Kategorie: untold stories

Ich habe die Ehre, euch heute einen ganz besonderen Geheimtipp ans Herz zu legen: NOTH — das sind vordergründig die beiden Songwriter Luis Schwamm und Linus Kleinlosen. Für ihr am 13.05. erscheinendes Album „Die Wahrheit über Arndt“ haben sie sich in kleinteiliger Detailarbeit ein eigenes literarisches Universum erschaffen und dieses dann geschmackvoll vertont.

Zwischen Bürostühlen und Kaffeeautomaten spannen die beiden den Vorhang des theatralischen Schauplatzes und stellen uns ihre tragische Hauptfigur vor: den Büroangestellten Arndt. Mit einer musikalischen Untermalung zwischen Folk, Avantgarde-Pop und Jazz ist das nicht nur etwas für Literaturnerds, sondern auch für Liebhaber durchdachter musikalischer Arrangements. Das Konzeptalbum ist zurück!

Im Interview konnte ich mit Luis und Linus über ihre neue Video-Livesession, die Gentrifizierung der Städte und — natürlich — über Arndt sprechen. Viel Spaß!

NOTH im Interview

Lukas: Hallo Luis, hallo Linus. Ich freue mich, euch zu sehen! Vielleicht könnt ihr euch für unsere Leser*innen ganz kurz vorstellen: wer seid ihr, was macht ihr in eurer Band und was hat es mit Arndt auf sich?

Luis: Wir sind Luis und Linus, leben in Köln und Hamburg und haben zusammen die Musik und die Story unseres bald erscheinenden Albums geschrieben, das konzeptuell aufgezogen ist. Es geht um die Geschichte einer Figur namens Arndt. Er ist 38 Jahre alt, inzwischen fast 39 – er hat am 01.07. Geburtstag – und arbeitet in Hannover in einem Start-Up. Und er hat keinen Bock mehr auf seinen Job. Das spürt man im Album, das zerrt ziemlich an ihm. Ich singe auf dem Album und spiele Gitarre. Linus spielt Saxophon und Synthesizer und hat alles für die volle Bandbesetzung arrangiert. Live haben wir nämlich noch Verstärkung; gerade haben wir erst eine Live Session aufgenommen und diese dann gestern veröffentlicht. Dafür hatten wir super coole Leute am Start!

Lukas: Ja, diese Live-Session zum Song „Nur zu“ konnten wir gestern ja schon bewundern! Eine ziemlich spektakuläre Location, die ihr da gefunden habt. Wo war denn das genau?

Linus: Das war eine sehr schöne Kegelbahn in Bergedorf, ein Stadtbezirk von Hamburg.

Lukas: Wirkt herrlich provinziell. So, wie man sich das vorstellt!

Linus: Ja, und die Leute waren auch genau so, wie man sich das vorstellt! Die waren so richtig nett und interessiert und haben noch gefragt: „Dürfen wir das teilen, wenn es rauskommt?“ Und dann sah man da zwei ältere Herren, Joachim und Dieter, glaube ich. Die fanden es richtig schön! Die haben sich gefreut, dass Leute da waren.

Lukas: Hat es auch so nach Bockwurst gerochen? Meine letzten Erinnerungen ans Kegeln riechen irgendwie immer nach Bockwurst.

Linus: Nee, das gar nicht. Aber die haben uns freundlicherweise ihren Kaffee angeboten, weil wir unseren vergessen hatten. Später haben sie uns sogar eine Kaffeemaschine gebracht.

Luis: Wir haben am Ende des Tages erfahren, dass der Kaffee entkoffeiniert war. Und dann wussten wir auch, warum wir so müde waren nach diesem Videodreh! (lacht)

Lukas: Wenn man sich die drei bisher veröffentlichen Singles von euch anhört, wird relativ schnell klar, dass da nicht nur zwei Personen am Werke sind. Das klingt ja stellenweise schon nach einem kleinen Orchester, oder nach einem größeren Kollektiv. Ist die Band aus dem Video jetzt quasi fest im Boot? Oder wer steckt auf der Platte hinter diesem Sound?

Linus: Wir haben ein bisschen getauscht. Die Bläser sind eigentlich zum größten Teil Konstantin, der auch im Video mitspielt, und ich. Wir haben noch eine weitere Saxophonistin gefunden, nämlich Conny, die ich auch schon seit Ewigkeiten kenne. Wir haben probiert, eine Band in Hamburg aufzubauen, denn bis auf Luis leben alle in Hamburg. Deswegen mussten wir für die Livebesetzung ein bisschen tauschen, weil der Bassist auf der Platte, Dan, zum Beispiel in Amsterdam lebt. Für Silvan, der auf der Aufnahme spielt, ist Max am Schlagzeug zu uns gestoßen und Falco ist quasi der neue Bassist der Band. Das ist jetzt schon mit dem Ziel ausgelegt, dass diese Band sich dann auch so entwickeln darf.

Luis: Mit unserem Schlagzeuger Max und Bassisten Falco durften wir kürzlich auch direkt unsere erste Supportshow in Hamburg spielen. Daher konnten wir das, was wir jetzt für die Videos zum ersten Mal zusammen ausprobiert haben, dann auch gleich auf der Bühne umsetzen. Das war sehr, sehr nice.

Lukas: Luis, du wohnst in Köln, Linus wohnt in Hamburg und die weiteren Musiker*innen ganz woanders – wie habt ihr das mit dem Proben und Aufnehmen koordiniert? Das stelle ich mir schwierig vor.

Luis: Ich bin relativ oft für lange Wochenenden nach Hamburg gekommen. Das war so die Zeit, in dem wir das ganze Zeug geschrieben und auch die ersten Sachen aufgenommen haben. Teilweise erstmal als Guide Tracks*, manche dieser Spuren sind aber tatsächlich dann in der Endversion geblieben. Nachdem dann die Band ihre Parts aufgenommen hatte, haben Linus und ich die Songs nach und nach vervollständigt. Im Grunde haben wir aber alles in Hamburg gemacht.

Linus: Wir haben aber auch über Remote** gearbeitet, das ist auch ein bisschen Corona geschuldet. Damals waren wir alle noch im Lockdown, sonst wäre ich zum Beispiel auch für die Bassaufnahmen nach Amsterdam gefahren.

Lukas: Wart ihr denn für den Rest so richtig klassisch im Tonstudio, oder gehört ihr auch zu den Bedroom-Producern?

Linus: Für die Schlagzeugspuren waren wir im Studio, für den Rest haben wir uns ein Studio eingerichtet. Ich hatte einen kleinen Raum bis vor kurzem, da konnten wir das gut umsetzen. Also es war jetzt nicht Zuhause im Wohnzimmer oder so.

Luis: Wobei es eine Vocalspur gibt, die quasi fast noch eine Demoaufnahme ist. Die habe ich auf dem Sofa, wo wir jetzt sitzen, eingesungen. Kurz nachdem wir den Song geschrieben hatten. Und die haben wir tatsächlich einfach behalten, weil da der Vibe komplett gestimmt hat.

Lukas: Hat es direkt gefunkt bei euch beiden? Wie habt ihr euch kennengelernt?

Luis: Ja, es ging schon ziemlich schnell. Die Idee von der Charakterstudie habe ich Linus direkt beim ersten Treffen erzählt und ihm Musik gezeigt. Er hat sich dann direkt drangesetzt und Harmonien ausgearbeitet. Wir haben uns beim Popkurs in Hamburg kennengelernt, das ist eine Songwriting Masterclass. Dort hatten wir aber nicht die Ruhe, das Projekt jetzt innerhalb dieses Kurses auch direkt umzusetzen. Aber es war klar, dass wir genug Bock hatten, dass auch weiterhin aus eigenem Antrieb zu verfolgen.

Linus: Was uns auch im Popkurs verbunden hat, ist, dass wir beide nicht so richtig in den Mainstream reinpassen. Wir haben verschiedene Qualitäten, die sich ganz gut ergänzen. Ich habe zum Beispiel vorher nie auf Deutsch geschrieben, was Luis sehr gut kann.

Luis: Ja und ich schreibe immer die gleichen vier Akkorde und Linus kennt noch ein paar mehr. (lacht)

Linus: Das entwickelt einfach eine Tiefgründigkeit, wenn man diese verschiedenen Qualitäten zusammenwirft. Und da funkt es dann..

Lukas: Jetzt heißt ihr ja NOTH, mit th. Das ist ja irgendwie auch erst mal ungewöhnlich. Was hat es damit auf sich? Gibt es da eine Story zu?

