Autor: Anna

Okay people. Let’s settle in. Was euch erwartet, ist eine wahrscheinlich sehr lange und sehr ausführliche Review über das vermeintlich beste Album aus 2021. Es geht um Tyler Joseph und Josh Dun, das süßeste Duo, das eine Band ist – Twenty One Pilots. Auch wenn ihr an dem Ton jetzt wahrscheinlich schon merkt, das hier wird eine Fangirl-Review, ist es aber auch wirklich eine unvoreingenommene Empfehlung an euch alle, auch die, die nur „Stressed Out“ kennen und nicht so ganz wissen, was sonst so bei der Band abging und -geht. Ich nehm euch an die Hand und führ euch durch. Das sollte irgendwie ein bisschen romantisch klingen, aber hat auch einen weirden Touch – den einfach ignorieren. Wir präsentieren: Scaled And Icy, das neue Album von Twenty One Pilots und der absolute Sommer-Dauer-Loop von uns allen.

 

Was bisher geschah

Bevor wir starten können, müssen wir aber erst mal einige Sachen festhalten. Denn so klischeehaft sich das auch anhören mag – Twenty One Pilots sind keine durchschnittliche Band. Ich geb mir gerade sehr viel Mühe, hier nicht wie ein „omg das musst du dir anhören, das ist so toll“-Fangirl zu klingen, will aber eigentlich genau das sagen. Wenn man sich einmal in dieser Welt verloren hat, die Twenty One Pilots nicht nur musikalisch, sondern vor allem lyrisch erschaffen, dann ist es so schwer, das anderen Leuten mit einem ruhigen Puls zu erzählen. Weil es ist halt wirklich einfach so toll. Scaled And Icy ist für die meisten einfach nur ein neues Album, aber für Twenty One Pilots Fans ist es der Beginn der neuen Ära. Und als eben jener Fan gebe ich euch jetzt ganz ungefragt Kontext (wer nicht will, scrollt einfach zum nächsten Teil, ich bin auch nicht gekränkt):

Twenty One Pilots verpacken ihre Musik schon lange in einem größeren Kontext. Mit versteckten Metaphern und ganzen Handlungssträngen erwecken sie fiktive Charaktere zum Leben, interagieren auch selbst mit dieser Welt und gestalten sie wie einen interaktiven Fan-Quest: es wimmelt von versteckten Hinweisen und kryptischen Nachrichten. Aus Platz- und Aufmerksamkeitsspannungsgründen (geiles Wort) rase ich kurz durch, und wer Fragen hat, soll fragen (oder googlen): In dem Erfolgsalbum Blurryface ist Tyler in DEMA, einem dunklen Gedankengefängnis, das von neun Bischöfe regiert wird. In Trench bricht er mit Hilfe der Banditos aus und befindet sich auf der Suche nach Hoffnung. Dann kam mit Shy Away die erste Singleveröffentlichung des neuen Albums und alles deutet darauf hin, dass Tyler wieder gefangen und das neue Album Propaganda von DEMA ist.

Tyler Joseph wird von Bischöfe in irgendwas namens DEMA gefangen gehalten? Nicht ganz, das ist natürlich alles nur eine Metapher. DEMA ist der dunkle Gedankenort, in den Menschen fallen, die an Depressionen oder anderen mental illnesses erkrankt sind. Und der Kampf da raus, ist das, was Tyler in seinen Songs und geschaffenen Welten darstellt, nur mit fiktiven Charakteren und Storylines. Scaled And Icy führt genauso diese Story fort, wir sind back in DEMA und das Album ist fremdgesteuert von den neun Bischöfe. Crazy, aber geil. Aber ja, was soll ich sagen. Als pure Propaganda für DEMA ist Scaled And Icy ein absolutes Sommer-Bops-im-Dauerloop Album geworden, das euch garantiert auch gefällt, wenn euch diese kryptischen Theorien nicht gekriegt haben. Versprochen. Und jetzt geht’s auch endlich los.

 

Twenty One Pilots bringen 80s soft pop rock zurück

Mit Good Day hauen Twenty One Pilots einen Opener raus, mit dem ich so nicht gerechnet hätte. Wer Heavydirtysoul und Jumpsuit kennt, weiß, wie beide mit krachenden Riffs die vorherigen Alben eröffnet haben. Good Day wiederum ist reiner 80 soft pop-rock á la Billy Joel. Tyler dreht die Synth-Anlage an, es ist als würde das Album langsam ins Leben gerufen werden. Die bouncigen feel-good-Klavierakkorde kommen rein und ich kann nicht anders, als vor meinen Augen ein Introfilm zu irgendeiner Familien-TV-Show zu sehen. Es ist so komplett anders von allem, was Twenty One Pilots bisher gemacht haben und ich muss auch kurz gestehen, ich hab eine Minute gebraucht. Doch dann hab ich’s gefühlt. Bin durch die Wohnung gewirbelt als würde der Sommer schon durch die Fenster scheinen und hab mitgesungen, als wäre es eine One-Woman Musical Show. True Story.

Das Kuriose an diesem vermeintlich so gutgelaunten Opening Track ist die darin liegende Dunkelheit. Tyler beschäftigt sich mit dem wohl traurigsten Thema, das er hätte wählen können: der Verlust von dem Wichtigsten in seinem Leben, seine Frau und eineinhalb Jahre alten Tochter, und wie er damit umgehen würde. Good Day ist die erste Phase der Verarbeitung von diesem Verlust: Verleugnung. „I can feel my saturation leaving me slowly“ ist die erste Zeile des Songs und nicht nur ein powerful Wording, sondern steht auch im totalen Gegensatz zu diesem vermeintlich farbenfrohen Album.  Trotzdem – musikalisch ist Good Day pure good vibes only und wenn man sich dem hingibt, kann man eigentlich gar nicht anders, als diesen Musical-Soundtrack zu fühlen und auszuleben.

 

„I know it’s over, I was born a choker“

Nachdem Good Day also schon angedeutet hat, in welche Richtung das sechste Album der Band gehen wird, kommt Choker. Wenn ich jetzt sage, Choker sei mein Lieblingssong vom Album, würd ich mich schon im nächsten Song berichtigen. Aber ganz falsch wäre ich auch nicht. Choker öffnet mit leicht hallenden Drums im Hintergrund und einer simplen Bassline. Es ist deutlich ruhiger als Good Day, aber trotzdem super geeignet fürs laute Mitsingen. Tatsächlich ist es auch der Song, der am meisten an die alten Sachen erinnert, vor allem wenn man die Zeit von Taxi Cab und so zurückdenkt. Es trifft in die volle Nostalgie ohne aber den feel good Vibe von Scaled And Icy zu verlieren.

Inhaltlich – puh. Sehr beladen und voller Referenzen. Die Art, wie Tyler singt, klingt auch so verzweifelt, dass man auch nur dadurch zurück in die darkeren Abschnitte der Band zurückgeworfen wird. „I know it’s over, i was born a choker, nobody’s coming for me.” –  traurig einfach, ich sag wie’s ist. Referenzmäßig befinden wir uns bei Heavydirtysoul, in der Tyler schon die Metapher von „choking on smoke“ aufgemacht hat: er erstickt fast an den depressiven und dunklen Gedanken. (Deshalb auch die schwarze Farbe auf seinem Nacken während der Blurryface Ära). Was er in Choker singt, lässt schließen, dass er sich dieser dunklen Welt ohne Hoffnung hingegeben hat und sich komplett allein fühlt. Die Theorien mit DEMA und allem drum rum bestätigen sich also hier auch. Trotzdem – musikalisch ist es ein so wunderschöner Song, dass ich ihn euch hier auch einfach nochmal extra ans Herz lege: 

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We vibing in the summer heat

Was folgt, ist der absolute HIT Shy Away. Die erste Single vom neuen Album, die alles angestoßen hat. Hier hab ich schon mal erzählt, wie ich sie finde, aber ich möchte aus persönlichem Anliegen heraus auch nochmal anmerken: Das ist einfach nur geil. Auch jetzt im Kontext des Albums, hör ich es immer öfter. Es ist genau diese Art von 2000 Indie-Rock, den wir alle damals auch rauf und runter gehört hätten – aber mit voller Lautstärke und dem genervten Missfallen unserer Eltern. Es hat einfach alles, was es braucht, um der neue Top-Hit von Twenty One Pilots zu werden. 45 Millionen Streams nach nur eineinhalb Monaten spricht für sich. Don’t sleep on this.

Don’t sleep on this entire album, in fact. Denn jetzt kommt The Outside, nach Good Day der erste „richtige“ neue Song. Ich merk gerade wie mein Fangirl-Puls steigt, aber… Vor Freitag hatte niemand eine Ahnung, wie der neue Sound von Twenty One Pilots klingen wird. Und da ist natürlich auch immer so ein kleiner Funke Sorge dabei – was, wenn es einem nicht gefällt, was wenn die Band sich irgendwie verrannt oder einen auf dieser neuen Albumreise musikalisch einfach verloren hat. Vergesst diesen Funken Sorgen, absolut unbegründet. The Outside ist von Sekunde eins an von einem funky Beat dominiert, es ist wirklich einfach nur geil.

