Kategorie: untold stories

Heute dürfen wir euch eine der spannendsten Bands Australiens vorstellen. Vielleicht kennt ihr sie schon, vielleicht lernt ihr sie jetzt erst kennen. Either way müsst (solltet) ihr in ihr neues Album “A Force Majeure” reinhören. Es ist das mittlerweile vierte Album der Elektro-Indie Band Tora und auf jeden Fall einer der top Alben diesen Jahres – jedenfalls für mich. Im Interview mit Leadsänger Jo geht es um die ihren 6-monatigen Studio-Lockdown, das derzeitige Chaos auf der Welt und wie sie auf dem Weg vom Nürnberg Pop Früchte pflücken und Kuchen backen waren. Ihr habt richtig gelesen, hier geht’s um gute Musik und Kuchen – die zwei besten Sachen auf der Welt. Ich kann’s nur empfehlen.

Tora im Interview

Anna: Hey, thanks for taking the time!  How are you, a few days before releasing your third studio record?

Jo: Thanks for having us! We’ve been anticipating this moment for quite some time. I’m feeling very excited to finally put this album out in the world.

Anna: To start with a confession: I deeply fell in love with your latest album “Can’t Buy the Mood” and been waiting for new music since. I didn’t have to wait too long, shortly after releasing Can’t Buy the Mood you went back into the studio to work on this record. Was that something you planned or something that just happened because, well, the pandemic happened?

Jo: Haha nice confession, I’m sure people have been guilty of worse things…We had intended to tour the world through 2020 with Can’t Buy The Mood, but of course things changed in a big way. The pandemic started just a couple of weeks after arriving in Amsterdam, where we have been based ever since. We were fortunate enough to find a studio, so we planted ourselves in there for at least 6 months and just poured our hearts out.

Anna: Did you have a clear picture in mind when you started working on this record? How was it different to the albums before?

Jo: This recording process was certainly different in the sense that we were essentially locked in a studio for an extended period of time with no distractions. Nothing to do but reflect, so we dove deep into ourselves and also thought a lot about the bigger picture. Before long we started to realise there was a narrative forming in the album that was very much relating to change, transformation, growth, acceptance, as we observed the shift of society into a new paradigm. So we chose the name A Force Majeure quite early on.

“We must strive to understand each other so that we can solve the larger issues together.”

Anna: Listenting to “Fire Apartment” the first mental picture that came into my mind was the “this is fine” meme. Am I totally off or does this song capture this “the world is burning” feeling?

Jo: You’re certainly not off! This is where we were coming from with ‘all the alarms are disarmed as the temperatures rise’. It’s not only in reference to climate change, but also the political climate which appears to be spiralling out of control in an ever more polarising fashion. We need unity not division, we all share more in common than our differences. We must strive to understand each other and the world around us so that we can solve the larger issues together.

Anna: What are others topics you worked through on this album?

Jo: Some of the songs were quite personal relating to things like love, heartbreak and internal reflection. But the ones that felt quite important were songs like ‘Put Down Your Phone’ and ‘In Deeper’ which shine light on the darkness of tech addiction. How it is impacting our relationships with the people around us, causing division between friends, families and lovers, making people feel numb and out of touch with their nature. Technology can bring prosperity and innovation is beautiful but let us not lose our humanity and our sanity along the way.

“Amsterdam is a place where thinking outside the box is encouraged.”

Anna: If you’d have to choose: What song from the album is your current fav? And why?

Jo: This question is very difficult, it’s a bit like asking a parent to chose which is their favourite child. The truth is we are proud of them all. Different ones bring the right feelings at different times, depending on the mood and the context. Right now I’m feeling ‘In Deeper’ as it feels most relevant to the times. It feels the most important right now.

Anna: Something I couldn’t miss noticing: you have a thing for aesthetic single covers and I love that. What is the story behind these different strokes on the covers for this album cycle?

Jo: Yes! So the album cover and the single covers were a combined effort between photographer Rein Kooyman and Jai Piccone. Jai is in the band, but also happens to be a graphic artist. When we were in France in September 2020 shooting the video for ‘Why Won’t You Wait’, Rein along with others built an art installation in the forrest where we did a photoshoot. Jai took those photos, printed them and painted over them by hand.

Anna: Since you already mentioned it: You’re now based in Amsterdam, but you all grew up in Australia, Bryon Bay. What are the things you miss the most? Do you regret it sometimes?

Jo: Yes true we are a long way from home. We miss the beach, the waves, the nature, the good weather. But there’s not a lot to regret right now as most of the country is in lockdown and they aren’t allowed outside. So we are happy to be here right now. Amsterdam is a beautiful city, the bike culture gives it a very social energy. It’s a hotspot for spontaneous interactions, diversity and liberty, a place where thinking outside the box is encouraged.

Anna: Also because I’m really into the Aussie music scene in general: What are your hot recs when it comes to Australian music we should definitely all check out?

Jo: Rufus Du Sol, Lastlings, Tame Impala, Parcels, Kllo, Crooked Colours, Hayden James, Cassian, Mall Grab, Andras, Angie Hudson, Hein Cooper.

Anna: Our last question is always asking for an untold story. That can be a funny tour anecdote, a random fact or just something you really want to tell your German fans.

Jo: One old story that comes to mind was when we were staying in a small German town called Michelstadt for a few months back in 2015 during our first EU tour. One day we had forgotten to buy groceries before leaving to play at Nürnberg Pop Festival. When we were driving back home deep through the forrest we remembered that on Sundays in Germany the shops are closed and we had no food. Luckily we stumbled across some wild berries and apples in the middle of nowhere. We stopped the van, got on each other shoulders and picked the fruit which we made into pies. Sometimes you have to just adapt to the situation, haha.

Hier geht’s direkt zum Album, das Kuchenrezept gibt’s dann nächstes Mal: 

Und weil’s so schön ist, hier auch das Vorgänger-Album Can’t Buy The Mood:

Fotocredit: Rhiannon Cook

L I N hat am Freitag ihre Debüt-EP Colours veröffentlicht. Die Newcomerin aus Mainz wirbelt darauf einmal alle Themen auf, die, obwohl eigentlich immer, vielleicht gerade jetzt besonders wichtig sind. Es geht um die eigene Existenz auf der Welt, die eigenen Entwicklungen und Zweifel und mental health. Aber auch darüber, was das geile am Schlagzeugspielen ist. Außerdem haben wir über creepige Musikvideos gesprochen. Genug Clickbait?

L I N im Interview

Anna: Hey LIN, als erste vielleicht random erscheinende, aber dann doch naheliegende Frage: Was ist deine Lieblingsfarbe und warum?