Luis: Also irgendwie war der Name einfach da. Wir haben uns zuerst darauf geeinigt und dann im Nachhinein die sehr wahrscheinliche Quelle dieses Namens gecheckt. Da, wo wir aufgenommen haben, hing nämlich eine Tafel. „Die Entwicklung des Lebens“ stand darauf. Da waren dann ganz viele Phasen der Erdentwicklung abgebildet. Und dann gab es tatsächlich einen Dino, der hieß Nothosaurus, und ich vermute, dass das bei mir hängen geblieben ist. Der Nothosaurus ist ein Wasser-Dino und übersetzt heißt das „falsche Echse“. Habe ich rausgefunden, über Wikipedia. Man könnte jetzt versuchen, das zu deuten, aber wir haben uns NOTH genannt, bevor wir überhaupt gecheckt haben, dass es daher kommt. (lacht)

Lukas: Okay, sehr aufschlussreich! Ich dachte zwischendurch noch an das deutsche Wort „Not“…

Luis: Das ist dann Interpretationssache. Eine gewisse Not steckt in dem Album schon drin. Aber wir haben tatsächlich wenig über die „Not“ nachgedacht, als wir den Namen genommen haben.

Lukas: Du hast vorhin ja schon ein bisschen über die Geschichte des kommenden Albums erzählt. Es trägt den Titel „Die Wahrheit über Arndt“ und laut Pressetext handelt es sich um biographische Auszüge eines Büroangestellten Ende 30. Die einzelnen Songs sind dann sozusagen als kleine Kapitel aus seinem Leben zu verstehen. Wie kamt ihr denn auf diesen Arndt? Gibt es da ein reales Vorbild?

Luis: Als wir uns das erste Mal zusammengesetzt haben, gab es zwei Songskizzen und wir haben über Andy Shauf gesprochen. Cooler kanadischer Singer/Songwriter, der ganz fantastische Figuren schreiben kann. Und so eine Figur zu entwickeln, das war irgendwie interessant für uns. Diese Songskizzen konnten wir dann weiter ausbauen, dieses Charakterstudien-Konzept hatten wir aber wieder so ein bisschen aus den Augen verloren. Als dann die Hälfte des Albums fast fertig war, konnten wir das nochmal aufgreifen. Wir haben dann festgestellt, dass diese Idee immer noch gut zu den Songs passte. Die Figur hat sich sozusagen von selbst entwickelt. Und nach diesem Vorbild haben wir dann quasi die zweite Hälfte des Albums fertig gemacht.

Linus: Für uns gab es dann einen Punkt, an dem es umgeschlagen ist. Ich glaube, es war der Song „Anita“, bei dem wir relativ konkret plötzlich eine Geschichte vor Augen hatten. Und dann wussten wir, so funktionieren die anderen Songs auch. Damit war unser Interesse geweckt. Ich meine, man stellt sich vor die Herausforderung, sich immer neu zu entdecken. Und in diesem Fall war es für uns interessant, künstlerisch einen Bogen zu spannen.

Das Thema Konzeptalbum hat mich sowieso auch gereizt. Wir haben uns dann erstmal an verschiedenen Künstlern orientiert, zum Beispiel Randy Newman, der in seinen Songs auch häufig über dieselben Charaktere schreibt. Ab da haben wir angefangen, entweder noch Details anzupassen oder eben Stücke auch spezifisch für diese Geschichte zu schreiben. Und wir haben uns gefragt, wie können wir die Geschichte vertiefen? Wie können wir einen Charakter schaffen, der vielseitig ist und uns auch interessiert? Und an dem man sich auch selbst hinterfragen kann.

Luis: Mir hat mal jemand als Feedback zu dem Album geschrieben: „Es klingt wie ein Album für oder gegen BWL-Studenten, aber eher für“. Er war sich nicht ganz sicher. (lacht) Da gibt es einen schönen Deutungsspielraum.

Lukas: Also wenn ich das richtig verstehe, ist Arndt eine Art Bürohengst-Stereotyp, den ihr beschreibt?

Luis: Einerseits ja. Ich würde sagen, das Umfeld dieses Menschen, so dieses hippe Start-Up Umfeld, ist heute natürlich irgendwie ein Stereotyp. Aber uns war wichtig, eine Figur darin zu beschreiben, die durch etwas aus der Masse raussticht. Denn natürlich ist ein Start-Up Beschäftigter auch immer noch ein Mensch außerhalb des Start-Ups.

Wenn man jetzt über eine Figur schreibt, die super simpel stereotypisiert werden kann, ist es natürlich das Einfachste, sich darüber lustig zu machen und dieses Leben runter zu ziehen. Aber was wir beide viel spannender finden, und was man auch bei vielen unserer Vorbildern findet, ist, diesen Figuren trotzdem noch ihre Vielschichtigkeit zu lassen. Zu ergründen, wo welcher Charakterzug herkommt. So, dass Empathie noch möglich ist, denn sonst ist die Figur natürlich viel zu flach. Und so ein Arndt hat dann natürlich auch seine Hintergründe. Wenn wir die wegließen, wäre das ganze Szenario wahrscheinlich ziemlich unecht.

Lukas: Konntet ihr euch denn in Arndts Lebenssituation besonders gut reinversetzen? Ist dieses „Büroleben“ vielleicht auch Teil eurer eigenen Realität gewesen, oder warum war euch dieses Thema so wichtig?

Linus: Wenn man in der Stadt lebt, ist man natürlich mit diesen Themen konfrontiert. Es geht um Gentrifizierung, bzw. wie sich die Städte in der Zukunft gestalten. Das ist für mich persönlich ein großes Thema. Ich habe lange in Holland gelebt und Amsterdam ist extrem gentrifiziert. Dort war ich umgeben von International Expats. Und die sind ja alle nett. Die Menschen sind nämlich überhaupt nicht das Problem. Ich meine, Arndt ist jemand, den ich mögen könnte. Ich würde mit ihm ein Bier trinken gehen. Aber trotzdem ist die Art, wie sich die Stadt gesellschaftlich entwickelt etwas, das mich als Künstler irgendwie aus diesem Umfeld verdrängt. Ich merke das auch in Hamburg immer mehr. Die Läden, die hier öffnen und die Sachen, die sich in der Stadt entwickeln, sind meistens nicht für mich konzipiert. Und ich muss irgendwie ausweichen. Aber ich nehme es diesen Leuten nicht übel.

Lukas: Ich habe mich beim ersten Hören gefragt, ist das irgendwie jetzt alles ironisch gemeint? Ist das eine Lebenssituation, die die beiden total absurd finden, und deswegen jetzt hier zur Schau stellen wollen?

Linus: Es war uns auf jeden Fall ein Anliegen, uns nicht über Leute lustig zu machen, denen es schlecht geht. Denn das war die Gefahr, auf die wir wirklich achten mussten. Es ging immer darum, dass Arndts Probleme schon auch ernstgenommen werden.

Lukas: Es ist ja auch so, dass dieser Arndt seinem Alltag irgendwie entfliehen möchte. Er ist zwar Teil dieses Systems, aber sehnt sich eigentlich nach einem Lebenswandel. Ist das von eurer Seite der Hinweis auf die Missstände, die eine solche Gentrifizierung mit sich bringt? Und wenn ihr einen Vorschlag zur Verbesserung hättet, wie sähe dieser aus?

Linus: Das ist auf jeden Fall eine Kritik an der Konsumgesellschaft, irgendwo. Aber es ist ambivalent. Es ist hochnäsig zu sagen, dieses sei das „falsche Leben“. Denn wir können uns in allen Dingen, die wir tun, verwirklichen. Die Missstände sind da, aber es ist zu oberflächlich, nur den Kapitalismus zu kritisieren. Interessanter ist es, zu erforschen, warum wir das eigentlich alle mitmachen und warum Arndt das mitmachen muss. Denn er ist eigentlich ein guter Typ mit guten Wünschen, er hängt seiner Jugendliebe nach und hat im Grunde keine schlechten Prinzipien. Er wurde einfach in ein System gedrückt, das ihn unzufrieden werden lässt.

Lukas: Also ihr gebt diesem Problem durch Arndt sozusagen ein Gesicht, das finde ich sehr spannend! Das ganze Konzept hat mich irgendwie auch sehr an ein Märchen erinnert. Und diese Geschichte hat etwas sehr romantisches, obwohl sie ja im ersten Moment an vielen Stellen ganz muffig und öde wirkt. Dadurch fiebert man mit möchte Arndt auf die Beine helfen. Würdet ihr sagen, es gibt auch eine Art Moral?