Es ist der perfekte Song für eine Sommer-Pool Party oder alles andere, was man sich in einem ähnlichen Kontext vorstellen kann. The Outside ist catchy, zugänglich und auch wirklich einfach ein Hit. Sag ich das zu oft? Ich fühl’s wirklich sehr, sorry. Aber deshalb vielleicht kurz zum inhaltlichen Teil des Songs, der auf zwei Arten interpretiert werden kann. Einmal als Tylers Perspektive auf den Erfolg, den er mit Twenty One Pilots hat. Der weltweite Breakout der Band ist schon ein paar Jahre her und deshalb kommt hier vielleicht das Gefühl auf, er sei keiner der cool kids mehr, sondern stattdessen on the outside. Dann gibt es wiederum auch wieder einen leichten DEMA-Propaganda Touch im Refrain:

„Up and down, they’re nodding
Heads are moving up and down, you got it
Everybody stand in line
One by one, take a hit, join the club“

Alle stehen in einer Reihe, nicken im Takt und folgen DEMAs Autorität, das ist schon bissi spooky. Aber lyrische Deutung hin oder her. Am Ende des Songs kommt ein weiterer Break, den ich vielleicht mehr liebe als den gesamten Song. Ghettoblaster auf die Straße und Breakdance Battle – das sind die Vibes zum Schluss, die mich einfach nur faszinierend über diese cleane Mischung aus Genres zurücklassen.

 

„Catch me floatin’ circles in my fishbowl”

Genau diese Kreuzung aus Genres, ohne sich von irgendwas einschränken zu lassen, zieht sich auch im nächsten Song durch: Saturday. Back to back mit The Outside bin ich an diesem Punkt einfach nur mal kurz baff, wie gut dieses Album in der ersten Hälfte alleine nur ist. Von diesen Jungs ist Stressed Out? Ja. Saturday ist wahrscheinlich die poppigste Single auf dem ganzen Album. Astrein spielbar auf ner Einweihungsfeier oder für den Kick guter Laune im Alltag. Es ist auch der Song, der am ehesten auf die ganze Pandemie Situation schließen lässt, in der sich beide, wie wir alle, auch befanden:

“When you strip away what day of the week it is, you lose your rhythm. You lose your sense of what is up and what is down. When the pandemic happened, everyone was starting to learn that lesson, where the days of the week lose their meaning, and it was messing with people’s reference of time. You feel like you’re swirling and your feet aren’t planted. In the song, I’m talking to my wife, hoping that she sticks with me, even though I’m working through this, even though I’m kind of tumbling into nothingness.”

Auch hier wieder – diese funkige Gitarre! Sie zieht sich durch das ganze Album und liefert einfach eine Indie-Pop Hymne nach der anderen. Ich weiß, ich darf mich hier auch nicht in zu viel Begeisterung verrennen. Aber Tylers Vocals sind wirklich so on point, dass mir meine Nachbarn ein bisschen leidtun, so laut versuch ich diese Töne zu treffen:

“Life moves slow on the ocean floor
I can’t feel the waves anymore
Did the tide forget to move?
I just pray that I’m not losing you”

Wenn das das Gefühl des letzten Pandemie-Jahres beschreibt, dann unterschreib ich das so. Unten am Meeresgrund spürt man halt weder Wellen noch Gezeiten – da ist jeder Tag der gleiche und nichts passiert. Und wenn ihr das Lied jetzt hört und euch bei 2:26 denkt – ähm ist meine Box kaputt??? Dann nein, das soll so. Kommt aber heftig oder? (Ich erklär‘s nicht, ihr müsst es leider selbst hören – hehe).

 

2008 called and it wants its musicals back

Next up ist Never Take It und ist, ähnlich wie Shy Away, astreiner Pop-Rock, den vor allem Fans von Panic! At The Disco aufsaugen müssten. Scaled And Icy ist, all theories aside, ein pures Kreativ-Projekt. Es ist laut, es ist bunt, es ist voller Energie. Tyler selbst sagt in Interviews, dass der Albumprozess von Scaled And Icy so anders für ihn war, eben weil es das erste Mal war, dass er nicht alles zerdacht, sondern seine Kreativität einfach machen lassen hat. (Für den Aha-Effekt: scaled and icy – scaled down and isolated). Und was da bei rausgekommen ist, sollte auf jeder Sommer-Playlist rauf und runter laufen.

Doch zurück zu Never Take It. Es startet mit catchigen Claps und einer eingängigen Synth-Melodie und endet dann in einem so pop-rockigen Chorus, dass ich ganz kurz denke, ich bin in Disneys Camp Rock gelandet – und wer das jetzt als negativ bewertet, hat das früher einfach nicht leidenschaftlich genug geguckt. Aber ja, ich will nicht lügen, es hat einen leichten Musical-Vibe, was ja auch inhaltlich passt: Never Take It ist unter all den Songs von dem DEMA propagierten Album der wohl rebellischste. Tyler spricht sich aus gegen Medien, die jede Halb-Wahrheit nutzen, um zu polarisieren und Menschen zu spalten. Dieser ständige Overload an Debatten kann auch mental sehr anstrengend sein, vor allem wenn es meist wirklich nur um Clickbait oder Fake News trending geht. Als einzelne Person ist man schnell darin gefangen und Teil von etwas, von dem man gar nicht Teil sein will (@DEMA, also looking at you here).

Der beste Part kommt aber tatsächlich zum Schluss, wie so meist bei Twenty One Pilots Songs. Fun Fact davor – Tyler spielt immer nur Bass und ist kein Gitarren-Frontman wie ihn sonst viele andere Bands haben. Doch für Scaled And Icy hat er sich das Gitarre spielen selbst beigebracht und obwohl man das durch das ganze Album durchhören kann, ist man nicht auf diesen Part vorbereitet. Ich spann den Bogen nicht zu doll: es ist ein Solo. Auch überhaupt nicht spektakulär, aber as a fellow TOP Fan, ist das vorher noch nie passiert und deshalb verdient das auch einfach mal einen extra Shoutout.

 

„Keep your bliss, there’s nothing wrong with this”

Ich weiß, bei dieser Länge von der Review hier werd ich schon ein gutes Stück von euch verloren haben. Für die, die noch mitlesen, kommt jetzt aber, und da lehn ich mich weit aus meinem Balkon, der Song, der wahrscheinlich am meisten hängen bleibt: Mulberry Street. Klingt genauso cool wie der Titel. Es ist bouncy, es ist groovy, es ist poppig, es ist einfach Frühlingsgefühle pur. Ich kann das Lied nicht hören, ohne mit einer kleiner made-up Choreo durch die Wohnung zu tanzen. Ja, ich bin einfach eine kleine Musical-Hoe. Tylers Vocals dazu triggern dann auf so ne ganz spezielle Weise:

„Get out of our way, we’re moving sideways
Welcome to Mulberry Street, yeah
So move out of our way, we’re pushing sideways
Keep sidewalk under your feet”

Ich werde jetzt auch die These droppen, dass Twenty One Pilots mitunter die besten Bridges haben, die es da draußen so gibt. Das muss jetzt auch gar nicht zwingend auf Mulberry Street zutreffen, aber ich wette 20€, die ich nicht habe, dass wenn ihr euch in der Musik der Band verliert, unter all den Songs mindestens fünf dabei sind, die auf eure persönliche Liste der besten Bridges landen. Behaupt ich jetzt einfach mal so. Für mich gehört Mulberry Street da definitiv auch dazu. Die groovigen Frühlingsgefühle machen Platz für Tylers ruhige, fast schon traurige Klaviereinlage. Das ist alles so smooth, wenn hier ne Ballade anknüpfen würde, ich würd es nicht hinterfragen. Doch stattdessen kommt der Grundbeat von Mulberry Street wieder, aber so kompakt heruntergebrochen, das ist wirklich mitunter das Cleanste (production-wise), was ich je gehört hab. Plus ne fucking Trompete! Ich leb für diese Band, kein Mist.

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Ned, where you at?

Tatsächlich kommt jetzt, wider aller Erwartung, der Song vom Album, den das ganze Internet fast am meisten liebt, an den ich aber leider wirklich nicht rankomme: Formidable. Eigentlich ist es ein super cuter, kleiner happy Lovesong kurz vorm Ende, mit Gitarren aus den 80s, unbeschwerten düdelüs und süßen Lyrics. Wieso es aber der einzige Song ist, den ich nicht so ganz mag, kann ich euch gar nicht genau sagen. Der Anfang klingt ein bisschen wie Drangsal und wenn euch das triggert (wahrscheinlich und zu Recht), dann hört hier rein. Aber ein Skip auf einem Album ist okay oder? Vor allem wenn man bedenkt, dass ich irgendwie die einzige bin, die das als Skip wahrnimmt.