L I N: Meine Lieblingsfarbe ist blau. Es war schon als Kind so, dass es mir wahnsinnig wichtig war bei Gesellschaftsspielen die blaue Figur zu haben. Warum weiß ich nicht, aber vielleicht mochte ich das Tiefe, Dunkle und Weite an der Farbe.

Anna: Naheliegend weil: deine Debüt-EP heißt Colours, im Titelsong singst du „we need to draw ourselves with as many colours as there are”. Wofür steht die Farben-Metapher? Und mit welchen Farben würdest du dich selbst malen?

L I N: Eine Farbpalette ist, wenn man die Schattierungen jeder Farbe mit einbezieht, quasi unendlich. Und das sind auch die Möglichkeiten, die wir als Menschen haben, uns zu entwerfen und neu zu zeichnen. Das gilt natürlich nur im persönlichen Entwicklungsbereich. Leider sind wir auf der Erde extrem unterschiedlich privilegiert und haben nicht die gleichen Gestaltungs- und Bewegungsfreiheiten. Aber gerade nach existentiellen Erfahrungen ergibt sich die Möglichkeit, Licht einfallen zu lassen und eine neue Perspektive auf die Ereignisse zu gewinnen – sie sprichwörtlich in einem neuen Licht zu sehen. Und ein neuer Lichteinfall lässt auch Farben ganz anders aussehen und bringt sie neu zum Leuchten. Außerdem rekuriert die Farben-Metapher auf die Regenbogenfarben und ist explizit eine Einladung an alle queeren Menschen sich in meiner Musik eingeladen und aufgehoben zu fühlen. Ich selbst würde mich ebenfalls in bunten Regenbogenfarben malen. Nur nicht grün im Gesicht, das steht mir nicht. 😉

Anna: Du bist eine Newcomerin aus Mainz, vom Sound deiner ersten Singles her würd ich aber sagen, du machst schon länger Musik. Was war dein musikalischer Weg bis du bei deinem aktuellen Solo-Projekt gelandet bist?

L I N: Ich habe schon früh als Kind Klavier und Schlagzeug gelernt und habe mir später mehr schlecht als recht Gitarre beigebracht. Dann habe ich viele Jahre Schlagzeug in Bands und im klassischen Kontext gespielt und dabei gemerkt, dass ich eigentlich am liebsten (auch) singen würde. Das konnte ich dann in meinem nächsten Projekt „Bender & Schillinger“ umsetzen. Wir haben dann nach Ende meines Studiums sieben Jahre lang im professionellen Kontext Musik gemacht. Vor zwei Jahren habe ich dann angefangen am Soloprojekt zu schrauben und es mit Hilfe meines guten Freundes David Hoffmann von der Theorie in die Live-Praxis umgesetzt.

„Ich hab manchmal das Gefühl, nur mithilfe vom Beat in den Rhythmus der Welt zu passen.“

Anna: Zu Carolin hast du letztes Jahr schon eine Home-Session aufgenommen, kürzlich eine Piano-Version mit Nik Heimfahrt. Welche von beiden Versionen hat mehr Spaß beim Aufnehmen gemacht bzw. inwiefern unterscheiden sie sich bei der Auffassung/Umsetzung des Songs?

L I N: Muss ich mich entscheiden? Ich hatte großen Spaß bei beiden Versionen! Am Aufwendigsten war auf jeden Fall die Home-Session, weil ich mir vorher keine Gedanken darüber gemacht habe, wie ich das filmen will. Ich hab einfach losgelegt und dann das Handy in die Tasse, auf die Kiste, auf den Mülleimer, auf den Stuhl gestellt, um den richtigen Winkel zu kriegen – alles mehrfach abgestürzt. Die Pianoversion mit Nik aufzunehmen war dagegen fast wie eine sehr lange, sehr angenehme Massage, weil mich Klavierspiel immer extrem runterbringt. Er hat ja auch wirklich sehr schön gespielt.

Anna: Viele der Instrumente auf deiner EP spielst du selbst, aber wenn du dich entscheiden müsstest: Welches ist dein Lieblingsinstrument und warum?

L I N: Schlagzeug. Immer wieder Schlagzeug, weil es bei mir eine unfassbare Leidenschaft entfesselt. Ich habe manchmal das Gefühl, nur mithilfe vom Beat in den Rhythmus der Welt zu passen. Groove hat eine unglaubliche Energie. Gerade im gemeinschaftlichen Musizieren ist es ein unmittelbares Verbindungselement, das ohne Sprache auskommt und deshalb verschiedenste Menschen zusammenbringen kann.

Anna: Eine Frage, die mir auch ein bisschen brennt: Welche Geschichte erzählst du mit dem Musikvideo zu Doubts? Und warum ist es so creepy?

L I N: Die Geschichte zum Musikvideo von Doubts habe ich mit zwei tollen Künstlern aus Luxemburg, EDSUN und Isaiah Wilson entwickelt. Sie beschreibt das Treffen zwischen mir und meinen Zweifeln – verkörpert in der Figur der IRENE, die in dem Video auftritt. Wir wollten dabei die unterschiedlichen Stadien abbilden, die man bei einem Zweifelsprozess durchläuft. Angefangen von der Einladung, also dem Sich mental öffnen gegenüber selbstkritischen Fragen, über das Größerwerden und die Dominanz des Zweifels und die versuchte Aussöhnung mit den eigenen Zweifeln (die Nährungsszene, in der IRENE in meinem Schoß liegt) bis hin zu der Rückkehr zum Anfang und zur gleichen Szenerie wie zu Beginn des Videos. Wir wollen verdeutlichen, dass die Zweifelsprozesse nie mit einem Mal abgetan sind, sondern in kreisförmigen Bewegungen wiederkehren und man einen Umgang mit dieser Tatsache finden muss. Man wohnt mit ihnen unter demselben Dach sozusagen.

Creepy ist es, das stimmt. Vor allem die Stelle, wo ich weiße Kontaktlinsen trage und von meinen eigenen Dämonen besessen das Zweifelsmantra spreche. Aber die Momente im wirklichen Leben, in denen man sich so mit sich selbst auseinandersetzt, sind oft wesentlich beängstigender als das bisschen weiße Linse im Auge 😉

„Ich hoffe, dass trotzdem manchmal etwas durch diesen Nebel durchringen kann.“

Anna: Million Reasons ist der Song, mit dem ich das erste Mal auf dich aufmerksam geworden bin. Ganz anders zu Doubts ist er voller positiver upbeat-Vibes, und das, obwohl es inhaltlich ein eigentlich sehr sensibles Thema ist. Wie hast du für dich den Umgang mit engen Personen in deinem Umkreis, die an Depressionen leiden, gefunden?  