Luis: Also ich finde es super cool, dass es so rüberkommt! Es ist für mich etwas mega Gutes, in so drögen Alltäglichkeiten etwas Interessantes zu finden. Ich weiß nicht… Wenn es eine Moral gibt, dann ist es vielleicht sogar genau das. (lacht) Irgendwie zu versuchen, in solchen Situationen das Positive zu sehen und sich daran auch zu orientieren. Auf der faktischen Ebene gibt es in dieser Erzählung zwar Probleme und Sehnsüchte, aber eine Lösung wird ja im Grunde nicht vorgeschlagen. Es geht vielmehr darum, das Problem überhaupt zu sehen und zu verstehen.

Lukas: Könnt ihr vielleicht den Handlungsstrang der Geschichte mal kurz skizzieren, dass wir da mal in die Welt eintauchen können?

Luis: Also man kann auf jeden Fall sagen, dass Arndt ja so ein bisschen in seine Funktion hineingedrängt wird, sich in diesem Startup um die Finanzen zu kümmern. Und dass er sich da definitiv in so legale Grauzonen vorwagt. Das belastet ihn natürlich, weil er, wie Linus gesagt hat, ein guter Kerl ist und das nicht aus eigenem Antrieb machen würde. Das trägt dazu bei, dass er immer weiter abdriftet. Und die Tagträumereien werden dann im Verlauf zu einer wachsenden Psychose. Und im letzten Song, „Waldbad“, findet die Geschichte dann so ein bisschen ihr vorzeitiges Ende.

Linus: Es gibt Stellen, die wir auch untereinander noch offengelassen haben. Man muss immer aufpassen, dass man den Zauber nicht nimmt, indem man zu viel vorweg deutet. Denn es ist auch immer schön, wenn die Leute das anders interpretieren.

Lukas: Ich freue mich auf jeden Fall, dieses Album bald auch als Vinyl in den Händen halten zu können!

Luis: Die Platte wird auch super schön gestaltet sein. Heutzutage Tonträger zu machen kann man sich auch sparen, wenn man da nicht noch einen Mehrwert liefert. Und wir haben da einen tollen Gestalter an der Hand, der da ein cooles Ding draus gemacht hat. Man kann die nämlich aufklappen und da nochmal schön in der Geschichte rumstöbern. Da sind dann auch Texte drin und einiges an Bildmaterial. Das ist im Grunde eine Erweiterung des musikalischen Projektes.

Lukas: Habt ihr denn das nächste Projekt schon in Planung? Wird das wieder eine Charakterstudie?

Luis: Wir denken im Moment noch drüber nach. Wir haben großen Gefallen daran gefunden, dass so ein Albumprojekt einen roten Faden hat. Es entwickelt eine ganz eigene Zugkraft, wenn man daran arbeitet. Weil es da noch etwas anderes gibt und es im Album nicht nur um uns beide geht. Wir haben schon ein paar Ideen, aber was das genau wird, wird sich zeigen.

Lukas: Ist ja schon ein Alleinsstellungsmerkmal im deutschsprachigen Raum, findet ihr nicht?

Luis: Gute Frage. Grundsätzlich ist das Album natürlich obsolet geworden, Singles und Playlists sind im Moment wichtiger als kohärente Anhäufungen von Songs. Vielleicht ist das Konzeptalbum aber deshalb auch ein schönes Gegengewicht, um etwas auf mehr Raum erzählen zu können. Die Höchste Eisenbahn oder Moritz Krämer schreiben oft auch sehr szenisch und über Figuren. Das ist so von dem Zeug, was ich kenne, am nächsten dran.

Lukas: Ein paar Einflüsse habt ihr uns ja schon verraten. Was hat euch denn sonst noch inspiriert?

Luis: Woran ich viel denken musste und worüber wir auch viel gesprochen haben ist George Saunders, ein amerikanischer Autor, der hauptsächlich durch seine Kurzgeschichten bekannt ist. Und anhand von sehr persönlichen und konkreten Geschichten, schreibt er über benachteiligte Milieus in den USA. Er ist jemand, dem es wahnsinnig wichtig ist, nicht auf etwas oder jemanden herunterzuschauen, sondern widerzuspiegeln, wie die Menschen sich fühlen. Das kann natürlich auch ein Geschmäckle gewinnen, wenn man sich so als der Sprecher einer sozialen Schicht darstellt. Aber wenn das gut gemacht ist, ist das sehr viel besser als Geschichten grundsätzlich zu ironisieren und Personen als Witzfiguren zu inszenieren. Wir haben eigentlich oft auch Bücher untereinander ausgetauscht, Italo Calvino haben wir zum Beispiel beide gelesen. Und was die Klanglichkeit angeht, fanden wir z.B. Nick Drake, Elliot Smith und Black Country, New Road sehr inspirierend.

Lukas: Das macht auf jeden Fall große Lust auf „Die Wahrheit über Arndt“! Vielen Dank euch beiden für das schöne Gespräch und die Musik. Viel Erfolg weiterhin!

Luis & Linus: Vielen Dank!

* Guide Track: eine Demo-Pilotspur, die bei Instrumentenaufnahmen für Orientierung sorgt
** Remote: In diesem Kontext Aufnahmen von Zuhause aus, die zum Schluss zusammengefügt werden

Fotocredit: Rebecca Kraemer

Nicht nur der Kalender hat den Frühlingsanfang eingeleitet, sondern auch Figure Beach begrüßen die neue Jahreszeit mit ihrer Debüt EP „No Drama“. Figure Beach sind ein Trio aus Nürnberg, von welchem wir hier bei untoldency nicht das erste Mal und mit hoher Wahrscheinlichkeit auch nicht das letzten Mal berichten. Sie selbst beschreiben Ihre Musik als Nullerjahre Indie Rock. Lara hat sich mit 2/3 der Band auf Zoom getroffen und sich mit ihnen über ihr erstes Tape unterhalten, welches morgen, am 25.03 das Licht der Welt erblickt.

Figure Beach im Interview

Lara: Hi. Schön, euch kennenzulernen. First of all, wie geht es euch vor dem Release? 

Patrick: Ja. Wir sind voller Vorfreude und wir sind gesund. Ich meine, das ist auch nicht so häufig momentan. Ich bin gespannt, ob wir in einer Woche, wenn das Konzert stattfindet, dass wir dann auch gesund sind. Uns geht es gut. Hannes Stimmt das? Geht es uns gut? 

Hannes: Ja, mir geht’s auf jeden Fall auch gut. Ich denke noch gar nicht so viel ans Release. Ist ja erst nächste Woche, in neun Tagen um genau zu sein. 

Lara: Also alles noch ganz entspannt. Schön. Meint ihr, ihr seid entspannter als beim Release euren ersten Single? Oder wart ihr da auch so entspannt wie jetzt? 

Patrick: Ich denke mal, beim ersten Single Release waren wir schon sehr neugierig, wie das alles wird und wie die Leute das aufnehmen. Weil unsere erste Single We Didn’t Fit Together At All war halt irgendwie auch so der Startschuss von dieser Band. Und da war es halt total interessant, einfach die Reaktionen der Leute mitzubekommen. Wie reagieren Sie jetzt darauf? Welche Musik macht diese Band? Das ist so der erste Eindruck, den man so hat. Da war ich schon aufgeregter, das gebe ich zu. 

Lara: Wie würdet ihr denn einer Person, die eure Musik noch nicht gehört hat, diese beschreiben? 

Hannes: Wie Nullerjahre Indie-Rock. Der Indie-Rock, den man vor 10 bis 15 Jahren gehört hat. Oder 10 bis 20 Jahren quasi.

Lara: Ihr seid ja eigentlich zu dritt. Wie habt ihr zusammengefunden? Wie kam es, dass ihr zusammen Musik macht? 

Patrick: Also, zusammengefunden haben Paul und Ich, weil wir in der gleichen Grundschulklasse waren. Paul, Hannes und Ich, weil wir aus demselben Ort kommen bzw. aus annähernd demselben Ort. Und wir waren dann alle in verschiedenen musikalischen Projekten und haben auch immer mitbekommen, was die anderen alles so treiben und welche Musik die so machen. Dann waren wir an dem Punkt, wo Hannes und ich gemerkt haben, dass das, was wir jetzt gerade machen, noch eine*n Bassist*in vertragen könnte. Und Paul spielt praktischerweise Bass. Dann meinte Paul naja, wenn ihr echt niemanden Besseren findet, dann können wir das schon machen. Und es hat sich als sehr gute Entscheidung herausgestellt, weil Paul auch im Studio dabei war und einige Songs der EP dann auch mitgespielt hat. Also er kam zu uns, während wir die EP gerade geschrieben und aufgenommen haben und ist jetzt auf jeden Fall festes Mitglied. Ja, so würde ich das sagen. Wir kennen uns schon sehr lange und haben auch mitbekommen, was die anderen so machen. Und jetzt sind wir in derselben Band gelandet. 