Welcher Song wiederum von der Mehrheit des Internets als Skip wahrgenommen wird, ist Bounce Man. Das kann ich widerum absolut gar nicht nachvollziehen, because it’s just a bop. Ich habs schon diverse Male beim Duschen gehört und gefühlt und Lieder, die sich beim Duschen bewähren, die sind einfach gut. Folgende Kriterien sind mir da wichtig, danke, dass ihr fragt:

1. gute Laune. Ich liebe meine sad songs mehr als alles andere, aber im Bad muss gute Laune herrschen, weil wo sonst holt man sich seinen Recharge für das Chaos in der Welt da draußen her

2. Melodien. Ich will mitsingen. Ich will gute Laune haben und mitsingen können und dafür braucht man halt einfach catchige Melodien, die man auch noch beim Krach des Föhns vor sich her summen kann

3. last and least i want some grooves. So für’s bisschen in der Dusche rumwackeln, dass man fast fällt, aber nicht ganz

All das hat Bounce Man. Und dazu hat es auch noch die witzigsten Lyrics überhaupt, weil ich nie gedacht hätte, Tyler mal „I let my old lady know“ singen zu hören – das ist wirklich mein persönliches Highlight des ganzen Albums. Es fasst diese ganze Abstrusität, was Scaled And Icy mit Kontext dann doch irgendwie ist, auf eine spezielle Art zusammen.

 

„In this house, we got feng shui„

Ihr habt es fast geschafft. Wie findet ihr das Album bis jetzt? (Wer es jetzt noch nicht hört, drückt hier auf Play). Any Favorites? Ich weiß, man könnte meinen, ich hätte meinen Lieblingssong schon mit Choker oder Mulberry Street abgedeckelt, aber nenenee. No Chances, Leute. Der ist es. Denn so sehr ich diese good vibes auf dem Album liebe (sehr!!), so sehr vermisst mein TOP Herz fetten Bass und Bars. Und No Chances – das fegt einfach alles weg. Alles. Ich kann mich immer noch an das erste Mal erinnern, dass ich es gehört hab, und hätte fast Pause gemacht, nur um mich von dem Anfangsbeat zu erholen. Ich kann Tyler praktisch sehen, wie er im Studio vor dem Mikro steht, Play und Aufnahme drückt, und diese Bars droppt. Der Mann weiß ganz genau, was er tut.

No Chances ist definitiv auch der dunkelste Song auf dem ganzen Album. Das ist ein Fight-Song. Im Refrain hört man einen so fetten Chor an Bischöfen, dass auch ich ein bisschen nervös werde, weil das schon überwältigend und ganz ganz bisschen angsteinflößend ist. Wer das nicht so mag, kann ich verstehen. Aber ich hab jetzt, nach schon 20+ Replays, immer noch Gänsehaut.

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No Chances behandelt komplett unkryptisch den Kampf und die Flucht vor den Bischöfen aus DEMA. Er knüpft direkt an die Storyline von Trench an und wahrscheinlich lieb ich es deshalb auch so. Auch der Chorus, lyrisch ist das alles ziemlich düster, aber steht im totalen Kontrast mit der wunderschönen Melodie:

“Mm, ba-da-dum-ba-da-dum-bum
We got people on the way
We want you home in one piece now (Run away, run away)”

Für all die, die sich bis hier vorgekämpft haben, mal etwas Persönliches. Ich kann nur so viel emotionalen Fangirl-Content über Songs schreiben, wenn sie mich absolut catchen und berühren. Das macht ein geil produzierter Beat genau so wie eine funkige Gitarre oder wunderschöne Melodien über traurige Klavier- oder Gitarrentöne. No Chances hat, die funkigen Gitarren jetzt mal ausgenommen, genau das, kombiniert. Zwei Sachen, die so gegensätzlich sind, dass man die unmöglich in einen einzelnen Song packen kann – dachte ich. Und dann kam No Chances. Dieser Chorus – er setzt, jedenfalls musikalisch, alles auf Reset und hat rein gar nichts mit der Strophe mehr zu tun. Als wär ich in einem anderen Song singt Tyler diese wunderschöne Melodie auf Akustikgitarre und Klavier, nur um dann in einer makellosen Produktion wieder in diesen Killer-Beat zurückkehren. Man merkt’s wahrscheinlich, da catcht mich schon ziemlich viel. (Und vom Outro brauchen wir erst gar nicht anfangen).

 

Der letzte Song ist immer für’s Herz

Wir sind am Ende des meiner Meinung besten Album dieses Jahrs. Ja, ich bin da minimal ein bisschen voreingenommen, aber auch neutral betrachtet, sind da wirklich nur Sommer-Bops auf diesem Album. Safe bet, dass da für jede:n von euch mindestens zwei Songs dabei sind, die ihr diesen Sommer öfter hören werdet. Außer No Chances, das muss man wirklich fühlen denk ich. Als wäre da der so glücklich feel-good weg, hat sich Tyler zum Ende des Albums dem Propaganda Zwang entzogen und in den letzten beiden Songs einen deutlich ernsteren Ton angeschlagen. Man kommt wieder zurück zur Realität. Redecorate ist der Abschlusssong von Scaled and Icy, und erzählt die Geschichte von drei sterbenden Menschen und die Sorgen, die sie sich um ihre Familie machen bevor sie nicht mehr da sind.

„I don’t want to go like this
At least let me clean my room
I don’t want to leave like this
‚Cause the last thing I want to do is
Make my people make decisions, wondering what to do, oh
Should they keep it on display
Or redecorate?“

Ja, das ist schon ziemlich traurig. Aber auch das sind Twenty One Pilots. Auf jedem einzelnen Album gibt’s Songs, die am Ende nochmal völlig in alle Emotionen schlagen. Ob Goner, Neon Gravestones oder Truce – und jetzt auch Redecorate. Treffen alle auf diese eine besondere Weise. Mit 4:05 ist Redecorate der längste Song vom Album und auch der bedeutendste. Das hat rein gar nichts mehr mit den Hits von davor zu tun, das ist hier real talk. Was geblieben ist, sind wunderschöne Melodien im Chorus, denn obwohl Tyler die Strophen in einem leicht verzerrten Storytelling rappt, ist der Chorus wieder mal einfach nur schön. Man kann diesen verzweifelten Schmerz praktisch fühlen.

“I had a friend of mine whose son passed away and they would keep his room the same way that he had left it. I remember thinking how crazy powerful a story that is, and how it makes me wonder, like, ‘What will people do with my stuff?’ It can actually bring you back down to earth, make sure that you don’t make any horrible decisions. I’m realizing now how difficult it is to talk about, but this song is really important to me. I love the messaging of it, and I hope that our fans hear what it is I’m trying to say in it. Because it is a bit delicate, but it’s one of my favorite tracks and it’s pretty powerful if you let it.”

 

Fazit

“It’s pretty powerful if you let it.” – besser könnte ich diese sehr lange Review nicht abschließen. Mir ist bewusst, wie viel ihr lesen musstet, danke an jede Person, die sich die Zeit genommen hat – ich hab’s versucht mit Humor auszubalancieren. Tatsächlich hoffe ich aber wirklich, dass ich euch irgendwie abholen konnte und ihr, falls noch nicht getan, in dieses Album reinhört. Ey, in die ganze Band. Wer weitere Anspieltipps braucht oder einfach nur über Twenty One Pilots reden will – in jeglichem Kontext – mein Mailfach steht euch mehr als offen. Ansonsten, go and enjoy this album:

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Fotocredit: Mason Castillo, meme von @top.n.stuff

Wer sich ein bisschen öfter Reviews auf Untoldency durchliest, könnte vor allem bei mir öfter die Aussage gelesen haben, das sei jetzt schon das „Album des Jahres“. Und ey, ich steh da bei jedem einzelnen Album, über das ich das gesagt habe, immer noch völlig hinter. Dieses Jahr ist einfach heftig und es ist erst Mai. Jetzt reiht sich ein weiteres Album in meine „Album des Jahres“-Liste ein: Es geht um Drama von Kreuzberg-Legende BRKN. Drama ist nicht nur ein richtig gutes Album, sondern auch ein unfassbar wichtiges. Es geht um Herzschmerz, Selbstzweifel und Depressionen – Themen, die selten so offen im Deutschrap angesprochen werden wie jetzt von BRKN. Aber lest einfach selbst.

 

Jedem Anfang wohnt ein Zaubert inne.

Im Februar meldete sich BRKN mit seiner erste Singleauskopplung Jede Nacht das erste Mal seit Jahren zurück. Nach seinem renommierten Album Einzimmervilla von 2017 kam „nur“ noch der absolute Hit Bordeaux (hat auch eine wunderschöne Color Session) und dann war es lange Zeit still um den Kreuzberger Rapper und Multiinstrumenten. Doch jetzt ist er zurück. Auf seinem neuen Album „Drama“ lässt BRKN Deutschrap einfach wieder gut klingen. Er wirft ein souliges Saxophon in den Beat und rappt über seinen depressiven Trennungsschmerz. Ich wusste nicht, wie sehr ich das feiern würde, bis ich es wirklich in absoluter Länge gehört hab. Buckle up, hier kommt das Drama:

Wie es sich für ein ordentliches Hip Hop Album gehört, kommt erstmal das Intro. R’n’B – Vibes treffen auf BRKNs Klavier, ein Saxophon steigt ein und wenn auch erstmal nur rein instrumentell, ist es kein Intro, was ich skippen würde. Tatsächlich verfolgen Intros ja immer eine gewissen Intention. Sie setzen den Rahmen für’s Album und leiten ein.  Wenn man das Album auf Shuffle hört, kommt das natürlich überhaupt gar nicht zum Tragen, aber alleine deshalb lohnt es sich auch mal, wie früher, Alben in der Reihenfolge durchzuhören, wie sie vom Künstler vorgegeben sind. Im Falle von Anfang (J’s Intro) macht BRKN das mit einem Hermann Hesse Gedicht, direkt aus dem Deutsch-LK:

„Und jedem Anfang wohnt ein Zauber inne, der uns beschützt und der uns hilft, zu leben.“

Steigt man mit diesem Zitat direkt in die Analyse ein, dann steht Drama, so traurig die bevorstehenden Songs wahrscheinlich klingen werden, für einen Neuanfang. Für die Verarbeitung all der ihn während des Prozesses quälenden Gefühle und für den Abschluss damit. Es ist der Beweis, dass so herausfordernd es für BRKN war, ein Album während seiner Depressionen zu machen, er es trotzdem geschafft hat. Und dem liegt tatsächlich ein bisschen Zauber inne.