L I N: Das stimmt, der Song ist viel freundlicher. Er sollte bewusst positiv klingen, weil er ein Aufmunterungssong sein sollte für einen Freund von mir, der an starken Depressionen litt. Dabei war immer klar, dass der Grat zwischen Aufmunterung und gefühltem Kleinreden des Problems sehr schmal verläuft. So im Sinne von „ach komm ist doch alles nicht so schlimm, komm wir tanzen eine Runde“. Das sollte auf gar keinen Fall das Gefühl sein, das ich mit dem Song vermitteln wollte.

Ich glaube, dass eine Person, die nicht an Depressionen leidet, selbst nicht nachempfinden kann, wie allumfassend und vernichtend sich alles anfühlt. Aber ich hoffe, dass trotzdem manchmal etwas durch diesen Nebel durchdringen kann. Und wenn das ein Gefühl ist von „Jemandem ist es wichtig, dass es mich gibt“, kann das vielleicht ein kleines Gegengewicht zu den sonstigen Abgründen darstellen. Und genau das ist die Botschaft von dem Song: Du bist nicht alleine und wir stellen uns deinen Dämonen gemeinsam – wenn du magst. Ich glaube, das ist der größte Grund zu bleiben. Das Gefühl, dass es nicht egal ist, ob man da ist oder nicht.

„Die Tatsache, dass man wieder Musik gemeinsam erleben kann, hat etwas Magisches.“

Anna: Du wirst deine EP auch an ein paar Orten live spielen. Wie empfindest du Live-Konzerte, selbst als Gast aber auch als Künstlerin, nach so langer Pause?

L I N: Also erst mal bin ich sehr glücklich nicht mehr in Kameras oder vor Autos zu spielen. Das erste Live-Konzert nach Corona hat mich einfach nur umgehauen, obwohl es noch ein Sitzkonzert mit Abstand etc. war. Aber die Tatsache, dass man wieder Musik gemeinsam erleben kann (ob auf oder vor der Bühne) hat etwas Magisches. Ich bin sehr glücklich und dankbar, dass das wieder möglich ist.

Anna: Die letzte Frage ist bei uns immer eine untold story. Was ist etwas, was du noch nie in einem Interview erzählt hast, aber immer erzählen wolltest?

L I N: Ich habe zwei Laster, die so überhaupt gar nicht Rock ‚n’ Roll sind: Socken und Bügeln. So, jetzt isses raus.

Hier könnt ihr in die ganze Colours EP reinhören:

Fotocredit: Sandra Ludewig

Selma Judith ist eine dieser Künstlerinnen, die Musik zu mehr machen als nur zu einem weiteren Pop-Song, der nach Schema xy aufgebaut ist. Selma Judith macht Musik, um zu inspirieren. Um Genres zu brechen, um Instrumenten wieder ihren Platz einnehmen und wirklich mal wirken zu lassen. Im Interview mit ihr hab ich gelernt, dass Harfe ein Instrument ist, dass schon die Beatles benutzt haben, und viel öfter in Songs vorkommt, als ich dachte. Ich hab aber auch gelernt, dass in keinen dieser Songs Harfe so schön klingt wie in ihren. „Dieses Album ist eine Liebeserklärung an die Musik“, sagt Selma. Und ich stimme zu.

Selma Judith im Interview

Anna: Hey Selma, thank you for taking the time! How are you, how’s summer treating you?

Selma: Hi Anna! I’m good, thanks for asking. I have had a nice summer – I spent a lot of my time finishing the album.

Anna: And now you are going to release it! What does the release of your debut album “Getting Angry, Baby” mean to you?

Selma: The release means a lot! I’m so happy to finally be sharing it, as it has been a long process. It has also been a liberating process, as I have worked in a more free format than I’ve done earlier in my career, which has been cool! It has meant a lot to how I feel about the album.   

Anna: You learned how to play the harp when you were 15. What made you wanna learn how to play it in your teens?

Selma: Ever since I was a child, I have always wanted to learn how to play an instrument – but it wasn’t something I was “forced” to do, as a lot of other children are in Denmark. Around the age of 15, I was convinced that I was too old to ever learn to play an instrument, but in this period one of my friends and I listened a lot to Joanna Newsom’s music and I became inspired to play. Also, the fact that I didn’t want to compete with my friend, who was like a sister to me, played a role. She played all kinds of instruments, which is why I ended up with the harp because she hadn’t been playing that.

”The harp adds a unique sound to my work.”

Anna: Even though it’s such a beautiful instrument, it’s not often that you can hear it, especially in modern music. Why do you think, is that? And what do you find are the perks of combining sounds of the harp to modern R’n’B?

Selma: It actually isn’t atypical to include harp in pop music. I think when you first have learned to characterize the harp as an instrument, you’ll find that a lot of musicians have been using it for a long time, take for example the Beatles. I think – for me – the perks of including the harp occurs when I’m writing the music, as I then have the accords. Also, the harp is very characteristic. It has a distinctive sound, which adds a unique sound to my work. I also believe that including the harp can have some disadvantages because of its very in-your-face like tone. It has actually been a challenge sometimes to not include the harp all the time because even though the harp can make a song come alive, there are also plenty of songs where it doesn’t fit.

Anna: What I find while listening to the album, is that there are so many instruments, besides the harp, that are very present – and I love that. It also makes me feel like every song was treated with so much care and time. Did you encounter any challenges while composing the songs?

Selma: Most of the songs have taken a long time to make and I’m thrilled that you also get a feeling of this when listing to the album because we have put a lot of effort into the songs! I’m also glad you noticed the instrumentation, as it has been one of my biggest passions for the album. I want to showcase all the super talented and capable musicians and give it a bigger focus that music is about more than only the storytelling, lyrics and the voice who sings it. There is so much more to be told through the instruments.  

“I’m tired of women always having to excuse themselves”

Anna: To deep dive into your debut album now: Why are you getting angry? And at whom?

Selma: I’m angry because there are so many things to be angry about. I’m tired of people keep on feeding the myth about women’s anger always has to be due to either them being hysterical or sexy. I want to change the perception of women being angry. I’m tired of women always having to excuse themselves and having a reason to be angry. Like; ‘oh you’re just angry due to pms’. I think it is ridiculous that women aren’t allowed to just be angry. As when men are angry, you don’t need a reason and you often give them space.

Another reason why I’m angry is due to the world we are living in right now. I think it’s embarrassing how all the world leaders are handling all the different situations. This is something I’m super pissed and also highly pessimistic about.