Lara: Wie alt wart ihr da ungefähr?

Patrick: Wir waren im Grundschulalter. Und dann Hannes, wir zwei waren ungefähr 16? 

Hannes: Ich war 14. 

Patrick: Dann war ich 15. 

Hannes: Also schon echt eine Weile. Paul und ich haben eine Zeit lang zusammen in Dresden gewohnt und haben dort zusammen in einer Band gespielt und sind dann beide wieder in Nürnberg zurück gelandet. Und genau da haben wir eine*n Bassist*in gebraucht und wir kannten Paul und Paul und hatte Zeit. Und wir sind ja Live auch zu viert. Also nicht, dass dieser Eindruck entsteht, dass wir nur mit drei Musikern auf der Bühne sind.

Lara: Good to know! Wie haben sich eure Projekte vorher angehört? In welche Richtung gingen die? 

Patrick: Hannes und ich hatten eben so mit 15, 16 die Idee, wir können ein bisschen zusammen Gitarre spielen und das hat sich dann immer so weiterentwickelt. Wir haben Songs gecovert und dazu blöde Videos gemacht. Und eines Tages hatten wir eine eigene Song Idee und haben einen eigenen Song geschrieben. Um deine Frage zu beantworten das war so ja Akustik Indie-Folk, das war diese Mumford & Sons Zeit, als die richtig cool waren. Und dann dachten wir, wir machen auch so was. Rückblickend würde ich sagen, eigentlich war das gar nicht so, sondern es hatte schon sehr starke Indie Züge. Weniger Folk, sondern mehr Indie. Und dann wurde es schrittweise immer mehr mit elektrischen Instrumenten versehen. Dann kam eine E-Gitarre mit rein, dann haben wir bisschen Demos aufgenommen, dann haben wir auch einen Bass mit reingespielt.

Lara: Und wie seid ihr zu eurem jetzigen Sound gekommen? Hat sich das einfach so natürlich daraus entwickelt, oder hat noch etwas Anderes, etwas Neues mit eingespielt? 

Patrick: Also ich glaube, dass es so passiert ist. Ich glaube, es kam mit den ganzen Instrumenten und auch die ganzen Möglichkeiten, welche diese Instrumente bieten. Also wenn du auf die E-Gitarre wechselst, dann kannst du mit Effekten viel mehr arbeiten als bei meiner Akustik Gitarre. Wir haben aber auch ein bisschen unterschiedliche Einflüsse. Also bei mir zum Beispiel ist es auch sehr stark Punk, der etwas meine musikalischen Vorlieben und den Sound den ich mag prägt. Bei Paul, der heute nicht hier ist, spielt wohl eher dass jazzy-bluesige mit rein. Das, was seine Bassspielweise auch prägt. Und Hannes, du kannst für sich selber sprechen. 

Hannes: Ich weiß nicht, ob mein elektronischer Einfluss bei uns irgendwie Platz findet. Ich glaube irgendwie bis jetzt nicht. Also bei mir kommt es, weil ich einfach seit 14 Jahren sehr viel Indie Rock Musik höre. Angefangen mit damals den Strokes und den Arctic Monkeys. So wurden wir sozialisiert und im Endeffekt ist es ein Produkt aus unserem Projekt, das sich jetzt über sehr viele Jahre entwickelt hat. Und wie Patrick schon gemeint hat, irgendwann kamen andere Musikinstrumente und andere Musiker*innen dazu und dann war es halt auf einmal weg. Also es ist jetzt nichts vorgefallen, wo wir gesagt haben, okay, wir machen jetzt ganz neue Musik.

Lara: Um jetzt mal zu eurer ganz bald erscheinenden EP zu kommen bzw. auch zu den einzelnen Singles. Wie sind diese wunderschönen Cover entstanden? 

Hannes: Es gibt zwei Frauen, welche ich auf Instagram gefunden habe. Die nennen sich weareyawn  Und die machen sehr viel für andere Indie Musiker*innen. Die entwerfen auch Zeug für Giant Rooks und Shelter Boy und darüber habe ich die dann im Endeffekt gefunden. Anstatt irgendwie selber etwas zu malen, so wie es in den Jahren davor war, oder die Nachbarin zu fragen ob sie uns für lau etwas hinkritzelt, haben wir uns gedacht, wir gehen das alles mal wirklich ernsthaft an und fragen mal richtig professionelle Leute an, ob sie uns etwas entwerfen. Und dann waren es eben die Mädels und wir sind auch sehr zufrieden, mit den schönen Artworks. 

Lara: Verständlicherweise. Ich finde auch, die Singlecover so wie das der EP haben einfach einen richtig guten Wiedererkennungswert.
Weiter gehts! Habt ihr einen favourite Song auf der EP?

Patrick: Puh, ich bin ein sehr großer Fan von unserer ersten Single, weil er mir soundmäßig einfach so gut gefällt.

Hannes: Wenn ich mich entscheiden müsste, wäre es wahrscheinlich Waves. Also Waves und knapp dahinter, wahrscheinlich ein Song der noch kommt. 

Patrick: Ja, den finde ich auch gut. 

Lara: Bevor wir zum Ende kommen. Habt ihr schon Ideen für nächste Projekte? 

Hannes: Also wir sind natürlich super froh und stolz, dass diese fünf Songs jetzt auch für andere Leute endlich mal zu hören sind. Aber wir haben in der Zwischenzeit natürlich auch neue Songs geschrieben und bereiten uns gerade sehr stark für unsere Live Zeit vor. Es sieht so aus, als könnten jetzt Konzerte wirklich wieder ganz normal stattfinden und so planen wir jetzt auch. Wir haben am 26. März unsere Release Show, für die wir natürlich ein ganzes Set spielen und nicht nur unsere EP und mit fünf Songs. Wir freuen uns sehr, endlich Live spielen zu können. Darauf liegt jetzt auch der gesamte der Fokus. Wir haben viele Songs geschrieben, die noch nicht aufgenommen sind, weswegen es sich lohnt, sich das eben auf Tour anzuschauen (lacht). Ich würde sagen, das ist, was gerade besonders den Vorrang hat. Dass wir schauen, dass die neuen Songs, auch Live gut rüberkommen. 

Patrick: Also wir haben eigentlich auch erst ein Konzert gespielt, das war im Oktober und dann war die Szene wieder dicht. Von daher war’s das. Aber was uns da ein bisschen hilft, ist, dass wir Songs eigentlich generell ziemlich simpel schreiben und in der Art und Weise, dass wir sie auch sehr einfach wiedergeben können. Also wir haben keine 20 Geigen und nen Chor mit drauf, sondern halt einfach unsere Instrumente im Kern. Und von daher überlegen wir uns gerade, wie wir das live am besten arrangieren und wie wir auch einfach unsere neuen Songs am besten mit einbringen können. 

Lara: Dann sind wir es auch schon bei unserer Schlussfrage. Und zwar richtet die sich immer ein bisschen nach unserem Konzept bei untoldency. Und zwar fragen wir nach einer untold Story. Also einfach irgendetwas, was ihr noch nie in einem Interview oder in der Öffentlichkeit erzählt habt. Das könnte eine kleine Anekdote sein, irgendwas Witziges oder einfach irgendetwas, was euch auf dem Herzen brennt und unbedingt in die Welt hinaustragen wollt. 

Patrick: Hast du was? 

Hannes: Wir haben unsere tolle Story eigentlich leider schon bei der Untold Tea Time verbraten. 

Patrick: Also wir haben jetzt nichts Weltbewegendes, aber unsere EP heißt No Drama und wir finden, das passt sehr zu unserer Art und Weise, am Songwriting ranzugehen. Denn wir möchten die Dinge einfach passieren lassen. Das finden wir ganz schön. Wenn sich das alles aber so seinen Weg sucht und wir keinen großen Aufriss drum machen. Ja, und dann, als wir uns entschieden hatten, dass das eigentlich ein passender Titel ist für die Veröffentlichung, ist uns halt der richtig miese Dadjoke aufgefallen, dass No Drummer ein bisschen ähnlich klingt, also nach Drama und Drummer. Und wir sind eine Band, die keinen festen Schlagzeuger hat, sondern halt mit Live Drummern arbeitet. Es ist weder witzig noch ist es interessant, aber dafür ist eine Untold Story! 