 

„Ich hab genug Probleme“

„Ich versuche nur den Tag zu übersteh’n
Eigentlich will ich nur fragen, wie’s dir geht
Alles hängt am seid‘nen Faden seit du fehlst
Doch ich hatte keine Wahl, ich musste geh’n.“

Drama ist der große Vorhang-Auf für das gleichnamige Album und fängt genau mit diesen Worten an. Es gibt mit klaren Worten direkten Kontext für alles, was BRKN thematisch auf diesem Album verarbeitet. Wie und warum er sich getrennt hat, das bleibt persönlich, aber darum geht es ja auch gar nicht. Viel mehr geht es um das, was die Trennung mit ihm gemacht hat: „Ich trinke sieben Gläser hintereinander | Ich spiele alle Rollen in diesem Drama“. Ich will nicht lügen, aber vor allem zum letzten Satz kann ich sehr relaten und wahrscheinlich viele von euch auch.

Musikalisch ist Drama die perfekte Mischung aus Soul, R’n’B, Trap und vielleicht auch bisschen Jazz, die BRKN so ausmacht. Wenn auch relativ kurz, weiß ich jetzt schon: dieses Break-Up Album wird ballern. Und das beweist schon der nächste Song, der als letzte Singleauskopplung mit dem Album raus kam: 1991.

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Selbst wenn ich nicht mehr dort wohne, würde ich behaupten, 1991 muss auf jeder privaten Playlist einer stolzen in Berlin Kreuzberg/Neukölln wohnenden Person zu finden sein. Es ist einer der wenigen Songs, auf denen BRKN seinem Drama eine positive Feier-Stimmung verpasst. Ich kann den Song nicht hören, ohne dass ich ihn vor meinen Augen durchs Studio tanzen sehe. Wer BRKN kennt, weiß, dass er vor allem live ein absolutes Energie-Bündel ist, das auf der Bühne absolut alles gibt. Und das ist was, was ich in den letzten drei Jahren sehr vermisst hab, und jetzt endlich wieder zu spüren bekomme.

 

„Ich hoffe, ich behalt mein Herz“

Doch das solls erstmal sein mit Party-BRKN. Die angesprochene Trennung hat ihn tatsächlich ziemlich aus der Bahn geworfen und das verarbeitet er unter Anderem auf Herz. Eigentlich kenne ich auch nur Heartbreaks Songs, die entstanden sind, weil mit einem Schluss gemacht wurde. Doch mit BRKN wurde nicht Schluss gemacht hat, er selbst hat die Beziehung beendet und fühlt den Schmerz deshalb nicht nur selbst, sondern auch noch stellvertretend für die Person, mit der er Schluss gemacht hat. Manchmal funktionieren Beziehungen nicht, wie man es sich vorstellt und dann muss man sie beenden, so sehr das einem auch selbst wehtut. Man verliert nicht nur selbst jemanden so wichtiges, sondern tut dieser wichtigen Person auch noch wissentlich weh. Und das ist nochmal eine ganz andere Art Herzschmerz, denn es gibt eigentlich nichts Schlimmeres, als jemanden weh zu tun, den man liebt. Jedenfalls für uns empathische Menschen:

„Wie lebt man damit? Wie schläft man damit?
Das geht doch gar nicht
Wie soll ich mich so selbst noch angucken, heh?
Wie soll mich noch irgendwas jucken
Bin mir seitdem selber egal
Fühlt sich an als ob der Teufel mich jagt“

Im Podcast Danke, Gut mit Miriam Davoudvandi (vielleicht besser bekannt als cash.miri), sprach BRKN über genau diese Thematik. Wie ihn diese ganze Trennung und alles drum rum in eine Depression gekickt hat und er sich Tag für Tag, Song für Song vielleicht, da raus gekämpft hat. BRKN hat diese Killer-Beats nicht gebaut, um zu charten, sondern um zu dem zurückzukehren, wer er ist. Zurückzukehren zur Musik, dem Ort, an dem Gefühle einen Soundtrack bekommen, verarbeitet und geteilt werden. Ich bin wirklich einfach nur begeistert, wie offen und ehrlich BRKN mit diesen Themen umgeht. Wie er mit über seine eigene Männlichkeit reflektiert, über Depressionen, Paranoia und Therapie rappt, während es fast überall sonst im Deutschrap um all diese toxischen Sachen geht, über die ich viel zu müde bin, sie niederzuschreiben. Damit ich das nicht muss, könnt ihr euch hier den Podcast anhören, weil er ist wirklich unglaublich gut.

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Ich bin ein bisschen abgedriftet. Next up ist der Liebessong gegen Liebessongs. Liebessongs sind ja sowieso ein relativ durchgespültes Thema, aber scheinen nach wie vor eins der erfolgreichsten Songkonzepte zu sein. Anti-Liebessongs funktionieren aber genauso gut. Kraftklubs „Kein Liebeslied“ wird eigentlich für immer mein to-go Song sein, wenn’s in diese Richtung geht, aber BRKN macht dem mit Kein Liebessong ordentlich Konkurrenz. Eine Hook, die mit dem ersten Hören im Ohr bleibt, ein fetzendes Saxophon-Solo am Ende und Lyrics, die einfach keine Zeit haben, um sich mit Liebessongs zu beschäftigen – denn dafür hat BRKN ganz andere Probleme. Ebenfalls als Single vorab released, hat es ein sehr ästhetisches Musikvideo, welches ihr euch direkt hier angucken könnt:

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„Ich brauch kein Koks, das Leben hält mich wach.“

BRKN in einem Meer aus Blumen sitzend – das ist eine Ästhetik für sich. Kann man das toppen? Visuell wahrscheinlich nicht, aber musikalisch geht es (Achtung, Radio-Anmoderation) Hit an Hit weiter. Von Kein Liebessong zu Stress fügt sich das vor allem inhaltlich super gut an. Es geht um – absolut naheliegend – den nie aufhörenden Stress. Auf der einen Seite fühlt sich BRKN so leer von diesen düsteren Gedanken und Gefühlen, die nicht aufhören, ihn herunterzuziehen und alles, was er macht, anzweifeln. Auf der anderen Seite fühlt er sich aber auch so getrieben, von dem eigenen Druck und den von außen, zu liefern und der ständigen Frage, wann es ihm endlich wieder besser geht.

„Zu viele Paranoia, Dicker, hält mich auf Trab

Zu viele Gesichter, nein, ich glaub, ich brauch‘ Schlaf

Bitte therapier mich, das ist nicht mehr normal“.

Allerletzter Einschub an dieser Stelle, um das einfach nochmal zu unterstreichen: Geht zur Therapie. Also jetzt nicht ihr alle, aber es ist 2021 und trotz dieser eineinhalb Lockdown-Jahre, die wir alle gemeinsam durchgemacht haben, scheint Therapie immer noch ein Tabu-Thema zu sein. Dabei sollte es das Normalste der Welt sein, dass wenn es einem nicht gut geht, man sich eben Hilfe sucht, damit es einem wieder besser geht. Wir gehen ja auch zum Arzt, wenn der kleine Zeh weh tut. Deshalb, lasst uns das machen wie BRKN, öfter über unsere Gefühle reden und zur Therapie gehen, wenn es uns nicht gut geht.

 

„Outfit clean, fresh und depressiv“

Und damit hör ich auf mit all diesen ungefragten mental health Ratschlägen und komm zurück zur Musik. Hades zum Beispiel – musikalisch einfach pures Gold. BRKN sagt das genau richtig: „Kille den Beat und geh rein wegen Mord“. Hades ist vielleicht der bedrückendste Song auf dem Album, aber wenn dieser Beat droppt – pure Gänsehaut. Das ist auch eins der Dinge, die ich an diesem ganzen Album liebe, diese spürbare Liebe für Musik, in jeder Zeile, in jedem Song. BRKN gibt diesem Beat den Raum, den er braucht, um sich voll zu entfalten, und während ich das schreibe, bekomm ich zum zweiten Mal Gänsehaut. Wer jetzt wissen will, warum und was ich eigentlich meine, der höre hier rein.

Zum nächsten Song kann ich euch auch verlinken, es ist die erste und schon erwähnte Singleauskopplung Jede Nacht und hat BRKN wieder auf meinen und vieler anderer Leute Radar gebracht. Wieso der Song so geil ist und alles, was BRKN damit und seinem Album-Release an Lob eingeheimst hat, absolut berechtigt ist, lest ihr hier.

Und damit sind wir schon am Ende. Im wahrsten Sinne des Wortes. Das letzte Lied des Albums heißt Zu Ende und versucht all das, was BRKN in Drama verarbeitet hat, nochmal irgendwie abzuschließen.

„Und ich weiß schon lang nicht mehr, was los ist

Und auch ich kenne nicht die Zukunft

Doch ich kenn dich und weiß, dass du stark bist

Und dass am Ende alles gut wird.“

 

Fazit

Leute, Fazit. Ich bin einem Monat nach Release mit dieser Review ein bisschen später als sonst, hab sie immer wieder verschoben, weil ich diesem Album einfach gerecht werden wollte. Es ist diese Art, wie offen und ehrlich BRKN seinen Liebeskummer verarbeitet und kommuniziert, die mich auf so eine ganz eigene Art völlig trifft und berührt. Wie macht man mit jemanden Schluss, den man noch liebt? Wie bricht man jemanden das Herz in dem Wissen, dass es diese Person so sehr verletzten wird, aber es nicht anders geht? Und wie geht man selbst mit diesem Schuldgefühl und dem eigenen Liebeskummer um? Alles ein totales emotionales Chaos und so ein tiefer Schmerz, durch den man durchmuss, um auf die andere Seite zu kommen. Was super drastisch klingt, ist einfach wahr. Und darüber kann man auch mal sprechen.

Deshalb – hört euch Drama an, fühlt ein bisschen mit, aber vor allem, gönnt euch diese gute Musik und BRKNs nie sterbender Funken Hoffnung. Er hat’s geschafft, hat den schlimmsten Part hinter sich und hat zudem auch wirklich einfach abgeliefert.

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Fotocredit: Ferhat Topal

Es ist Zeit für Indie. Guten Indie. Indie, der uns so langsam aber sicher in den langersehnten Frühling trägt. Und manchmal kommt genau der beste Indie noch von Newcomer:innen, die gerade erst dabei sind, sich zu etablieren. So wie Varley, die ich euch in diesem Rahmen jetzt schon mal super ans Herz legen darf, wenn man denn genau nach so etwas sucht. 2021 kommt ihr Debütalbum und mit Push Pull haben sie jetzt schon ihre zweite Single daraus veröffentlich und was soll ich sagen – ich bin hyped.

 

Atmosphärischer Indie mit Ohrwurm-Garantie

Varley sind die in Dublin geborene Claire-Ann und ihre deutschen Bandkollegen Joschka Bender und Matthias Heising. Zusammen wirbeln sie sich in die deutsche Indie-Pop Szene hinein und überzeugen immer mehr von ihrem Klang. So wie mich. Sie klingen ehrlich und gefühlvoll, aber gleichzeitig auch voller Leidenschaft, sich die großen Bühnen unserer Indie-Bubble zu erspielen. Das hier geht Hand in Hand für Fans von M.Bryd, Pat Burgener, Phoebe Bridgers oder Holly Humberstone – jedenfalls laut Spotify. Und Spotify liegt da meist ziemlich richtig.

Doch so viel zur theoretischen Einordnung. Eigentlich hilft ja sowieso nur die Musik selbst zu hören, um zu entscheiden – mag ich das oder nicht? Die Entscheidung will ich euch hier nicht abnehmen, aber definitiv erleichtern, weil ich mag es definitiv. Ganz dem #influencer-Vibe des Musikjournalismus nach, also erst zu ein paar Worten von mir:

Push Pull ist eine Anti-Hymne gegen all die, die einen im Leben hin und her schubsen wollen, immer der Meinung sind, alles besser zu wissen und dabei auch gerne mal leicht übergriffig werden im Eigene- Meinung-Aufdrängen. Es ist die melodische Gitarre und ein rhythmischer Bass, mit denen Varley Push Pull schon von der ersten Strophe an zu einem atmosphärischen und fast schon mühelos klingenden Indie-Song machen. Es ist tatsächlich auch genau diese entspannte Energie, die mich in den Bann zieht und mir am Ende noch einen Ohrwurm dalässt.

„Push Pull was born out of the frustrations that come when people think they know you better than you know yourself or that they what’s best for and how this often left us feeling like we were being pushed and pulled in a thousand different directions. Especially being raised in a society where girls are expected to always be nice and polite, this is our way to break free from that and speak our mind.”

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Wenn nicht man nicht mal Torten so richtig genießen kann

Push Pull ist also nicht nur musikalisch ein sehr zugänglicher Song, sondern man kann sich auch inhaltlich unfassbar gut mit identifizieren. Und auf diese Weise ist es sogar auch empowerend, wenn man aus diesem dann ja schon leicht toxischen Umfeld ausbricht und sich anfängt, selbst zu definieren.

Lasst uns aber ganz kurz auch über das Musikvideo sprechen, denn es versetzt uns zurück in die 1980er Jahre und ich zu meinem Teil liebe diese Ästhetik. Außerdem fängt es an mit einer Torte und wenn ich ehrlich bin, hat man mich damit schon. Sind die kleinen Dinge, wisst ihr. Ich guck diese Torte an, mit raufgeschriebenen Namen und Kirschen on top und denk mir – ich will auch. Und: wieso hat mir noch niemand so eine Torte gebacken?

Guckt man aber weiter, dann will man die Torte irgendwie doch nicht so ganz haben. Es ist nämlich gar nicht unbedingt so eine liebevolle Geste, wie ich es mir erhofft hätte, sondern eher an viele Bedingungen geknüpft – und die zielen alle darauf ab, den Protagonisten so weit zu verhätscheln, dass dieser gar keinen eigenen Handlungsspielraum mehr hat. Geweckt um Punkt 8 Uhr beginnt sein Tag, dann wird er von seiner Mutter angezogen (gegen seinen Willen), bekommt von seinem Vater zum xten Mal erklärt, wie man sich richtig rasiert (ungefragt) und darf dann nicht mal sein Frühstücksbrot selbst schmieren. Absolut empört warte ich darauf, dass er sich mal wehrt – und als er es tut, kommt auch die Torte zurück ins Spiel. Bekanntermaßen ist die Kombination von Torten und Wutausbrüchen nie eine großartig Verheißungsvolle, aber das ist in diesem Kontext ja auch gut so.

Wer jetzt ein bisschen hilflos vor diesem Text sitzt und nicht so ganz weiß, was ich meine – guckt euch einfach das Musikvideo oben an (oder hier, ich weiß, wir sind alle scroll-faul). Und wenn ihr trotz oder gerade deshalb mal in Varley reinhören möchte, es sei euch hier ans Herz gelegt:

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Fotocredit: Jen Krause

Ihr wisst, ihr bekommt hier immer nur Songs ans Herz gelegt, wenn sie auch unser Herz berühren. (Das ist glaub ich gerade mein kitschigster Einleitungssatz je geworden. But well). Bei all dieser ganzen wirklich guten Musik, die dieses Jahr schon rausgekommen ist, ist es schon richtig schwierig geworden, immer mitzuhalten und alles vorzustellen, was hervorsticht. Der Song hier sticht aber auf jeden Fall hervor und hat es mehr als verdient, vorgestellt zu werden. Was an This Ain’t Your Home so besonders ist und wieso Novaa sich damit in eine Reihe von female empowerment Songs einreiht, lest ihr jetzt.

 

Thank god for women

Novaa ist eine der spannendsten Newcomerinnen da draußen und ich bin so froh, dass ich über Untoldency Künstlerinnen wie sie auf ihrer Reise mitbegleiten kann. Auch wenn sie schon länger Musik macht, fühlt sich das an, als hätte sie gerade erst angefangen, so richtig Vollgas zu geben. Mit This Ain’t Your Home hat Novaa die erste Single von ihrem neuen Album veröffentlicht. Es ist jetzt zwei Wochen seit dem Release und ich bin immer noch ein bisschen sprachlos, wenn ich es höre.

Wir alle wissen, wie wichtig und groß die neue Welle an weiblichen Künstlerinnen ist, die immer mehr aufsteigen. Vor allem junge Künstlerinnen brechen mit „Tabus“, sprechen Themen an, die zu lange weggeschwiegen wurde, und lassen sich von niemandem mehr einschüchtern. Und das ist was, was ich mit meinen relativ alten und relativ jungen fast-25 Jahren (es schwankt) einfach nur liebe. Diese Generation an Künstlerinnen zu sehen, die die Zukunft verändern werden, macht einfach nur glücklich. Und auch ich bekomme dadurch nachträglich so viel mit, was ich selbst noch ändern kann. Ich lerne auch einfach so viel. Über Selbstliebe, Selbst-Empowerment, aber auch um den Schutz unserer Umwelt und anderen Themen, die sie alle anstoßen. Es ist einfach nur inspirierend. Und ermutigend. Patriarchat ist halt irgendwann auch einfach mal durch.  

 

„My body’s my own, not yours”

Das, über das Novaa in This Ain’t Your Home singt, ist eins dieser Themen. Tatsächlich, und da bin ich jetzt von Anfang an auch einfach mal offen, fällt es mir auch gar nicht so leicht, darüber zu schreiben. This Ain’t Your Home erzählt die Geschichte eines sexuellen Missbrauchs, den Novaa erfahren hat, und wie sie sich ihren Körper wieder zurückholt.

„This Ain’t Your Home entstand als mir bewusst wurde, dass ich sexuell missbraucht worden war. Es ist bizarr, dass man den Missbrauch, der einem angetan wurde, oft erst dann realisiert, wenn man von einer Person eben nicht missbräuchlich behandelt wird. In unserer Gesellschaft gibt es eine Menge Ungleichheiten, eine Menge Ungerechtigkeiten. Eine davon ist Sexismus.”

This Ain’t Your Home berührt auf diese ganz offene und intime Art, in der uns Novaa diese Geschichte erzählt. Sie zeichnet durch den Song selbst ihren eigenen Heilungsprozess auf und das in einem so schönen Lied zu verpacken und mit der Welt zu teilen, find ich unfassbar mutig. Aber wenn diese Generation von starken jungen Personen eins hat, dann Mut. Mut, dieses vermeintliche Tabu zu brechen, nicht über solche Sachen zu reden. Mut, denen sie dadurch auch anderen geben, die Ähnliches durchgemacht haben. Denn es geht ja nicht weg, wenn man nicht darüber redet.

 

Ein emotionaler und befreiender feel-good Song

Musikalisch fängt This Ain’t Your Home die Energie des Inhalts auf eine ganz spezielle Weise ein. Es ist weder eine bedrückende Ballade, noch ist es ein Indie-Pop Party-Song. Es ist direkt dazwischen, wirft einen emotional komplett hin und her und lässt einen am Ende dann aber doch noch tanzen.

Während Novaa in der Strophe offen ihre Geschichte nacherzählt, baut sich der Track mit treibenden Beats und hallender Gitarre langsam auf. Seit zwei Wochen hör ich diesen Song auf Dauer-Repeat. Er hat einfach diesen Klang, der alles um sich rum einzieht. Sobald sich der Song entfaltet, wirkt die Kombination aus dem Beat und Novaas klarer Stimme einfach nur hypnotisierend. Ich höre den Song gerade zum dritten Mal nacheinander und hab mich dafür entschieden, dass ihr euch das selbst kurz anhören müsst, um zu verstehen:

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Um noch ein bisschen offener zu sein, ich hab mir gerade das Musikvideo auch nochmal angeguckt und im Hinterkopf, wie schwer dieses Thema auch für Novaa selbst wirken muss, hat es mich ein bisschen zu Tränen gerührt. Novaa holt sich all das wieder, was ihr ohne Recht genommen wurde und ich kann gar nicht genug betonen, wie unfassbar stark und wichtig ich das finde. Sie reiht sich ein in Songs wie Your Power von Billie Eilish (Billie fucking Eilish ey) oder Pavement von Elena Steri (hier für euch in der Review). Alle zeichnen den Weg zurück zur Selbstliebe, aber geben auch eine klare Abgrenzung nach außen an: This ain’t your home.

„No, I will never forget
No, I could never remove it
All of the stains on my mattress
No, I don’t need to forget
Now that I know I can see that
There’s no space left for you„

Ich bin wirklich unfassbar gespannt, was von Novaa in Zukunft noch kommen wird. Denn nicht nur geht sie auf solche sensiblen Themen ein, sondern bricht auch jetzt schon mit Gender-Normen und Leute, wie. ich. das. liebe. Aber davon vielleicht ein anderes Mal mehr.

Vielleicht darf ich euch an dieser Stelle aber zu unserem women rising up Feature weiterleiten, in der ihr eine Playlist voller female empower songs findet, die den Start in die Woche garantiert positiver gestalten als das, was gerade im Radio läuft.

Sonstige Schlussworte: Be kind and take care of each other. Ist ein langer Kampf gegen das Patriarchat, toxische Männlichkeiten und was da alles noch so vor sich hinschimmelt, aber wir sind auf einem guten Weg.

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Fotocredit: Alexandra Lehti, Rebecca Kraemer

Wenn düstere Streicher auf bedrohliche Trommeln treffen, dann kann das nur eins bedeuten: Mine ist zurück. Mit viel Wucht und viel Perfektion – lyrisch als auch musikalisch. Mines viertes Album „Hinüber“ übertrifft alles, was Fans und Nicht-Fans erwartet haben. Zwischen ausgefeilten Produktionen, namenhaften Features und wichtigen politischen Themen ist das hier eigentlich nur ein Hit an Hit. Es ist wirklich ziemlich, ziemlich gut. Macht euch bereit auf eine ausführliche Dosis purer Begeisterung. 

 

„Die ganze Welt hat sich auf meine Brust gesetzt“

Jedes Mal wenn ich für Untoldency eine Album-Review schreibe, denk ich mir –  das wird nicht besser. Das ist hier die Platte des Jahres, das kann nichts übertrumpfen. Und dann kommt da keine zwei Wochen später eine neue Platte um die Ecke und ich muss alles wieder revidieren. Letzte Woche hab ich mich Hals über Kopf in die EP von Schmyt verliebt und jetzt kommt Mine und ich bin mir nicht mehr sicher, ob Schmyt was dagegen ausrichten kann. 2021 – alles ist scheiße, aber neue Musik ist so gut wie lange nicht mehr. Für die, die Mine nicht kennen, ist Hinüber ein sehr willkommener und dankbarer Einstieg. Für die, die Mine schon kennen, ist Hinüber (meiner bescheidenen Meinung nach) besser als alles, was sie vorher gemacht hat. So let’s begin, shall we.

Ich hatte es in der Einleitung gespoilert: Hinüber beginnt mit düsteren Streichern und bedrohlichen Trommeln. Es beginnt mit Wucht. Der gleichnamige erste Song öffnet sich wie ein Akt über das Album. Wenn ihr diese Kombination aus Streichern und Trommeln hört, könnt ihr nicht anders, als euch das bildlich vorzustellen. Mine schreitet wahrhaftig in ihr eigenes Album hinein und alles andere, was parallel geschieht, hält an.  Hinüber ist in der ersten Minute schon so laut, so eindrucksvoll und setzt den Ton des Albums perfekt in Szene. Es ist 2021: weltumgreifende Pandemie, Aussterben von Tieren, Verschmutzung der Meere, menschenrechtswidrige EU-Politik an den Grenzen, rassistisch motivierte Gewalt der Polizei, … wo fängt man an, wo hört man auf. Dieser Zustand der Welt ist echt und kann lähmend wirken, wenn man zu lange über ihn nachdenkt. Aber nach lähmend kommt wütend. Und nach wütend kommt Hinüber.

„Das Meer ist aus Plastik, der Hunger ist groß

Solang du nicht matt bist, lass ich dich nicht los

Das alles hält sich nur so lang

Bis es hinüber ist irgendwann.“

Manchmal stell ich mir vor, wie es ist als Künstlerin den eigenen Song das erste Mal selbst fertig zu hören. Wenn ich mir das bei einem Song wie Hinüber vorstelle, hab ich ehrlich gesagt ein bisschen Gänsehaut. Als wäre das noch nicht genug, holt sich Mine noch Sophie Hunger dazu, und das ist nicht nur eine absolut wunderschöne Kombination, sondern rundet das Ganze nochmal eindrucksvoll ab.

 

Verführerische Pop-Melodien und funkige Beats

Nach diesem Opener muss ich eigentlich erst mal durchatmen. Mine gibt mir diese Chance, auf eine Art, denn die wuchtige Untergangsstimmung wird ersetzt durch astreinen Pop. Bitte Bleib ist musikalisch sehr viel zugänglicher als Hinüber. Eigentlich kann man mich gar nicht so in der Pop-Spalte finden, vor allem wenn’s deutschsprachig ist. Aber Mine bestätigt die Ausnahme. Ich kann nicht genau sagen, was es ist, was siemit mir macht, dass ich ihre Songs instinktiv immer ganz laut hören will. Aber es ist auf jeden Fall da. Und so auch bei Bitte Bleib. Diese Melodie hat einfach was, dem ich sofort verfalle.

Und wenn wir schon mal unter uns sind (ich tu einfach mal so): Ich hab einen riesen Crush auf Mines Stimme. Sie ist so klar und so on point, dass sie gleichzeitig gute Laune macht und unter die Haut geht. Sie singt Sachen wie „Bitte bleib, bitte bleib nicht wie du bist“ und inmitten eines eigentlich super zugänglichen Popsongs muss man da schon mal kurz ne Sekunde drüber nachdenken.

Mine ist tatsächlich eine der wenigen Künstlerinnen, die ich kenne, die fast gleichermaßen im deutschen Pop- als auch Rapkosmos existieren. Und das nicht nur aufgrund der Features mit Deutschrappern wie Fatoni, Samy Deluxe oder Die Orsons. Mine arbeitet auch in ihrer eigenen Musik mit einfach geilen Beats, die in beiden Welten funktionieren. Wie genau sie das macht, das weiß wahrscheinlich nur sie, aber es ist einer der Hauptgründe, warum sie in der Musikszene als so begnadete Musikerin gilt. KDMH (Kannst Du Mich Hören) zeigt genau das. Im Interview letzte Woche erzählte Mine, dass sie für das Album das erste Mal richtig viel Geld in die eigene Produktion stecken konnte. Und das war bestimmt teuer, aber hat sich auf jeden Fall gelohnt. Drei Lieder ins Album und ich bin absolut begeistert. KDMH hat zum Ende hin ein bisschen was von einem Rave im Rausch und reißt einfach nur alle Emotionen mit.

 

„Es zerreißt mein Herz“

Mine hat diese Art, die einfach berührt. Schon Klebstoff, der Titelsong ihres letzten Albums, hat mich einfach auf diese eine unbeschreibliche Art mitgenommen und tut es immer noch. Mine spricht die Gefühle an, als würden sie direkt vor ihr stehen. Das ist einfach alles direkt auf den Punkt unverschont und ehrlich ausgedrückt. Mein Herz ist einer der schönsten und zugleich kitschigsten Pop-Balladen dieses Jahr. Es drückt so eine tiefe innere Traurigkeit aus, die, kitschig hin oder her, ich in diesen 3 Minuten voll fühle.  

„Es ist schon Absicht, dass einige Leider textlich zugänglicher sind. Ich fand es schon immer total krass, wenn dich Popsongs unmittelbar erreichen, aber trotzdem nicht so ekelhaft anbiedernd um die Ecke kommen. Bei Liedern wie ‚Mein Herz‘ habe ich selber schon mal gedacht: ‚Krass, das hätte ich früher wahrscheinlich nicht so geschrieben, weil ich schlicht nicht den Mut gehabt hätte, das so direkt zu formulieren.‘“

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Audiot ist der angekündigte Deutschrap Song, in dem Mine beweist, dass für sie nichts einfacher zu sein scheint, als einen Hip Hop Beat zu bauen. Mit Dexter und Crack Ignanz hat sie zwei Deutschrapper dazu geholt, die sich auf diesem sehr wohlfühlen. Audiot ist eine Anklage gegen den Formatradiomist, die immer gleichen Songs, die auf dem Radio rauf und runter laufen und dabei so relativ ohne Bestand zu sein scheinen.

Nicht nur inhaltlich, sondern auch musikalisch passt Audiot nicht in diese Welt, in der alles so identisch klingt. Es fängt sehr ruhig an, mit vielen im Autotune gesungen übereinandergelegten Spuren. Dann kommt der Beat rein und, wie gesagt, Beats kann Mine. Die Strophe von Dexter läuft dagegen auf fast kompletter Stille und lässt seine Lyrics den ganzen Raum einnehmen. Ich muss sagen, das klingt fast schon bisschen sexy. Auch Crack Ignanz hat einen meiner Lieblingsparts auf dem ganzen Album, stilistisch trappiger, doch nicht weniger gut. Mine kommt mit dem leicht funkigen Beat wieder rein und alle leiden sie unter dieser langweiligen Gleichgültigkeit im Leben. So kann Musik klingen, wenn sie nicht für Radios geschrieben wird.  

 

„Unser Kompass pocht und wir schweben los, hinein ins Kaleidoskop“

Habt ihr euch mal gewundert, wie Eiskugeln in Form von Musik klingen? Ich mich auch nicht. Wollt ihr aber wissen, wie? Genau so.

„Ich finde, ein Album darf nicht langweilig sein. Das ist mein wichtigster Anspruch. Ich hatte schon so viele deepe, schwermütige Songs und habe die ganze Zeit überlegt, was ich denn noch Positives besingen könnte.. Dann dachte ich plötzlich an Eis und hab ich diesen Beat gebaut, der mir so ein wenig cremig vorkam und wie Eis für mich klang. Das hatte dann wiederum Einfluss auf den Text, bei dem ich einfach Riesenspaß hatte. Ich liebe diesen Song, weil ich so was Leichtes noch nie auf einem Album hatte.“

Für mich ist Hinüber, wenn ich jetzt ein Zwischenfazit ziehen sollte, wirklich das stärkste Mine Album bisher. Ich bin, wie gesagt, auch bei Klebstoff 100% dabei und liebe das Album sehr, aber Hinüber hebt das nochmal alles eine Stufe höher. Es ist ein Mix aus allen möglichen Genres und nichts klingt gleich. Und das ist etwas, was wirklich ziemlich selten geworden ist.

Die zweite Hälfte des Albums leitet Lambadaimlimbo ein. Lambadaimlimbo könnte so ein Song sein, der ein bisschen in den Weiten des Albums verschwindet, aber es lohnt sich wirklich, ihn festzuhalten. Es klingt wie ein Urlaubsausflug an warme Strände mit Sonnenuntergängen und spanische Gitarren. Ich weiß nicht, wie’s euch geht, aber ich will da hin. Elefant wiederum lebt von funkigen Gitarren, Synths, Trompeten und ganz viele andere übereinandergelegten Sounds. Es ist die besungene Metapher des Elefanten im Raum und reiht sich in die poppigen Songs des Albums ein.

 

„Die Welt brennt“

Das Album springt von Genre zu Genre und scheint nicht aufzuhören, zu überraschen. Tier ist das komplette Gegenteil vom Pop-Hit Elefant, aber dadurch textlich einer der meiner Meinung nach stärksten Songs auf dem ganzen Album. Gebt euch doch einfach nur mal den Refrain:

„Und ich sehe, was mir durch die Hände fällt

Und ich frag mich, was mich noch am Leben hält?

Ist es nur die Sucht am Leben selbst?

Mama hat gesagt, alle seh’n nur sich selbst

Pass dich daran an oder zu zerfällst

Fällst aus dieser Welt“

Über einen tiefen Bass und orgelhaften Synths singt sich Mine wieder direkt in mein Herz. Diese ganz weit entfernte Trompete? It’s working. Mein vorhin erwähnter Crush auf ihre Stimme kommt hier nochmal völlig anders zu tragen. Das kann aber auch daran liegen, dass diese Thematik einfach alle meine Schwachpunkte trifft – this girl be overthinking things lot. Tier ist der perfekte Soundtrack dazu. Es ist die große Existenzkrise in dieser kaputten Welt. Es ist ein Ausdruck der verzweifelten Fragen, die man sich immer und immer wieder stellt und die irgendwie keine Antwort zu haben scheinen. „Wo soll ich mit den Fragen hin, wie machen diese Fragen Sinn, wenn eigentlich nur zählt ,auf dieser Welt, worein ich geboren bin“.

Eigentlich kann man mit diesem Satz auch das ganze Album beenden, ich wäre fein damit. Aber der wichtigste Song fehlt noch: Unfall. Ich hab jetzt schon so viel zu diesem Album geschrieben, dass ich euch zum Schluss, und in dem Kontext zu Unfall, einfach mal ein bisschen „Fremd-Content“ ans Herz legen will. Rosalie Ernst hat im Kaput-Interview mit Mine über all das gesprochen, um das es in Unfall geht: Europäische Werte, Gleichheit, Umweltschutz und Aktivismus. Und das könnt ihr euch hier durchlesen, weil es ist wirklich nicht nur gut, sondern auch im gesellschaftlichen Diskurs sehr wichtig.

 

Fazit

Ich hätte wirklich noch viel mehr über dieses Album schreiben können. Man kann es von vorne bis hinten durchhören und wird nicht enttäuscht. Hinüber ist weit weg von einem durchschnittlichen, leicht langweiligen full-length Album. Hinüber ist eigentlich all das, was die deutsche Musikszene gerade braucht. Mehr Diskurs, mehr politische Stellung, mehr gut geschriebene Pop-Songs. Hört es euch an und packt es am besten auf Repeat, weil kann man durchaus öfter als ein Mal hören:

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Fotocredit und Artwork: Simon Hegenberg, Jonas Gödde

Selten treffe ich auf eine Band, die mich vom ersten Lied an so verzaubert wie Mar Malade. Nach ihrer allerersten Veröffentlichung Cabriolet im letzten Oktober ist nun seit einer Woche ihre Debüt-EP Postcards draußen und jetzt schon einer der besten Sachen, die ich dieses Jahr gehört hab. Warum, wer hinter Mar Malade steckt und was eigentlich das ganze Konzept hinter diesem leicht mystischen Newcomer-Projekt ist, lest ihr jetzt.

 

Mysteriöse Postkarten in Form von Musik

„Willkommen in der Welt von Mar Malade! Wo jedes Lied wie eine Postkarte von einem Ort ist, an dem DU noch nie warst!“

Wenn ihr euch genau so intensiv wie ich in der deutschen Indie-Bubble bewegt, werdet ihr die von zwei Jungs und ihren Postkarten in Form von Musik vielleicht auch schon gehört haben. Sehr wahrscheinlich wart ihr genauso begeistert wie ich und habt euch gefragt: Wer zur Hölle sind Mar Malade und wieso klingen sie so gut? Die erste Frage ist – noch – sehr schwer zu beantworten. Wer hinter Mar Malade steckt, weiß eigentlich niemand. Ihre Gesichter haben sie bisher immer hinter Artworks und animierten Avataren versteckt und sonderlich viele Informationen zu ihrer Person gibt es auch nicht. Außer man bewegt sich in der Bubble hinter den Kulissen oder stalkt ein bisschen rum (ein liebes @ an Jule hier), dann könnte man vielleicht schon mal Namen aufgeschnappt haben. Aber nach außen hin – ein komplettes Mysterium. Und gerade das macht es so spannend.

Klar ist, Mar Malade sind zwar ein neues musikalisches Projekt, aber die beiden an den Instrumenten sind ganz und gar nicht neu in der Musikszene. So eine EP stemmt man nicht so schnell aus dem Boden, wenn man das noch nie vorher gemacht hat. Alle Songs sind für sich so unglaublich gut und auch zusammen ergänzen sie sich zu so einer schönen Konzept-EP. Jeder Song klingt wie eine andere Destination, eine andere Reise. Sie entführen aus diesem Lockdown-Wahnsinn, und steigen deep dive in jede Fernweh-Sehnsucht ein, die wir alle seit Monaten vor uns herschieben. Mar Malade ermöglichen es, den eigenen vier Wänden entkommen, indem man einfach nur auf Play drückt.

 

Raus aus der seichten Lockdown-Depression, hinein in ferne Abenteuerreisen

Dann lasst uns genau das tun. Mit No Bird (Mr. Hardy) ertönt der erste Song von Postcards. Es ist die einzige Single, die erst mit der EP veröffentlicht wurde. Auf der einen Seite super schade, denn es ist eindeutig mein Lieblingslied, aber andererseits auch wieder einfach nur genial, so was als Opener überraschen zu lassen. Man kann sich das nicht anhören, ohne absolut begeistert zu sein. No Bird (Mr. Hardy) setzt die Latte extrem hoch für alles, was folgt und gibt den Start der Postcards-Reise:

„I got the engines running
and the systems are checked
this will be the day, will be the day,
will be the day that I’ll never forget

Engines running, system checked und die Reise beginnt. No Bird (Mr. Hardy) hat mich wirklich von Sekunde eins an so begeistert, dass ich es seitdem täglich mindestens ein Mal höre. Vor allem wenn dann die Frühlingssonne durchs Fenster scheint und man sich trotz des ganzen Wahnsinns da draußen ganz kurz, wenn nur gedanklich, an einen anderen Ort versetzen kann. Und das ist ja das ganze Konzept der beiden. Sie erzählen Geschichten von anderen Orten, malen Szenerien mit nur ihrer Musik. Ihre Songs sind wie Filme auf Musiktape, du legst sie ein und es erklingt eine alternative Welt, eine Reise, auf der du jetzt sein könntest. No Bird (Mr. Hardy) ist der beste Song, mit dem ihr jeden Roadtrip beginnen solltet. Stellt euch doch mal vor mit diesem Song laut im Autoradio an Küsten langzufahren, das Meer zu sehen, …

Mar Malade schaffen es mit ihrem Sound aber nicht nur die perfekten Roadtrips-Vibes, sondern klingen dazu noch wie ein ganzes Band-Orchester. Gebt euch einfach mal diese Posaunen! Mar Malade bringen einfach Bläser mit an Start und sie fetzten, wirklich. Alles lebt, es ist wie ein grooviger Wanderschritt aus der Hüfte: raus aus der seichten Lockdown-Depression, hinein in ferne Abenteuerreisen.

 

„You bring me that love, that marmalade“

Mexico knüpft genau an der Roadtrip-Energie an, mit der No Bird (Mr. Hardy) die EP gestartet hat. Ich weiß, es ist komisch, wenn ich hypothetische Menschen anspreche. Aber Leute. Was ist das eigentlich für eine geniale Band. Mexico haut einfach alles weg. Ich hab‘s das erste Mal gehört und wusste nach ein paar Sekunden – das ist es. Das ist der Beweis, dass Mar Malade Welten weit weg sind, als „Newcomer“ zu gelten. Das sind atemberaubende Musiker, die sich im Lockdown einen Haufen Instrumente geschnappt und einfach diese fünf Songs aufgenommen haben. Als wäre es Nichts! Man merkt es vielleicht nicht, aber ich bin begeistert.

Auch hier gibt es wieder Bläser und verschiedenen Trommeln, alles ist so vielschichtig, dass ich gar nicht weiß, wohin ich zuerst hören soll. Die beiden machen mit allem Musik, was so rumliegt und kreieren dadurch einen Sound, der jedenfalls für mich komplett unvergleichbar ist. Der Song ist ständig in Bewegung, hier ist alles vorprogrammiert, mich tanzen zu lassen. Das mal auf ‘nem Festival?? Was ist das für eine Traumvorstellung. Mar Malade, wo immer ihr auch das erste Festival haben werden, 2023 dann, ich werd hinreisen. Nur um Mexico zu hören und zu sehen, wie ihr immer mehr Menschen verzaubert.

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Auch Marmalade, der namensgebende Song des Projekts, fängt an mit einer Kulisse, von der ich dachte, sie nie wieder zu hören. Die Soundkulisse einer Kneipe: das Gemurmel, das Geklimpere, das Schieben alter Stühle, die live eingespielten Akkorde einer Gitarre. Ich seh sogar die Kerzen. Die Welt vor 2020, was ein Konzept. Ich geb mit meinen Negativ-Saldo jeder Person einen aus, die mit mir trinken geht, sobald das wieder möglich ist.

Davon ab ist Marmalade, rein musikalisch, eine der schönsten Indie-Pop-Balladen, die ich dieses Jahr gehört hab. Es ist ein Liebeslied, die rosa Brille, die man in den ersten Wochen trägt und alles einen super glücklich macht. Wer hier in love ist, das ist natürlich offen, aber wenn es nach Mar Malade geht, dann ist das beste Match du und ihre Postcards.

„Heat up your speakers and open that can of marmalade. It’s been waiting for you too long – hidden in that dark corner of your pantry. Today that’s just you and it. Chocolate spreads can wait. Mhmmm, yesss… this is what love takes like!”

 

“Grab me like your car keys, I’ll be your cabriolet”

Wir gehen jetzt hier Track für Track durch die Postcards-EP, weil auch einfach jeder einzelne Song alleinstehend für sich überzeugt. Quickborn ist der langsamste Track von allen. Er ist wie eine trockene (aber schöne!) Wüste, in der man Wasser sucht. Und ja, ich bin mir ziemlich sicher, das ist eine Harfe oder irgendwas anderes vergleichbares schönes, das gezupft wird. Doch es wären nicht Mar Malade, gäbe es nicht auch in diesem Song einen angebenden Rhythmus, der einen groovig aus der Küche ins Wohnzimmer wandern lässt. Quickborn ist wie ein Track im Track und die Entfaltung der Stimmen einfach nur ein bisschen Magie. Komplett verschiedene Energien treffen aufeinander und vervollständigen sich. Einfach nur wahnsinnig schön.

Als letztes Lied der EP ist Cabriolet die Single, die das Duo als erste veröffentlicht hat. Sie hat jetzt schon über eine halbe Millionen Streams gesammelt und das ist für die allererste Single einer Band ein ganzes Statement. Cabriolet fühlt sich an wie ein idyllischer Ausflug in malerische Landschaften oder ein absolut entspannter Mittagschlaf auf einer Hängematte und Destination der Wahl. Funktioniert beides sehr gut, auch wenn die Auto-Metapher natürlich für erstere Beschreibung besser passt. Aber ich will vielleicht auch einfach sehr gerne auf einer Hängematte liegen, also geh ich damit.

Was mir noch so auffällt, als ich Cabriolet höre, ist nicht nur die wunderschöne Stimme des Leadsängers (denn das spricht für alle Lieder zu), sondern die sprachlichen Bilder, die den Song noch zusätzlich versüßen:

„I can be your flour, bake me like an apple pie
taste me sweet and sour, there’s no time for a salty life
I can be your mushroom, activate your appetite
oh yeah, meet me in the washroom, I will clean your laundry right„

Man kriegt mich wirklich immer mit Wortspielen, aber wenn dann dahinter noch so ein kleines verschmitztes Lächeln hervorblinkt, kann man mir alles verkaufen. Und das ist auch so ein bisschen das, was Cabriolet macht. Es ist eine zuckersüße Versuchung, sich auf etwas einzulassen, von dem man vielleicht gar nicht so genau weiß, was es ist. Die Metaphern fliegen nur so durch den Raum und wenn man nicht aufpasst, wird man von einer verzaubert. Wer coole Pick Up Lines sucht, darf sich hier gern bedienen, bei mir würden sie reihum alle funktionieren.

 

Fazit

Was soll ich hier groß zusammenfassen? Mar Malades Debüt-EP hat mich wirklich völlig aus dem Nichts erwischt und vollends begeistert. Wenn die beiden bei euren Lieblings-Indie-Artists auf der nächsten Tour Support spielen, dann wisst ihr jetzt schon, auf was ihr euch freuen könnt. Und wann immer euch bis dahin zuhause die Decke auf den Kopf fällt – macht das hier an und reist ein bisschen in eurer eigenen Wohnung und Gedanken umher. Es hilft.

(Und wer sich zusätzlich noch ihre Version von und mit Fil Bo Riva zu Franzis angucken will, kann das hier tun.)

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