Furthermore, I’m tired of how – with everything going on in the world – it seems that people only have enough brains to think about what pictures they want to post and how they can look their skinniest. I’m angry about the culture that exists when it comes to who has the coolest clothes and who hasn’t – of course, people are allowed to choose their own interests but I think it’s a kind of hysteria of identity, and I think it is absurd when looking at some of the things happening around the world.

Anna: You wrote and recorded the album over two years – what were the topics that you worked through in your songs?

Selma: First and foremost, the anger that I mentioned in the last question, but also a vulnerability in the sense of a kind of wounded pride. Also, topics as longing and coming to terms with an acceptance of one’s difficult sides. The world situation has also had a big role in my work, with all the wars and the pandemic.

”I’m super excited to play the album live”

Anna: What is the most personal song on the record and why?

Selma: They are all pretty personal, but if I have to choose one I would say Don’t Fall due to the fact that it is super transparent. The song is about how it can be difficult to be with someone you really love when you are vulnerable and at times strange. It is about that guilty feeling you can have when you have a difficult time aligning expectations in a relationship. Like, you want to give this person everything you got, but at the same time, you have to acknowledge that it isn’t possible.    

Anna: And what’s the song on the record that you really dig right now and are excited to play live?

Selma: Overall, I’m just super excited to play the album live! It’s always fun – and especially with the pandemic going on we haven’t done a lot of live shows in a long time. But one of the songs I like a lot right now is Bleeding Blue. I think it is because it is one of the newest songs we made. We have been working for a year or so on a lot of the other songs. So yeah, Bleeding Blue. 

Anna: You’re from Denmark and I’m always interested in new music input outside of Germany. Who are the artists to watch that you’re really into at the moment?

Selma: I listen to a lot of different genres actually! But at the moment I listen to Summer Walker, as she has a cool RnB pop vibe, which often makes me feel nostalgic. I think she is really something special, and I love that. Also, SZN like, where do I even begin. She is just so excessively good and talented. 

Anna: The last question is always an untold story – something you haven’t shared in an interview before. That can be about the album, a fun fact about you – anything.

Selma: A hard question actually! Hmmm. I just got a new niece who I love so much. So now I have two cute nieces, which is amazing!

Hier kommt ihr auf direktem Wege zu Selma Judiths Debütalbum „Getting Angry, Baby“:

Fotocredit: Agnes Vera Kaufmann

Am vergangenen Freitag veröffentlichten die Leoniden ihr drittes Album „Complex Happenings Reduced To A Simple Design„. Langeweile, Ruhe und Eintönigkeit? Fehlanzeige. Mit der ständigen Überschreitung von Genregrenzen zeigt das 21 Tracks lange Album, was die fünf Jungs aus Kiel drauf haben. Und dass sie bei weitem noch mehr Facetten zu bieten haben, als sie uns bisher gezeigt haben. Mit voller Begeisterung habe ich mich beim ersten Durchhören gedanklich zu den Liveshows der Leoniden zurückgesetzt gefühlt. Um das kurz festzuhalten: Ich glaube, es gibt keine geilere Liveband in Deutschland als die Leoniden. Die unfassbare Energie und der Spaß, den sie mit- und rüberbringen, machen jedes Konzert zu einem ganz besonderen, mitreißenden Erlebnis.

Vielleicht müssen sich einige Hörer:innen zunächst die Zeit und die Offenheit rausnehmen, sich wirklich in das Album reinzuhören – aber dafür lohnt es sich komplett. Ich bin von der Diversität der Songs mindestens so begeistert, wie ich es bei jeder Leoniden-Liveshow bin. Deswegen habe ich Jakob, dem Sänger der Band, an einem netten Montagmorgen meine Fragen zum Album gestellt und auch währenddessen wieder einmal gemerkt, wie sehr diese Band Bock auf das hat, was sie tut. Wie kann man sie nicht lieben?

Jakob von Leoniden im Interview

Dascha: Hey, guten Morgen, Jakob! Wie geht’s dir? Wie fühlst du dich nach dem Release-Wochenende?

Jakob (Leoniden): (zeigt beide Daumen hoch) Richtig gut! Das Wochenende hat sich fast schon ein bisschen inszeniert angefühlt. Fast so als wäre ich in der Truman Show oderso. Erstmal, dass wir in Kiel reinfeiern durften, obwohl man in Pandemie-Zeiten nie richtig etwas planen kann. Der Release steht ja schon seit 9 Monaten fest, aber das Konzert eben nicht, aber dass es dann genauso klappt! Dann am Release-Tag selbst in Hamburg auf dem Dockville Gelände zu spielen, wo wir auch schon krasse Momente hatte. Und dann als großes Finale am Samstag auf dem About You Pangea Festival ohne Corona-Abstände zu spielen… Pass auf ich zeig dir ein Bild. (Holt sein Handy raus) Das sieht da einfach so aus als wären wir Rammstein mit dem krassen Feuer da!

Dascha: Seid ihr doch, fast.

Jakob (Leoniden): Lennart meinte mal, wir sind Rammstein für Kinder. Naja, das Festival war wirklich verrückt. Wir haben natürlich auch gut gefeiert. Müsste ich heute singen, müssten wir wahrscheinlich alles ein paar Töne runtersetzen.

Dascha: Wann habt ihr eigentlich angefangen an dem Album zu arbeiten? Stand euch der Lockdown irgendwie im Weg?

Jakob (Leoniden): Nee, gar nicht. Wir haben irgendwann Mitte 2019 angefangen an L.O.V.E. zu schreiben. Wir hatten auch viele Songs die auf älteren Skizzen basieren, das haben wir auch bei den vorherigen Alben schon so gemacht. Das heißt theoretisch haben wir schon viel früher angefangen. Aber der erste richtige Schritt zum neuen Album war Mitte 2019, vor zwei Jahren. Und der erste richtig obvious Schritt war im Dezember 2019, da haben wir uns das erste Mal mit Markus Ganter getroffen, der das Album mitproduziert hat. Da haben wir L.O.V.E. aufgenommen, aber da war auch noch kein Lockdown in Sicht. Wir wollten dann im März 2020 für mehr Songs ins Studio fahren, nach Leipzig, damit auch Magnus Wichmann mitproduzieren kann. Das mussten wir aber verschieben, die Pandemie kam direkt am ersten Studiotag dazwischen. Dann haben wir nochmal nach hinten geschoben, dann ging’s.

Dascha: Wir habt ihr es geschafft in der Lockdown-Zeit kreativ zu bleiben? Bei mir zum Beispiel war es irgendwann so, dass ich gar keine Lust mehr auf irgendwas hatte, weil alles so gleich und langweilig war.