Dadjokes aside, könnt ihr euch hier die „No Drama“ EP von Figure Beach anhören:

Fotos: Florian Weichelt

Den Österreicher doppelfinger haben wir euch im November schon mal vorgestellt – damals mit seiner wunderschönen Single „seasonal affective disorder“. Nun gibt er mit seinem letzte Woche erschienenden Debütalbum „by design„ dem Ganzen einen Kontext und uns noch mehr Lieder zum Verlieben. Was doppelfinger auszeichnet, ist nicht nur seine Affinität an der Gitarre, sondern auch das Treffen dieser ganz bestimmten Note zwischen „das ist so traurig, ich möchte weinen“ und „das ist so schön, ich möchte nichts anderes hören“. Und genau deswegen haben wir ihn jetzt für euch im Vorstellungsinterview!

doppelfinger im Interview

Anna: Hey Clemens, wie geht’s dir? Magst du dich vielleicht erst einmal für alle, die dich noch nicht kennen, vorstellen?

doppelfinger: Ich bin Clemens aus Wien, mache unter dem Namen doppelfinger Musik. Mir geht’s ok, bin hier in Österreich ja doch in einer eher privilegierten Situation wenn man sich die Geschehnisse in anderen EU Ländern ansieht. Kann mich also nicht beschweren.

Anna: Es ist dein erstes Album, was du in die Welt lassen wirst. Wie fühlt sich das jetzt, ein paar Tage davor, an zu wissen, dass da bald ein gesammeltes Werk der Musik & Gefühle von dir draußen ist?

doppelfinger: Es fühlt sich sehr surreal und an stellen ein wenig überfordernd an. Ich bin trotzdem voller Freude, dass es dann endlich nicht mehr nur für mich existiert. Ich hoffe einfach, dass es die Menschen erreicht, die es vielleicht gebrauchen können.

„Ohne Licht kein Schatten und so.“

Anna: Wie hast du deinen Weg zur Musik gefunden? Kann man ein paar deiner Einflüsse auch auf „by design“ hören?

doppelfinger: Klassische Geschichte: musikalische Familie, Blockflöte, Posaune, etc.
So richtig eigenständig gemerkt, wie wichtig mir Musik ist, habe ich als ich die Gitarre für
mich entdeckt habe und dann trotz meiner Ungeduld versucht habe, mir das spielen so gut
wie möglich selbst beizubringen. Über die doch recht simpel gestrickten Folk Klassiker (z.B.
von Pete Seeger, Dylan, Guthrie) bin ich wohl einfach in diese Schiene gerutscht und
diese ist definitiv am Album präsent. Irgendetwas hat sich da einfach sehr richtig angefühlt und das tut es bis heute.

Anna: Warum „by design“? Was steckt hinter dem Albumtitel?

doppelfinger: Für mich heißt by design soviel wie „mit Absicht“ – oder „so passend“. Zum einen spiele ich damit an meinen Projektnamen an – doppelfinger ist ja ein Teil von mir (habe einen zweiten Finger auf meiner rechten Hand) – ich bin damit geboren, es war quasi so bestimmt. Auch wenn es mich von anderen differenziert, hat es trotzdem so sein sollen.
Und dies war auch die Idee in Bezug auf den Inhalt des Albums. Einige Songs thematisieren doch eher schwere persönliche Emotionen & Situationen – mit dem Titel wollte ich aber sagen dass diese Problematiken auch Ihre Berechtigung haben. Ohne Licht kein Schatten und so.

„Ich möchte weder tiefe Traurigkeit noch immens positive Ideen.“

Anna: Viele der Songs auf dem Album entschleunigen und machen gleichzeitig auch ein kleines bisschen traurig. Was sind die Themen, die du auf „by design“ verarbeitet und behandelt hast?

doppelfinger: Mein Album ist für mich ein erstes “Hallo” meinerseits. Wir haben Ghostwriter für diese Arbeit gewählt. Das Thema das sich für
mich durchzieht ist ein Spiegeln von Dingen. Ohne Hoffnungslosigkeit keine Hoffnung, ohne Gut kein Schlecht, ohne Einschränkung keine Freiheit, usw. Ich versuche dies in meiner Musik zum Beispiel mittels des Gegenüberstellens von “schön” klingenden Harmonien zu Texten, die dann eher weniger schöne Dinge behandeln. Ich möchte weder tiefe Traurigkeit, noch immens positive Ideen kommunizieren. Ich möchte beide gegenüberstellen und behandeln.

Anna: Hast du einen aktuellen Lieblingssong vom Album?

doppelfinger: Ich glaube „quite alright“ ist für mich persönlich einer der wichtigeren Songs auf dem Album. Er gibt dem Album eine gewisse Leichtigkeit und nimmt den dann doch emotional eher schwereren Songs ein wenig den Druck. Er umfasst für mich einfach den roten Faden des Albums. „Quite alright“ ist für mich so gesehen irgendwie eine Reaktion auf die anderen Songs am Album und sagt, dass trotz aller schwierigen Situationen und Emotionen die eigene Existenz etwas Schönes und Wertvolles ist – und sogar noch schöner und wertvoller wird durch alle persönlichen Kämpfe.

Anna: In deinem Pressetext heißt es, dass die ersten Lieder, die du geschrieben hast, ursprünglich nie dafür bestimmt waren, von anderen gehört zu werden. Warum? Und was hat dich überzeugt, sie doch zu veröffentlichen?

doppelfinger: Weil ich nicht das Gefühl hatte, dass sie unbedingt gut genug waren. Ich war damals aber an einem Punkt angelangt, an dem ich mir gedacht habe, dass es jetzt eh nicht vieles zu verlieren gibt. Da hab ich dann beschlossen die Songs einfach mal live auszuprobieren. Über dies kam ich dann zum Aufnehmen.

Anna: Kannst du dich noch an das erste Lied, was du geschrieben hast, erinnern?

doppelfinger: Die erste Songstruktur, an die ich mich erinnern kann, war ein Song, in dem ich so bisschen meine vergangenen Fehler und „Sünden“ aufzählen wollte, ich glaub das war so mit 16. Der Chorus ging dann irgendwie – „so i don ́t know if i belong, in the sky lord – in the sky“ – ich hab den aber nie fertig geschrieben, aus Angst dass er religiöser wirkt, als er für mich eigentlich gemeint war.

„Die kleine Bubble in Österreich ist sehr divers und mutig.“

Anna: Du machst aber nicht nur Musik als doppelfinger, sondern wirkst auch bei vielen anderen Projekten mit, wie zum Beispiel dem von OSKA. Da hab ich auf den Acoustics die sehr süße Story gehört, wie ihr euch als scheinbar verlorene Kindergartenfreunde ganz zufällig auf Instagram wiedergefunden habt. Fühlt sich das für euch ein bisschen wie Schicksal an, dass ihr jetzt wieder zusammen Musik macht?

doppelfinger: Definitiv. Wir reden sehr oft darüber, aber wenn man so oft wie wir miteinander abhängt, dann denkt man manchmal auch nicht darüber nach. Und wenn einem das dann wieder einholt und man sich wieder bewusst wird, wie speziell es ist, dass wir nicht nur gemeinsam Musik machen, sondern uns auch so gut verstehen und so lange kennen, dann ist das schon ein bisschen ein verrücktes Gefühl.

Anna: Wie nimmst du die österreichische Musikszene wahr? Für mich bist du in einer sehr
angenehmen Bubble, aus der selten was Schlechtes kommt, muss ich sagen.

doppelfinger: Ich finde die kleine Bubble in Österreich auch relativ erfrischend. Man hätte auch die Sorge haben können, dass viele Artists nach Erfolgen von Bilderbuch oder Wanda versuchen würden, auf ähnliche Richtung Erfolg zu haben. Dem war aber nicht so, die österreichische Szene ist gefühlt sehr divers und mutig – was ich sehr schätze.

Meine Lieblings Acts aus Österreich derzeit: Lukas Lauermann, Sophia Blenda, OSKA.

Anna: Zum Schluss fragen wir immer nach einer untold story, etwas, das du noch nie in einem Interview erzählt hast.

doppelfinger: Puh, schwierig. Ich hab mich mal versehentlich als 8-jähriger auf einem Bauernhof in der Toilette bei den Kühen eingesperrt. Da hab ich dann ca. 3 Stunden mit Beten und Kloputzen verbracht, bis mich meine Schwester aus der Situation befreite. Als ich da endlich wieder rauskam war mir auf jeden Fall bewusst – es gibt keinen Gott und das Putzen von Toiletten hilft somit maximal dem Bauern aber keiner größeren Macht.

