtrack to a sitcom that doesn’t exist– it was very much an artistic statement. For People in Motion, there isn’t as directly of an emotional tie between the songs, yet there are instruments and production tricks that I used throughout the record to make the album still feel cohesive. I wanted People in Motion to feel like a broader, bigger world, so I tried to have each song contain its own voice.
Franzi: You conceive, write, play and produce your music completely by yourself – Are you generally just more of a loner in your work or have you not yet found the right opportunity or people?
Sloan: I’m just a very specific artist and my vision is usually pretty clear of what I want to do. I find it easiest and most fulfilling if my vision can be executed as closely as I dreamed of it. I love people and I love to work with people on tour and performing live, but as far as creating the art, I think it just generally makes most sense if something comes directly from one source. That’s the purest form of expression in my opinion!
Franzi: Unfortunately, I don’t play music myself, but I find your “How I Made”-Videos super exciting and I really enjoy watching them. Will there also be a “How I Made”-Video for your new album?
Sloan: Yes I definitely plan on it! I absolutely love sharing all my secrets and just showing people how I make everything. That’s another special aspect of working alone – I can talk in specific detail as of why everything exists in the music!
Franzi: Speaking of How I Made, would you like to take us into the process of creating new songs a little? What inspires you? What do you start with: Melody or lyrics? Or is it different every time?
Sloan: It tends to be musical and melodic first. Melody seems to be the best way for me to translate emotion. I usually follow the music with lyrics that suit the feeling the music is expressing.
Franzi: Are there also certain musical role models for you?
Sloan: I love the band Phoenix, Tame Impala is a huge inspiration to me. One of my favorite musicians and writers is Paul Simon, so I love that era of music as well. So many great musicians… too many to count!
Franzi: What else gets you in motion – besides music and making music, of course – yourself?
Sloan: I personally just love spending time outside! Being in the sun and relaxing outdoors is one of my favorite things to do – it always feels like I can’t get enough!
Franzi: I always find it incredibly interesting what musicians themselves listen to. What are your three favorite songs or albums right now?
Sloan: Wow this is a tough one. If I have to condense it, I’d say
Expert in a Dying Field – The Beths
McCartney II – Paul McCartney
Graceland – Paul Simon
Franzi: The last question is our, or rather your, untold story. What story/anecdote/fun fact have you never shared in an interview, but would like to do so here?
Sloan: I’d have to think about this one, I can’t seem to think of anything too interesting about me right now!
I’m currently writing this interview in the greenroom at a venue in Indianapolis, Indiana doing some laundry. I love housekeeping work and keeping things organized, baby!
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Die Brüder Leo und Jonas machen seit ihrer Kindheit gemeinsam Musik und seit Ende 2018 auch ganz offiziell als Duo Ottolien – das ist übrigens der Nachname. Ehrliche Texte mit fast poetischen Anmutungen sind das Fachgebiet der beiden. Besonders interessant wird es durch den Mix aus Leos weicher Singer/Songwriter-Stimme und Jonas’ Rap-Parts — eine Energie, die man sonst eher selten findet.
Ich habe Leonard und Jonas Ottolien zum Interview getroffen. Nach einem wunderschön anstrengendem Festivalwochenende auf dem KiezKultur in Hannover sitzen wir am Sonntagnachmittag noch etwas verkatert und körperlich mitgenommen bei einer Fritz Kola im Biergarten Gretchen. Wir reden über die musikalische Kindheit der beiden Brüder, die Entstehung ihrer Songs, Fetzenfische und was diese Tiere mit den Ottolien zu tun haben.
Ottolien im Interview
Anna: Hallo ihr beiden! Schön, dass ihr euch heute die Zeit für das Interview nehmt. Ich hoffe ihr seid nicht mehr zu mitgenommen vom Festivalwochenende. Ich bin auf jeden Fall noch recht überwältigt von den ganzen Eindrücken. Aber es soll ja jetzt um euch und eure Musik gehen. Wir kennen uns zwar schon, aber mögt ihr euch noch einmal vorstellen?
Leo: Ja, klar, voll gerne! Wir sind die Ottolien– das ist unser Nachname. Wir sind Brüder. Ich bin Leo.
Jonas: Ich bin Jonas.
Leo: Unsere Musik ist eine Mischung aus Indie, Pop und Rap, wo wir beide quasi als Lead, Jonas als Rapper und Sänger und ich als Sänger fungieren. Also, beide stehen vorne und singen in Parts. Wir kommen aus Hannover und haben gerade unsere zweite EP released.
Das Buch zur Band: „Wir tun uns so gut (weh)“ – demnächst in der untold Buchhandlung eures Vertrauens
Anna: Wenn eure Musik ein Buch wäre, welchen Titel hätte das Buch?
Leo: Oha, das ist ja direkt eine schwierige Frage am Anfang … (überlegt sehr lange) Vielleicht so in die Richtung „Wir tun uns so gut (weh)“.
Jonas: Ja, irgendwie so dieses Brüder-Ding auf jeden Fall.
Leo: Ok, gehen wir erstmal vom Cover des Buches aus. Da haben wir eine genauere Vorstellung, weil wir in einem Video letztens eine Einstellung gefunden, wo wir dachten, dass es voll das gute Cover ist. Da stehen wir uns gegenüber, aber eine Säule ist zwischen uns und wir nehmen uns in den Arm. Die Säule ist quasi zwischen unseren Gesichtern. Wir sehen uns nicht, haben uns aber trotzdem im Arm. Beim Titel würde ich jetzt erstmal bei „Wir tun uns so gut (weh)“ bleiben. Es ist jetzt natürlich nicht die Musik selber, sondern eher auf uns als Brüder bezogen.
Jonas: Ich finde das passt schon sehr gut dazu, wie wir uns als Band fühlen. Aber jetzt nicht so direkt auf die Musik bezogen.
Anna: Ihr könnt ja auch zwei Bücher rausbringen.
Leo: Auch eine Idee, aber ich habe als erstes gedacht, dass es ein Buch ist, dass von hinten und vorne gelesen werden kann. So ein Wendebuch quasi und dann auf den Aspekt eingehen, dass es zwei Seiten hat. Man neigt dazu es so plump auszudrücken. (damit wirkt er noch sichtlich unzufrieden und überlegt lange weiter) Jon, von dir kommt ja gar nichts!
Jonas: Ja, ich habe irgendwie auch nicht so die Idee. Das ist schonmal ein top Ansatz, aber der Titel fehlt mir auch.
Anna: Wenn euch im Laufe des Gesprächs noch ein anderer Titel einfällt, werft ihn einfach rein. Gehen wir jetzt erst einmal ein bisschen zurück in der Zeit, und zwar in eure Kindheit. Habt ihr auch schon als Kinder zusammen Musik gemacht? Liegt es bei euch in der Familie?
Jonas: Wir haben tatsächlich schon als Kinder zusammen Musik gemacht. Wir haben ganz früh angefangen. Ich glaube, Leo war sieben und ich war fünf. Da haben wir angefangen mit Gitarre spielen. Wir hatten einen sehr coolen Gitarrenlehrer. Das war damals ein 19-jähriger Metal-Typ mit langen Haaren und Metallica Shirt, der uns nicht irgendwie die Noten vor die Augen gelegt hat und gesagt hat, dass wir die auswendig lernen sollen. Wir haben irgendwie direkt angefangen Songs zu schreiben und mit dem Würfel Akkord-Reihenfolgen zu würfeln. Dann hatten wir super schnell unseren ersten Song geschrieben. Wir haben dann auch zusammen für Familie und Freunde was vorgespielt. Also irgendwie schon voll früh so kleine Mini Gigs gehabt.
Leo: Und dann aber auch vor richtigen Publikum sehr schnell. Wir waren schon so als Singer Songwriter Duo unterwegs und haben da auch so Songwriting- und Kompositions-Wettbewerbe mitgemacht. Das war das „Treffen junge Musikszene“. Und das war so die große weite Welt für uns mit zwölf und zehn Jahren. Genau und da waren wir. Aber in der Familie liegt es nicht. Also unsere Eltern machen keine Musik.
„Ein Fetzenfisch ist eigentlich nur ein hässliches Seepferdchen“ – und was das Tier mit den Ottolien zu tun hat
Anna: Hattet ihr damals auch schon einen Namen für euer Duo? Hießt ihr auch schon die Ottolien?
Jonas: Ne, wir hießen „Phyllopteryx“ – der lateinische Begriff für Fetzenfisch, weil wir gefetzt haben. Also fetzige Musik gemacht haben.
Leo: Ein Fetzenfisch ist aber eigentlich nur ein hässliches Seepferdchen. Es sind quasi Seepferdchen. Die tarnen sich indem sie sich nicht bewegen. Also die sind quasi urzeitliche Seepferdchen und sehen aus wie im Meer treibende Algen. Damit haben wir uns dann irgendwie ein bisschen identifiziert. Wir haben halt irgendwie so Singer Songwriter Punk gemacht – also sind schon gut abgegangen, waren aber halt irgendwie noch diese kleinen Pimfe. Wir waren quasi die letzten Fische, die jemand für kleine Mini Algen hält. (lacht)
Jonas: Es konnte einfach niemand aussprechen und es hat auch niemand verstanden, aber wir fanden es damals cool.
Anna: Und deswegen heißt ihr jetzt Ottolien.
Leo: Ja, genau. Immer noch sperrig, aber weit aus mehr catchy.
Kurzer redaktioneller Kommentar an dieser Stelle: Meine investigative Ader war getriggert nach der Band „Phyllopteryx“ zu googlen. Natürlich wurde ich direkt fündig und konnte alte Schätze ausgraben. Denn die beiden haben es sogar in den Spiegel geschafft unter dem Titel „Jonas und Leonard – die Punkrocker“. Den Artikel verlinke ich euch mal ganz unverbindlich hier. Schaut einfach mal selbst, wie Leo und Jonas so mit 11 und 13 aussahen. Mein Favorit ist allerdings der Name ihres damaligen Songs: „Kanzler von Deutschland“. Catchy, Jungs, catchy. Und Leo, wenn du immer noch Musikjournalist werden möchtest – unsere Türen stehen dir jederzeit offen. Ach und Fetzenfische finde ich eigentlich auch ganz süß. Ich übergebe wieder an Interview-Anna.
Anna: Kommen wir jetzt mal wieder in die Gegenwart zu eurer EP „Gezeitenland“. Wie muss ich mir den Prozess vom Songschreiben bei euch vorstellen: Wie läuft das ab? Einer schreibt die Texte und der andere sagt „ist gut, lass mal aufnehmen“?
Leo: Zum Glück nicht mehr. Also das war manchmal so, oder? Obwohl …
Jonas: Das ist eigentlich immer ein bisschen durchmischt. Also mal ist so der erste Grundstein gelegt, wenn Leonard mal ein paar Textschnipsel hat oder wenn ich einen Beat habe oder wenn ich mal ein paar Texte oder Leonard Akkorde auf der Gitarre. Es geht quasi immer von einer Seite irgendwie los.
Leo: Also früher haben wir gedacht, jetzt müssen wir immer genau alles auf uns beide aufteilen in den Songs, dass ich da einen Part haben muss und dann muss Jonas noch mal was rappen. Aber so ist das nicht mehr. Wir haben uns davon auch komplett gelöst. Für uns steht jetzt der Song im Vordergrund und nicht die Aufteilung der Parts. Es ist zwar schon meistens so, dass ich ein bisschen mehr Texte schreibe. Aber das kommt auch einfach, was Jonas produziert und ich sehr old school mit Stift und Block texte. Das heißt aber auch nicht, dass Jon gar nicht textet.
Zwischen verschachtelten Texten und klaren Botschaften
Anna: Sind euch eure Texte nicht manchmal zu persönlich?
Leo: Woah (überlegt) … bisher noch nicht. Also, ich weiß nicht, wie das so nach außen wirkt, aber ich habe zumindest für mich immer noch so eine Verschachtelung drin. Da versteht man, glaube ich, das Grundgefühl, ohne dass es zu persönlich wird. Aber ich glaube so persönlich, dass es andere Menschen betrifft und irgendwie eine Grenze überschreiten könnte, wird es nicht. Also die Songs sind schon nah dran. Aber wir kriegen es, glaube ich, immer noch hin, dass man es nicht checkt. Ja, oder? Ich weiß nicht, wie es bei dir ist, Jon.
Jonas: Also ich finde zum Beispiel „Autoscooter“ ist jetzt gar nicht so verschachtelt. Das ist relativ obvious der Song für meinen besten Kumpel. Ich bin eigentlich voll der Fan von richtig persönlichem Kram. Ich finde es irgendwie cool, das in einem Song dann noch weiter kommunizieren zu können, was ich meinem besten Freund jetzt vielleicht nicht so direkt ins Gesicht gesagt hätte.
Leo: Ich habe auch das Gefühl, dass wir in manchen Songs, die vielleicht gar nicht so persönlich wirken, immer so Easter Eggs für uns selbst einbauen im Text. Die wirken dann vielleicht nach draußen gar nicht so, sind aber für uns voll nah dran, aber im Gesamtkontext werden sie gar nicht so klar beim Zuhören. Also wir haben glaube ich, da ganz viele Sachen, die nur wir wissen können und die wir auch dann nicht groß revealen, die im Gesamtkontext dann vielleicht ganz anders wirken. Aber dadurch wird es halt nicht für mich, nicht irgendwie zu persönlich. Finde es trotzdem schön, dass die Songs so persönlich rüberkommen.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Anna: Jonas, du hast ja gerade schon „Autoscooter“ angesprochen. Wie kam es dazu, dass ihr diese Aufnahmen von euch als Kind oder Jugendliche mit drin hat? Und war das einfach zuverlässig oder wie habt ihr die wiedergefunden?
Jonas: Ja, da geht erstmal ein ganz großes Shoutout an Nicole, die mit uns früher in einer Dorf Clique war und ist. Sie ist auf jeden Fall eine lebende Festplatte, was das angeht. Ich habe ihr nur mal den Song geschickt und gefragt, ob sie zu Fabo, meinem besten Freund, noch ein paar O-Töne hat, die ich reinmixen kann. Und keine zwei Stunden später hatte ich eine Dropbox mit tausenden Videos vom alten Sony Ericsson bis zum Samsung Galaxy S2. Und da war dann unter anderem ein Video dabei, wo wir eben im Riesenrad sitzen und genau da in die Ferne gucken und diese Industrie sehen. Wir philosophieren darüber, was das denn sein könnte. Genau. Da hat sich dann irgendwie so angeboten. Es passte einfach zu dieser Kirmes Thematik vom Song.
Eine Ode an den besten Freund und die Naivität der Kindheit
Leo: Als Jonas das dann ausgewählt hatte, hab ich da auch direkt was reininterpretiert. Ich glaube als neutrale Hörer*innen funktioniert das auch super gut. Das hat so was apokalyptisches am Ende. Ich stell mir immer so vor, dass so drei Kinder im Riesenrad sitzen und gucken, was übrig geblieben ist von der Welt. Das passt perfekt an das Ende. Und irgendwie finde ich, dass dann der Song ganz anders wirkt und gar nicht mehr so eine persönliche Mini Geschichte zwischen euch beiden ist. Das ist halt meine Sicht auf den Song, der ja fast komplett nur von Jonas kommt.
Anna: Auf einen Song wollte ich noch eingehen: „Franka und Laurin„. Basiert das auf echten Personen? Also wer sind Franka und Laurin? Wenn ihr das teilen möchtet.
Leo: Das lassen wir offen. Also es basiert auf wahren Personen. Dazu finden wir aber auch die Namen ziemlich nice.
Wo ist das Ottolien Song-ABC hin?
Anna: Ich hab’s mir schon fast gedacht. Aber der Song funktioniert durch die beiden auf jeden Fall sehr gut. Wovon ich aber längere Zeit schon nichts mehr gehört habe, ist euer Song-ABC. Gibt es das noch? Was ist daraus geworden?
Leo: Das fragen wir uns auch immer wieder. Ich schätze mal, dass es eher was Saisonales ist, dass wir immer mal wieder auspacken. Wir haben es immer so ein bisschen gestückelt. Also immer, wenn wir eigene Songs rausbringen, pausiert das ABC. Wir sind auch noch gar nicht so weit im Alphabet vorangeschritten. Wir müssten bei F sein. Die Resonanzen waren immer richtig cool. Auch die Leute, deren Songs wir gecovert haben, aber auch immer irgendwie reagiert. Das war total nett. Das war echt cool, auch so Reaktionen von den Madsen hatten und von L-Goony. Also so ganz Verschiedene. Ich finde das Format immer noch cool und ich schätze mal, dass wir es jetzt im Winter wieder aufleben lassen.
Anna: Da bin ich ja mal gespannt! Ich habe noch zwei Entweder-Oder-Fragen für euch. Die erste lautet: Eure Songs lieber komplett durchproduziert oder lieber Akustik spielen?
Jonas: Komplett durchproduziert!
Leo: (zögert erst) Bei mir auch mittlerweile.
Jonas: Es macht dann mehr Spaß auf der Bühne, wenn man richtig tanzen und abgehen kann. Das fehlt mir bei dem Akustik Ding. Das ist eher ruhig und beseelt und schunkelnd. Aber ich finde es springend cool.