Jakob (Leoniden): Find ich schwer zu beantworten, weil ich nicht will, dass das falsch rüberkommt. Ich weiß, dass es nicht bei allen so ist, aber bei mir ist es einfach nicht von sowas abhängig. Wenn ich mich hinsetze, um kreativ zu sein, dann bin ich kreativ. Klar gibt’s auch Tage bei denen keine Sachen rumkommen, die ich lange gut finde. Aber meistens ist es bei mir einfach eine Entscheidung das Ventil aufzudrehen und alles rauszulassen, was da so drin rumfliegt. Ich glaube aber das liegt auch daran, dass wir eine Band sind, die sich selbst immer so pusht und wenn es Limits gibt, immer guckt, was man in dem Limit am meisten machen kann. Deswegen gab es, als der Lockdown kam, direkt diese Rhodes-Medley-Dinger, die ich auf Instagram gemacht habe. Da konnte man sich ja Songs wünschen und dann kam in der nächsten Woche ein Medley mit den Songs. Dann hab ich dieses Looper Video gemacht, wo ich mit der Bohrmaschine Samples für Alone aufnehme. Solche Sachen halt – immer wenn ein Deckel von oben kommt, dann gucken wir, wie man da möglichst nah noch was daran machen kann und das hält uns irgendwie wach.

Dascha: Voll gut, dass ihr das einfach aus den Umständen machen könnt!

Jakob (Leoniden): (Schaut an die Decke und macht einen Luftkuss) Danke, wer auch immer dafür verantwortlich ist!

Dascha: Eigentlich ihr selbst, i guess! Wieso habt ihr euch für ein Doppelalbum entschieden? Welche Vorteile hatte das für euch?

Jakob (Leoniden): Auch das war auf jeden Fall der Pandemie geschuldet. Wir waren mit dem Album schon mehr oder weniger fertig, gemastert war es noch nicht, aber zusammengestellt, gemixt und aufgenommen. Da hatte es 12 oder 13 Songs. Wir waren so „Hm, joa, ist doch ein ganz geiles Album. Aber was machen wir jetzt?“. Da war schon klar, dass es eh erst in einem Jahr rauskommt und Konzerte können wir eh noch nicht spielen. Dann dachten wir, wir nutzen die Zeit in dem wir weitermachen, als wär nichts gewesen. Dadurch haben wir uns mehr Platz geschaffen um zu experimentieren. Hatten wir aber, ehrlich gesagt, im Vorfeld auch schon. Durch die Pandemie gab es einfach genug Zeit jedes Experiment, was nach drei, vier Versuchen gescheitert ist nicht einfach gescheitert in den Schrank zu stellen, sondern nochmal ranzugehen. Dadurch haben es Songs wie Disappointing Life drauf geschafft. Das war eine der ersten Skizzen die wir für’s Album hatten. Die hatte ich alleine gemacht und die anderen waren so: „Joa, ist irgendwie geil, aber schon echt heftig Grunge. Ich weiß nicht genau, ob wir das so machen können.“ Aber irgendwann waren alle so: „Ach komm, wir finden es doch eigentlich alle geil. Lass es uns einfach machen.“ Diese Momente gab es zum ersten Mal bei uns.

Dascha: Denkt ihr beim Songwriting auch schon direkt darüber nach, ob der Song live gut funktionieren wird? Ihr seid ja schließlich eine krasse Live-Band.

Jakob (Leoniden): (Wie aus der Pistole geschossen) Ja, klar! Schuldig! Auf jeden Fall! Aber nicht so, dass ein Song dann Abstriche macht in der Studioversion. Also nicht so, dass etwas nur so sein muss, weil es live geil ist, so ist es nicht. Wir schreiben ja nicht so DJ-Drop-Style orientierte Songs und sagen dann „Das ist hier extra obvious“, weil die Songs sind ja an vielen Stellen alles andere als offensichtlich. Da kommen ja genug Überraschungen. Aus der Live-Perspektive wäre das ja eigentlich nicht so dienlich, dass da viele Überraschungen kommen, die Leute sollen ja auch kriegen, was sie wollen. Da geht’s eher um das Energielevel, das Tempo und die Aufgekratztheit, die uns da immer sehr wichtig ist. Wir finden, dass wir bei dieser Platte das erste Mal geschafft haben, das auch so auf die Platte zu kriegen. Bei den Alben davor war es schon so, dass man die Songs immer mindestens ein bis zwei Mal live sehen musste, um zu checken, wo wir überhaupt mit unserer Musik hinwollen. Und jetzt hat Markus Ganter die Kompressoren auf jeden Fall gut eingestellt, sodass das Schlagzeug richtig reinhaut. So sind die Live-Leoniden und die Album-Leoniden ein bisschen näher zusammen gekommen.

Dascha: Das merkt man beim Hören auch, finde ich.

Jakob (Leoniden): Ja? Geil! Das ist schön. Das wäre jetzt auch blöd, wenn ich hier irgendwas erzähle und du dir denkst „Ehmmm, nö.“ (lacht)

Dascha: Was denkst du, welcher von den neuen Songs ein richtiger Live-Favorit wird? Welche Songs vom Album werden richtig geil auf der Tour?

Jakob (Leoniden): Ein paar haben wir ja diesen Sommer schon gespielt. Was ich richtig cool finde ist, dass wir es mit diesen Complex Happenings Skits geschafft haben, ein bisschen diese jammige Ästhetik, die wir live haben, auch auf die Platte zu kriegen. Der, der nach New 68 auf der Platte ist, ist auch in leicht abgewandelter Form im Live-Set, das find ich richtig cool. Der haut gut rein. Bei welchen Shows warst du diesen Sommer nochmal dabei?

Dascha: Fulda und Frankfurt.

Jakob (Leoniden): Ey, Fulda war lustig. Fulda war richtig lustig! Das war echt das Überraschungskonzert für uns.

Dascha: Verständlich! Es war vor allen Dingen sehr laut.

Jakob (Leoniden): Oh ja, es war sehr laut! Ansonsten, freu ich mich krass auf die Features. Wenn die mal auf Festivals, wo wir alle abhängen, auch live umgesetzt werden können und Erik, Max und Ilgen dabei sind. Ansonsten hat jeder Song seine Vorteile. Ich freu mich auf Paranoid, auf diese Größe, auf das Pompöse, das wir so vielleicht noch nie hatten. Ich freu mich aber auch auf Songs wie Boring Ideas, der einfach nur reinknallt.

Dascha: Ich muss zugeben, dass Funeral mich am Anfang beim Single Release nicht so abgeholt hat, aber nachdem ich ihn live erlebt hab, ich doch sehr in love bin und ihn ständig höre. Das ist irgendwie der Leoniden-Effekt.