Wir würden das Album ehrlich gesagt für alles empfehlen außer fürs Toilette-Putzen, aber vielleicht kickt es auch da nochmal besonders, wer weiß:

Fotocredit: Sophie Löw

Vor einem Jahr haben wir die österreichische Singer-Songwriterin OSKA im Interview zu ihrer Debüt-EP vorgestellt, danach hat sie uns auf der Acoustics-Tour im Sommer zusammen mit Stu Larsen begeistert und seitdem kommt eigentlich kaum noch jemand an ihr vorbei. Ende Februar kam ihr Debütalbum „My World, My Love, Paris“ raus und passend dazu, haben wir mit ihr über die Einflüsse hinter dem Album, Familie und das Musikbusiness gesprochen. Und die Frage aufgegriffen, die wir alle seit 2020 sehr fühlen: Was wäre, wenn jetzt die Welt untergehen würde?

OSKA im Interview

Anna: Hey, super schön, dass wir uns jetzt wieder zusammenfinden! Vor fast genau einem Jahr haben wir zu deiner Debüt-EP „Honeymoon Phase“ gesprochen, damals hattest du das Album schon ein bisschen angeteasert. Wie hast du das letzte Jahr seit deinem EP-Release wahrgenommen? 

OSKA: Eigentlich ganz gut! Ich hab extrem viel live gespielt, womit ich irgendwie gar nicht gerechnet hab.  Also ich war schon für die Verhältnisse der Situation viel unterwegs. Das erste Mal mit einer Band! Wir waren auf dem Reeperbahn Festival, das waren 5 sehr intensive Tage und extrem cool. Da war ich auch nominiert für einen Anchor Award. Und dann haben wir das Album fertig gemacht. Also es war sehr viel zu tun (lacht). Aber nur schöne Sachen. 

Anna: Ich hab dich letztes Jahr tatsächlich auch ein Mal live sehen können, bei den Acoustics Concerts in Berlin mit Stu. Das gab es einen sehr süßen Moment, als es angefangen hat zu regnen und die andere Band des Abends zu euch auf die Bühne mit Regenschirmen gesprintet kam. 

OSKA: (lacht) Ja, daran kann ich mich auch erinnern! 

Anna: Haben Momente wie diese den ganzen Pandemie-Frust von 2021 auffangen können?  

OSKA: Schon irgendwie tatsächlich! Also ich seh andere Freunde und Freundinnen von mir, die auch Musik machen, die nicht so viel live spielen konnten. Ich schätze mich dann schon sehr glücklich. Es gab die Acoustics-Tour und vereinzelte Konzerte, und wir hatten schon ein bisschen das Gefühl von “ok, es geht wieder bergauf”. Es ist dann schon noch komisch, so die Leute mit den Masken beim Konzert zu sehen. Aber selbst daran gewöhnt man sich irgendwie? Es ist schon komisch, dass wir dann schon so Gewohnheitstiere sind und doch irgendwie damit leben können. Aber es ist schon komisch, also ich freu mich, wenn es irgendwann nicht mehr so ist.  

“Zwischen Stu und mir ist voll die schöne Freundschaft entstanden.” 

Anna: Anknüpfend an die gemeinsame Acoustics-Tour mit ihm komm ich natürlich nicht umhin Stu Larsen zu erwähnen. Hast du während der Zeit Sachen von ihm gelernt? 

OSKA: Voll! Der Stu hat so viel Erfahrung einfach. Er ist wirklich einfach Singer Songwriter und macht das schon so lange. Wir haben viel drüber geredet, wie man mit bestimmten Situationen und Menschen auf der Tour umgeht. Ich mein, das ist eh irgendwie klar, aber trotzdem ist es gut zu sehen, wie er damit umgeht. Er macht das alles extrem gut, finde ich, da kann man sich jeden Fall was abschauen. Es ist voll die schöne Freundschaft draus entstanden und ich glaube, man merkt es eh, dass wir uns alle einfach sehr gern haben. Clemens, mein Gitarrist, und ich waren jetzt zu Besuch bei ihm im Studio. Er hat uns nach Italien eingeladen, wo er zurzeit wohnt, und ich weiß noch gar nicht, ob ich es erzählen darf? Aber ich geh jetzt im Mai mit auf seine nächste Tour!  

“Es fühlt sich schon nochmal wie mehr an.” 

Anna: Gab es für dein neues Album einen Unterschied zum Aufnehmen deiner ersten EP? Und war waren die größten Einflüsse, die es geprägt haben? 

OSKA: Ja, beim Album hab ich gar nicht mehr so viel Zeit zum Überlegen gehabt. Es war doch alles sehr knapp. Wir sind heim kommen von der Tour in Deutschland und es war tatsächlich extrem überfordernd, weil wir nur noch bis Anfang November eigentlich Zeit hatten, das Album fertig zu machen und dann die Deadline verschieben mussten. Da war eigentlich nicht viel Zeit, um richtig nachzudenken, was manchmal auch ganz gut ist. So einfach machen und irgendwie alles rausholen, was irgendwie dann geht. 

Zu den Einflüssen: es ist so schwer alles zusammenzufassen. Die letzten Jahre und natürlich auch die Musik, die man gehört und geliebt hat, beeinflussen das Ganze. Aber was ich dann gemerkt hab, waren die Einflüsse von früher. Ich bin schon viel aufgewachsen mit auch irischer Musik und Musik, wo viele Geigen, irische Filz, drin sind. Und ich hab gemerkt, dass ich das extrem gerne in meine Musik mit einbauen will und das bis jetzt irgendwie noch nicht so Thema war. Deshalb haben wir am Schluss noch Streicher-Sessions gemacht und jetzt hat das Album einige Streiche und so drauf. Aber dieser Drang oder dieser Wunsch kam erst irgendwie zum Schluss, so “ah jaa, das wollte ich ja eigentlich immer!” (lacht) 

Anna: Dann fühlt sich ja sicher der Release jetzt auch ganz anders an als bei deiner EP. 

OSKA: Es fühlt sich schon nochmal wie mehr an. Es sind ja auch mehr Songs und dann hab ich schon das Gefühl, mich teilweise doch ein bisschen mehr aus dem Fenster gelehnt und noch mehr getraut zu haben mit dem Album. Hier, ich kann’s dir zeigen! (hält ganz stolz das Album in die Kamera). Ich hab die CD bekommen und hab sie einfach nicht loslassen können, den ganzen Tag hab ich mich so gefreut. Aber ja, es ist schon noch einmal anders, weil es ein größerer Ausschnitt aus den letzten Jahren ist und das spür ich schon. 

“Was ist ein Song eigentlich noch wert?” 

Anna: Willst du thematisch kurz anreißen, welche Themen du auf dem Album besprichst? 

OSKA: Der erste Song, Too Nobody, da geht’s im Grunde darum, mit dem Musikbusiness zurechtzukommen und dem Gefühl, man muss immer mehr machen. Fragen wie: was ist ein Song eigentlich noch wert? Da spielen so viele Themen rein, wie die eigene Unsicherheit, mit der man eh schon zu kämpfen hat und dann auch diese Ausbeutung, mit der Musik einhergeht.  

Anna: Und wie gehst du damit um? 

OSKA: Oh, ich weiß es ehrlich gesagt noch nicht. Das ist eine Frage, die ich mir gerade stelle, weil irgendwie muss man so seinen Weg finden. Ich glaube, ich hab es geschafft, mit Leuten zu arbeiten, denen ist Musik das wichtigste und das, um was es geht. Das war mir auch schon relativ früh klar, dass ich nicht das Gefühl haben will, da ist irgendwer im Team, der das ausnutzen möchte oder so. Keine Ahnung, ich kann das ganz schwer beschreiben. Aber dann ist man natürlich auch an gewisse musikalische Plattformen gebunden, wo die Musik gespielt wird. Ich mein, wir wissen’s eh alle, wie wenig ein Stream wert ist. Und dann fallen Konzerte auch noch weg und eben dieses Gefühl von “ok, wie verdiene ich jetzt mein Geld und wie kann ich davon leben?”  

Es geht in dem Song auch darum, dass wenn niemand zuhört, ich es halt auch noch für mich machen würde. Das ist auch mein Weg damit umzugehen wahrscheinlich! Ein Lied darüber zu schreiben und mich selber daran zu erinnern, warum ich das alles mach. 