Anna: Ok, das kann ich verstehen. Frage Nr. 2: Großstadt oder Dorf?
Leo: Großstadt mit Option auf Dorf bei schlechter Laune. Zählt das?
Anna: Naja, eigentlich nicht …
Leo: Ok, Großstadt!
Jonas: Dorf bei mir – ganz klar.
Anna: Ich habe es mir ein bisschen gedacht.
Leo: Das ist so unser Running Ding. Jonas kann sich nicht so richtig vorstellen zum Beispiel irgendwann mal nach Berlin zu gehen oder so. Mal gucken. Aber es ist ja genau die Mischung, die wir in uns tragen. Also ich finde es auch ganz cool, dass du so commited bist. Es hat ja auch Gründe. Du bist viel verwurzelter zu Hause noch.
Jonas: Meine Kumpels und ich haben quasi eine Art mündlichen Pakt geschlossen, dass wir alle spätestens zum Lebensherbst oder zum Lebensabend wieder im Heimatdorf einkehren. Und ob das jetzt wirklich passiert, mal gucken. Aber ich habe halt einfach noch einen sehr aktiven, großes Freundeskreis aus Schulzeiten und das finde ich ganz schön. Dann bin ich auch gerne da.
Leo: Das ist bei mir nicht mehr so krass verwurzelt. Das ist bei mir viel mehr auseinander gesplittet, also auch geografisch. Aber ich habe einfach hier in Hannover meinen festen Kreis. Sowohl freundschaftlich als auch musikalisch ist es hier mein Hauptort mittlerweile.
Die Ottolien und ihr klimapolitischer Song
Anna: Ich habe auf eurem Spotify Account noch das Album „no music on a dead planet“ gefunden, was ja so Kollaboration mit mehreren Artists war. Wie kam es dazu und warum? Warum war es euch wichtig, da was beizusteuern?
Leo: Dazu kam es einfach durch die Organisation Culture Declares. Daraus ist dann ein kompletter Hannover Sampler entstanden. Und dadurch, dass wir noch nie auf so einem Sampler dabei waren und wir das schon cool fanden, haben wir uns direkt gemeldet. Wir wollen auch für eine klimagerechte Zukunft stehen als Band und zeigen, dass wir uns auch für Klimapolitik interessieren. Da wollen wir einfach auch zu stehen. Und die zweite Sache war, dass wir eine Challenge hatten, da recht schnell dann einen Song dazu zu schreiben. Das war irgendwie cool, weil wir das erste Mal auch so ein bisschen den Inhalt vor die Produktionsraffinesse gestellt haben.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Anna: Und das Ergebnis kann sich auf jeden Fall zeigen lassen! Ich habe jetzt nur noch eine letzte Frage und das ist die Frage nach eurer untold story?
Leo: Eine noch nicht erzählte Geschichte.
Anna: Genau!
Leo: Also wir könnten die erste Cover Geschichte erzählen von unserem Gespräch oder oder vom Videodreh in der Rutsche.
Jonas: Ohja, das ist ne coole Story, lass uns die nehmen!
Leo: Ok, warte, ich leite die Geschichte ein und du erzählst sie: Wir haben ja gerade unsere zweite EP „Gezeitenland“ rausgebracht und wir haben zum namensgebenden Song ein Video im namensgebenden Hallenbad Gezeitenland auf der Nordseeinsel Borkum gedreht. Und dabei ist folgende untold story passiert. Jonas, bitteschön.
Jonas: Wir haben uns in die ausgeschaltete Wasserrutsche begeben. Wir sind also rein geklettert mit dem schönen Filmteam von Stabil und Grazil aus Hannover. Also die mit ihrer riesigen Kamera da rein. Niklas mit so einer Leuchtröhre und dann Leonard und ich. Das ist glaub ich etwas schwierig, sich vorzustellen. Das ist eine Tube Rutsche und wir haben uns so entgegeneinander da reingesetzt.
Anna: Aber die Rutsche war ausgestellt oder ist da was passiert?
Jonas: (muss schmunzeln) Nee, ich bin nur einmal ausgerutscht auf das Steißbein, das tat weh. Aber das ist nicht die Geschichte. Also, wir sitzen gerade in dieser Rutsche und haben einen Performance Part gedreht. Das heißt Niklas hat auch noch die Soundbox laufen mit dem Song. Wir singen dann so schmissig in die Kamera und auf einmal hören wir nur so ein Zischen und so ein Rumoren. Dann hört man so ein konstantes, leichtes „Schhhhh“. Es waren nur noch so drei Sekunden Stille, in der wir uns nicht bewegt haben. Und ich habe dann einfach aus Reflex heraus gerufen „Wasser kommt“. Dann sind wir alle mit dem Equipment aus der Rutsche raus und in das Auffangbecken. Ich war der Letzte, weil ich auch als Erster drin war. Hab mich auf dem Weg natürlich auch noch abgepackt. Und keine Sekunde, nachdem ich draußen war, kam das Wasser da rausgeschossen. Wir waren insgesamt aber zwei Tage zum Drehen da. Am nächsten Tag haben wir den Besitzer dann gefragt, ob die Rutsche irgendwie immer durchgespült wird oder so. Und er nur so: „Achja, stimmt, aber ich weiß gar nicht, wann genau und in welchen Intervallen.“ Dann haben wir am nächsten Tag also nochmal unser Glück versucht. Wir wollten unbedingt das schöne Licht mit der Sonne auf der Röhre einfangen. Wir haben das dann so gemacht, dass Bardi, unser Fotograf, dann die Aufgabe hatte oben zu schauen, wann das Wasser angeht. Vorher hatten wir noch extra zwei so Kinder Walky Talkies besorgt, damit er uns Bescheid geben kann, wenn die Düsen anspringen.
Leo: Natürlich hat er sich auch einmal den Gag gemacht, einfach „Wasser kommt“ zu rufen, obwohl nichts kam. Und ja: Das ist unsere untold story!
Anna: Genial, vielen Dank euch für’s Teilen der Geschichte und für’s Interview. Macht’s gut und bis bald!
So, ich hab mir jetzt auch den Mund fusselig geredet. Mir bleibt nur noch zu sagen: Streamt „Gezeitenland“ von den Ottolien:
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Eine zarte Stimme, die auf einem verspielten Sound zum Tagträumen in eine andere Welt einlädt und dabei die ungeschminkte Wahrheit in ehrlichen Texten verpackt – so klingt für mich „Sleepwalkers at noon“ von Mia Berg. Die Norwegerin macht poppige Singer-Songwriter-Musik à la Phoebe Bridgers und „Sleepwalkers at noon“ ist ihr Debütalbum.
Mia Berg ist in Bergen an der norwegischen Westküste aufgewachsen. Mittlerweile wohnt und arbeitet Mia in Oslo und schaut mit anderem anderen Blick auf ihre Heimatstaft. Diese Reflektion von Themen, die sie damals so wie heute beschäftigen, verarbeitet sie unter anderem in ihren Songs. Es geht um ganz viel Nostalgie, Schönes, aber auch Zweifel. Im Interview erzählt Mia von der Entstehung des Albums, wie sie sich dabei gefühlt hat und welche Einflüsse sich in ihrer Musik wiederfinden.
Mia Berg im Interview
Anna: Alright, so the first thing I have to admit, is that I didn’t know your music before I listened to the album „Sleepwalkers at noon“. And then I saw that you also released an EP in 2019. And I was like: Okay, how did that not come across my Spotify algorithm before? But I completely fell in love, because the songs are just super warm, atmospheric and feel really personal. And then I listened to the other EP, and it also felt like that, but not as intense as the songs now. So how would you say that your sound has changed since the first songs that you’ve released back then?
Mia: I think, when I started making music back in 2017, or 2019 it was different. I was definitely developing over time. So I would say the main difference is that I basically now have the time to focus more on songwriting. But also more on the storytelling in the music instead of aiming for the melody to hit. I guess you kind of said it: it’s more personal. And it’s also about me growing as a person and as a musician, and a songwriter. And I think it was kind of like a natural process where I found my own way to how I wanted to express myself through my music.
Anna: Do you think there are certain factors that influence the way that your music developed?
Mia: Changing the course of my musical expression, I think, has a lot to do with me listening to new music. I remember very well, when I went to Berlin in the fall of 2019 to write music, that it was kind of a starting point. And I began listening more to American singer-songwriter music. So going into 2020 and when the pandemic hit, also, I think certain elements of songwriting became clear to me. I wouldn’t say that the pandemic affected the album, but I would say that it affected the way I was writing. When the world was kind of standing still, you don’t necessarily have a lot of things around you to be inspired by because everything is moving very slowly. That kind of made my attention go backwards to my life in the past and thoughts that I’ve been carrying around. And that kind of shaped the album, I think.
Anna: I totally get that! I feel like like with the pandemic, you were kind of forced to deal with your own thoughts or memories. Because before you could just distract yourself with being around other people and always do something. But then it was like you couldn’t do anything else.
Mia: And I think that kind of forced my thoughts into a certain place, which I guess, it felt very genuine and very honest.
Female power: These women inspired Mia for the songs on her album
Anna: What would you say are the major artists that inspire you? I can hear some Phoebe Bridges and Holly Humberstone vibes.
Mia: I actually think I started with the album around the time I first listened to Holly Humberstone. I found her through Instagram right before she kind of got huge. But um, yeah, when it comes to inspiration, I definitely think listening to Phoebe Bridgers was definitely a huge inspiration for my writing. And just my approach to songwriting in general. Clairo’s last album was also very inspiring for me. And I think, back in 2019, I listened to Sufjan Stevens album „Carrie & Lowell“. It’s actually an album from 2014 – so rather old. But it’s very much just him talking about growing up and the loss of his mother. I just cried a lot when I listened to the album the first time. And I think that connected to something in me as well: just listening to someone not actually doing a lot – like it’s beautiful music, but it’s also very simple.This simplicity is also the element that makes it as beautiful as it is.
Anna: Would you say you feel connected to the Scandinavian music scene. I’m just curious, because you haven’t mentioned names of any Scandinavian music artists.
Mia: Well, of course I listen to a lot of Norwegian music and Scandinavia has a lot of great pop music especially. I wouldn’t say I found my main inspiration in the Scandinavian music. But I have some great friends who produce Norwegian music and I get inspired by that aswell.
How to create a safe space for personal feelings on an album
Anna: Do you feel kind of insecure before releasing such personal music or have you gone through such a long process of producing it that you’re more excited to release it now?
Mia: It’s obviously scary to release music that is personal and I guess I’ve never been as nervous as I was when I released the first song of the album. Just because it’s been quiet from my corner for like two years. And I went into a collaboration with a new label and everything just felt very good. We had a good plan and I had people backing me up and wanting me to do great. I think that kind of helped the process a lot. It created kind of a safe space for me.
Anna: Do you have a favourite song on the album? I know it’s hard because you probably love them all.
Mia: Yeah, that’s difficult. I think my favourite song kind of changes – so now it’s one and in a month it’s gonna be a different song. But I think at the moment it’s „Meadow“, one of the singles I released before the album. I really like the lyrics and it’s a bit more „back to the roots“-style with the piano. I would say that’s my favourite today.
Anna: I guess it also changes based on the situation you are in right now. Like if you feel a bit more happy or you’re more at a sad point in your life.
Mia: Yeah, but I definitely also think there are songs I feel especially connected to at all times. „I’ll never leave you“ for example.
Anna: That was the song that got me falling in love with the other ones.
Mia: Oh, wow. That’s great to hear. I remember very well when we made it in the studio. And it was the easiest one to write but the hardest one to finish with the production just to get like the writing together with how it should sound because it could have gone in different directions. So we just had to work really hard with the mixer and the production to kind of get it how we want it to be, because that was kind of how I heard it in my head – a bit more like the drums on „Motion Sickness“ by Phoebe Bridgers.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Anna: All your songs have this vintage nostalgic vibe to it. That connects them all, even if you say that some songs have more of a Clairo vibe or some have a Holly Humberstone vibe. So I feel like they still are in that same kind of atmosphere.
Mia: Yeah, it’s kind of the same universe. And I think that’s kind of important to me. I could make 10 songs that sound really similar. I think I can do that, when I really fall in love with a certain type of sound or a certain type of song. That was maybe the challenging part: knowing that I had to widen my perspective again. Like, either people are more worried about things sounding the same, or they are worried that it will sound too different. It needs to be balanced. But I think the perspective on the album kind of stays on a same level.
Never underestimate the support act
Anna: That’s what I also really like about the album. It feels like listening to one story that is consistent. All right, I have one last question. This is a question that we always ask in our interviews and it is the question about an untold story of yours.
Mia: I remember, in April I got asked by a Danish agency if I wanted to play support for an Irish artist, which is Orla Gartland. She had a song on this „new“ series – Heartstopper, if you heard of it. Yeah. So I hadn’t heard of her before but I agreed because it sounds fun. And so I went to Denmark and I actually went back to the exact same place where actually played my last gig before the pandemic. I was inviting some friends and like booking people to come but it was Easter Sunday – so not the best timing. And I was like, ok, well, it will be fine. It will be a good evening, I guess. And playing a support gig, you just never really know how it’s going to be like, either people don’t like you and are like: What are you doing on stage? Or people are interested, or something in between and just being polite. But I was standing there with like five guest list places. The fans were lining up like three, four hours before the show. I walked outside to where we just loaded our stuff out the van. And there was actually this guy looking for tickets but it was sold out. He was standing on the corner of the street with a big sign saying „I need a ticket for tonight“. Then the idea of giving him the guest list spots just popped up in my mind. When I went over to him, he was super shocked. I bet he thought I just wanted to prank him or so. So he was just like „no, no, I don’t need any tickets“. He didn’t believe me when I said that I am playing the support for Orla’s show. I told him to tell me his name, and I’ll write it down. And then he was saying his name. But he still didn’t seem to believe me like: „Who are you? Is she joking with me or not?“ So but yeah, he went to the show and he sent me a message afterwards: „thank you so much, didn’t know you’re playing support. Thank you so much.“ It was kind of a funny thing at that moment. And it was a really, really great show. It was a crazy supportive audience. Super friendly, like probably the best show, I remember.
Hier könnt ihr euch mit dem Album die Ohren wund streamen oder euch Hals über Kopf in Mia’s warme Stimme verlieben:
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Nach einem Dauerlauf des Wartens, ist die Freude über den Release seines Debütalbums riesengroß. Betterov veröffentlicht „OLYMPIA“, ein Album voller abgrundtiefer Verzweiflung, aber vor allem voller Trost.
Alles gut so wie es ist
Besser können wir es nicht beschreiben. Poesie und Prosa untermalt mit schweren Gitarren verschmelzen mit Ehrlichkeit, eine Wahrheit, die die meisten von uns nur allzu gut kennen. Stillstand verpackt in bewegter Musik aus einer schnelllebigen Stadt. Das Album ist ein Repertoire aus Betterovs Erinnerungen und Gefühlen aus einer schwierigen Zeit.
Stagnation während er versucht, dieser mit dem Anschauen alter Olympia-Aufzeichnungen zu entfliehen. Angst, vergessen im Abgrund unterzugehen, aber eine Straße nach dem eigenen Namen benannt zu haben, ist auch komisch. Oder doch nicht? Darüber und noch mehr habe ich mit Betterov am Tag nach seinem größten Konzert überhaupt beim Reeperbahn Festival gesprochen.
Betterov im Interview
Amélie:Hi Betterov, schön, dass du Zeit für dieses Interview gefunden hast! Möchtest du dich zu Beginn vielleicht erstmal kurz vorstellen?
Betterov: Sehr gerne. Mein Name ist Betterov, ich bin Musiker und mache Indie-Rock mit Post-Punk Einflüssen. Ich freue mich sehr, hier zu sein!
Amélie:Und wenn deine Musik ein Gefühl wäre, welches Gefühl wäre sie?
Betterov: Ein Gefühl ist schwer. Jetzt braucht man echt das passende Adjektiv. Vielleicht „treibend“.
Amélie:Wir sind ja gerade auf dem Reeperbahn Festival und du hattest gestern deine „Betterov & friends Session“. Das war dein 7. Reeperbahn Festival Konzert und das größte überhaupt. Wie war das für dich?
Betterov: Ja, das war natürlich riesig. Es war ein grandioser Abend. Die Instrumentierung, diese riesige Kirche, wie das da drin geklungen hat, das war ein riesiger Abend für mich.
Amélie:Wie lange hat die Vorbereitung für diesen Abend gedauert?
Betterov: Das war natürlich alles aufgeteilt. Wenn man alles nimmt, waren das schon Monate. Und nicht nur für mich, sondern auch für alle Beteiligten. Da gehören dann auch Planungen dazu und Mails schreiben, das mache dann natürlich nicht ich. Das ist schon viel Arbeit gewesen, aber hat sich total gelohnt!
Amélie:Was war denn dein Highlight gestern Abend?