Jakob (Leoniden): Ich glaube das bleibt bei uns auch so, aber das find ich auch gut so. Liveshows sind quasi immer der Schlüssel zu unserer Musik. Das ist auch der Grund, wieso wir nie einen Erfolg im Ausland haben könnten ohne da gespielt zu haben. Man muss das einfach mit uns live verknüpfen. Das find ich aber auch toll, das macht die Liveshow unersetzlich. Auf der Platte sind Live-Leoniden und Album-Leoniden zwar näher aneinander, aber sie sind natürlich nicht das gleiche. Können sie wahrscheinlich auch niemals sein.

Dascha: Voll, genauso hab ich euch damals angefangen zu hören. Einmal auf einem Festival gesehen und direkt komplett überzeugt.

Jakob (Leoniden): Das ist einfach die Leoniden-Lovestory!

Dascha: Oh ja, das ist bei fast jedem, den ich kenne, mit eurer Musik so gewesen. Auf dem neuen Album gibt’s ja absolut keine Grenzen, vor allem keine Genregrenzen. Woher stammen die musikalischen Einflüsse? Fiel es euch schwer, euch von eurem gewohnten Sound, auch wenn ihr schon immer vielseitig wart, loszureißen?

Jakob (Leoniden): Nö, gar nicht! Das war mega easy. Es war nur eine Entscheidung. Wir mussten ja auch nicht noch neu studieren wie man Grunge-Akkorde schreibt, das war alles schon drin. Ich glaube wir sind fünf sehr wild musikalisch sozialisierte Leute, man könnte uns den Hahn zu neuer Musik einfach abdrehen und wir würden trotzdem unendlich viel Musik weiterschreiben können. Wir sind alle so voller verrückter Ideen. Es war nicht schwierig, wir haben irgendwann gesagt „Können wir das machen?“ und dann gesagt „Ja, natürlich!“. Es ist 2021, Leute teilen sich eh nicht mehr in Rap- und Rockhörer*innen auf. Selbst die größten Indieheads kennen alle B-Seiten von Travis Scott. Aber von Bands erwartet man immer noch voll, dass sie ein bestimmtes Genre fahren. Das finde ich eigentlich ein bisschen weird. Man muss nicht sein Leben lang nur Grunge studiert haben, um es zu machen. Na gut, so hab ich angefangen, mit Nirvana Covern (lacht). Aber ich find das völlig in Ordnung und ich finde das Korsett, das man sich als Band anzieht, ein bisschen altbacken.

Dascha: Ist ja im Endeffekt für die Hörer:innen auch interessanter.

Jakob (Leoniden): Ja, voll! Es ist auf eine Art und Weise auch eine größere Challenge. Es gibt ja auch Leute, die sehr verkopfte, anspruchsvolle Musik mit sehr langen Songs und vertrackten Rhythmen wollen und das ist eine Art von Abenteuer, auf das man sich einlassen kann. Aber bei uns ist es halt anders. Bei uns ist es manchmal wie eine hakende CD zwischen den frühen 2000ern und jetzt und einem fliegt alles um die Ohren. Stück für Stück kann man es ganz einfach konsumieren, aber so im gesamten Kontext fordern wir schon ein bisschen Offenohrigkeit. Deswegen hören wir bei jedem Release in den Reviews auch oft sowas wie „Die sollen sich mal entscheiden, das ist viel zu wild“. Und ich denk mir so eyyy maaaann, hör es dir doch erstmal zehn Mal an. Zu wild? (lauter werdend) Zu viel auf einem Album? Was soll das denn heißen? Ich glaub, mein Kopf platzt. (lachend) „Das Album kann man so schlecht einfach nebenbei hören“, na gut mein Freund, dann freu dich doch!

Dascha: Stimmt, zu viel kann es eigentlich nicht geben. Ihr habt auf dem Album auch zum ersten Mal Features drauf. Wie kam es zu dieser Entscheidung jetzt andere Künstler*innen mit bei euch rein zu lassen? War das anders?

Jakob (Leoniden): Das ist ein guter Punkt! Bei den Alben davor war es wirklich explizit nicht so. Da war es uns sogar wichtig, dass wir keinen Platz für Features machen. Die Feature-Entscheidung kam jetzt ziemlich am Ende, die kam erst dieses Jahr. Da waren ein paar der neueren Songs noch nicht vollendet besungen, dann haben wir daran gedacht, wie nice es wäre Erik von Pabst da drauf zu haben. Und dann dachten wir, kommt, wir überlegen mal, wer featuren könnte, wenn wir Features machen würden. Dann war es ganz schnell klar und alle hatten mega Bock. Alles ging super schnell, einfach voll geil. Ich mag den Schulterschluss daran, dass wir damit sagen, wir als Indie-Bubble können auch zusammen Musik machen.

Dascha: Ich finde die Features sind auch passend gewählt! Wie ist denn eigentlich der Name des Albums entstanden? Wer hatte die Idee?

Jakob (Leoniden): Definitiv Lennart. Er am aber zunächst an mit „Leute wie wärs wenn wir das Album Complex Happenings Reduced To A Simple Design Which Enables The Individual To Make It’s Own Bad Decisions nennen?“ und wir alle so „Boah, Lennart, den nehmen wir!“ Zwei Tage später gedacht, dass es doch ein bisschen übertrieben ist. Aber dann ist uns aufgefallen, dass die Hälfte dieses Satzes schon viel mehr für uns aussagt, als es der vollständige Satz es getan hätte. Das ist zum einen, das, was wir beim Songs Schreiben machen. Ich meine, wie hoch kann man denn bitte greifen, wenn man ein Lied L.O.V.E. nennt und es geht nur drei Minuten lang? Das ist schon ein Widerspruch in sich, Menschen versuchen seit der Entstehungsgeschichte der Menschheit Liebe zu verstehen und schaffen es immer noch nicht. Und dann kommen wir mit einem drei Minuten Song an. Aber das ist natürlich ein subjektiver Auszug aus dem Liebesthema, den wir dann darein gebracht haben. Hinter der ganzen Arbeit, die dahinter steckt, bleibt dann am Ende immer ein sehr simples Design. Dann kam noch das Albumcover von No Talent dazu, die brennende Welt. Dann war es einfach komplett klar, dass das Album so heißt. Angewandt auf verschiedene Themen hat es einfach was in uns ausgelöst. Dass man sagt, hey, die Welt brennt, das kann ich dir ganz einfach zeigen. Aber die Gründe dafür – puh, nicht so simple.