Das zweite Lied ist „My World, My love, Paris” – so heißt ja auch das Album. Ich hab das Anfang der Pandemie geschrieben und da war ja, überspitzt gesagt, ein bisschen Weltuntergangsstimmung (lacht). Da hab ich mich in die Lage versetzt, ok was wäre, wenn jetzt die Welt untergehen würde? Welche Gespräche würde man dann miteinander führen? Es gibt diesen Song von Edith Piaf, “Non, je ne regrette rien” – “Nein, ich bereue nichts”. Und ich habe mir die Frage gestellt: würden wir das immer noch? Oder würde wir sagen: “I’m sorry, my world, my love, Paris”.  Paris steht so ein bisschen als Symbol dieser schönen Welt, auf der wir leben, aber auf die wir halt nicht immer so ganz gut aufpassen.  

“Der Abnabelungsprozess von meiner Familie hat sehr spät eingesetzt.” 

Anna: Familie ist auch ein zentrales Thema auf dem Album. Inwiefern würdest du sagen definierst du dich selbst über deine Familie? Und wie unterscheidest du dich vielleicht auch von ihr? 

OSKA: Ich hab eine irgendwie sehr große und sehr bunte Familie würde ich sagen. Und auch eine sehr coole! Ich hab mich schon jahrelang über meine Geschwister und Familie definiert, dieser Abnabelungsprozess hat bei mir glaube ich ein bisschen spät eingesetzt (lacht). Ich war so gern in meiner Familie, auch als Jugendliche. Oft fängt das ja an, dass man sich dann irgendwie abkapselt und das habe ich sicher auch zu einem gewissen Teil getan, aber irgendwie waren wir sehr close immer, gerade auch zu der Zeit.  Seit ich in Wien bin, hat dieser Abnabelungsprozess begonnen. Und jetzt fühle ich mich gerade an einem Punkt, wo ich mich nicht mehr so stark über meine Familie definier. Wir sind jetzt auch alle älter und jeder ist verantwortlich für sein eigenes Leben. Und das ist ein sehr befreiendes Gefühl auch. 

Anna: Was würdest du sagen sind die nervigsten oder auch bemerkenswertesten Eigenschaften deiner großen Geschwister? 

OSKA: (überlegt) Ich glaube, was bei uns so speziell ist und was auch andere Leute immer sagen, ist, dass wir so extrem eng miteinander sind und uns gut verstehen. Und ich glaube, das Coolste an meinen Geschwistern ist, wie liebevoll wir alle miteinander sind. Und das ist etwas, was glaube ich sehr bemerkenswert ist! Ich mag das, wenn Menschen herzlich sind und liebevoll miteinander umgehen. Das ist sicher auch was, was ich von meinen Geschwistern gelernt hab.   

Und das Nervigste? Ja, wir wohnen halt nicht mehr zusammen, also früher hätt ich dir da ganz viel sagen können (lacht). Aber mittlerweile nerven wir uns nicht mehr so stark tatsächlich.  

“Ich darf das Album dieses Jahr sehr schön touren.” 

Anna: Du hast auch das Glück, dein Album dieses Jahr zu touren! 

OSKA: Ja, ich kann’s tatsächlich touren, was extrem cool ist. Ich spiel auch ein bisschen Support dieses Jahr. Es sind eigentlich viele Shows geplant. Ich werde in den Niederlanden sein, ich werd mit Stu auf Tour sein, ich glaub, das darf ich schon sagen. Also ja, ich darf das Album tatsächlich dieses Jahr sehr schön touren.  

Anna: Wenn du dir eine Person aussuchen könntest, mit wem würdest du gerne mal die Bühne teilen?  

OSKA: Ah, da gibt’s so viele! Phoebe Bridges mag ich sehr gerne. (überlegt) Ich bin aufgewachsen mit Joan Baez, die hat mit Bob Dylan viel zusammen gemacht. Ich guck mir gerade extrem viel alte Konzerte von ihr auf YouTube an, das wär irgendwie auch ziemlich legendär.  

Anna: Ich weiß nicht, ob du dich vom letzten Jahr dran erinnern kannst, aber zum Schluss fragen wir immer nach einer untold story, also etwas, was du noch nicht in einem Interview geteilt hast. 

OSKA: Was hab ich denn da letztes Jahr erzählt? 

Anna: Da hast du von dem Videodreh erzählt, bei dem dein Ex-Freund dich zum Weinen gebracht hat. 

OSKA: Ah jaa! Wow, ganz schön viel passiert dieses Jahr.  

(überlegt) Mir glaubt es ja keiner, aber ich kann nicht kochen. Also so gar nicht. 

Anna: Gar nicht gar nicht? 

OSKA: Gar nicht. Also ich weiß nicht, wozu ich ne Küche hab (lacht).  

Anna: Und was machst du dir, wenn du alleine zuhause bist? 

OSKA: Cini Minies (lacht).  

Wer sich zu einer Schüssel Cini Minis dieses wunderschöne Album anhören mag, der folge diesem Link:

Fotocredit: Hanna Fasching

Eindringliche Texte, verpackt im schönsten Wortgewand. Musikalisch bewegt sich der Musiker zwischen HipHop und Trap, aber auch mit Punk- und Pop-Elementen kann er dienen. Produziert von Cap Kendricks und gefeatured unter anderem von Maeckes, Christopher Annen und John on a Mission. Hört sich nicht schlecht an, oder? Die Rede ist hier von YRRRE mit seinem neuem Album Feinstaub. Wer YRRRE immer noch nicht auf dem Schirm hat, hat jetzt die Chance dies zu ändern und ich empfehle auch dringends, dies zu tun. You will not regret it!

YRRRE im Interview

Lara: Hallo YRRRE, schön, dass das geklappt hat. Wie geht es dir, so kurz nach dem großen Release?

YRRRE: Um ehrlich zu sein, gar nicht mal sooo gut (lacht). In der Zeit vor dem Release war immer so viel los, es gab immer was zu tun. Es war sehr anstrengend und jetzt ist der Release done, was ich auch erstmal verarbeiten muss und zeitgleich geht es ja irgendwie auch direkt weiter. Der Release bedeutet ja nicht, dass ich im Anschluss daran gar nichts mehr zu tun habe.  

Lara: Das verstehe ich total. Bevor wir direkt zum Album kommen, liegt mir eine Frage auf dem Herzen, welche ich mir schon damals, direkt beim ersten mal lesen gestellt habe. Die da wäre: Wie kamst du auf deinen schönen Künstlername YRRRE?

YRRRE: Das war garnicht mal so spektakulär, wie man denkt (lacht). Ich war auf der Suche nach einem Namen und der stand eben schon länger in meinen Notizen. Ausserdem wollte ich einen Namen, der nicht gleich auf das Genre rückschließen lässt. Und cool musste er sein, auf jeden Fall. Dann habe ich meinen damaligen Mitbewohner gefragt, ob YRRRE cool klingt und er meinte: Jup, ist cool. 

Lara: Ach krass, das mit dem cool hast du auf jeden Fall erreicht, YRRRE hört sich nicht nur cool an, sondern schaut auch sehr schön geschrieben aus. Jetzt zu deinem Album. Hat sich der Release von deinem Debüt unterschieden? Hattest du mehr Druck, oder war es vielleicht sogar entspannter, eben weil es nicht dein erster Albumrelease war?

YRRRE: Also wenn ich ehrlich bin, hat sich Feinstaub wie mein Debütalbum angefühlt. Das erste Album habe ich irgendwie komplett alleine, in meinem damaligen WG-Zimmer zusammengeschustert. Auch ohne, dass ich es jemandem gezeigt habe oder so. Bei meinem zweiten Album war die gesamte Arbeitsweise schon ganz anders! Ich bin alles von Anfang an viel offener angegangen und  hatte dann eben auch Mittel zur Verfügung und Leute mit denen ich zusammengearbeitet habe. Das war schon eine Erfahrung, die ich so vorher noch garnicht hatte. Deswegen hat sich der Release von Feinstaub wohl so angefühlt wie der eines Debütalbum.

Lara: Und wie hast du den Release gefeiert, wenn ich fragen darf?

YRRRE: Voll viele von meinen Leuten waren krank, deshalb habe ich es mir gespart in großer Runde zu feiern. Aber ich war mit Cap Kendricks, meinem Produzenten im Proberaum und wir haben eine Flasche Champagner geholt, das Album gehört und uns einfach gefreut (lacht).

Lara: Ach, so ganz gemütlich ist ja auch schön.

YRRRE: Genau, voll. Wobei, es war eigentlich gar nicht so gemütlich wie wir es geplant hatten (lacht). Es ist dann doch irgendwie ein bisschen eskaliert, aber alles eben im ganz kleinen Rahmen.

Lara: Ah, ich verstehe! Hört sich aber auf jeden Fall trotzdem sehr passabel an. Jetzt zurück zum Album. Mich interessiert es immer total, wie lange Künstler*innen an ihrem Album gearbeitet haben. Wie lief der Albumprozess bei Feinstaub ab? 

YRRRE: Also die ersten Skizzen hatte ich relativ schnell nach dem Debütalbum. Aber wenn ich mich nicht irre, habe ich so Mitte 2019 so richtig doll angefangen. Und von da an haben wir dann auch tatsächlich echt durchgezogen und kontinuierlich dran gearbeitet, bis ich dann an dem Punkt war, wo ich gesagt habe „so, ich mache jetzt ein Album, das fühlt sich jetzt richtig an.“ Aber es hat auf jeden Fall alles schon gedauert, ich denke insgesamt so zwei Jahre.  

Lara: Kannst du dich noch an den Moment erinnern, als du dich entschieden hast, das Album zu machen? 

YRRRE: Ich habe bei dem ersten Album eigentlich gar nicht damit gerechnet, dass es sich in „den richtigen Kreisen“ verbreitet und ich mir dadurch erstmal eine Perspektive schaffen konnte. Dann war das dann plötzlich alles da und dann musste ich halt auch nachlegen, weil ich kurz vorher meinen Job geschmissen hatte und mich erstmal voll und ganz auf die Musik konzentrieren wollte. Das habe ich jetzt auch in den letzten zwei Jahren gemacht und auch unglaublich viel dabei gelernt. Mir war es aber auch wichtig, dass ich jetzt nicht total schnell hinterher schieße, sondern dass ich mir wirklich Zeit lasse und mir auch ein eigenes Soundgewand erschaffe und auch da alles drauf reinsetze, bis ich letztendlich zufrieden bin. 

Lara: Wie viele Tracks hattest du ready, die es nicht aufs Album geschafft haben?

YRRRE: Also ready nicht, ich arbeite immer etwas Skizzenhaft an den Sachen. Da entsteht immer irgendetwas und ich schreibe, ich brauche dann aber immer auch die richtige Stimmung um etwas dann total auszuarbeiten. Aber so an Skizzen hatte ich dann safe so circa 60 Songs für das Album. Also es war schon echt viel und irgendwann wurde es dann auch echt unübersichtlich. Ich musste mich dann voll auf mein Bauchgefühl verlassen, was nun klug oder unklug ist, weiterzuverfolgen. Da habe ich mich dann auch oft mit Cap Kendricks ausgetauscht. 

Lara: Bei 60 Songs kann man auch schonmal den Überblick verlieren.

YRRRE: Ja, wir hatten halt auch irgendwann einen ganz guten Zug drauf, weil wir immer woanders hin weggefahren sind. Wir haben uns dann auch permanent eingeschlossen und waren zwei Wochen mal hier und zwei Wochen mal dort und so. Und da haben wir von Morgens bis Abends nur Musik gemacht und uns ausprobiert und experimentiert. Da kam dann auch relativ schnell viel zusammen.

Lara: Also habt ihr euch zum Musik machen richtig isoliert?

YRRRE: Ja, das mache ich auch eigentlich echt am liebsten. Ich mag es wirklich, wenn ich mich dann so richtig hoch konzentriere und mich dann auch gar nicht so wirklich ablenken kann. Also, dass  ich dann Abends rausgehe und mit Leuten treffe. Da schließe ich mich schon sehr gerne ein und verliere mich dann auch gerne voll in der Stimmung.

Lara: Ein Thema, um das wir natürlich nicht herum kommen, ist die Pandemie. Hat sie den Albumprozess beeinflusst?

YRRRE: Schwierig zu sagen, also bei mir war es halt so, dass ich mich ja schon vorher für das Album mehr oder weniger isoliert habe und als ich dann mal wieder raus in die Welt treten wollte, es dann eben garnicht mehr ging. Und das hatte dann eben schon auf jeden Fall Einfluss auf das Album genommen. Natürlich waren dann alle irgendwie isoliert und das hat einen dann schon ich an der Stange gehalten, dass man sich dann vielleicht sogar besser drauf konzentrieren konnte als vorher. 

Lara: Das kann ich auf jeden Fall nachvollziehen. Jetzt eine Frage zu deinem Albumtitel: wie und wieso hast du dich dazu entschieden, das Album Feinstaub zu nennen?

YRRRE: Also alles in allem mochte ich nicht unbedingt diesen Begriff, der da drüber schwebt, sondern eher die Wortzusammensetzung. Das hat das Album vom Start aus eigentlich sehr gut zusammengefasst, weil ich zum einen über viele negativen Sachen rede, aber es versucht habe in ein schönen Wortgewandt zu packen. Der Titel stand eigentlich schon recht früh auf nem Zettel und je länger sich das Album entwickelt hat, desto treffender wurde es auch. Ich glaube, ich habe tatsächlich auch ganz lange mit diesem Begriff im Hinterkopf gearbeitet und deshalb klingt es wahrscheinlich auch wie es klingt.

Lara: Ich finde auch, dass der Titel einfach zum gesamten Vibe des Albums passt. In deinem Song Netflix gibt der Refrain Raggae Vibes, in Ellenbogen kann man Garage-Punk-Klängen lauschen und in Laufmaschen gibt es verspielte Synthies. Woher kamen die Inspirationen für diese unterschiedlichen Sounds?

YRRRE: Auf Netflix war das zum Beispiel so, dass wir in einem Haus in Brandenburg zwei Wochen gearbeitet haben. Da stand dann so ein verstaubtes, altes Klavier, welches dann auch diese Drum-Loops drauf hatte. Als wir die dann durchgegangen sind, sind wir bei dem irgendwie hängen geblieben und dachten, der passt einfach sehr gut. Wir hatten am Anfang auch gar nicht geplant, so einen leicht Raggeaartigen Song zu machen. Der war dann am Anfang auch ganz roh, ohne Drums, nur die Akkorde und ich quasi. Und dann hat das alles ganz gut gepasst und hat sich dann eigentlich total natürlich entwickelt.

Bei Ellenbogen war es wahrscheinlich einfach der Vibe. Wir haben den Track im AnnenMayKantereit Proberaum aufgenommen und ich glaube, dass man das Umfeld irgendwie etwas aufsaugt und sich dass dann auch im Song widerspiegelt. Wir sind jetzt generell an keinen Song rangegangen und haben gedacht, wir müssen jetzt unbedingt dies oder das machen. Ich hatte sowieso Bock mich auszuprobieren und wollte gerne alles mal versuchen.

Lara: Du hast am Anfang schonmal gesagt, dass die letzte Zeit eher anstrengend war. Bist du froh, dass es jetzt erstmal done ist, oder willst du dich am liebsten schon gleich ins nächste Projekt stürzen? Was werden wir in Zukunft von dir hören?

YRRRE: Ich merk auf jeden Fall, dass ich allmählich schon etwas geschlaucht bin, aber ich hab schon eigentlich voll Bock mich ins nächste Projekt zu stürzen. Ich hab auch schon voll viele Ideen in meinem Kopf, die ich gerne weiterverfolge und vor allem auch den Sound weiter denken möchte. Ich glaube, da möchte ich auch gar nicht so viel Zeit verstreichen lassen und zusehen, dass ich gleich wieder los lege. Ich glaube, die Energie sollte man nutzen.

Lara: Da werden sich bestimmt viele freuen, alsbald Neues von dir zu hören. Damit sind wir auch schon fast am Ende unseres Interviews angelangt.  Die Schlussfrage richtet sich immer etwas nach unserem Konzept bei untoldency und fragt nach einer untold story, nach etwas, was du bisher in keinem Interview verraten hast. Das könnte zum Beispiel etwas Lustiges sein, was während des Albumprozesses passiert ist, irgendeine kleine Anekdote, oder einfach irgendetwas, was dir auf dem Herzen brennt und du schon immer mal in die Welt hinaustragen wolltest.

YRRRE: Puh, da muss ich erstmal kurz überlegen. Als wir King Kong Kicks aufgenommen haben, das war in Leipzig, in so einem kleinen Kellerstudio in welches wir uns eingemietet haben. Es war dann bestimmt so fünf Uhr Morgens als ich die Strophen eingesungen habe und irgendwann lief halt nur noch der Beat weiter. Als ich dann mal in. Den Regieraum gegangen bin, hab ich dann nur einen im Sitzen schlafenden Cap Kendricks aufgefunden.
Das fand ich auf jeden Fall sehr schön, weil das alles so ein bisschen eingefangen hat, dass wir sehr viel Nachts gearbeitet und uns verausgabt haben, dass es irgendwann einfach nicht mehr ging.

Wer jetzt neugierig geworden ist und wissen möchte wie Feinstaub klingt, kann das Album hier hören:

Foto: Christopher Szulecki