Betterov: Es ist ganz schwer eins zu nennen. Eigentlich war der Abend ein einziges Highlight für mich. Ich kann gar keine Rangliste aufstellen. Das war alles auf Platz eins. Im Michel zu spielen, mit Paula, mit Novaa, mit FIL BO und mit Olli, das waren schon wahnsinnige Highlights für mich.
Debütalbum „OLYMPIA“
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Amélie:Warum wir eigentlich hier sind, ist dein Debütalbum „OLYMPIA“, das am 14.10.2022 erscheint. Mich hat es direkt beim ersten Mal hören begeistert! Wie lange hat es gedauert von erster Songzeile zu Vinyl in der Hand?
Betterov: Das war schon ein relativ langer Prozess. Ich habe mir sehr viel Zeit genommen, gerade durch die Corona-Pandemie, da es irgendwie auch viel Zeit gab, noch mal über alles nachzudenken. Den Sound noch mal neu zu definieren und sich zu fragen „Was will ich eigentlich?“, „Wie soll das klingen?“ und „Wie instrumentiert man das vielleicht auch anders als vorher?“. Das waren alles nochmal so Grundsatzfragen, wo ich während der Pause einfach wirklich Zeit hatte, mir diese noch mal zu stellen. Das waren schon so 1 1/2 Jahre.
Amélie: Was war der erste Song, den du geschrieben hast, auf dem das Album dann sozusagen aufbaut?
Betterov: Ich habe während des Schreibens gar nicht so gefiltert, dass das jetzt der Aufbau-Track eines Albums sein könnte. Ich habe einfach erst mal geschrieben und versucht, das, was mich interessiert und was ich gut finde, in Songs zu packen. Dann habe ich einen stimmigen Rahmen gefunden und mit „Olympia“ dieses Fundament gehabt, worauf ich gut aufbauen konnte.
Amélie:Schreibst du deine Texte auf Papier oder tippst du sie in den Computer?
Betterov: Angefangen habe ich auf Papier und wollte auch immer auf Papier schreiben. Ich bin super gerne in so Schreibwaren-Läden, weil ich finde das sind die besten Läden die es gibt, oder? (lacht). Aber am Computer ist es natürlich schon besser, finde ich. Wenn einem was einfällt oder man schnell was ändern möchte, kann man es gut ergänzen. Auf Papier wird es recht schnell unübersichtlich. Also ich muss leider die unromantische Antwort geben, dass ich es am Laptop mache.
Amélie:Welcher Song beschreibt dich gerade am besten von deinem Album?
Betterov: Es ist schwierig einen Song auszuwählen! Ich glaube das ganze Album beschreibt mich gerade am besten. (lacht)
Leuten einfach dabei zuschauen, wie sie in acht Minuten einen Weltrekord aufstellen und ihr Leben verändern, man selbst liegt nur im Bett und tut nichts
Amélie:In „OLYMPIA“ beschreibst du diesen Corona-Stillstand, diese Tiefpunkt-Zeit. Ist das das Thema des Albums und kann man es als eine Art Konzeptalbum sehen oder ist es eher eine Zusammenstellung aus Gefühlen?
Betterov: Es hat schon Konzeptalbum artige Ansätze, würde ich sagen. Es ist jetzt nicht so wie zum Beispiel „Homotopia“ von Sam Vance-Law. Wenn wir sagen, das ist ein Konzeptalbum, dann ist meins nicht so durch konzeptioniert. Aber trotzdem hat es natürlich schon ein Thema. Es gibt verschiedene Songs, die davon handeln, die das beschreiben.
Amélie:Ja, vor allem das „Olympia“-Thema mit „Eröffnungsfeier“ und „Siegerehrung“. Aber vielleicht ist das nicht das Konzept, sondern der Look.
Betterov: Ja, genau. Das ist eher ein Leitfaden oder Rahmen des Albums.
Amélie:Nochmal zum „Olympia“-Thema. Wie kam es dazu und warum Olympia?
Betterov: In „Olympia“ geht es um so eine sehr schlechte Phase, wo man sehr lethargisch zu Hause liegt und eigentlich nichts mit seiner Zeit anzufangen weiß. Man klickt sich nur noch durch alte YouTube Videos und landet irgendwann in dieser Sport Bubble und schaut sich nur noch alte Olympia Aufzeichnung an. Das Schwimmen-Finale der Männer im 200 Meter Freistil oder so und guckt echt dann Leuten einfach dabei zu, wie sie in acht Minuten einen Weltrekord aufstellen und ihr Leben verändern und Geschichte schreiben. Man selbst macht aber seit Stunden nichts anderes als im Bett zu liegen und einfach nichts zu tun. Darum geht es in dem Song. Die Verbindung zum Sport fand ich spannend und wollte das dann auch ins Artwork und in die Videos, die jetzt rausgekommen sind, einbinden.
Amélie:Ist das dann echt so passiert, dass du herum lagst und in Olympia-Videos abgetaucht bist?
Betterov: Ja, die Idee des Songs ist autobiografisch.
Amélie:Wenn wir schon beim Sport sind: In welcher Disziplin würdest du bei Olympia antreten?
Betterov: Im Stabhochsprung. Das sieht immer so spektakulär aus und ich kann mir absolut nicht vorstellen, wie das funktioniert! Das würde ich gerne können oder wenigstens mal in echt zusehen (lacht).
man kann noch mehr erzählen und zeigen
Amélie:Wie unterscheidet sich dein Debütalbum von deiner Debüt-EP? Was hat sich vielleicht weiterentwickelt oder verändert?
Betterov: Der Unterschied liegt vielleicht darin, dass es klanglich ein bisschen ausgearbeiteter ist. Es klingt ähnlich, aber wir haben mit neuen und anderen Sounds gearbeitet. Die Erweiterung war der größte Schritt. Weil man bei einem Album einfach mehr Länge zur Verfügung hat, kann man noch ein bisschen mehr erzählen und zeigen. Das ist der Hauptunterschied.
Amélie:Kann man auch inhaltliche Unterschiede feststellen? „Viertel vor Irgendwas“ mit dem Thema von Zuhause weg zu kommen und bei „OLYMPIA“ dann das Bedürfnis nach etwas Familiärem und aus der Großstadt rauszukommen?
Betterov: Ja, finde ich schon. Aber ich glaube der Unterschied zwischen Land und Stadt wird in der EP noch mehr thematisiert als jetzt auf dem Album.
Amélie:Sind die Songs auf „OLYMPIA“ eine Auswahl? Also gab es noch mehr Songs, die für das Album in Frage kamen?
Betterov: Ich hatte schon noch ein paar mehr Songs. Dadurch habe ich ausgesiebt und geschaut, welche Songs ich auf dem Album haben möchte und welche ich gut finde, aber noch dran arbeiten möchte. Aber mit denen, die jetzt drauf sind, bin ich wirklich sehr zufrieden.
Amélie:Hast du einen Lieblingssong?
Betterov: Schwierig! Da kann ich wieder keinen besonders herausstellen, sie liegen mir alle sehr am Herzen.
Das Tolle ist, dass ich es geschafft habe, Worte für diese Zeit zu finden
Amélie:Mich hat das Gefühl und die Stimmung deines neuen Albums auch sehr an Kafka und den Expressionismus erinnert. In „OLYMPIA“ steht die eigene Welt am Abgrund, wir finden Desillusion und Sinn-Krise. Waren das bewusste Einflüsse im Schreibprozess deines Albums?
Betterov: Ein direkter Einfluss war es nicht, aber ich stimme dir zu. Man kann es so sehen, dass es eine Art „Verwandlungs“-Motiv hat. Man liegt gefangen auf seinem Rücken und kommt nicht weg oder raus.
Amélie:Konntest du mit der Fertigstellung des Albums dem beschriebenen Stillstand entkommen?
Betterov: Ja, würde ich sagen. Das Tolle ist, dass ich es geschafft habe, Worte für diese Zeit zu finden, die mir zumindest erst mal gefallen. Das ist total schön und war für mich die große Errungenschaft dieses Albums.
Amélie:Ja, das ist eigentlich wie Tagebuch schreiben.
„komisches Gefühl“
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Amélie:„Berlin ist keine Stadt, ein Ort der Erinnerung“, heißt es im neunten Track des Albums. Ich glaube jede*r kennt das, also die Assoziation von einem Gefühl zu einem Ort oder Duft oder Musik.
Hast du einen Song, der dich in eine ganz bestimmte Erinnerung oder ein Gefühl versetzt?
Betterov: Ja, pass auf, ich hab sogar eine ganze Playlist mit solchen Songs! Sie heißt „komisches Gefühl“ und da ist ganz oben „Cosmic Dancer“ von T. Rex. Dann ist da noch von The Decemberists „Here I Dreamt I Was an Architect“ drauf und das klingt für ich so krass nach Herbst. Ich weiß nicht warum, aber wenn die Blätter bunt werden und ich dieses Lied höre, dann ist Herbst. Und wenn ich den im Sommer an mache bei 30 Grad im Schatten, dann ist Herbst.
Einen sage ich noch: „Knee-Deep in the North Sea“ von Portico Quartet. Das ist auf irgendeiner Liveplatte drauf. Der bringt mich auch in eine bestimmte Stimmung. Ich hab das bei einem Urlaub im Norden gehört und seit dem erinnert mich der Song total daran.
Amélie:So super cool, dass du eine ganze Playlist dazu hast! Danke dir fürs Teilen.
„Im Dussmann aus der vierten Etage springen“
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Amélie:Als ich im Dussmann war habe ich nur drei offizielle Etagen gesehen, stimmt das mit der vierten?
Betterov: Doch es gibt auch eine vierte, da kommt man nur nicht so leicht hin. Ich dachte auch es gibt nur drei, aber ich wollte diese vierte mit in den Song reinbringen, weil ich sie drinnen gesehen habe. Als ich mal im Dussmann gespielt habe, bin ich irgendwann mal zum Chef des Hauses gegangen und hab mich mit ihm unterhalten. Offiziell sind nur drei Etagen gekennzeichnet und ich habe ihn gefragt: „Es gibt doch eigentlich nur drei, oder?“. Aber nein es gibt vier! Das ist gerade nochmal gut gegangen. Da sind zwar nur Büroräume oder ähnliches drinnen, aber es ist absolut hieb und stichfest, originalgetreu und entspricht der Wahrheit, based on a true story (lacht).
Amélie:Was ist denn deine Lieblings-Etage im Dussmann?
Betterov: Im Moment ist die Vinyl-Abteilung im Erdgeschoss meine liebste, weil dort meine Live-Platte steht (lacht). Ansonsten bin ich auch immer gerne in der Ersten da gibt es DVDs und alte Serien, die man sonst nirgends mehr kriegt. Dort kann man echt Stunden verbringen.
Amélie:Ich fands auch sehr cool dort!
Die Betterov Straße
Amélie:So, jetzt habe ich noch ein paar „poetische“ Fragen an dich. Lieber vergessen werden oder dass eine Straße nach dir benannt wird?
Betterov: Schon die Straße.
Amélie:Die „Betterov Straße“? Was wäre denn dort alles zu finden?
Betterov: Da wär ein Bäcker, ein Friseur und so ein italienisches Restaurant wo es diese Eissorten gibt, also Stracciatella, Vanille und Schoko. Das gibt es doch in jeder Fußgängerzone. Das fänd ich gut. Man hat alles was man braucht. Vielleicht eine Sparkasse noch. (lacht)
Amélie: Ist das Leben eher merkwürdig oder schön?
Betterov: Ich finde, es ist beides. Es ist manchmal merkwürdig, aber auch wahnsinnig schön.
Amélie:„Siegerehrung“ – welchen Platz machen wir denn als Hörer*in, wenn wir am Ende angelangt sind? Gehen wir als Sieger*in raus?
Betterov: Also ich finde schon!
Amélie:Da stimme ich dir zu, so hat es sich am Ende auch angefühlt!
Ich habe mal auf der Berlinale einen Stromausfall provoziert – untold story
Amélie:Jetzt sind wir auch schon fast am Ende des Interviews angekommen. Zum Schluss würde ich aber noch gerne eine untold story von dir erfahren. Hast du eine Story für uns parat, die du noch nie in einem Interview erzählt hast?
Betterov: Ich habe mal auf der Berlinale einen Stromausfall provoziert. Das habe ich noch nicht erzählt, weil es mir ein bisschen peinlich war. Ich habe bei einer Berlinale Party gekellnert und der Raum war ein Quadrat und in der Mitte war eine quadratische Bar, wo an an allen vier Seiten Bar-Personal war. Die haben Drinks gemacht und alles war so super fancy von L’Oréal, also ein super High End Event mit Stars und Sternchen. Ich musste dann immer um dieses Karree rumlaufen und komischen Leuten die ganze Zeit Sekt bringen.
Die erste Klasse war von der zweiten Klasse, wo die Küche war, durch einen richtig versifften Molton getrennt und ich musste durch diesen Molton durch, der mir wieder entgegen kam und mir das Tablett aus der Hand gewedelt hat, was dann runter gefallen ist. Das war schon super peinlich, weil da standen so zehn Gläser Sekt drauf! Dann ist aber auch noch der Strom aus gewesen und das war deswegen, weil die komplette Elektronik dieses Abends genau da lag, wo ich dieses Tablett habe fallen lassen und irgendjemand das nicht abgedeckt hat! Der ganze Sekt ist in die Leisten reingelaufen und kam nicht mehr raus und somit war der komplette Abend lahm.
Amélie:Oh je, was haben die Leute dann gemacht?
Betterov: Ja, der Strom war erst mal weg. Die Leute haben dann im Dunklen Canapés gegessen. (lacht) Dann kam irgendwann so ein Typ an und meinte: „Hey wir sind ein Team und es gibt hier einen Spirit und wir sind alle für einander da, aber wer war das??“, das fand ich wirklich sehr gut. (lacht)
Amélie:Hast du gesagt, dass du es warst?
Betterov: Nein, das hat natürlich keiner gesagt! Aber die Aussage von diesem Typen hat den Abend echt gut beschrieben. Das habe ich noch nie erzählt.
Amélie:Das ist eine super Geschichte!
Betterov: Ja, das wusste ich in dem Moment schon, dass das mal eine gute Geschichte wird. (lacht)
Amélie:Dann vielen Dank fürs Teilen und das Interview, es hat mich riesig gefreut mit dir zu quatschen!
Betterov: Ich danke dir!
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Wir stellen wir euch einen Künstler vor, den ihr euch, falls ihr ihn noch nicht kennt, unbedingt zu Gemüte ziehen solltet. Es geht um Jacob Leo, einem jungen Musiker aus Berlin. Im Mai 2022 hat er seine Debüt-EP “Surreal, Numb & Blind” veröffentlicht und damit ein großes Ausrufezeichen gesetzt. Nachdem Jule im März 2022 die erste Single “Pray” quasi in Dauerschleife gehört hat, hat sie sich in den letzten Atemzügen des Sommers mit ihm im Berliner Gleisdreieckpark zum Interview getroffen. Jacob Leo erzählt darin von seinen musikalischen Anfängen, der Entstehung seiner EP und erklärt, warum er gerne brennen möchte. Viel Spaß beim Lesen.
Jacob Leo im Interview
Jule:Hey Jacob, schön dich kennenzulernen. Möchtest du dich vielleicht einmal kurz vorstellen – wer du bist, was du machst, wo du hin willst?
Jacob Leo:Ja, sehr gerne. Also, ich bin Jacob Leo. Ich habe schon einige musikalische Anläufe gewagt, war aber immer unzufrieden mit meinen Namen. Es war also ein langer Weg bis zu dieser Identität. Ich mache aber eigentlich schon ewig Musik. Als Jacob Leo bin ich allerdings noch nicht so lange auf der Bildfläche. Ich habe in den letzten drei Jahren hauptsächlich für andere Musiker*innen als Produzent gearbeitet und mich parallel um meine eigene Ausbildung als Musiker gekümmert. Ich hatte immer den Anspruch, dass wenn ich dann irgendwann mal auftauche, das möglichst professionell und ich möglichst souverän rüberkommen soll. Gerade bin ich aber noch immer voll in diesem Prozess, an dem ihr jetzt einfach alle teilhaben könnt. Ich sehe mich in der Zukunft auch auf jeden Fall noch auf dem Weg, den ich jetzt losgelaufen bin. Songideen umsetzen, Projekte realisieren, auftreten – das sind gerade meine großen Themen. Als Solokünstler ist es für mich gar nicht so einfach, alle Ideen so umzusetzen, wie sie in meinem Kopf sind. Aber ich möchte meinem Publikum in Zukunft auf jeden Fall eine Show bieten können. Klar, sie können meine Musik genießen. Aber ich möchte auch, dass die Leute danach denken “Wow, das war eine besondere, coole Show und ich habe etwas Tolles erlebt”. Ich habe da vielleicht eine kleine Obsession entwickelt (lacht).
Jule: Waren deine eigenen vorherigen Projekte auch Solo- oder Bandprojekte?