Dascha: Wirklich eine sehr schöne Antwort! Von hier mal zu New 68: Wie kam es dazu, dass ihr einen politischen Song, vor allem mit den Videos dazu, veröffentlich habt? Gab es einen bestimmten Auslöser dafür? Findest du Bands sollten sich mehr politisch positionieren bzw. hast du das Gefühl, dass ihr damit etwas anregt oder bewirkt?

Jakob (Leoniden): Der Auslöser war definitiv unser Konzert bei der Fridays For Future Demo 2019 in Hamburg. Weil da einfach 12 Tausend Schüler*innen waren, die für eine Sache einstehen, die die Generationen darüber verkacken und sie das aber ausbaden müssen. Ich fand das krass, wie sehr die das alles begriffen haben. Wir sind auch schon immer politische Menschen gewesen und oft auf Demos gewesen, aber früher war die Bewegung, die Menschenwürde und Nachhaltigkeit auf Platz 1 fordert, noch nicht so groß. Ich finde es mega wichtig- (wird von JP, dem Bassisten der Band, aus der Ferne unterbrochen)

(Rufend und jubelnd) Jaaaaa, geil! JP meint, wir laufen grad im Radio, mega geil!

Dascha: Nice, welcher Song?

Jakob (Leoniden): Warum auch immer: Where Are You. Aber ist auch ein geiler Song! Ehm, ja, also ich fand die Demo sehr inspirierend. Und ich finde es super wichtig, dass Leute mit einem Publikum, das ihnen vertraut, eine politische Haltung haben, die sie auch kommunizieren, wenn es gefragt ist. Ich finde es aber nicht so wichtig, dass jede Band, jede Künstlerin oder jeder Künstler politische Musik macht. Ich finde in Musik darf es auch um andere Themen gehen. Witzigerweise hab ich letztens ein Interview von uns gefunden beim Kosmonaut Festival, das war so drei Wochen nach der Fridays For Future Demo. Da wurden wir gefragt, ob wir nicht irgendwann mal einen politischen Song machen wollen. Da meinten wir „Hm, joa, vielleicht probieren wir es beim nächsten Album mal“, das hatte ich vergessen, aber jetzt ist es einfach passiert. Und zum letzten Teil deiner Frage – ja, wir haben total das Gefühl, dass es etwas gebracht hat. Es ergab sich echt viel Diskurs daraus. Erstmals gab es auch viel Fläche darüber zu reden, so wie jetzt hier zum Beispiel, das ist auch sehr gut. Mir selbst hat es auch wirklich viel gebracht! Ich als links-zeckig groß gewordene Person hatte immer ein zwiespältiges Verhältnis zu parlamentarischer Politik. Das konnte mir Aminata (Touré) aber total augenöffnend erklären.

Dascha: Richtig schön! Ich hab letztens auch eine Doku im Fernsehen geschaut, in der sie viel gesprochen hat, das war echt interessant.

Jakob (Leoniden): Ja, oder? Sie ist echt eine krasse Persönlichkeit!

Dascha: Ja, das glaub ich auch. Habt ihr eigentlich schon mal darüber nachgedacht, wie es musikalisch in Zukunft für euch weitergeht? Weil ihr auf dem Album schon so viel verschiedenes ausprobiert habt. Besteht da vielleicht der Gedanke, das auf dem Nachfolger nicht steigern zu können?

Jakob (Leoniden): Ich weiß, es ist noch zu früh, um das zu sagen, aber ich muss es einfach sagen: Wir haben schon angefangen weiterzuschreiben. Einfach sofort angefangen. Wir haben jetzt schon fünf neue Skizzen für Songs. Und – schnallt euch an, ey (lacht). Es gibt noch viel viel viel zu tun. Genau das meinte ich vorhin, ich glaube Kreativität ist ein bodenloser Brunnen. Es ist unerschöpflich. Und ich glaube, wenn man uns in einen Keller sperrt und sagt „Schreibt Musik“, dann hören wir erst auf, wenn wir rausgelassen werden. Ich mache mir gaaaar keine Sorgen, dass wir irgendwann denken „Was machen wir jetzt, wir haben schon alle Genres der Welt gemacht“, das wird einfach nie passieren.

Dascha: Yay, sehr gut! Du hast vorhin gepostet, dass du dir ein Tattoo stechen lassen hast, war das wirklich noch heute morgen?

Jakob (Leoniden): Ne, ne, das war auf dem About You Pangea Festival. Der Fahrer und Fotograf von Roy Bianco & Die Abbrunzati Boys hatte eine Nadel dabei, dann hab ich mir von ihm das Blue Hour Auge stechen lassen.

Dascha: Ah, sehr cool! Dann sind wir hiermit schon bei der letzten Frage. Die ist bei uns immer eine untold story, also ein kleines Geheimnis oder eine Geschichte, die du noch nicht öffentlich geteilt hast.

Jakob (Leoniden): Ja, ich hab eine Geschichte! Magnus Wichmann, einer der beiden Produzenten, ist ein langjähriger Freund von uns. Schon bevor ich bei den Leoniden war, waren wir schon super gut befreundet. Der war auch bei unserem DIFFUS Musikvideo Dreh dabei, bei dem wir Augenklappen anhatten, was wir für Freaks gedreht haben. Magnus ist eher etwas soziophob und manchmal etwas körperklausig. Er saß alleine in einem Boot und hat sich schön viel Bier reingeballert. Dann beim Aussteigen aus dem Boot – er war schon sicher auf dem Steg – ist er ungelogen 20 Sekunden lang gefallen. Kennst aus dem Deichkind Video von Richtig Gutes Zeug diese Szene, wo Lars Eidinger vor dem Bierregal hängt? So, aber noch viel geiler! Es war die beste Szene, die an diesem Tag passiert ist, die hat keiner gesehen außer uns fünf. Wir standen da auf einer Brücke, haben Magnus gesehen und er uns auch. Er ist wirklich einfach 20 Sekunden lang gefallen, das war das Beste, was ich dieses Jahr gesehen hab! Ich kann es leider nicht vormachen, ich kann es nicht zeigen, aber es ist für immer hier drin (klopft aufs Herz). Ich liebe dich Magnus, ich liebe dich über alles!

Dascha: Sehr schöne Geschichte. Ich danke dir für deine Zeit, bis bald!

Wir dürfen euch heute ein Debütalbum vorstellen, das genauso schön ist wie die Küste Englands im Sommer. Das ist eine gewagte These, weil ich weiß nicht, ob die Küste Englands wirklich so schön ist, um als Vergleich herzuhalten. Was aber wahr ist, ist, dass es dort geschrieben wurde. Picture: Sonnenuntergänge und melancholische Momente, brechende Wellen, ein blauer, leicht von Wolken verschleierert Himmel. Das alles ist Nathan Balls Debütalbum Under The Mackerel Sky. Der Singer Songwriter hat nach über 6 Jahren endlich sein Debütalbum veröffentlich und um Nathan Ballund seine Musik euch vorzustellen haben wir mit ihm über genau das und mehr gesprochen.