Jacob Leo: Immer solo tatsächlich, ich weiß auch nicht warum (lacht). Ich habe auch mal in einer Band gespielt, das war so zu Teenager-Zeiten. Hm, ich weiß nicht, wahrscheinlich kommt es einfach zwangsläufig daher, dass ich so Bedroom-Producer-mäßig immer alleine Zuhause rumgetüftelt habe. Ich war immer alleine im Dialog mit meiner Musik und habe es deshalb wahrscheinlich auch gar nicht in Betracht gezogen, diesen Prozess mit irgendwem zu teilen – immer erst, wenn es fertig war. Und irgendwie fühlt sich der Gedanke für mich auch seltsam an, diesen Prozess zu teilen. Ich sehe mich einfach eher als Solokünstler. Mittlerweile finde ich es aber auch sehr schön, mit meinen halbfertigen Sachen und Ideen zu Leuten zu gehen und sich auszutauschen oder Input zu holen. Aber am Ende muss ich ganz allein die Idee cool finden, da kann irgendwie niemand ran (lacht). Aber wer weiß, vielleicht entwickeln sich dadurch ja irgendwann auch mal langfristige Zusammenarbeiten mit den immer gleichen Leuten. Das wäre dann ja fast sowas wie eine Band.
„Ich bin leider sehr ungeduldig und fies zu mir selbst“
Jule: Aber du möchtest immer deine Finger im Spiel behalten (lacht).
Jacob Leo: Jaaaa! Ich glaube, ich bin da mitunter auch wirklich nervig, sehr verkopft und engstirnig. Es gibt immer so 50 Mix-Versionen von einem Song, bis ich damit irgendwann vielleicht mal happy bin. Ich bin da leider auch sehr ungeduldig und fies zu mir selbst. Manchmal läuft es aber auch direkt sehr gut. Bei meiner EP „Surreal, Numb & Blind“ war das ganz interessant. Da gab es Songs, die waren super einfach für mich. Und dann gab es Songs, da war der Prozess sehr, sehr, sehr lang und fast schon etwas nervig. Wobei ich daran einfach komplett selbst Schuld war (lacht).
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Jule: So ähnlich habe ich mir den Prozess bei dir tatsächlich auch vorgestellt. Ich finde nämlich, dass man den Songs deiner EP sehr gut anhört, dass sie bis ins kleinste Detail ausgearbeitet wurden. Wollen wir vielleicht einmal etwas deeper in den Prozess der Entstehung eintauchen? Wie alt – oder neu? – sind die Songs?
Jacob Leo: Super gerne. Also das sind zum Teil schon ältere Ideen, z.B. “Hope”. Es war Silvester 2020 – ein sehr düsteres Jahr für mich, wie für so viele andere auch. Ich war bei meiner Familie und diese Silvesternacht war so eine richtig klischeehafte Scheißnacht, in der man realisiert, wie beschissen alles ist. Am Morgen des 01.01. lag dann draußen Schnee und ich sehe durch das Fenster meine kleine Schwester Schneemänner bauen. Ich habe daraufhin einfach angefangen, auf dem Klavier zu spielen, während ich sie weiter beobachte. Und da ist die Melodie des Refrains von “Hope” entstanden. Das ist auch eine ziemlich repräsentative Geschichte, denn eigentlich sind alle Songs mit einem Backround entstanden. “Pray” ja auch, das ist ein Song mit einer relativ klaren Aussage. Es geht darum, jemanden dabei zu beobachten, wie er oder sie sich selbst kaputt macht und es selbst vielleicht gar nicht bemerkt. Wobei das auch so in Anführungsstrichen sein muss. Wer hat das Recht zu beurteilen, ob jemand anderes in eine falsche Richtung läuft? Aber ja, bei mir sind es hauptsächlich düstere Emotionen, die ich in meiner Musik verarbeite und die raus müssen. Ich habe die EP auch in so vielen verschiedenen Lebensabschnitten produziert. „Circles„ ist während einer ganz düsteren Phase 2020 entstanden. Da habe ich auch dazu tendiert, sehr extrem zu leben, tagelang in meinem Zimmer zu verschwinden und stundenlang das Essen und Trinken zu vergessen. Ich war bisschen wie ein Kind, das die Eltern von den Legosteinen wegziehen müssen, damit es endlich ins Bett geht (lacht). Die EP war auf jeden Fall eine Art Pilotprojekt für mich. Sie sollte eine Geschichte erzählen, ohne zu viel Preis zu geben. Und ich finde, dass das eigentlich ganz gut gelungen ist.
„Seit ich 14 bin habe ich quasi nichts anderes mehr gemacht“
Jule: Wie hat denn deine musikalische Karriere eigentlich begonnen?
Jacob Leo: Relativ klassisch eigentlich, ich habe mit 6 Jahren Klavierspielen gelernt, mit 12 Jahren dann Gitarre und habe in einem Chor gesungen. Irgendwann wurde mir klar, dass ich das ja auch alles selber machen und erschaffen könnte. Ich habe mir dann Gitarrensolos überlegt, fand Matthew Bellamy von Muse super. Dann ging es weiter mit dem Gedanken, dass ich auch selbst produzieren könnte. Ich habe mir Programme runtergeladen, da konnte ich mein Klavier anschließen und habe damit erstmal nur Scheiße gemacht. Mit einem Klavier und dem passenden Programm kannst du ja theoretisch eben auch eine Gitarre einspielen. Klingt zwar, wenn du eigentlich keine Ahnung ist, erstmal scheiße, aber geht. Das Ganze hat mir aber auf jeden Fall eine neue Welt eröffnet. Seit ich 14 bin habe ich quasi nichts anderes mehr gemacht. Ich habe damals auch mal eine CD produziert, mit so 12 oder 13 Songs drauf und habe sie an meine Familie verschenkt. Das klang alles nicht so gut und die Texte waren auch schlimm, aber das waren auf jeden Fall meine musikalischen Anfänge.
Jule: Hast du daraus denn auch mehr gemacht, eine musikalische Ausbildung oder sowas?
Jacob Leo: Ja, ich bin aber gerade noch mittendrin. Ich studiere Musikproduktion, also tatsächlich eher technisch, aber mit Gesang im Hauptfach. Also für mich eine richtig schöne musikalische Mischung. Dadurch, dass ich viel produziere, bin ich auch sehr technisch und würde behaupten, dass ich der Musiktheorie ganz gut ausgebildet bin. Ich war aber auch bis zum Stimmbruch in einem Chor. Nur wusste ich damals nicht, dass es im Gesang viel darum geht, auf sein Gefühl zu vertrauen. Mir fiel es schon immer eher leichter, Gefühle über Sounds als über Texte zu vermitteln. Also ganz klar meine Message zu präsentieren – klingt das hoffnungsvoll oder traurig, düster oder depressiv? In meinen Songtexten lasse ich gerne Spielraum, da kann man dann so viel oder so wenig reininterpretieren, wie man will. Manchmal sage ich ein bisschen klarer und ausformulierter, was auch in meinem Kopf für mich klarer ist. Und manchmal sind es abstrakte Gefühle, die ich äußere und irgendwie mit Bildern versuche zu verknüpfen. Hier habt ihr Fetzen meiner Gedanken, macht eure eigene Story daraus. Und vielleicht identifiziert sich dann ja jemand auch genau damit? Wenn ja, dann ist es das Schönste. Aber es geht mir eben eher um die Stimmung, das fand ich als Teenager schon total cool und seitdem hat es auch nicht mehr aufgehört. Und da ich beim Produzieren eben ganz genaue Vorstellungen habe, bin ich auch sehr an meinen Computer gebunden – das ist mein Medium im Endeffekt.
Jule: Spannend und doch eher ungewöhnlich. Aber tatsächlich hatte ich dieses Gefühl auch, als ich deine Debütsingle “Pray” zum ersten Mal gehört habe. Die ist textlich ja schon sehr emotional. Auch wenn du gerade gesagt hast, dass du eher technisch bist, finde ich schon, dass du nicht minder emotionale Songs schreibst, da ist schon sehr viel Herz drin.
Jacob Leo: Schön, dass du das sagst, danke. Und absolut, ich bin vom Kern her ein ultra emotionaler Mensch und sehr feinfühlig, was Stimmungen angeht. Ich finde, man kann in Songs Stimmung und Message gut voneinander trennen. Aber na klar, man kommt ja nicht drum rum, Gefühle zu zeigen und die lasse ich auch wie sie sind. Aber dann kommt bei mir eben als nächstes immer die Frage, wie ich den Herzschmerz aus dem Text jetzt durch Instrumente spürbar machen kann. Ich kann mich da sehr gut in Präzision verlieren, so unromantisch das auch klingen mag. Auf der anderen Seite: Wie oft tanze ich wie ein Bekloppter alleine in meinem Zimmer rum, wenn ich gerade einen neuen Song produziere – einfach, weil ich es dann so sehr fühle. Das ist auch etwas, das ich nie vor Leuten zeigen würde, weil ich da manchmal wie ein kleines Kind mit meinem Mikro durchs Zimmer tanze und dazu singe (lacht).
Jule: Das ist doch mega schön! Wenn du und das Kind in dir sich etwas für deine Musik wünschen könnten, gerne auch utopisch gedacht, was wäre das?
Jacob Leo: Auf der einen Seite wären das so unlimited technische Möglichkeiten, mit einem großen Team eine krasse Bühnenshow auf die Beine zu stellen. Ich habe zum Teil auch so utopische Bilder im Kopf, wie ich eigentlich gerne Songs machen würde. Und dann kommt ich natürlich der Punkt mit meinem Bekanntheitsgrad und so, also das kann ich halt jetzt nicht ganz machen (lacht). Ich würde zum Beispiel voll gerne eine Bühnenshow mit Stunts auf die Beine stellen. Stell dir mal vor, so ein richtig epischer Abschlusssong und zum letzten Snare-Schlag springe ich einfach aus 20 Metern in die Tiefe. Ich möchte auch gerne brennen oder dass im richtigen Moment der Musik Dinge explodieren und solche Sachen (lacht). Ansonsten würde ich mir für mich mehr Gelassenheit und Entspanntheit im Entstehungsprozess wünschen. Finanzielle Unabhängigkeit, das ist wahrscheinlich der Wunsch von allen Musiker*innen. Aber es wäre auch schon schön, nur noch am Mischpult stehen und nicht jeden Tag einem Job nachgehen zu müssen, mit dem ich zwar Geld verdiene, der mir aber Zeit zum Musikmachen klaut. Ich würde mich gerne einfach 24/7 um meine musikalischen Babies kümmern können. Und jetzt wäre es mir auch noch möglich, brennend von Erhöhungen runterzuspringen – wenn ich 60 bin muss ich das wahrscheinlich auch nicht mehr haben (lacht).
„Ich möchte irgendwann auch große Bühnen bespielen“
Jule: Apropos live: Du spielst ja Ende Oktober beim KiezKultur-Festival. Hast du dich ansonsten auch schon mit Konzerten auseinandergesetzt oder macht das für dich in der aktuellen Live-Situation keinen Sinn?
Jacob Leo: An sich macht das für mich natürlich total Sinn, dass ich live spiele. Einfach weil ich, wie du gerade schon mitbekommen hast, auch sehr viel ausprobieren möchte. Aber auf der anderen Seite ist es natürlich ein Problem für kleine Künstler*innen, überhaupt irgendwo spielen zu können. Aber live ist und bleibt auf jeden Fall ein wichtiges Thema. Ich möchte irgendwann auch große Bühnen bespielen und ich komme nicht drum herum, dafür Erfahrung zu sammeln. Das ist aktuell aber für alle einfach extrem schwierig. Konkrete Pläne dafür stehen noch nicht, aber wenn es soweit ist, sage ich natürlich Bescheid!
Jule: Ich bitte darum! Und damit kommen wir auch schon zur letzten Frage. Die ist bei uns klassischerweise immer die nach einer untold story – etwas, was du noch nie öffentlich erzählt hast.
Jacob Leo: Oh, das ist eine fiese Frage. Ich bin doch so jemand, ich erzähle halt einfach immer alles (lacht). Hm, also ja. Ich bin ein Kaffee-Arschloch.
Jule: Was ist denn ein Kaffee-Arschloch?
Jacob Leo: Waaas, weißt du nicht, was ein Kaffee Arschloch ist? Also ein Kaffee-Arschloch bin ich, männlich, 23 Jahre alt und ich brauche Kaffee, aber ich brauche guten Kaffee. Ich bin so der Typ “Flat White mit Hafermilch, bitte”, exakt auf 62,7 Grad erhitzt und 18 Gramm Kaffeepulver in der Siebträgermaschine einmal durchgelaufen, so der Vibe. Ich bin auch richtig schlecht drauf, wenn es morgens nur Filterkaffee gibt. Ein Hotel, das nur Filterkaffee anbietet, da bin ich richtig pissig. Meine Traumwelt hat auch ganz viel damit zu tun, dass es überall zu jedem Zeitpunkt guten Kaffee gibt. Ich war im Sommer im Urlaub auf Sardinien und ich war ENTTÄUSCHT. Die haben eigentlich sehr guten Kaffee, aber aus irgendeinem Grund geht man dort davon aus, dass Tourist*innen keinen guten Kaffee trinken wollen? Also das ist so eine krasse Eigenart von mir. Und Leute, die mich im Leben begleiten, finden das auch ganz schnell heraus. Ich bin halt nachtaktiv und dementsprechend ein kleiner Grumpy Boy am Morgen. Wenn ich dann keinen guten Kaffee kriege, dann ist wirklich… dann kann man nicht damit rechnen, dass ich mit “Guten Morgen Leude, let’s goooo” in den Tag starte (lacht).
Jule: Dann bin ich froh, dass du heute Morgen offensichtlich deinen geliebten Kaffee bekommen hast (lacht). Danke für deine Zeit und das schöne Interview!
Hier könnt ihr euch Jacob Leos, unserer bescheidenen Meinung nach, grandiose Diskographie – da findet ihr auch die neue Single „Blockades“ – reinfahren, bevor ihr ihn am 22.10.2022 beim KiezKultur-Festival in Hannover bestaunen könnt:
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Brenda Blitz veröffentliche im Juli ihre neue EP „Schock Herzbrand“. Sie ist schrill, mutig, aufregend und nimmt kein Blatt vor den Mund. So wie Brenda eben auch. Auf 6 Tracks zeigt Brenda Blitz, wer sie ist und dass es Gründe gibt, wieso man ihr zuhören sollte. Nach Supportshows für Querbeat, Ok Kid und Das Moped bewies sie, was sie live drauf hat und wie mitreisend ihr Auftreten funktioniert. Außerdem ist Brenda diesen Monat für den popNRW-Preisnominiert.
Schock Herzbrand macht, ebenso wie ihr Debüt-Vorgänger, vor allem Spaß und lädt zum tanzen ein. Wobei dennoch sowohl textlich, als auch produktionstechnisch, eine deutliche Weiterentwicklung zu erkennen ist. Wir sind gespannt, was Brenda noch für uns in Zukunft bereit hält, denn an Energie und Motivation mangelt es ihr offensichtlich auf keinen Fall.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Dascha: Hi, schön, dass das geklappt hat. Magst du dich mal vorstellen, für alle, die dich noch nicht kennen?
Brenda Blitz: Voll gerne. Ich bin Brenda Blitz. Aber eigentlich sag ich, auch auf der Bühne, lieber „Wir sind Brenda Blitz“, weil mein ganzes Team dazugehört. Also ja, ich bin Brenda und mache Wave-Pop.
Dascha:Und wie würdest du deine Musik in drei Adjektiven beschreiben?
Brenda Blitz: Auf jeden Fall knallig. Und, das ist zwar kein Adjektiv, aber: immer mit doppeltem Boden. Das find ich total wichtig. Der Sound ist ja meistens so treibend und happy, aber Themen nicht immer so. Also vor allem bei den neuen Songs sind Text und Melodie meistens konträr zu einander. Und als drittes experimentierfreudig.
Dascha: Deine neue EP „Schock Herzbrand“ ist ja im Juli erschienen. Was war währenddessen die größte Herausforderung für dich und was die größte Freude?
Brenda Blitz: Als ich die EP angefangen habe, habe ich noch nicht so unglaublich lange Musik gemacht und für mich war die größte Herausforderung, sie so klingen zu lassen, als würde ich schon ganz lange Musik machen. Ich wollte viele Einflüsse einbringen, mich an vielen verschiedenen Stilelementen bedienen, ich wollte einfach alles, was ich bin da reinpacken. Ich wollte einen Wiedererkennungswert erschaffen und mich von meiner vorherigen EP abheben. Im Endeffekt hab ich dann einfach gemacht. Die größten Herausforderungen kamen immer in den Zwischenschritten. Das Studio, wo ich aufgenommen hab, ist auf dem Land, dann musste ich Tausend Mal hin und her fahren. Die ganzen Fertigstellungsprozesse, die durchgemachten Nächte, die ganzen Leute, die wir bezahlen mussten, die Förderungen an den Start zu bekommen… Das hat so eine große Infrastruktur eine EP auf die Beine zu stellen. Also die Herausforderung lag darin, dass ich das alles so gut, groß und professionell wie möglich machen wollte. Ich glaube die Kapazität dieses Projekts war ein bisschen größer als ich. Ich dachte zwischendrin, dass ich das nicht packe, aber habe es doch durchgezogen. Es waren harte 1 ½ Jahre. Die größte Freude war, als alles fertig war und ich gemerkt hab, dass wir alles richtig gemacht haben. Ich musste anfangen zu weinen, als ich die fertige EP dann gehört habe, das war krass. Auch Nick, mit dem ich das produziert habe, hatte Tränen in den Augen und ich dachte okay, das ist ein gutes Zeichen, dass man was spürt. Ich glaube, das war die Antwort auf alles: Wenn ich nicht geweint hätte, hätte ich was falsch gemacht.
Dascha: Voll schön! Du hast die Worte „Schock Herzbrand“ schon 2019 in deiner Single Durchsichtig erwähnt. Wieso wurde das nun der Titel deiner EP?
Brenda Blitz: Ich hab einfach Wortschöpfungen oder neu definierte Begriffe, die ich gerne mag. Und den Ausdruck „Schock Herzbrand“ gibt es quasi ja noch gar nicht. Ich fand es war eine schöne Antwort darauf, dass ich aus der ersten EP etwas mitgenommen hab. Außerdem passt es einfach so gut zu dem Gefühl der Platte, dieses Verliebtsein, dass das Herz weh tut. Ich hab diese grätschigen Gitarren da drin, die manchmal viel zu hoch sind und fast weh tun. Einfach so reizüberflutend wie das Leben halt. Das war also nicht geplant, ich habe einfach überlegt und gemerkt, dass der Begriff mega gut passt.
Dascha: Finde diese Wortschöpfung ruft einem mitten ins Gesicht. Von dem Song Energievampir bin ich großer Fan. Was raubt dir die Energie und was gibt dir Energie?
Brenda Blitz: Menschen, jeder Art, die mir nicht gut tun, rauben mir die Energie. In dem Song geht’s ja auch nicht um eine klassische Beziehung, sondern um eine Art von Freundschaft. Außerdem Ungerechtigkeit. Dazu gehören auch Strukturen in der Musikbranche. Da gibt’s richtige Energiezieher, wo man sich so ungerecht behandelt fühlt. Dinge, die mir Energie geben, sind aber gute Freundschaften. Und Sport und Ernährung, damit kann ich meine Stimmung um 180 Grad umdrehen, wenn’s mir schlecht geht. Wenn ich einen neuen Track gemacht habe, gibt mir das auch richtig viel Energie. Ich würde sagen im Endeffekt ist es wirklich sehr entscheidend, was für Menschen man um sich rumhat, ob man Energie bekommt oder sie entzogen wird.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Dascha: Du hast außerdem einen Song auf der EP mit dem Titel 17. darin besingst du das Lebensgefühl aus der Perspektive eines Teenies. Was würdest der 17 jährigen Brenda heute raten?
Brenda Blitz: Ich würde ihr raten, weniger Drogen zu nehmen. (lacht) Ich würde das heute nie machen. Meinem 17 jährigen Ich würde ich sagen „Ey, hör auf zu ballern und fang mal an Musik zu machen“. Ich würde ihr auch raten keine Energie an irgendwelche daher gelaufenen Typen zu verschwenden. Wenn ich die Zeit, die ich in Männer investiert habe, in Gitarren investiert hätte, wär ich heute Jimi Hendrix. (lacht) Aber im Endeffekt ist ja alles gut, ich bin jetzt hier, wo ich bin. Ist ja auch wichtig, dass man solche Phasen hatte, in denen man sich um nichts Gedanken gemacht hat, außer darum, wie das nächste Wochenende aussieht. Ich würde mir im Nachhinein aber raten nicht erst mit Anfang 20 richtig mit der Musik anzufangen. Einfach gesagt „Mach früher das, was dich weiter bringt“.
Dascha: Und wie kamst du dann dazu Musik zu machen?
Brenda Blitz: Eigentlich wollte ich das schon seit ich klein bin, habe mich aber für viele unterschiedliche kreative Dinge interessiert. Ich hab auch mal im Theater gearbeitet, manchmal beim Film, ich konnte immer vielen kreativen Spaten etwas abgewinnen. Dann hab ich aber gemerkt, dass die Musik mich von allen am meisten angezogen hat. 2019 habe ich mir gesagt „du machst das jetzt richtig“ und habe es dann angefangen durchzuziehen. Ich war auf einem Festival und dachte „Du willst da oben doch auch stehen“. Außerdem tu ich es mir mit Anstellungsverhältnissen sehr schwer. Ich hatte schon 28 verschiedene Jobs gehabt. Das liegt auch daran, dass ich mit Autoritäten so schwer klar komme. Auch in der Schule schon. Es fällt mir schwer, mich nach Strukturen von anderen zu richten. Das ist an Musik als Job auch so cool, dass man da so frei ist. Das ist jetzt drei Jahre her, seit ich gesagt hab ich ziehe das jetzt zu 100% durch. Und ich war damals wirklich bei 0. Ich kannte nicht eine Person, die Instrumente spielt und kein Studio, kannte gar keine Veranstalter*in oder so. Aber in mir war ein Feuer, das man nicht löschen konnte.
Dascha: Und wenn du von dem Moment sprichst, in dem du wusstest, du willst das auch machen und auf einer Bühne stehen willst: Ist es jetzt so, wie du es dir in dem Moment vorgestellt hast?
Brenda Blitz: Voll gute Frage. Manchmal, manchmal. Ich hatte natürlich vergessen, dass man nicht direkt bei einer ausverkauften Bühne startet wie zum Beispiel bei Nina Chuba. Künstler*innenwege können ja sehr unterschiedlich sein. Ich hätte mir damals nicht vorstellen können, dass es manchmal auch gar keinen Spaß machen wird. Der Sommer war auch ziemlich durchmischt, was die Liveshows anging. Wenn man sieht, dass Leute Spaß haben und sogar mitsingen, dann ist es so, wie ich es mir vorgestellt habe. Dass die Leute vor der Bühne einfach eine gute Zeit haben und es meine Aufgabe ist, ihr Freitagabend zu sein. Aber insgesamt ist es definitiv härter, als ich es mir vorgestellt habe. Ich liebe es wahnsinnig, aber es gibt viele anstrengende Momente. Die mich aber nicht 1cm davon wegtreiben würden.
Dascha: Du meintest ja der Live-Sommer war durchmischt. Wieso hattest du das Gefühl?
Brenda Blitz: Seit Anfang des Jahres hab ich eine Booking Agentur und ich habe gesagt, ich will dieses Jahr überall spielen, wo es möglich ist. Das Konzept: Wir nehmen alles mit. Aber dadurch hat sich rausgestellt, dass nicht unbedingt der richtige Weg ist. Ich denke da immer an das Altstadtfest in Trier. Das zählt zu den negativen Erlebnissen. Das war halt so ein dörfliches Stadtfest mit Bratwurst. Finde ich eigentlich mega cool, dass man sagt man bringt genau an solche Orte mal keine Coverband, sondern etwas ganz neues. Aber leider ist das nicht ganz so aufgegangen, weil das Publikum überhaupt nicht dafür da war. Da waren im Endeffekt nur noch drei Leute vor der Bühne, das war schon frustrierend. Und ich habe gemerkt, da gehör ich irgendwie nicht hin.
Außerdem hab ich auch Konzerte gespielt wo kaum oder gar keine Gage da war. Die Range war sehr groß, von 0 bis 1200 € war diesen Sommer alles dabei. Man redet ja oft nicht offen über Gagen. Da frage ich mich manchmal schon, was andere Bands, die vielleicht nur white Dudes sind, bekommen. Ich mag es nicht, wenn man sich ungerecht behandelt fühlt. Wahrscheinlich habe ich dieses Jahr auch festgestellt, dass es bei Festivals keine Sache von „Wir haben kein Geld“, sondern viel mehr eine Sache der Umverteilung ist. Der Main-Act kriegt ja meistens 80 % des Gesamtbudgets und für die kleinen Bands bleibt kaum etwas übrig. Das ist unfair, aber eben ein strukturelles Problem. Niemand würde in seinem Job gerne 20 Cent pro Stunde verdienen. Das macht mich schon traurig, ich möchte nämlich immer alles geben und die beste Show abliefern. Ich nehme teilweise allein für den Hinweg 6-7 Stunden auf mich, schleppe mich tot, schlafe im Zug und bin total kaputt. Wenn ich mir dann zurück ein Ticket am Bahnhof kaufe, ist meine Gage dann manchmal schon weg. Ist nicht immer so, aber kam oft vor. Da hat man schon das Gefühl, dass man nicht wertgeschätzt wird. Es gab zum Glück auch sehr geile Konzerte und Festivals, wo alles gestimmt hat. Was war für dich das coolste Festival oder Konzert dieses Jahr?
Dascha: Ja voll, da hast du Recht. Jetzt spontan würde ich sagen das Stadt Ohne Meer Festival, das ist jedes Jahr eines der schönsten Erlebnisse des Jahres für mich. Das ist auch in meiner Heimat, also ein richtiges Herzensding.
Brenda Blitz: Das war auch mein absolutes Lieblingsfestival. Die Leute waren alle super sweet und fair, sowohl vor, als auch hinter der Bühne.
Dascha: Du meintest ja bei den negativen Auftrittserfahrungen war das Publikum nicht passend. Ich denke, es gibt viele Menschen, die einfach nicht bereit sind, sich auf etwas außerhalb ihres gewohnten Kreises einzulassen. Was würdest du sagen, muss man wissen oder verstehen, um Brenda Blitz zu verstehen? Wie kann man sich besser darauf einlassen?
Brenda Blitz: Ich glaube, es ist ein Gefühl. Entweder du fühlst es oder du fühlst es nicht. Man kann ja auch niemanden dazu zwinge, etwas zu mögen. Ich fühl Trap zum Beispiel überhaupt nicht. Hip-Hop ist ja oft politisch, das ist cool und gut zu wissen, aber trotzdem erreicht mich der Sound einfach nicht. Da kann ich mir solche Liveshows egal wie oft anschauen, ich fühl’s nicht. Ich glaube manchen geht es so mit Brenda Blitz, aber das ist auch voll okay. Andersrum merke ich auch, dass wenn jemand davon gecatched ist, er oder sie das dann gar nicht richtig erklären kann. Ein Brenda Blitz-Gefühl haben oder eben keins.
Dascha: Passend dazu: Was für Komplimente hörst du am liebsten zu deiner Musik? Was freut dich am meisten?
Brenda Blitz: Also ich freue mich generell immer über alles, was mir schönes gesagt wird. Das aller schönste was mir wahrscheinlich gesagt wurde war von ein einem sweeten Teeniepärchen. Die meinten, als sie zusammengekommen sind, haben sie immer zusammen Küss Mich gehört. Das ist so cool, Teil von einem Erlebnis zu sein. Das kennt ja jeder, wenn man verliebt ist und einen Song auf Dauerschleife hört. Man wird für immer diesen Song mit dieser Situation verbinden. Ansonsten ist es auch immer schön, wenn jemand sowas sagt wie „Ich hatte eine schlechte Woche, aber dein Auftritt hat mir grad viel gegeben“. Wenn man Leute ein bisschen aus ihrem Alltag rausfischen konnte. Dafür macht man es ja auch. Ich freu mich aber sehr über detailliertes Profi-Feedback und wenn Leute auf kleine Akzente achten.
Dascha: Und was würdest du dir wünschen, was die neue EP in den Hörer*innen auslösen soll?
Brenda Blitz: Ich würde gerne eine neue Ebene aufmachen. Also zeigen, dass noch mehr möglich ist und dass Dinge nicht immer so sind, wie man denkt. Dinge sind nicht so festgefahren, wie sie scheinen. Auch soundmäßig würde ich gerne Horizonte erweitern. Die EP ist schon poppig geworden, aber es ist trotzdem ein alternativer Sound. Ich find’s cool, wenn Leute dadurch vielleicht eine Form von Musik kennen lernen, die sie vorher nicht kannten. Ansonsten auch noch eine Art Selbstermächtigung durch die Texte. Und auch, dass man den Humor und die Fähigkeit über sich selbst zu lachen nicht verlieren darf. Natürlich hoffe ich auch, dass die Leute bei Nicks quietschenden Gitarrensolos genau so mitfiebern und eine gute Zeit damit haben.
Dascha: Was können wir noch von dir erwarten? Was sind deine kommenden Ziele und Träume?
Brenda Blitz: Also ich bin schon an den nächsten Tracks dran. Ich hab ganz viele politische Skizzen bei mir rumliegen, bei denen ich immer unsicher war, ob ich sie rausbringen soll, weil es so aneckende Themen sind. Eins meiner Ziele ist also politischer in der Musik zu werden. Ansonsten auch meine Liveshow. Ich möchte eine unglaubliche Show auf die Beine stellen. Dafür wünsche ich mir, dass die Gagen bald gut genug sind, damit ich alle Tänzer*innen auf der Bühne immer dabei haben kann, wie ich es mir vorstelle. Es soll richtig aufregend werden. Und auch, dass Brenda Blitz sich bei den Leuten festsetzt, dass mehr Leute das kennenlernen.
Dascha: Dann bin ich gespannt darauf! Deine Musik geht ja auch in Richtung New Wave. Hörst du in deiner Freizeit viel solcher Musik?
Brenda Blitz: Das war auf jeden Fall meine erste Inspiration. New Wave war die erste Musik, bei der ich wirklich was gespürt habe. Auch in der Schule sind damals alle auf ihre Charts-Partys gegangen, ich war aber immer eher nischig unterwegs. Also nicht nur New Wave, auch viel Talking Heads, The Cure, The Smiths, Joy Division, die ganzen Klassiker. Ich hab daraus total viel gezogen. Aber auch von den neuen Bands in der Richtung, Black Marble zum Beispiel. Mittlerweile hör ich sowas aber weniger und jetzt auch viele poppigere Sachen, nicht nur ganz dunkle Sachen. Dua Lipa und HAIM zum Beispiel. Ich find das so geil produziert, da achte ich viel drauf. Aber ich höre immer noch gar keine deutschsprachige Musik.
Dascha: Echt? Das hätte ich nicht gedacht.
Brenda Blitz:Das Moped, mit denen ich auf Tour war, die sind mal wieder eine coole deutschsprachige Band. Und Drangsal mag ich auch. Aber ansonsten wirklich gar nichts. Inzwischen bin ich aber viel offener geworden, was das angeht. Ich interessiere mich jetzt auch für Musik in den Charts, das hätte ich früher niemals gedacht. Es ist einfach spannend sich mit Popkultur zu beschäftigen.
Dascha: Cool, wie sich das ändert. Deine Musik klingt ja auch eher uplifting als dunkel. Ich bedanke mich für deine Zeit und deine Antworten!
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Aufgepasst an alle Pop-Mäuse, heute möchte ich (Sarah) euch einen garantierten Top-5 Artist von meinem Spotify Wrapped 2022 vorstellen. „I wish you would call me, call me an asshole“ – Hastings hat die perfekte Kombination aus süchtig machenden Melodien und genialen Lyrics einfach verstanden.
Ich habe mich mit Sänger Matt letzte Woche auf Zoom getroffen, und mit ihm über die Musikszene in Nashville, die allererste Tour, und die neueste Single gesprochen: „Blame the Brakes“ – die am 30.9. released wurde. Wer also für zukünftige Hit-Singles am Start sein möchte, sollte sich hier auf jeden Fall mal einlesen, und dann sofort weiter zu Spotify wandern.
Sarah: First off, thank you so much for taking the time! How are you today?
Hastings: I’m great! I’m sorry, I’m in my car right now. The connection might be a little bit rough at moments, but we’re rolling with the punches.
Sarah: I can hear you alright, so it should work! Fingers crossed! … Would you like to introduce yourself to our readers who don’t know you yet?
Hastings: Sure! I go by Hastings. My first name is Matt, my last name is Hastings. I’m a pop artist from Nashville, Tennessee.
Sarah: Nashville has a pretty big music scene, I’ve heard. What is it like?
Hastings: A very big music scene. And it’s grown, especially over the last five years. I think it’s most known for its country music, to be honest. Whenever I tell somebody I’m from Nashville and I say I do music, everybody automatically assumes I do country music. But there’s always been a little pop scene. There’s always been a little rock scene. Especially over the last five years, I feel like the pop scene has just grown bigger and bigger. And I think it’s getting to the point where it’s just as competitive – I say competitive, or compelling, either one – as LA or anywhere else like that.
https://www.youtube.com/watch?v=VaWQ2iwqPLw
Musikalische Einflüsse in jungen Jahren
Sarah:Did you grow up in Nashville? I feel like that growing up in a city like that, I would probably want to start making music myself.
Hastings: I didn’t grow up in Nashville, actually. I was raised in the church, so my dad was – is a pastor still, he was a pastor my whole life. So I grew up moving around and moving to different churches and everything. I was born in Florida, and I was always kind of surrounded by music, my dad was a huge influence on me. And still is, but he kind of surrounded me with music from as early as I can remember. And yeah, I was born in Florida. When I was three, I moved to Michigan, which was a huge jump…
Sarah:I can imagine!
Hastings: Especially weather wise. And then I’ve been around the Tennessee area since I was like six. So I lived in Chattanooga, and I lived in this really small town. I don’t know if you’ve heard of the festival, Bonnaroo? It’s a huge festival.
Sarah: Yeah, and I’ve been to Chattanooga, actually!
Hastings: Oh you’ve been? The aquarium is cool. That’s all I’ll say. I think there’s not a lot of things in Chattanooga. And there’s especially not much in where I spent most of my growing up days in Manchester, Tennessee, which is where Bonnaroo is. It’s a super small town. Nothing happens there except Bonnaroo once a year.
I grew up homeschooled which gave me a lot of time to do music. I would wake up and do my school in like an hour. And then I would just like sit and play music all day. And of course growing up in the church, I played music in the church every week. But yeah, I moved, my parents were gracious enough to let me leave the small town and go to Nashville.
I knew one guy in Nashville, one producer and I slept on his couch at 16. My dad gave me his car. He was like „Go to Nashville, do your thing.“ – he could tell I was getting kind of antsy. So he let me go, he gave me his car and I drove to Nashville, and I never turned around once, except for when I had to go back and get my GED because I told my parents I’d do school on my laptop. They were like, please, if you do something, just finish high school. And I did. But yeah, I’ve been in Nashville since I was 16. I’m 22 now. And Nashville is definitely home.
Sarah: Earlier this year you were on tour with The Band CAMINO and flor. That was your first tour ever, right?
Hastings: Yes, it was!
Sarah: Funnily enough, you were part of one of my favourite memories from that tour, I was with flor. And I remember selling merch alongside Preston in Santa Ana, and we were just like, jamming out to Blank Me.
Hastings: That’s so cool! Preston is the sweetest guy. And I feel like we met then?
Sarah: Yeah we did! I remember you saying hi to me. And I didn’t fully register that until I was around the corner. And I was like, that probably seemed so rude…
Hastings: No, no, not at all. Yeah, that was my first tour. I think about it every day, every time I talk to somebody about it. I always just say it was such a learning experience. In the first 10 shows, I was really trying to figure out how I wanted to be, you know, perceived on stage. And I’ve never really done that before.
A lot of people go and brush off the cobwebs, but I didn’t have any cobwebs. Like I was just trying to figure out how to perform. And I was a nervous wreck the whole time to be honest with you, but it got a little bit easier. The second half, it all just comes with reps at the end of the day. You know, I was just trying to figure it out.
But I love The Band CAMINO, those are some of my really good friends here in Nashville. And I was very grateful and just incredibly excited when they asked me to go on tour. And from that tour, I’ve made great relationships with the flor guys and honestly, like I couldn’t have asked for a better first tour.
(notices I’m wearing a flor shirt) Nice! I have that same shirt.
Sarah: You probably also have the same tattoo? (on that tour in Seattle bands & crew all got tour tattoos backstage)
Hastings: No way! Wait. Hold on, I gotta show you mine! (shows me his tattoo)
Sarah: Yay!! We’re matching!
Hastings: That’s so cool. Yeah, I couldn’t have asked for a better first tour, everybody was incredibly kind and gracious and everybody who we were touring with were just … veterans. We had no idea what we were doing. We were like very, very fresh to all of it. So it was a great experience. It really was.
Sarah: Honestly, I think you were one of the best openers I’ve seen in a while. Sometimes it feels like artists that are opening have a little bit of a problem to capture the audience’s attention. Or sometimes it feels like the room is just too big for them. But it didn’t feel like that with you at all!
Hastings: That means a lot. I feel like there were moments where I was just trying to figure out what to do. But I’m very glad it came across like that. So thank you for saying that.
Sarah: Do you have a favourite memory from a show that you’ve played?
Hastings: Probably the last show of that tour. It was Philly, and it was way more of a celebration than a show, with maybe a little too many tequila shots. We were just having a great time on stage, we played six songs every night, a 30 minute set. And in between every song, one of the members of flor or The Band CAMINO would bring out shots for me and my band. So by the end of the set, we took like six shots in the span of 25 minutes. And it was fun. So that was probably my favourite memory for sure… what I can remember of it.
Sarah: (laughs) … Also what I think is great about a music, is that there’s a song for every mood. Like Take Mine for whenever I run back to the person who treated me like shit, but I still can’t stay away. Asking for a Friend when I’m done with feelings and just over it. I’m guessing your songs are biographical? Do you naturally gravitate towards writing songs about love?
Hastings: That’s always my initial instinct. The few songs that are out definitely are all about love. I have songs that aren’t, that aren’t out, but that’s what I find I write the most about at the end of the day. And those are my best songs just because of what I’ve been through, and even some of my songs are what my friends have been through. I kind of just pull from pull from every aspect of a relationship.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sarah: You also released a new song last week, Blame the Brakes. First of all love the cover! The vibes, like the colours?? Do you want to tell me a little bit more about the song?
Hastings: Yeah, Blame the Brakes was one of the first songs I wrote with my producer Mike Robertson, and I wrote it with these two fantastic writers who also wrote majority of my first EP with me. And we wrote it I guess two years ago, we hadn’t written a lot before. And by the end of the day, it was one of those where we walked out, and we were like, okay, we we’re really excited about this! We should keep writing more, and kind of ride that wave. But yeah, I’ve been waiting to put the song out for for two years and it feels very good.
I think the song kind of screams commitment issues and you know, running away from something before you ruin it in the first place. And then you realise that you ruined it because you ran away, and I think everybody can kind of feel that. I’m just very excited to have the song out. I’m obviously very excited to put any song out but this one just feels really special.
Sarah: Also earlier this month you were featured on „Killing Me“ by NOTD. And I saw that you even went to Sweden this summer. How did that collab come about? And did you work on more music while you were there?
Hastings: Yeah, so, I’ve been a fan of NOTD since I was like, 16, since I started loving pop music. It’s all on my TikTok, but I sent them an email when I was 16, and it was the most innocent email ever. I was just like, I love your music, I would love to take my sound to the next level, I love what you guys do. And everybody who is trying to get into the industry has to send those emails, and like, get your foot in the door. So it was very cute, the way I worded a lot of things, but I’ve been such a fan of them.
And we crossed paths, we wrote a song in Nashville. That was the first song that we wrote together. And we wrote it in the room completely. I love those guys so much. They’re just so so sweet, and incredibly talented. I didn’t know this until after the song was out – but they told me that this was one of the only songs that they have ever put out, that they have written in the room. And it just felt special for everybody, you know. So I love those guys. And I appreciate them like, you know, taking a taking a chance for me.
Sweden as a whole – I was only there for two or three days, which my body was not ready for at all because of the time change. And I was trying to adjust, but the adrenaline was high. But the two days were incredible. Stockholm was the most beautiful place I’ve ever been to. The people are beautiful. Everybody is just kind.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sarah: Do you have any plans for coming back to Europe, … maybe even play a couple shows?
Hastings: Well, yeah, I mean, I would love to come back to Europe, like as soon as possible. I don’t think I have any plans at the moment. But I’m hoping something will come up in the near future!
Sarah: So, what’s the rest of your year going to look like? Any exciting things ahead?
Hastings: Right now, I have a lot of music just sitting that is almost done. But there’s songs that I know I want to release. I’m in a place right now where I would love to just pump out music as quick as possible. I’ve just been sitting on some of these songs for so long, and I want them out in the world. So Blame the Brakes is out now. And hopefully in the next month I’ll put out another one! And just keep the ball rolling. So yeah, can’t wait!
Sarah: Great! Then we have reached the last question. And with our music magazine being called Untoldency, our last question is always asking for an untold story. Something that you’ve never shared in an interview before, but want to share now. It can be anything, like a random fun fact, an anecdote. Your life motto if you have one, or just something that you want to share with our readers.
Hastings: I love that. I think I like the life motto my dad always told me growing up, and my siblings. I think it’s a pretty universal saying, but it has helped me through a lot. And he always said that you’re doing better than you think you are. And like any aspect of life, you know, don’t overthink it. I’m a classic over thinker. It’s not that deep. Sometimes it is that deep. But yeah, you’re doing better than you think you are. So I hope that can be some encouragement to to somebody.
Sarah: Thank you! I feel like that’s a good ending to our interview!
Hastings: Well, thank you for having me on.
Sarah: Of course! Thank you for taking the time.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Dortmund ist zugegebenermaßen nicht besonders bekannt dafür, das Zuhause von Indie-Bands zu sein. Walking On Rivers brechen dieses Vorurteil. Die Indie-Folk Band aus dem Ruhrpott besteht aus David, Borsti und Martin. Seit 2015 machen sie in teils wechselnder Besetzung Musik. Ihre Songs haben sich über die Jahre leicht verändert. Wenn das Ganze zu Beginn noch stark nach Folk klingt, gehen die neueren Songs eher in Richtung Pop oder Rock. Aber eins bleibt: die Stimme von Sänger David.
Ich habe Walking On Rivers zum (digitalen) Interview getroffen und mit ihnen über ihre „Time to Lose Control“ EP geredet und aufgeklärt, was die Musiker immer noch im Ruhrpott hält.
Das Setting
Zwei der drei Bandmitglieder von Walking On Rivers sitzen in ihrem Home Studio in Dortmund. Über den Zoom-Bildschirm sehe ich 2 Männer auf Bürostühlen, die mehr oder weniger gut in den beschränkten und minimalistisch eingerichteten Raum, den sie Studio liebevoll nennen, passen. „Hier gibt es alles, was wir brauchen“, versichern sie mir. Die Nachbarn seien ebenfalls cool drauf und würden sogar ab und zu ein paar Songs mitsingen.
Nach dem ersten Smalltalk und Lobliedern auf die Dortmunder Nachbarschaft, steigen wir in die Musik ein. Ich stelle manchmal gerne unangenehme Fragen, das scheint die Jungs von Walking On Rivers aber nicht zu stören und aus dem Konzept bringen lassen sie sich schon gar nicht.
Walking On Rivers im Interview
Anna: Dass ihr aus Dortmund kommt und da immer noch Musik macht, haben wir ja schon geklärt. Jetzt frage ich mich: Woher kommt der Indiepop/ Folk Sound aus Dortmund? Das ist jetzt nicht gerade das Erste, was ich mit der Stadt oder mit dem Ruhrpott generell verbinde. Aber ihr könnt mich natürlich auch eines Besseren belehren.
David: Ich würde nicht sagen, dass die Stadt uns zu dieser Musik inspiriert hat. Ich glaube, es ist einfach so ein bisschen herkunftsunabhängig. Wir sind aufm Dorf in NRW aufgewachsen und von dort aus irgendwie in den Pott gekommen irgendwann. Aber ich glaube, es ist eine Mischung aus allem, was wir so über die Jahre uns angehört haben an Musik. Und ich persönlich bin mit Punk eher sozialisiert worden, als ich anfing, Musik zu hören. Ich habe zwei Brüder, der eine Bruder hat sehr viel Punk gehört und der andere Bruder ist auch in die Richtung gegangen, aber noch mit ein bisschen Techno. Und von beiden hab ich mir dann so ein bisschen meine Sachen rausgefiltert. Dann ist es irgendwie bei dem jetzt gelandet.
Borsti: Also die härtere Schiene kann ich auch vermelden in meinem Lebenslauf. Ich habe selber mal längere Zeit in einer Metal-Band … geschrien sogar. Also ich war Frontmann. Aufgewachsen bin ich irgendwie mit anderen musikalischen Einflüssen. Von meinen Eltern her habe ich viel klassische Musik mitgenommen. Mein zwei Jahre älterer Bruder, mit dem habe ich zusammen viel Jazzmusik gemacht. Und selber als Teenie habe ich dann halt in die härteren Musikgenres mal reingeschnuppert, da war ich so 12 oder 13: Rock, Hard, Rock, Metal, solche Geschichten. Das heißt, da ist jetzt nicht zwingender Weise der Indie Einfluss in der Musik, die wir machen, vorgeschrieben. Das entspringt eher aus ganz vielen anderen Einflüssen.
Anna: Ich möchte das einmal kurz klarstellen: Du hast schon „geschrien“ und nicht „geschrieben“ gesagt, oder?
Borsti: Ganz genau!
Was Walking On Rivers an Dortmund lieben und warum sie nicht nach Berlin ziehen
Anna: Okay, wild. Zurück zum Ruhrpott. Ich komme nicht von dort, wie ihr vielleicht schon bemerkt habt. Wie ist der Ruhrpott sonst so? Was hält euch noch da? Und warum zieht ihr nicht nach Berlin, wie jeder andere Indie Band?
David: Das ist eine gute Frage. Berlin macht es einem natürlich einfacher, was das connecten und so angeht. Ich finde aber persönlich: auf dem Papier sieht es supergeil aus, wenn man nicht aus Berlin oder Hamburg oder Köln kommt, sondern vielleicht mal aus dem unkonventionellen Dortmund, was nicht so bekannt ist für die Bands, die aus dieser Stadt kommen. Was uns hier hält, ist glaube ich vor allem das Umfeld, das man sich in den letzten Jahren angelacht hat. Wir wohnen jetzt alle schon paar Jährchen hier. Ich mein, Borsti war zwischendurch auch mal in Darmstadt und in Luxemburg und natürlich auch in Berlin. Aber wir sind sehr verwurzelt hier. Das macht die Stadt einfach schön. Und ja, Berlin ist immer ganz nett am Wochenende, aber dann reicht’s mir auch meistens wieder.
Borsti: Also Berlin hat einfach nicht so den Flair, der mich auf natürlicheweise anzieht. Zumindest nicht so, dass ich sage: Ich muss da unbedingt wegen der Musik hinziehen. Denn die kriegen wir hier in Dortmund auch ganz gut so hin und hier kann man halt günstiger wohnen. Musiker*innen haben sowieso nie Kohle. Ich finde das ist ein ziemlich guter, wenn auch sehr pragmatischer Grund hier zu leben.
Anna: Da stimme ich dir voll und ganz zu! Ich bin noch mal ein bisschen zurückgegangen in eurer Band Historie und ihr habt zu dritt angefangen, wart dann zwischenzeitlich zu viert, zu fünft, jetzt aber wieder zu dritt. Wie kommt das, dass ihr so verschiedene Konstellationen hat? Habt ihr einfach gemerkt, es hat nicht geklappt und gesagt, wir gehen jetzt „back to the roots“?
David: Ich bin eigentlich noch das einzige originale Überbleibsel aus dieser Dreierkonstellation. Da gab es am Anfang ja noch Markus und Flo. Dann kam Martin, der ja immer noch Trommler bei uns ist – derzeit leider nicht aktiv dabei, aber immer noch auch Teil der Band. Dann haben wir uns irgendwann noch jemand fünften dazugeholt an der E-Gitarre. Das war der Niklas. Und dann haben wir im Laufe der Entwicklung so ein paar Mitglieder verloren. Wie das halt immer so ist bei Bands: Wir waren dann alle irgendwie fertig mit dem Studium und manche wollten lieber auf die sichere Karte setzen. Da kam Borsti aber zum Glück genau zur richtigen Zeit zurück nach Dortmund. Und dann haben wir uns aber, als dann die diversen Mitglieder abgezogen sind, ganz bewusst dazu entschieden, das dann zu dritt weiter zu machen, weil es einfach sowohl kreativ als auch organisatorisch einfach nur Vorteile mit sich gebracht hat. Ich glaube, das war alles.
Borsti: Und ich muss sagen, wir genießen es halt auch ziemlich, nur uns drei zu haben. Dadurch können wir schon ziemlich intensiv Songwriting betreiben. Von dem ganzen anderen Quatsch, den man als Band machen muss, braucht man jetzt gar nicht reden. Aber zumindest die kreativen Prozesse funktionieren halt super gut. Wenn wir zusammen Songs schreiben, dann wissen wir eigentlich schon immer, wenn wir bestimmte Songtitel haben oder bestimmte Melodien, wie die anderen darüber denken und haben uns mittlerweile ziemlich gut aufeinander eingeschossen. Wir ziehen eigentlich musikalisch immer an einem Strang und wenn nicht, dann sind halt auch schnell Entscheidungen getroffen. Da ist zwei gegen eins ist immer ein einfaches Demokratie-Verhältnis.
Über Vergleiche und Inspiration
Anna: Aber was beeinflusst denn jetzt wirklich den Sound von Walking On Rivers? Oder gibt es bestimmte musikalische Vorbilder, an denen ihr euch vielleicht manchmal orientiert?
Borsti: Extrem viele, ja!
David: Ich glaube, das war früher – also ganz am Anfang der Band – noch anders. Da war die Auswahl an Inspirationen kleiner. Damals hätten wir vielleicht so zwei, drei Bands genannt, die uns inspirieren. Heute ist das viel breiter gestreut. Früher hat man uns oft mit den Mighty Oaks oder Mumford Sons verglichen. Das war so ganz am Anfang, als das Projekt noch in den Kinderschuhen war. Und jetzt finde ich das schwieriger, Bands zu nennen.
Borsti: In der letzten Zeit hören wir auch alle privat noch noch mehr Mucke als sonst schon. Das ist gar nicht so maßgebend ein bestimmtes Genre, sondern eigentlich ein bestimmter Sound. In welchem Genre oder bei welchen Artists sich das dann widerspiegelt, ist halt wirklich immer ein anderer Schuh.
David: Ja, also wenn ich jetzt mal ein Beispiel nennen sollte: ich liebe die Fleet Foxes einfach abgöttisch. Was die Vocals angeht, ist das voll die krasse Inspiration.
Anna: Euer Sound selbst hat sich ja auch ein bisschen verändert. Ich würde zumindest sagen, dass so die ersten Songs, die von euch draußen waren, so ein bisschen mehr in die folkige Richtung gehen und es jetzt eher so poppiger, rockiger wird. Kommt natürlich auch darauf an, welche Songs man sich jetzt rauspickt. Würdet ihr sagen, dass das einfach so eine natürliche Entwicklung war und die Musik mit euch zusammen erwachsen wird?
Borsti: Also die Entwicklung ist schon ziemlich aus uns selbst herausgekommen. Aber das hat so einen kleinen Anstoß gebraucht. Als ich vor drei Jahren in die Band gekommen bin, habe ich genau das Bild gehabt, was du gerade beschrieben hast von dem Indie Folk. Die erste Zeit hab ich versucht, mich erst einmal so in das Bild einzufügen. Aber das Bandkonstrukt an sich hat sich ein bisschen verändert, weil zwei Leute rausgegangen sind aus der Band. Wir wollten uns einfach etwas professionelleren Sound verleihen als Band.
David: Es wa eine gute Symbiose aus unseren Ideen und ein paar kleinen Arschtritten von unserem Produzenten Sven in eine andere Richtung. Wenn ich mir die Platte jetzt anhöre, denke ich sogar ist das gar nicht so krass, wie ich das damals empfunden habe.
Die Sorgenkinder der „Time to Lose Control“ EP
Anna: Welcher Song war der längste Prozess auf der EP „Time to lose control“ oder welchen mochtet ihr erst nicht?
David: „Selfmade Delusion“ hat ziemlich lange gedauert. Der Song an sich stand schon – eigentlich so wie er ist mit den Chords und den Vocal Lines und so, aber das Arrangement hat so lange gedauert.
Borsti: Der hat wirklich lange gedauert und hat irgendwie so viele verschiedene Arrangements gehabt. Da wurden dann immer wieder dazugeschriebene Parts rausgeschmissen und alles umgekrempelt, was bisher gewesen ist.
David: „In Vain“ war der erste Song von der Platte und hat die meisten Entwicklungsschritte durchlaufen. Was mir am meisten Spaß gemacht hat, war „Time to lose Control„. Das ist ja auch der Titeltrack und am Anfang hatten wir eigentlich nur so eine Grundidee vom Song. Also es gab eine Akkordfolge und eine Melodie, aber auch nur für einen halben Song und den Rest haben wir im Studio dann geschrieben.
Anna:Ich muss ja gestehen, dass es bei mir klassischerweise „Overachiever“ ist. Der Song hat mich zumindest von Beginn an am meisten gecatched. Merkt ihr sowas auch, bevor ihr die EP rausbringt, das ein bestimmter Song, der wird, den die Leute am meisten feiern?
Borsti: Ja, wir haben uns das schon gedacht. Also das war von Anfang an einer meiner Lieblinge von der Platte. Mittlerweile würde ich sagen, ich habe gar keinen Liebling von der Platte mehr. Die Songs mag ich halt alle super gern. Aber wir waren uns ziemlich sicher, dass „Overachiever“ funktioniert und haben uns auch dazu entschlossen, den als allererste Single von der Platte rauszugeben. Das war auch ein guter Spagat zu dem, was wir vorher gemacht haben.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Anna: Ja, das kann ich gut nachvollziehen. Kommen wir jetzt mal zu eurem neuesten Song „Lights Go Out„. Der ist im Vergleich zur „Time to lose control“ EP doch schon eine deutliche Spur persönlicher und auch ruhiger. Wie kam es dazu, jetzt so einen kleinen Soundswitch einzubauen und auch textlich auf diese Ebene zu gehen?
David: Wir hatten Bock auf einen Piano-Song, der einfach vom Klavier getragen wird. Und dann haben wir zu der Zeit irgendwie darüber gesprochen, was uns gerade beschäftigt. Und sonst ist ja in unseren Songs immer eher so was Gesellschaftliches drin oder auch mal Kritik. Aber zu der Zeit war es dieses interne, persönliche Beziehungskonstrukt, was uns beschäftigt hat. Es geht darum, dass man merkt, dass es nicht mehr so funktioniert, wie es vielleicht mal hat und das beide spüren, aber keiner traut sich so richtig, die Lichter auszumachen. Ich meine, bei so einem persönlichen und vielleicht ein bisschen melancholischen Text würde es ja auch komisch klingen, einen nach vorne gehenden Indie-Pop Sommerhit zu schreiben.
Anna: War dann auch eine gewisse Skepsis dabei, den Song zu veröffentlichen? Oder wart ihr euch von Anfang an sicher, dass das funktionieren wird und dass es auch gar keine so eine Wagnis ist, sowas rauszubringen?
David: Also skeptisch war ich jetzt nicht. Ich mochte den Song. Also klar, man zieht sich ja vor den Leuten immer sprichwörtlich aus, wenn man Musik rausbringt – egal worum es geht. Und das Gefühl kennen wir schon. Es ist da so, dass man etwas, was man in einem nicht so guten Moment sich ausgedacht hat, überlegt, das dann in Musik zu pressen. Ich habe mich eigentlich nur gefreut, den rauszubringen und zu gucken, was die Leute sagen. Ich glaube, am wichtigsten ist, dass man es selber mag und wenn man es dann rausbringt und es den Leuten gefällt und wenn nicht, dann hat man ja immer noch ein Stück, was einem selber gut gefällt.
Und mit welchem Getränk bereitet ihr euch auf eine Show vor?
Anna: Das ist, glaube ich, genau die richtige Einstellung! So jetzt als letztes ist noch die untold story an der Reihe. Habt ihr lustige, unerzählte Story parat?
David: Vor jeder Show kommen wir noch mal in einen Kreis zusammen. Das machen ja viele Bands. Wir legen dann aber immer ganz spontan ein Motto fest für die Show. Das kann alles sein. Das muss dann immer spontan aus irgendwem heraus schießen und da waren schon sehr witzige Sachen bei. Meistens sind das irgendwelche komischen Wortspiele, die auch am besten niemand anderes hören sollte.
Borsti: Aber meistens hat das was mit dem Tag oder mit der Tour zu tun. Mir fällt gerade kein gutes Beispiel ein.
David: Spontan fällt mir auch nichts ein. Aber Martin trinkt auch immer eine Königs-Mische vor der Show. Das ist vielleicht auch noch eine witzige Geschichte.
Anna: Was ist denn eine Königs-Mische?
David: Er hat es selber so genannt. Das ist schon ziemlich ekelhaft eigentlich: eine Flasche Bier, ein Red Bull und ich glaube, noch ein Pfeffi. Das trinkt er dann nacheinander. Mit der Kombination ist er anscheinend bestens vorbereitet, aber wirklich Konzert.
Anna: Naja, wenn’s ihm hilft. Aber wie muss ich mir das mit dem Motto vorstellen?
Borsti: Wir sammeln uns im Kreis und rufen direkt vor der Show noch das Motto rein, um uns auf die Show einzustimmen. Und keiner denkt sich vorher was aus, sondern das muss halt wirklich erst eine Minute vor der Show gehen. Spontan!
David: Da kommen manchmal schon sehr lustige Dinge bei raus.
Anna: Ja, cool. Danke euch, dass ihr das geteilt habt und danke für das Interview. Macht’s gut!
Borsti: Danke dir, Anna!
Falls ihr es nicht längst schon getan habt: Dann könnt ihr hier jetzt in die „Time to Lose Control“ EP von Walking on Rivers reinhören:
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
„Es tut mir leid, dass du wegen mir geweint hast“ – das sind die ersten Worte, die mir auf dem neuen Oehl-Album von Ariel in die Ohren geflüstert werden, nachdem ich ohne zu zögern auf Play gedrückt habe. Dass mich emotional vollgeladene Texte erwarten, war mir bewusst. Doch so eine persönliche Ansprache trifft dann doch nochmal anders.
„Keine Blumen“ ist das zweite Album von Oehl. Bereits die erste Single des Albums „Weitergehen“ kündigte ein textstarkes Album an. Mir geben die Texte von Ariel oft das Gefühl ich würde einen Einblick in seine Gedanken bekommen – fast so als wäre ich exklusiv dabei, wenn er diesen einen Gedanken zum ersten Mal formuliert und fühlt. Es gibt wenige deutschsprachige Pop-Künstler*innen, die es (für meinen Geschmack) so gut schaffen, sich zwischen gefühlvollen Texten und verspielten Sounds nicht im Kitsch verlieren.
„Gib mir mein Herz, gib es zurück. Denn ich hab lieber einen Stein als so ein Loch in meiner Brust„
Auf „Keine Blumen“ geht es um das Leben. Es stellt das Leben in Frage. Es geht um Abschied, Geschlechterrollen, Zukunft, Sucht und Mental Health. „Du hast gesagt: Bitte keine Blumen mehr“ singt Oehl auf dem titelgebendem Song. Genau diese Ehrlichkeit zieht sich durch das gesamte Album.
Ich habe Ariel von Oehl auf dem Appletree Garden Festival in Diepholz Anfang August getroffen und mit ihm nach seiner Show gequatscht. Im Folgenden reden wir über „Keine Blumen„. Ariel erzählt, wie es für ihn ist, jetzt als Solo-Künstler zu erscheinen und wie ihm sein Autismus schon das ein oder andere Mal im Weg stand.
Oehl im Interview
Anna: Magst du dich zu Beginn einmal vorstellen?
Ariel: Ich bin ein bisschen zwiegespalten: Bin ich jetzt eine Band oder ein Solo Act? Also live bin ich auf jeden Fall eine Band. Und ansonsten bin ich vor allem der Ariel, der Musik macht und in Wien wohnt, und jetzt ein Album rausbringt – und das zum ersten Mal alleine.
Anna: Das passt perfekt zu meiner Anschlussfrage: Wie ist es für dich, jetzt alleine Musik zu machen? Vorher hast du ja immer zusammen mit Hjörtur veröffentlicht.
Ariel: Ach, das hat sich gar nicht so sehr verändert. Also ich sehe Hjörtur ja eh, wenn er in Wien ist – eigentlich jede Woche. Und im Studio-Prozess hat sich in den letzten Jahren eh dahin entwickelt, dass ich halt sehr viel zu Hause mache. Durch Corona hab ich auch sehr viel selber produziert. Dann kam es an den Punkt, wo auch er gemerkt hat, dass es am Anfang wichtiger war, dem Projekt Flügel zu geben, indem wir es gemeinsam machen, aber dann funktioniert es auch so. Da bin ich ein bisschen mehr zum Solo-Produzenten geworden. Für ihn war das auch, dass er noch seine anderen Projekte machen kann.
Mir ist es aber wichtig, wenn wir live sind, dass wir als Band auftreten. Ich wollte nie so ein Artist sein, der mit der Gitarre da sitzt und allein spielt. Also ich glaube, Musikmachen lebt davon, dass Menschen gemeinsam etwas kreieren und schaffen. Deswegen fühlt es sich auch nicht so an als ich würde alleine Musik machen, weil ich immer Leute mit dabei habe. Hjörtur fehlt mir natürlich trotzdem in der Band, aber ich sehe ihn ja zum Glück auch so noch. Er hat einfach so eine Energie. Ich habe ihn ja auch kennengelernt, als er sich auf einer Bühne bewegt hat und ich war so begeistert davon. Also das werden wir vielleicht nicht wieder einholen und ersetzen können. Aber ich kann mein Bestes tun, seine Energie irgendwie aufzufangen.
Oehl wäre nicht Oehl ohne die Sounds des Isländers Hjörtur
Anna: Meinst du, dass es Oehl ohne Hjörtur auch nicht so geben würde, wie es jetzt ist?
Ariel: Auf jeden Fall! Das ganze erste Album haben wir ja ganz viel zu zweit geschrieben und da haben wir auch diesen Sound entwickelt. Es hat angefangen mit einer Drum Machine und Hjörtur hat dazu Bass gespielt und gesungen. Dann hat er noch Keyboard gespielt und das war’s. Unsere ersten Demos zu „Keramik“ klingen auch so. Ich muss sagen, es hat seinen eigenen Charme.
Anna: Stand es für dich/euch jemals zur Debatte, auf Englisch zu Singen?
Ariel: Also Hjörtur spricht ja eher Englisch als Deutsch, einfach weil die Sprache ihm viel näher ist. Deswegen war das schon ein Ding. Er ist so ein kreativer Kopf und für ihn war das Singen für Oehl nie ein Thema. Deswegen singe ich auf Deutsch. Aber auf Englisch singen würde ich jetzt eher nicht. Was mich am Musikmachen interessiert, ist, irgendwas zu machen, was noch keiner gemacht hat oder ich will es zumindest probieren. Auf Englisch ist das viel schwieriger, nach mir zu klingen. Wenn ich Deutsch singe, dann weiß ich, es klingt nach mir.
Musikmachen ist, etwas zu machen, was noch keiner so in der Form gemacht hat – das ist so meine Grundannahme der Musik. Es ist auch eine gewisse Challenge, den Song so zu schreiben, dass es nicht peinlich klingt. Es ist einfach nur super ehrlich. Du spürst, auch wenn es nicht ehrlich ist. So viel Deutsch-Pop klingt zwar mega emotional, aber ich spüre es nicht so als ehrlich. Es kann trotzdem gut sein, aber im Endeffekt kannst du jedes Wort umdrehen und auf die Waagschale legen.
Anna: Würdest du sagen, dass man jetzt bei dem zweiten Album hört, dass du das alleine produziert hast?
Ariel: Auf jeden Fall! Also es ist sowieso noch sehr viel im Austausch mit zwei Produzenten entstanden, aber ganz viel stand jetzt aber auch schon bei mir zu Hause. Es entwickelt sich ja oder so immer weiter, aber da ist es mir wichtiger, was Spezielles zu erhalten. Ehrlich gesagt weiß ich gar nicht so genau, ob man es so stark hört. Das einzige, was auffällt, ist Hjörtur’s spezielles Bassspiel. Aber er hat auf diesem Album auch ein paar Sachen eingespielt. Also er ist auf dem Album auch nicht komplett weg und das ist auch gut so. Er wird auch in Zukunft vielleicht mal was einspielen. Aber für uns ist eher wichtiger, das nach außen zu trennen. Man wird es auf den Songs wahrscheinlich daran merken, dass der Bass meist etwas mehr im Hintergrund ist. Das war einfach so Hjörtur’s Rolle, die halt etwas weniger präsent ist jetzt.
Anna: Ich hatte auch das Gefühl, dass dieses Mal wirklich der Text noch mehr im Vordergrund steht.
Ariel: Vielleicht auch, weil ich bewusst mehr drauf geachtet habe. Das könnte es sein. Also ich schreibe jetzt einfach auch die Songs sehr persönlich. Also das erste Album war da etwas politischer, aber auch ein Mix aus allen möglichen Dingen, die mich beschäftigen. Ich hatte dieses Mal das Gefühl, ich kann da jetzt auch mehr meine Stimmung.
„Wir sollten auch einfach mal mit weniger zufrieden sein können“
Anna: Gibt es ein Überthema, eine Klammer auf „keine Blumen“?
Ariel: Abschied ist ein großes Thema auf dem Album – gar nicht primär im Sinne vom Tod. Also es gibt auch ein paar Songs, wo der Tod eine Rolle spielt, aber für mich ist es mehr ein Symbol auch für Abschiede im Allgemeinen. Ich glaube, wir leben in einer Zeit, in der wir das Verabschieden noch lernen müssen. Also einerseits merken wir, dass es nie wieder so ökonomisch und ökologisch wird, wie es mal war. Das wissen wir halt einfach. Wir sind die erste Generation seit langem, die einfach weiß, dass es nicht mehr besser wird. Deswegen ist diese Übung im Verabschieden so ein Thema, was sich durchzieht auf dem Album.
Abschied mit Chance zur Erneuerung
Ariel: Ich will es aber auch nicht unbedingt als ein Weltuntergangs-Szenario sehen, sondern eher die Werte dahingehend verschieben, dass man genügsamer wird. Wir sollten einfach auch mit weniger zufrieden sein können. Deshalb geht es auch um den Abschied von gewissen Privilegien, die wir in unserer Zeit haben. Sehen wir es mal ganz pragmatisch: Es ist ein Privileg, dass wir einfach in einen Laden gehen können und vier Avocados, 20 Orangen und sonst was kaufen können. Ach und wenn die Küche nach acht Jahren kaputt ist, dann kauft man einfach eine neue bei Ikea. Da müssen wir einfach mal uns, die Gesellschaft und wie wir leben wollen, hinterfragen. In dem Sinne hat Abschied auch eine Chance zur Erneuerung für mich.
In „Schönland“ geht es zum Beispiel auch darum, dass ich mich in gewisser Weise bei meinem Sohn entschuldige. Kinder zu kriegen ist zwar das schönste, was ich mir vorstellen. Aber es ist auch einfach sehr naiv. Ich muss ihm ja jetzt schon erklären, dass wir nicht wissen, was in 50 oder 60 Jahren ist. Das ist irgendwie eine große Verantwortung, die man da auch übernimmt. Ich merke auch, dass ich eine gewisse Schuld dem Kind gegenüber empfinde. Ich möchte einfach nicht noch mehr Scheiße bauen jetzt. Zumindest ein bisschen will ich dafür kämpfen, dass er auch noch eine Zukunft hat.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Anna: Ich habe gesehen, dass du im Podcast „Danke, gut“ von Miriam Davoudvandi über deinen Autismus gesprochen hast. Wie war das für dich? War das das erste Mal, dass du öffentlich darüber geredet hast?
Ariel: Ja, es ist das erste Mal. Ich bin eigentlich eher so jemand, der seine Persönlichkeit nicht so in den Vordergrund drängen möchte. Ich dachte mir immer, das ist gar nicht so wichtig, denn es geht ja um die Musik. Aber ich habe erkannt, dass es jetzt, wo solo unterwegs bin, auch eine Chance sein kann. So habe ich vielleicht die Möglichkeit, über Themen zu reden, denen ich vorher keinen Platz gegeben habe.
Der Podcast ist schon eine tolle Ehre, weil da noch ganz viele andere tolle Künstler*innen zu Besuch waren, die sich auch sehr ehrlich und verletzlich gezeigt haben. Gerade bei so einem persönlichem Thema möchte man ja auch eine Bühne haben, wo es wertgeschätzt wird, dass man das teilt und die man auch selbst wertschätzt. Dafür war der Podcast extrem gut. Ich hätte mich jetzt glaube ich nicht in eine Talkshow gesetzt mit sieben weiteren Leuten, um dann über meinen Autismus zu reden.
„Es ist ein Missverständnis, dass Autisten nicht empathiefähig sind“
Anna: Gab es schon einmal eine Situation, wo dich der Autismus in eine sehr unangenehme Lage gebracht hat oder dir im Weg stand?
Ariel: Ja, auf jeden Fall. Ein großes Missverständnis ist ja zum Beispiel, dass Autisten nicht empathiefähig sind. Also die Asperger, die ich kenne, sind alle sehr viel weniger durch emotionale Reaktionen geleitet, sondern mehr durch Impulse – also in ihrer Sprache. Das heißt für Menschen, die das nicht wissen, sind wir oft schwer zu durchschauen. Mein Learning daraus ist auch, die Grenzen und Bedürfnisse anderer besser erkennen zu können. Es gibt Situationen, da ist es einfacher und dann gibt es noch so klassische Situationen, wie beispielsweise im Supermarkt, da kann es auch ein Struggle sein. Aber es ist natürlich permanent die Gefahr im Alltag, dass eine gewisse Überforderung da ist. So ein Festival kann ich auch privat kaum besuchen. Im Arbeitsmodus geht es viel besser. Da weiß ich, ich funktioniere jetzt. Privat sind mir da zu viele Menschen und Sounds.
Anna: Das kann ich sehr gut verstehen, das geht mir auch manchmal so. Ich habe noch eine Frage zum Schluss: und zwar ist das die Frage nach deiner „untold story“?
Ariel: Ah, da fällt mir was ein: Der Song „Keramik“ wäre fast nicht veröffentlicht worden. Irgendwie fand ich die Version ein paar Monate, nachdem ich den Song geschrieben hab, gar nicht mehr so gut und ich war kurz davor, den Song bei dieser Albumproduktion zu kicken und gar nicht rauszubringen. Ich weiß noch, es gab diesen einen Moment, als ich ihn gehört habe und mir gedacht habe: Oh Gott, ist es das? Gefällt mir dieses Intime? Gebe ich mich zu verletzlich? Ich weiß nicht, was es war, aber irgendwie konnte ich es nicht locker flockig rausgeben.
Und dann saßen wir irgendwann mit unserem Booking im Büro in Wien und irgendwer meinte so: „Das ist mein Lieblingssong, wenn du den nicht rausbringst …“. Dann habe ich mich echt überreden lassen von Hjörtur. Naja, ich finde es jetzt auf jeden Fall auch gut, dass wir ihn mit drauf genommen haben. Es ist auch immer schön, wenn wir den Song live spielen. Mittlerweile würde ich sogar sagen, dass „Keramik“ für mich mit ein Grund war, weiterzumachen. Es ist ja der bekannteste Song von Oehl und ich merke einfach, wie gut er bei den Leuten ankommt und wie viele Türen er geöffnet hat.
„Keramik“ handelt von der Zerbrechlichkeit seines Sohn bei der Geburt
Ein weiterer Fact über den Song ist mir gerade auch noch eingefallen: Ich habe den Song gerade geschrieben, als mein Sohn im Bauch seiner Mutter war. Er war zwei Monate zu früh auf der Welt und die Zeit war nicht so einfach für uns. Diese Zerbrechlichkeit des Kindes, die ich in der Zeit gefühlt habe – die habe ich in dem Song beschrieben. Ich glaube, dass diese Intimität in dem Song und das Persönliche, Verletzliche eine besondere Stärke ist. Es ist halt einfach sehr ehrlich und ich kann nichts verstecken.
Anna: Aber ich glaube, dass der Song gerade dadurch so gut funktioniert.
Ariel: Der Song ist auch in einer Writing-Session entstanden. Also das ging so von Herz und Kopf in Schrift über.
Anna: Danke, dass du die Geschichte geteilt hast. Jetzt wünsche ich dir noch viel Spaß hier auf dem Festival!
Ariel: Gerne doch, dir auch!
Wenn ihr es nicht schon längst getan habt, könnt ihr euch hier „Keine Blumen“ von Oehl anhören. Habt ihr schon einen Liebling auf dem Album? Meiner ist momentan „Schönland„, knapp gefolgt von „Weitergehen„.
Und ihr eure Emotionen zu den Oehl Songs jetzt auch genauso wenig im Zaum halten könnt, dann lest doch auch gerne Anna’s (nein, nicht ich) Review zu „100% Hoffnung“ und sichert euch als Sahne-Häubchen obendrauf auch einfach schon Tickets für die Tour im Herbst.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Seit dem 20.07.2022 gibt es neue Musik von Diana Goldberg. ‚BLOSSOM IN THE DARK‘ heißt die brandneue EP der münchner Künstlerin und liefert uns feinsten Alternative-Dark-Pop. Zusammen mit Diana Goldberg durchleben wir beim Hören der EP den Niedergang einer toxischen Beziehung, das Aufsteigen des eigenen Selbst und gleichzeitig das In-seinen-Gedanken-gefangen-Sein.
In den Texten finden wir Wahrheit, in den Melodien Trost. ‚SAME OLD SORRY‘ ist der erste Track. Beim Hören befinden wir uns zusammen mit Diana Goldberg im Teufelskreis einer Beziehung, die Versprechen und Vertrauen immer wieder aufs neue bricht. Dann versuchen wir uns in unserem Zorn aus den bisherigen Umständen zu reißen und es wird blutig in ‚DRIPPING IN MY BLOOD‘. Langsam aber sicher kommen wir dem Wendepunkt näher und fokussieren uns in ‚FOCUS…‘ ganz auf uns selbst. Doch nicht nur das, sondern auch die Erkenntnis zur Selbstakzeptanz tritt zum Vorschein: „Now I know I couldn’t love you if I never loved myself“. Aber wären da nicht immer diese kleinen plagenden Kreaturen in Form von Gedanken, denn vor denen ist niemand sicher: ‚BLOSSOM IN THE DARK‘.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Passend zum EP-Release haben wir noch ein Interview für euch! Anschauen könnt ihr es hier ebenfalls, denn dieses Interview ist das vierte der Kooperationsreihe VPBy x untoldency.
Am 24.04.2022 habe ich Diana Goldberg, im Rahmen der durch BY.on geförderten Bavarian Export Session, auf dem c/o Pop Festival in Köln zu einem Interview getroffen. BY.on ist das SpitzenförderprojektdesVerband für Popkulur in Bayern e.V.s(VPBy) für Newcomer:innen aus Bayern.
Diana Goldberg im Interview
Amélie: Hallo liebe Diana! Vielleicht möchtest du dich zu aller erst vorstellen.
Diana Goldberg: Hi, ich bin Diana Goldberg und komme aus München. Ich mache Alternative-Dark-Pop und mich gibt es seit 2020.
Amélie: Sehr cool. Du hattest ja gerade deinen Auftritt. Da haben wir auch deine Single ‚FOCUS…‘ gehört. Worum geht es in dem Track?
Diana Goldberg: Bei ‚FOCUS…‘ geht es darum, dass man nach einer toxischen Beziehung, die man beendet, endlich den Fokus wiederfindet. Und zwar, dass der Fokus oder die Priorität auf einem selbst liegen sollte und nicht darin, andere zu daten oder sein Glück woanders zu finden, sondern einfach sich selbst zu lieben und sich selbst zu akzeptieren. Ganz nach dem Motto: „thanks for teaching me that I should be with no one else“ und „focus on myself“, so die Key-Message von dem Song.
Amélie: Ja, voll wichtig! Wie schreibst du Songs? Entwickelst du Ideen alleine oder schreibst du mit deinem Produzenten zusammen?
Diana Goldberg: Also meistens ist es so, dass ich mich ans Klavier setze und dann einfach eine Melodie entsteht oder ich einfach ein bisschen rum klimpere und Melodien finde, die mich für Songs inspirieren. Ich habe immer mein Handy auf Sprachmemo und nehme das einfach auf und lass mich fallen. Also im Endeffekt weiß ich dann, was ich da verarbeitet habe und es ist wie so eine Art Therapie für mich, weil meistens weiß ich nicht, was ist das, was mich wirklich belastet. So ist auch „SAME OLD SORRY“ entstanden, weil ich mich wirklich emotional so traurig gefühlt habe nach dieser Beziehung. Ich hab mich ans Klavier gesetzt und der Text ist wie von alleine entstanden.
Dann verfeinere ich das ein bisschen mit Joseph, meinem Co-Writer und Produzenten, und auch Paris. Also ich habe ein kleines Team mit denen ich das re-worke, aber so die Grundidee des Songs entsteht schon im Voraus und die Vision dafür am Klavier.
Mental Health
Amélie: Wir haben eben über ‚FOCUS…‘ gesprochen. Der Song hat ein bisschen BY.on-Bezug. Bei einem Mental Health Seminar des Förderprojekts haben wir über Routinen vor der Show gesprochen. Hast du bzw. deine Band ein Ritual vor der Show?
Diana Goldberg: Ja, tatsächlich haben wir so eine Playlist, die wir eigentlich immer am Tag vor der Show hören. Da hat jeder verschiedene Songs rein gewürfelt. Zum Beispiel „Feel Good“ von Gorillaz und einfach ein paar Songs, die wir feiern. Und kurz vor der Show machen wir ein paar Warm-Ups, um alles zu aktivieren und sind beisammen und fokussieren uns auf den Auftritt. Das habe ich auch aus dem Seminar mitgenommen, dass man sich einfach auch die Zeit nimmt, nicht stressig in den Auftritt reinzugehen, sondern sich ein Ritual gemeinsam erschafft, das für alle passt und das jeder irgendwie feiert. Dann hat man Spaß und geht mit so einem guten Gefühl in den Gig.
Amélie: Mega cool, dass ihr etwas gemeinsames gefunden habt! Apropos BY.on, was bedeutet die Förderung für dich?
Diana Goldberg: Also ich habe wirklich das letzte Mental Health Seminar mega genossen. Ich hatte eine schwierige Phase vor diesem Workshop und es hat mir total viel geholfen, Tools zu lernen, die selbstverständlich sind, aber die man manchmal vergisst. Wie die Bauch-Atmung, dass man einfach tief ein und ausatmet und dann ist das Problem schon nicht mehr so groß. Man macht sich ja auch wenn man sich stresst oder nicht auf sich achtet, viel mehr Sorgen und ist dann nicht ausgeglichen. Das Coaching-Angebot von BY.on schätze ich mega und auch sich zu vernetzen mit anderen aufstrebenden Bands aus Bayern, die viel touren, das ist richtig cool. Also das ganze Netzwerken, das Community-Feeling, dafür bin ich mega dankbar. Auf dem c/o Pop Festival bin ich ja auch Dank des VPBy. Endlich gibt es echt viele Möglichkeiten auch mehr live statt zu finden.
Amélie: Voll schön. c/o Pop hast du schon erwähnt. Wie ist es für dich hier zu sein?
Diana Goldberg: Mega nice! Wir sitzen einfach mal in der krassesten Location ever (lacht). Wir haben hier in so einer Art Vintage-Laden gespielt. Hier sind auch überall selbst geschneiderte Sachen. Generell auch die Möglichkeit easy Door-zu-Door bei anderen Bands zuzuhören. Der Vibe ist richtig cool, alle Leute sind gut drauf. Man lernt viele andere Musiker:innen kennen. Und es ist ein schönes Gefühl, wieder mal auf einem Festival zu sein und auch zu spielen.
kurze Frage – ein Wort
Amélie: Ich habe jetzt noch eine kleine Quickfire-Runde vorbereitet – „kurze Frage – ein Wort“. Wer ist dein absolutes Vorbild?
Diana Goldberg: Wenn ich ein Vorbild nennen würde, dann ist es meine Mutter und meine Oma.
Amélie: Deiner Meinung nach dein bester Song live?
Diana Goldberg: ‚BLACKBLUEYELLOW‘.
Amélie: Der war beim Auftritt auch mega!
Diana Goldberg: Ja, jeder hat mitgesungen, das war Hammer!
Amélie: Und dagegen: beste Studio Produktion?
Diana Goldberg: Ein Song, der rauskommen wird. Der heißt ‚DANCE ON THE BATTLEFIELD‘. Generell der Song fängt super stark an, sehr reduziert und dann ist der Chorus riesig und wir haben einfach super viele geile Sachen gemacht, was die Produktion angeht. Wir haben zu dritt einen Chor nach produziert! Wir waren dann zusammen im Studio und haben einfach den Chorus laut eingesungen von so verschiedenen Positionen. Und ganz hinten versteckt ist auch Schwanensee, das Sample. Das hört man im allerletzten Chorus und deshalb definitiv einer der besten produzierten Tracks.
Der Song kam jetzt mit der EP im Juli raus, also unbedingt reinhören! Findet ihr das Schwanensee-Sample?
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Spotify. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf den Button unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Amélie: Jetzt Entscheidungsfrage: Köln, Berlin oder München?
Diana Goldberg: Oh, schwierige Frage. In München bin ich zu Hause. Deshalb München. Aber Berlin ist auch… Sehr, sehr schwierig (lacht). Ich bin in München und in Berlin zu Hause. Aber wegen Family würde ich sagen München.
Amélie: Wenn du das schon verraten kannst, wie viele Releases stehen dieses Jahr noch an?
Diana Goldberg: Also meine Ep steht jetzt im Juli an. Mit ihr kommen sechs neue Songs raus und dann gibt es noch nach dem EP-Release was im Herbst. Aber ich kann noch nicht genau verraten, was, weil ich das noch ein bisschen auswählen muss. Also auch, in welche Richtung ich gehe, denn es wird eine neue Richtung. Die wird schon ein bisschen angeteasert in der EP. Und jetzt schaue ich mal, welche Songs ich dafür zusammenwürfel.
untold story
Amélie: Da sind wir sehr gespannt! So jetzt als letztes ist die untold story an der Reihe. Hast du für uns eine witzige unerzählte Story parat?
Diana Goldberg: Ich war mit Freunden im Urlaub und wir haben uns so einen heiligen Ort, also was Kulturelles angeschaut. Ich bin so ein Tollpatsch, mir passieren immer Dinge, die anderen nicht passieren (lacht). Dann standen wir in einer Schlange, um überhaupt in diesen Ort reinzukommen. Plötzlich höre ich nur einen komischen Ton und irgendwas wird feucht von oben und dann fasse ich mir auf die Haare und dann hat einfach eine Taube auf mich draufgeschissen (lacht). Das war total ekelhaft, aber natürlich versuche ich Sachen immer positiv zu sehen und ich hab dann so ein Mindset, was dann sagt: „Hey, gar nicht so schlimm, weil im Endeffekt bringt es bestimmt Glück“ (lacht). Eigentlich sollte ich dankbar sein?! Jaa, I guess thats my untold story (lacht). Jetzt weiß das auch die Welt;))
Amélie: Okay, dann schließen wir mit dieser Story mal ab (lacht). Danke dir für deine Zeit!
Diana Goldberg: Ja, danke dir für das liebe Interview, hat Spaß gemacht!
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Vimeo. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Vimeo. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von YouTube. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Bunny Stream. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Wistia. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Facebook. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Instagram. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Instagram. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von Google Maps. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von reCAPTCHA. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
Sie sehen gerade einen Platzhalterinhalt von X. Um auf den eigentlichen Inhalt zuzugreifen, klicken Sie auf die Schaltfläche unten. Bitte beachten Sie, dass dabei Daten an Drittanbieter weitergegeben werden.