Nathan Ball im Interview

Anna:  Hey Nathan! As someone who listens to your music for a while now, can I say, that I’m glad you finally came around to releasing your debut album? I can only imagine what big of a deal it must be for you. From 1 to 10, how excited are you?

Nathan: Hey Anna, a pleasure to meet you! Ha yeh, it’s been a pretty long wait. I think about 7 years in the making, so I’m really excited to get it out into the world. I’d say I’m a solid 9 on the excitement levels… got to leave 1 just in case!

Anna: I first discovered you with your single Howling (2015), that I just now realised was your first official single ever. How would you describe your own musical path from then to now?

Nathan: Ah yeh, you’ve been here since the beginning, thanks so much! It’s been quite the journey, I guess I was always just keen to grow things organically. I just released a load of singles and focused on touring a lot, which was always the fun part for me: travelling the world playing music. It had never really felt like the right time to release a debut album until now. I was still trying to perfect the sound I’d been chasing throughout those singles and have finally got there on this record so I can’t wait for everyone to hear it. 

“The thought of not seeing the sea every day would kill me.”

Anna: Last year, you moved out of the city and to the coast. What led to that decision to leave your hometown?

Nathan: Yeh it’s been a long time coming really. I’ve been on and off living by the coast for a while. Forever thought it wasn’t possible to be in the music industry without living in London. I was touring so much, so it was a hell of a lot easier living in the city with all the airports and trains. But I guess when all that got put on hold, touring was no longer a thing and everyone got on board with zoom meetings rather than in person, it became a lot easier to live down by the sea. I now can’t imagine being anywhere else, and the thought of not seeing the sea every day would kill me.

Anna: In how far did moving to Cornwall influence the tracks on the album? Do you think they would have sounded differently if you would have stayed and recorded in London?

Nathan: Cornwall had such a huge impact on this record, I kind of think it’s almost a love letter to this place in a way. The album title was totally inspired by the skies down here, and whenever I listen back to the record it makes me think of those glorious summer evening drives home from the studio with the sun low in the sky, and those mornings surfing before we got going with the recording. It was such a special time and I feel so lucky to have this record as such an amazing reminder of it. There’s no way the album would sound anything like it does now if we were making it in London. I think Max and I were feeling so high on life down here that it was impossible for it not to have such a huge impact on the sound of the record.

“It seems to be a bit of an emotional rollercoaster.”

Anna: So let’s talk about your debut album. Could you make up the top 3 that every new fan should listen to? “The Top 3 Songs to fall in love with Nathan Balls debut album” – something like that.

Nathan: Good question, I change my mind all the time. If I had to pick 3, I’d probably say My Answer, Hotel Room and Can’t Work You Out. Maybe Under the Mackerel Sky and Falling Short while you’re there too!

Anna: Blindside was the first single kicking off this album. What is so special about this song that made it perfect as the first release of Under The Mackerel Sky?

Nathan: I think it was the first moment we’d fully captured that sound we’d been chasing for a while. I’d always dreamt of this epic, hectic kind of sound with nods to electronic music which also tugged on the heartstrings. It clicked on Blindside. I think it became the epitome of the sound we were looking to create throughout the record. I think it also gives a great intro into what can be expected from the rest of it.

Anna: Under The Mackerel Sky combines sad and uplifting songs, it both seems chaotic and emotional. What were the topics that you were processing in this album?

Nathan: Yeh it seems to be a bit of an emotional rollercoaster really, but that’s what I always set out to create with this record. I often talk about my love for house music. How DJ’s take you on a bit of a journey through the night with euphoric and then more pensive more melancholic moments. And that’s what I wanted to bring to this album. There are a few themes that seem to run through the record. For some reason loneliness appears to be one of those threads, because I found it so fascinating. I was touring the world playing to hundreds or thousands of people each night, but then I was just back on my own on a flight or a train the next day and trying to process that mad juxtaposition between the show and that moment where you’re on your own.

“It still gives me goosebumps just thinking about it.”

Anna: Can you pinpoint the album process to three key moments you had?

Nathan: I’ll give it a go! Firstly, reading the line ‘Under the Mackerel Sky’ in a poem, and suddenly feeling everything click into place. I knew immediately that had to be the title of the record and it gave a real concept to the whole album.

Secondly, I think writing that song Under the Mackerel Sky. I wrote the song that day I read the line in the poem and took it down to where the writer of that poem is buried and listened to it on repeat about 20 times, sitting on this bench overlooking his grave and the sea in the background. That was such a special moment and still gives me goosebumps just thinking about it.

Thirdly, I think the farmhouse we recorded in was such a key part in the album. It’s this beautiful old Cornish farmhouse that’s kind of falling down, but the landlords very kindly let us build our studio up in the attic, and we’d open the skylights that looked out over these rolling Cornish fields and you could see the sea which just made it so special. I think the record would have sounded very different if we weren’t in that space.

“Germany is always a favourite one for me.”

Anna: May seem like a standard question, but it’s sincere: What music did influence you when writing this record?

Nathan: I was listening to a lot of Kurt Vile at the time, and the War on Drugs as always. I love how they can create these insanely hypnotic and atmospheric songs that just take you on a total journey. I was listening to a lot of Courtney Barnett and Sharon Van Etten too, I got slightly hooked on those two on my Aussie tour. Also to a lot of house music… Jeremy Olander, Jon Hopkins, Ame, that kind of stuff. I think somewhere where those two worlds meet is where this record sits for me.

Anna: Something I also don’t want to ignore: You’re playing this record live! In Germany, too! What are you most excited about when you think about touring again?

Nathan: Yeh we can’t wait to get back on the road and play these new songs. Germany is always a favourite one for me too. The crowds are always so special and I can’t wait to feel that connection with the audience too. I think also just being in cool new cities we’ve never been to every night, meeting new people and drinking the finest beers is as good as it gets.

Anna: And last but not least, the question asking for your very own untold story: Something you haven’t shared in an interview before but always wanted to:

Nathan: Umm good question. There’s a sound at the beginning of the song Under the Mackerel Sky which is me dropping my pen onto my mug that I had a cup of tea in. My vocals were going through a guitar amp with some delay pedals at the time and it made a pretty cool sound so we left it in there. Fun fact for the day!

Wer mehr kleine fun facts wissen will, darf hier reinschauen:

Und natürlich in dieses wunderschöne Album direkt reinhören:

Fotocredit: