Jaguar Jonze ist vielleicht eine der spannendsten Künstlerinnen Australiens zur Zeit. Zu ihrem kreativen Output gehört nicht nur Musik, sondern auch alles andere, was man sich an künstlerischen Projekten vorstellen kann. Eigene Art-Installationen und Musikvideos gehören dazu genau wie ihr hohes politischen Engagement. Letztes Jahr teilte sie öffentlich ihre Erfahrungen mit sexueller Belästigung durch einen bekannten australischen Fotografen und fand sich an der Spitze der #MeToo-Bewegung in der australischen Musikbranche wieder. Auf ihrer neuen (und unglaublich starken) EP ANTIHEROhat sie all diese Erfahrungen verarbeitet und bewiesen, dass sie sie nur bestärkt haben.
Schon in unserer Fokus-Playlist Women Rising Up haben wir Jaguar Jonze vorgestellt und das zu Recht. Solltet ihr auf der Suche nach neuen weiblichen Künstlerinnen sein, die eure Playlisten ein bisschen aufmischen, seid ihr hier also richtig. Denn das ist hier nicht nur inhatlich wirklich stark, sondern vor allem auch musikalisch. Mal mit lauten Riffs, mal mit rhythmischen Beats – ANTIHERO strahlt vom ersten Song eine Power aus, der man sich nicht entziehen kann. Absolut begeistert von ihr als Künstlerin haben wir Jaguar Jonze also zu genau jenen Sachen befragt.
Jaguar Jonze im Interview
Anna: Hey, Deena, thanks so much for taking the time. Since you’re literally from the other side of the world – do you want to introduce yourself and the music you’re making as Jaguar Jonze?
Jaguar Jonze: Hello Untoldency! I’m Jaguar Jonze, an indie pop musician from Brisbane, Australia. I also dabble in visual art as Spectator Jonze and photography as Dusky Jonze. The music I write and release under Jaguar Jonze explores my mental health, trauma, life experiences and shares them through a vessel of rhythmic beats, industrial sounds, spaghetti Western guitar, lush synths and a vocal that flips between fragile and fierce.
Anna: Your creative output is huge – from music to illustrations, photography and directing your own music videos. What got you into that big field of creative art to begin with? And what makes the music one so special to you?
Jaguar Jonze: I wasn’t always that way – in fact, I used to be the complete opposite way. I NEVER dabbled in art, music, photography or film. I think I was just so suppressed for so long that once I stumbled across music and art, it all came spilling out. It helped me so much with being able to communicate and express when I couldn’t do it at all through words. Music is a special one for me because it facilitates dialogue with my subconscious. Through that I’ve been able to repair my relationship to the person that matters the most – me.
Anna: Before we talk about the EP, what were your musical influences growing up? Do you have songs or artists that really changed how you make or experience music?
Jaguar Jonze: I really loved artists such as Portishead, Jeff Buckley and Nick Cave. Growing up I had an eclectic mix of musical influences though, from pop, indie, rock, heavy metal, classical to folk and country.
“I wanted every single person to feel like they were heard.”
Anna: You released a cover of Britney Spears song Toxic, after you were credited to reigniting the Australian #MeToo movement. More than 400 people came forward after you calling out a photographer of sexual assault. How did you deal with that overwhelming response?
Jaguar Jonze: I really wanted every single person to feel like they were heard and that I held safe space for them to take refuge in. So to be honest, during that time, I hardly slept. I spent every minute of every day from morning to night, replying to each message and having conversations, talking with media to expose the problem and liaising with the police to hopefully find justice. It took me a long time to realise that I neglected myself throughout that entire period. I had to take some time to grieve, process and nurture myself so that I can also heal and receive the acknowledgment and recovery all victims and survivors deserve.
Anna: Did making the EP help you processing all of that?
Jaguar Jonze: Yes definitely. It was a world I was able to escape into. Creativity for me in general helps me process all of these complexities. It allows me to be the best self in my every day.
“It took me four years to find the courage to release it.”
Anna: Talking about the EP: The first release was the song DEADALIVE. It’s full of energetic and angry guitar riffs that make me think it came from a frustrating time in your life. What’s the background of that song?
Jaguar Jonze: I wrote DEADALIVE with my bassist Aidan Hogg when we were stuck in New York after the world deemed COVID-19 a pandemic. We were confused, anxious and had no idea what to do, what was happening and how to get home. I finished the song when I returned back to Australia with COVID-19. The second verse explores the same emotions except this time, it was more in terms of my health and recovery.
Anna: On this wide range of songs on this EP, which one was the one you enjoyedmaking the most?
Jaguar Jonze: ASTRONAUT is one that I am really proud of. It took 4 years for me to find the courage to release ASTRONAUT and find the right arrangement for it. It was the first time I had written about my anxiety and so it is a super personal song for me. But it was also the most difficult song to make as I really tested the song across so many different arrangements.
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“Being of mixed-race, I have so many stories that haven’t been shared”
Anna: Falling a bit in love with both your music and you as an artist, I’m really interested in your plans for the future. Is there anything you’re excited for or maybe can tease a bit?
Jaguar Jonze: While I was under hospital care with COVID-19, I wrote a conceptual/abstract short film to tie all the songs together for the EP. All of the music videos were created as a piece to that. I can’t wait to share the short film after the EP is released. I’m currently working on the sound design for it. It’s nothing too crazy but just something I had in mind. I can’t believe this whole project is nearly at the end, one year later. And thank you so much for the love, I am so honoured to have your support!
Anna: With Untoldency, the last question always asks for an untold story. Something you haven’t shared in any interview before yet.
Jaguar Jonze: I was held at the Mexico/US border once as they thought my Australian passport was fake and that I was trying to immigrate into the US.. or they wanted to just take all my money. I was still a teenager, so it was really scary. When I finally made it through the border, it was already really late at night. My bus had left without me and I had to hitchhike to the train station to then beg them to give me a ticket so that I could finally get home. I don’t know why this was the story that came to my head . But being of mixed-race, I have so many stories like this that haven’t been shared!
Hört hier in ANTIHERO rein:
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Am 16.04 veröffentlichten Zimmer90 ihre Debüt EP Fall Back mit einem erstklassigen Mix aus Indie und Electro-Pop. Hier finden sich entspannte Vibes, tiefe Emotionen und einprägsame Melodien verpackt in fünf Songs von drei Jungs aus Stuttgart. Sowohl ihre Sounds, als auch die Stimme von Sänger Joscha haben hohen Wiedererkennungswert und können schon nach diesem ersten Release zweifellos bei den großen Bands mithalten. Obwohl viele Alben und EPs dieser musikalischen Ecke oft dazu tendieren sehr ähnliche und beim ersten Hören kaum unterscheidbare Songs zu enthalten, zeigen die Songs auf Fall Back Vielfältigkeit und ergeben trotzdem ein stimmiges Ganzes. Sie greifen ziemlich gelungen in einander und ich bin mir sicher, dass Zimmer90 damit viele neue Hörer:innen für sich gewinnen werden. Durch die besondere Atmosphäre, die Zimmer90 hiermit kreiert haben, hat sich Fall Back jetzt schon einen festen Platz in der Liste meiner Lieblingsreleases 2021 verdient.
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Dascha: Hey, schön, dass das geklappt hat! Seid ihr aufgeregt über den Release eurer EP?
Joscha: Also ich schon, ziemlich. Wir haben ja noch nie etwas released, was wirklich so ein ganzes Ding ist und komplett zusammenhängt. Das ist schon ziemlich aufregend für mich und ich glaube für die anderen beiden auch.
Michi: Ja, absolut.
Dascha: Könnt ihr euch mal vorstellen für die, die euch noch nicht kennen?
Finn: Wir sind Zimmer90 aus Stuttgart. Wir sind Joscha, Michi und Finn, kommen auch alle aus Stuttgart und haben uns über verschiedene Wege in Stuttgart kennengelernt. Michi und ich haben uns schon etwas länger davor gekannt und Musik gemacht. Dann haben wir Joscha kennengelernt und zu dritt ein bisschen gejammed. Und so sind wir auf einen ganz coolen Sound und Vibe gekommen. Dann hatten wir richtig Bock daraus was zu machen.
Dascha: Und seit wann macht ihr zusammen Musik?
Michi: Seit vier Jahren inzwischen, seit 2017.
Joscha: Wir haben halt davor immer einfach gejammed, aber so richtig real ist es für uns seit einem Jahr geworden. Wo wir gesagt haben okay, wir stellen jetzt was in’s Internet und erscheinen sozusagen auf der Bildfläche.
Dascha: Wie würdet ihr eure Musik in nur drei Wörtern beschreiben?
Michi: Ist jetzt nicht nur ein Wort, aber ich würde sagen, dass man ziemlich schnell in den Vibe reinkommt. Relativ leichte feel-good-Vibes, so ein bisschen dancy.
Joscha: Also wäre dein Wort feel-good?
Michi: Eher so der Vibe. So vibey.
Joscha: Also mein Wort ist, weil bei der EP die Songs schon relativ unterschiedlich sind, aber trotzdem alles matched, divers.
Finn: Ich wollte auch kontrastreich sagen. Oder energetic oder soft, aber dann ist es auch ein Widerspruch. Ne, ich hab ein Wort: intuitiv.
Michi: Also divers, intuitiv, vibey.
Dascha: Wer oder was inspiriert euch musikalisch am meisten?
Finn: Es ist hart das so runterzureduzieren, weil wir beim Musik machen versuchen offen ranzugehen und, wie gesagt, auch ziemlich intuitiv. Irgendwie auch viel aus dem Moment heraus zu finden, was uns gefällt. Wir hatten selten mal Songs nach einem bestimmten Vorbild grundlegen ausgelegt, sondern wir versuchen es wirklich aus uns raus zu holen. Ich glaube, dass man die Inspiration dann aus tausend verschieden Eindrücken und Ecken nimmt. Und dadurch, dass wir uns in verschiedene Richtungen, an dem was wir musikalisch mögen, bewegen, ist es sehr schwer das runter zu brechen.
Joscha: Ich glaube man kann aber sagen, dass wir drei relativ offen für alles sind. Auch ein Chart-Song kann mega geil sein, wenn der gut gemacht ist und das muss nicht verteufelt werden. Wir sind da alle so, dass wir eher Songs hören, die uns taugen und nicht dieses eine Genre fixiert haben.
Michi: Elektronische Musik, Indie, Pop Musik, Alternative, da ist von allem ein bisschen mit dabei. Und das kommt immer darauf an in welchem Vibe wir gerade sind, wenn wir zusammen jammen und was dann dabei rauskommt. Es war noch nie so, dass wir sagen: „Hör mal die Band und lass mal so einen Song machen“, sondern eher so, wenn der Song fertig war: „Ah, witzig, das erinnert daran“.
Dascha: Um jetzt konkret zur EP zu kommen- Wie war eure Erfahrung mit dem Entstehungsprozess? Was hat euch besonders Spaß gemachtund wo gab es vielleicht mal Schwierigkeiten?
Joscha: Ich glaube, der Tunnel in dem wir waren, war für uns alle was neues. Wir sind ins Studio gegangen mit unserem Produzenten, den wir erst seit der EP haben. Das war der erste große Step, dass wir sagen, wir gehen jetzt in ein richtiges Studio und nehmen nicht von zu Hause auf. Wir wussten, wir haben zwei Wochen Zeit und dann sind wir dahin gegangen mit Zeug im Gepäck, weil wir die ganze Zeit, wenn wir Ideen hatten, das schon Demo-mäßig aufgenommen hatten. Da haben wir dann am ersten Tag alles durchgehört und geschaut, was uns am meisten anspricht und uns da einfach einen Song rausgepickt, Now or Never war das. Der war schon relativ weit und wir haben einfach angefangen drauf los zu arbeiten und waren 14 Tage wie in einem Film.
Man macht weiter, dann kommt da wieder was neues, dann muss man wieder zurück gehen. Es war schon auch ein bisschen Teambuilding, weil natürlich ist auch mal einer unzufrieden und man sich dann in einander verhakt. Wenn man irgendeine coole Idee hat und in seinem Kopf eine Vision wie „Boah, ich hab gerade das krasseste entdeckt“ und dann hört man von drei Leuten „Brudi, das ist übel kacke“. Jeder von uns hatte glaube ich mal diese Situation. Es ist aber trotzdem voll schön am Ende zu wissen, da ist was rausgekommen, mit dem wir zu dritt zufrieden sind und was von jedem von uns etwas beinhaltet.
Dascha: Hat euch irgendein bestimmtes Konzept durch die EP geleitet?
Finn: Das Konzept war ein bisschen, dass es kein Konzept gibt. (lacht) Und dass wir uns nicht so viele Gedanken darüber gemacht haben, wie die EP aufgebaut ist und wie wir da genau heran gehen wollen. Ich würde sagen, das, was sich durchzieht und irgendwie schon ein Konzept ist, sind die Sounds, die wir verwendet haben. Dass wir versucht haben, dass es am Ende doch Verbindungen untereinander gibt über den Sound.
Joscha: Die Songtexte verbinden die Songs aber auch, würde ich sagen. Wie Finn auch schon sagte, es war unser Plan dahin zu gehen und eben keinen Plan zu haben, um uns davon nicht einzuschränken und nur diesem Plan nachzurennen. Es war uns wichtig, dass wir einfach hingehen und schauen, was passiert, auch wenn wir am Ende nur einen oder zwei Songs in der Hand haben. Wir sind hingegangen und dann ist das passiert. Und jetzt kommt’s raus.
Dascha: Auf der EP hat mich Sometimes total gecatched und berührt. Wollt ihr mal erklären, worum es in dem Song geht und was er euch bedeutet?
Joscha: Ich hatte den Text schon davor geschrieben und hatte den eigentlich als Klavier-Ballade ausgelegt. Ich wollte voll lang Psychologie und Medizin studieren und hatte ein Praktikum in zwei Psychatrien. Ich hatte dort lange Gespräche mit einem Flüchtling, der eine posttraumatische Belastungsstörung hatte. Der Song greift eigentlich seine Gefühlswelt auf. Dass er nur für sich seine Gefühle zeigen kann und immer nur in seinem Zimmer ist. Diese Hoffnungslosigkeit wollte ich damit darstellen.
Dascha: Krass, ich hätte nicht gedacht, dass dahinter so eine Geschichte steckt. Ich hab den Song letztens abends im Zug das erste Mal gehört, während des Sonnenuntergangs und ich dachte zu mir selbst nur: „Ey, don’t cry“.Schreibt ihr sonst lieber Songs über eure eigenen Gefühle und Erfahrungen oder findet ihr, das muss nicht sein?
Michi: Momentan haben wir in unseren Texten sehr viel über unser Erleben von Dingen, Gefühlen, Nostalgie, Gedanken. Wenn wir die Texte dann wieder zusammen durcharbeiten, kommt es immer wieder zu so Punkten, dass wir manche Passagen, die wir z.B. nicht verstehen, durchsprechen und versuchen sie auf unser Leben zu beziehen. Damit sie sich immer schlüssig mit unserer Wahrnehmung und Erfahrung decken. Es ist ein Sammelsurium von unseren drei Wahrnehmungen, wie wir einfach alles erleben. Das ganze Leben und Verbindungen zu anderen Menschen.
Joscha: Wir achten bei den Songs darauf, gerade bei der EP, dass wir das Thema nicht schon komplett vorschreiben und detailliert ausarbeiten, sondern, dass es bei jedem was anderes auslösen kann. So wie du meintest, du hättest das bei Sometimes nicht so gedacht. Für mich ist es das, aber für jemand anderen kann es etwas ganz anderes sein. Das ist auch das Ziel dahinter, dass jeder seine eigene freie Vorstellung haben kann.
Michi: In der ganzen EP erwähnen wir wenig ganz konkrete Dinge, sondern eher so, dass man viel Interpretationsfreiraum hat.
Dascha: Wie ist es für euch, dass ihr im Lockdown jetzt so richtig losgelegt habt mit eurem ersten großen Release? Denkt ihr, wenn die Umstände nicht so wären, liefe es anders?
Finn: Wir hätten ein paar mehr Sachen organisiert, zum Beispiel eine fette Release-Party und wir hätten uns darum gekümmert, das wir auf so vielen Bühnen stehen, wie es nur geht.
Michi: Tatsächlich ist aber auch viel dadurch möglich geworden. Finn studiert ja Architektur, Joscha Jazz und Pop-Gesang in Freiburg und ich mache eine Kochausbildung. Gerade bei mir ist es so, dass ich viel mehr Freizeit bekommen habe durch Corona. Davor wäre das gar nicht möglich gewesen. Es war da super schwer für uns drei Zeit zu finden. Dadurch ist viel Freiraum entstanden, ich hab ja auch kein Homeschooling oder so.
Dascha:Na immerhin auch was positives! Ich hab euch natürlich auch vorher auf Instagram gestalked und bin auf euer wunderschönes Atelier gestoßen, das auch immer wieder von irgendwelchen Ästhethik-Accounts repostet wird. Was hat es mit dem Atelier auf sich, wo ist das?
Joscha: Ich kann eine Sache sagen, das Atelier gehört meiner Großtante, aber leider muss ich die genaue Location geheim halten. Aber es ist in der Nähe von Stuttgart.
Dascha: Es ist auf jeden Fall sehr sehr schön!
Joscha: Ja, voll! Das ist ein Ort, wo wir immer richtig cool hingehen können, weil meine Großtante ist viel in Frankreich, sie ist Künstlerin. Es ist super dort zum Abschalten und Musik machen. Da gibt es kein Internet, kein WLAN, dann ist man einfach nur da.
Finn: Wir waren auch um Silvester rum dort für ein paar Tage, das war auch crazy. Es ist schon ein ziemlich eigener Space. Das ist so die perfekte Voraussetzung, um irgendwie kreativ zu werden, weil man sich da mal stark abkapseln konnte. Die Umgebung engt auch nicht ein, sondern lässt eher den Raum für kreative Sachen.
Joscha: Ja, wir waren da 10 Tage und da ist halt wirklich kaum Empfang, kein WLAN. Man ist so viel abgelenkt heutzutage von seinem scheiß Handy, was glaube ich jeden aufregt, aber was einfach so ist und auch nicht mehr wegzumachen ist. Ich würde behaupten, fast jeder ist irgendwie süchtig nach seinem Handy. Das war so angenehm, dass das Ding da einfach weggefallen ist und wir da den ganzen Tag nur Musik gemacht haben, gelesen, entspannt.
Dascha: Ja, ich glaube, nach dieser Lockdown-Zeit schmeiße ich mein Handy einfach erstmal weg. (lacht) Welche Musiker und Musikerinnen feiert ihr selbst zur Zeit?
Joscha: Was mir vor kurzem gezeigt worden ist, Golf, heißt die Band. Die hatte mal so ihren Hochpunkt und ist dann ein bisschen in den Hintergrund getreten. Die machen ganz coole Mucke! Benny Sings, Bilderbuch, es gibt viel, was ich cool finde.
Michi: Ich hör momentan ganz wenig Alben, sondern ganz viele Playlisten. Elektronische Bands hab ich sehr viele sehr gerne.
Finn: Ist glaube ich oft so, wenn man viele Playlisten hört, dass man sich eher einzelne Songs als ganze Artists rauspickt. Men I Trust z.B. find ich zur Zeit wieder richtig cool, eine meiner absoluten Lieblingsbands.
Michi: Ich mag Billie Eilish zur Zeit ganz gerne und AURORA. Da hör ich tatsächlich die Künstlerinnen einfach durch. Irgendwie haben die mich beide super gehooked.
Dascha: Cool! Auch wenn es durch Corona schwer ist, irgendwas zu planen, habt ihr trotzdem irgendwelche besonderen Pläne, auf die ihr euch freut dieses Jahr?
Joscha: Ich würd das grad mal so anteasern, Release-technisch kommen da ziemlich lustige Sachen. Und auch ein crazy Feature, wozu ich jetzt noch nichts verraten darf und werde. Ansonsten wollen wir auf jeden Fall schauen, dass wir, sobald es irgendwie geht, ein paar Konzertchen am Start haben. Eine Sache die ich noch sagen kann, es kommt tatsächlich noch was deutsches von uns.
Michi: Oh ja, ich war mir gerade nicht sicher, ob wir das schon verraten sollen. Wir haben auf Deutsch eigentlich angefangen. Unsere ersten Songs waren alle nur live, davon haben wir leider nicht mehr so viele Aufnahmen, aber viel auf Deutsch.
Dascha: Wow, wie kommt es dann dazu, dass ihr doch zu Englisch gewechselt habt?
Michi: Bei den Produktionen war dann ziemlich schnell klar, dass die englischen Songs super gut funktionieren zum Durchproduzieren. Und wir wollen auf jeden Fall auch international ansprechen.
Joscha: Wir haben übel Bock auch in anderen Ländern irgendwann mal Konzerte zu spielen, weil es für uns auch dazugehört zu reisen und unterwegs zu sein. Nicht darauf zu beschränken, dass nur die wenigen Menschen, die Deutsch können, auf die Texte Zugang haben, sondern, dass jeder den Text verstehen kann.
Michi: Es ist auch schwierig, dass man mit deutscher Musik, gerade wenn man Pop macht, schnell zu Schlager-Musik tendiert. Da sind wir noch nicht so sehr gehooked von, da kann ich für uns alle sprechen.
Joscha: Ich finde es wird sehr schnell kitschig oder zu künstlerisch.
Dascha: Dann bin ich mal sehr gespannt zu hören wie ihr auf Deutsch klingt! Und ich komme auch schon zur letzten Frage. Da frage ich immer nach einer Untold Story, also einem kleinen Geheimnis oder einer Geschichte, die ihr noch nicht öffentlich erzählt habt.
Michi: Der eine Release wird auf jeden Fall überraschend.
Joscha: Unser Feature oder nein, eher unser zusammenarbeitender-Gast, ist auf jeden Fall überraschend. Aber ich hab noch eine geile Story! Unzwar sind wir ganz gut befreundet mit Rikas und wir waren mit denen Boule spielen. Michi und ich waren in einem Team und es ging so richtig über drei, vier Stunden mit mehreren Runden und aufschreiben. Und dann bringt Michi einfach so einen Move.
Michi: Es war ein wichtiger Wurf! Am Anfang lagen wir hinten, dann haben wir ziemlich schnell aufgeholt. Es war dann schon ein bisschen unangenehm noch weiter Punkte zu machen, aber das war der entscheidende Wurf für diese Runde und Joscha war so „Michi, mach jetzt irgendwas krasses!“
Joscha: Michi kann halt ein Spagat, so komplett runter. Und dann macht er einfach aus dem nichts ein Spagat und wirft diesen Ball und gewinnt einfach.
Michi: Die ganzen Leute saßen auf der Bank und guckten zu, hätte ich dann einen schlechten Wurf gemacht, wär das super peinlich. Aber alle sind aufgestanden und haben angefangen zu schreien. (lacht)
Joscha: Da saßen dann auch einfach viele Leute und haben zugeschaut und getrunken. Das wäre so weird geworden, wenn du dieses krasse Spagat machst und dann den Ball einfach irgendwohin geworfen hättest. (lacht)
Dascha: Eine gute Story mit einer guten Wendung, zum Glück!
Checkt hier die Jungs von Zimmer90 auch auf YouTube aus:
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Heute führt es uns ins englische Oxford zu einer Band, die den eingeschlafenen Musikmarkt schon seit längerem aufrüttelt. Mit ihrer Genre-übergreifenden Mischung aus Rock, Indie und Elektronik haben Low Island schon viele überzeugen können. Jetzt haben sie endlich auch ihr Debütalbum released! Aufgenommen in Frankfreich, kurz vor Lockdown, haben Carlos, Jamie, Jacob und Felix direkt auch ihr eigenes Label gegründet. „If You Could Have It All Again“handelt von Hoffnung und Chaos der vermeintlich verlorenen Zwanziger. Wir haben uns mit Bassist Jacob unterhalten über all das und mehr.
Anna: Hey, thanks for taking the time! With the world still being in that crazy state since last year, how are you feeling? How’s Lockdown in Britain?
Jacob: Thanks for having us! It’s been a pretty gruelling winter over here to be honest, like I’m sure it has for you guys too! But there’s definitely a sense of optimism going around at the moment; certainly in the music world we’re seeing more and more bands announcing shows for autumn! Fingers crossed they can all go ahead.
Anna: You do have some positive news too: your highly anticipated debut album If You Could Have It All Again is going to be released soon. How does it feel after 5 years of your band’s history to now, finally, release your first album?
Jacob: It’s pretty momentous for us – a culmination of so much work and speculation. We’re so grateful to have the chance to share it, especially given the state of the world over the last year. There were definitely some dark moments where it looked like it might not happen!
Anna: Talking about these 5 years of your band’s history: How did you guys meet and how was Low Island formed? And: If you could describe your band in five words, which would you choose?
Jacob: We actually all grew up together, so we go way back! Playing in all sorts of musical projects together along the way. Low Island came about a time where some of us had been playing in indie bands, others DJing and scoring music for theatre. The band was a way of exploring all of these musical worlds within one project. Combining the live energy of dance music, the soundscapes od the theatre and the song-writing of indie music. That was definitely the aim anyway!
If I were to describe it in five words it would probably be a phase we’ve used a lot over the years when trying to describe what we believe the ideal setting for our music is: “Late-night drives on the motorway”.
“The hard thing is to accept this uncertainty as just a part of life”
Anna: What can we expect from the album in musical terms?
Jacob: The album mostly deals with the anxiety I think most people feel in their twenties: Self-doubt over the decisions one makes and the pressure to “have your shit together”. Everyone has these fork-in-the-road moments where they wonder if they made the right decisions. The hard thing is to accept this uncertainty as just a part of life and try not to give yourself a hard time about it! When we were putting the record together we were always trying to best convey these themes in the music. We hoped that the arrangements of the songs could re-enforce some of this meaning. The lyrics and the spirit of a song are fundamental if you want to connect with people, I believe. And if you can supplement this with a killer bass-line or some weird synths, all the better!
Anna: Every time I listen to it, I seem to have a different favourite song. Do you have one that sticks out to the most?
Jacob: It’s always changing for me, too, but at the moment I’m really into the album close What The Hell (are you gonna do now?). I find it such a calming moment at the end of a rather intense album. I also like how one of the last lyrics moments on the record both asks and answers the question in the album title “if you could have it all again … another chance, it wouldn’t make a difference”. A kind of peaceful acceptance of anxiety that runs through many of the earlier songs.
“If it all went to shit, then we’d only have ourselves to blame”
Anna: Last year, you decided to found your own label. How did you come up with the idea?
Jacob: We set up the label in summer of 2020 at a point where the world, and more specifically the music industry, had been consumed by uncertainty. We felt that our best chance of survival as a band was to drive the project entirely ourselves. And at the very least if it all went to shit then we’d only have ourselves to blame. It’s all very new to us at the moment. If You Could Have It All Again will be the first release on Emotional Interference so we’re learning on the job to an extent. It’s been a lot of work and a steep learning-curve but incredibly rewarding at the same time.
Anna: Since you had a fully DIY-spirit behind the production of the album, what challenges did you face?
Jacob: The record was entirely self-produced in a make-shift studio in rural France in early March last year, days before the world started shutting down. It was the first time we’d tried this method of creating music. By limiting yourself in terms of both equipment and time, you subsequently make different musical decisions than you may otherwise do. We wanted to explore whether this approach could helps shape the songs into something that could sound cohesive as an album. Obviously, the pandemic was a massive unforeseen challenge in finishing off the album. Carlos actually ended up doing all the vocals from his bedroom cupboard! But we count ourselves incredibly fortunate that we were able to finish it and now just can’t wait for it to be out in the world.
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“I will always cherish my afternoon as a A-lister”
Anna: I can only imagine how keen you must be to play live again. What part of touring and being on the road do you miss the most (and look forward to now)?
Jacob: It sounds cliched but you miss everything about when it’s taken away, the good and the bad. Weirdly you find yourself pining for the 3am service-station coffees or a warm can of lager in the green room as much as you do to the show itself! For me, it is a huge realisation from the pandemic not to take live music for granted. When we’re allowed I want to get out and see as many bands as I can!
Anna: At the end of every interview we ask for an untold story. Something you haven’t shared before in any interview.
Jacob: At Latitude Festival in the UK, in our first festival summer as a band, we’d just opened one of the stages and thought we’d played pretty well. After the set, I kept having people coming up to me asking for selfies – an experience that was totally unexpected and new to me. I was pretty chuffed, I won’t lie. Happily walking around the festival confident that we must have absolutely knocked it out the park, only for my sudden, supposed fame to later crumble on learning all the people who had asked for photos had actually mistaken me for the bass player in Sigrid’s band, who had played directly after us and to whom my resemblance was undeniable. I will always cherish my afternoon as a A-lister though.
Hört hier in das Debütalbum der A-Lister von Low Island rein:
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La Femme sind anders, La Femme sind unglaublich, La Femme sind ein Mysterium. Letztere Aussage fällt ziemlich häufig in Verbindung mit der in Paris lebenden Band, aber nun ja; Es ist die Wahrheit. La Femme, die eigentlich aus Biarritz stammen, wurden 2010 von den Songwritern und MusikernSacha Got und Marlon Magnée gegründet. Somit bilden die beiden das Herz der Band und sie erhielten im Laufe der Zeit immer mehr Unterstützung von weiteren Musiker:innen. Spätestens seit ihrer Single Où va le monde (2016) sind La Femme international gefeiert und geliebt.
Ihr musikalischer Stil lässt sich unmöglich in eine Schublade packen, dafür ist ihre Bandbreite viel zu groß und das beweisen sie vor allem auf ihrem neuen, dritten Album Paradigmes. Irgendwo zwischen Cold und New Wave, Yéyé, Psychedelic, Surf Rock, Elektro und Punk, haben sie schon lange her ihren ganz eigenen Sound kreiert und dabei bleiben sie nie konstant. In den neuen Songs wird statt wie gewohnt Französisch auch mal auf Englisch gesungen in Foreigner, Spanisch in Le jardin oder total absurdBanjo mit Opern-Gesang kombiniert in Disconnexion. Mit hypnotischen Sounds und oftmals sehr düsteren Texten zieht Paradigmes seine Hörer:innen in seinen Bann und führt sie in eine verdrehte Welt. Keiner der 15 Tracks ist so wie der andere, es gibt so viel unterschiedlichen Inhalt auf einem Album zu entdecken und trotzdem reiht sich alles ein und wird zu einem großartigen Ganzen.
Verstehen oder nicht verstehen?
Wahrscheinlich hat man bereits rausgehört, dass mich La Femme persönlich sehr begeistern — und das trotz meiner sehr eingestaubten Französisch-Kenntnisse. Dabei bin ich mir ziemlich sicher, dass man überhaupt kein:e Kenner:in der Sprache sein muss, um sich für diese Band begeistern zu können, denn sie ist einzigartig, fesselnd und die Atmosphäre universell spürbar. Und mal ehrlich, wofür gibt es online Text-Übersetzer und die Untertitel-Funktion bei YouTube? Ihre Musikvideos, die eher wie Filme wirken (vor allem zu Le sang de mon prochain und Paradigme, große Empfehlung!) und ihre Art sich zu präsentieren, verleihen den Eindruck La Femme seien eigentlich gar keine Band, sondern in ihrer Gesamtheit eher ein Kunstprojekt.
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Immer, wenn ich irgendwann mal in die Kommentarspalte der YouTube Videos oder Instagram-Posts von La Femme geschaut habe, gab es mindestens eine Person, die sie als „Genies unserer Zeit“ oder als „nicht von dieser Welt“ bezeichnete. Tatsächlich wundert es mich überhaupt nicht, dass Fans aus allen verschiedenen Ecken der Welt in den Kommentaren diese Ansicht teilen. Das Bizarre, der abstrakte Sound und die Überromantisierung der typisch französischen Ästhetik, die La Femme mit allen Mitteln ausreizen, erwecken die Neugier. Man kann La Femme nicht wirklich begreifen, aber das muss man auch gar nicht, um ihre Präsenz zu genießen. Nun hatte ich die Ehre Sacha Gotzu fragen, was mir auf dem Herzen lag. Um ganz ehrlich zu sein, hätte ich am liebsten einfach nur mit einem „Wie macht ihr das bloß???“ losgelegt.
La Femme im Interview
Dascha: Hey, I’m glad this worked out! How are you? Are you excited about the album release?
Sacha Got: Yes! I’m very happy to finally put it out. It’s been too much time we had the songs in our hardrive. We are happy to share it now.
Dascha: When did you start working on that album? How long was this process?
Sacha Got: It’s a mix of a bunch of songs we did over the years, from 2012 to 2018. In many different places but we finished it between France, Spain and the USA.
Dascha: The songs on Paradigmes are so different from each other; there are so many styles and themes. Where did you get your ideas and inspirations from?
Sacha Got: From everything, I would say. For the music we like to cross all the styles we love and they can be very different. From country to electro, arabic music or rap. We like to mix everything together.
Dascha: Was there a specific concept that guided you through this whole album?
Sacha Got: There is no concept. But at the end we found a concept with the videos and we are even working on a full movie that is gonna come out with the record.
Dascha: Which mood or feeling would you like to get a person in by listening to Paradigmes?
Sacha Got: We like to go deep. And let the listeners have some big feelings inside their bodies. It can be happiness, sadness, nostalgia or hope or anything else. But we like to feel.
Dascha: Why do you decide to sing in other languages than French sometimes? Like on Foreigner or Le jardin.
Sacha Got: Because we are making world music.
Dascha: Nouvelle-Orléans was one of the songs that immediately caught me. Could you explain what the song is about? Especially for those who don’t understand any French.
Sacha Got: It is about a guy going on the road and leaving his hometown, New Orleans. He went to a dark moment and he lost his mom. But now he wants to go back to the light and shine and leave all the negativity behind him.
Dascha: Do you personally have a favorite song on the album?
Sacha Got: No, it depends on the moment.
Dascha: I really enjoyed your latest music videos, especially the one for Disconnexion and the Paradigmes: Introduction with the Michel Foucault impression. Can you help me to understand the music video? There were so many characters and in my head, I was torn between a couple of deep interpretations and „Ah, this guy is on drugs and just having a crazy trip“.
Sacha Got: Mmmh, it’s like a metaphor of the artifices, that everybody uses in life. The guy is doing a smoky speech and then going through his mind.
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Dascha: Speaking of Disconnexion; there are so many different music genres mixed up in one song. One might think that they would never fit together but somehow you still make it work in an incredibly nice way. Why did you decide to mix them together in a song?
Sacha Got: I think this is the funny part about making music in 2020. You can’t invent a new style like rock and roll or soul. But you can mix all of those. It’s just an evolution. And music and art have always worked like that since the very beginning.
Dascha: How did the band change since your last album and what made these changes happen? Both, the music and the band members. Did you collaborate with new people on this one?
Sacha Got: It’s still Marlon and me writing the songs and Sam working with us in the studio, too. We did more on our own on this time. We all have little home studios in our places now and we can record with protools everywhere. On this record there are more additional musicians like the horns and the banjo players.
Dascha: Whenever I listen to one of your songs, I think „Yeah, this is so La Femme-style!“. Did you have a specific idea of the sound you wanted to create when you started as a band?
Sacha Got: At the beginning we were mixing 60’s French Yéyé, surf music, and cold wave. We wanted to make a band between The Velvet Underground, Kraftwerk and The Brian Jonestown Massacre, in this spirit.
Dascha: At the end of interviews we always ask about an „Untold Story“, that means a little secret or a story about you that the public might have not heard yet. Do you have anything in mind?
Sacha Got: I went to Gibraltar two years ago and it was one of the most weird experiences ever. It was like the space and the time went wrong and different. I felt like Marco Polo. It was unique and since then I thought about my life in a different way.
Dascha: Thank you for your time! I’m really looking forward to see one of your shows on tour when life gets back to normal.
In 2022 sind La Femme übrigens auch in Deutschland auf Tour!
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Newcomer-News aus der Sparte experimenteller, gitarren- und synthlastiger Indie: EESE, die vierköpfige Band aus Köln werfen sich mit ihrer EP Into Anything auf den Radar unserer kleinen Musikbubble. Sie stechen heraus, erfinden sich stets neu und scheuen vor nichts zurück. Luca, Pablo, Max und Leon sind EESE und sie sind hier, um zu bleiben – warum, erzählen sie euch selbst.
EESE im Interview
Anna: Hey ihr! Vielleicht eine etwas lapidare Frage vorweg, aber wie geht’s euch?
Max: Uns geht es soweit gut, wir hoffen euch auch! Natürlich bleibt für uns als Band derzeit leider einiges auf der Strecke, was nicht spurlos an unser aller Gemütszustände vorbei geht. Wir versuchen aber, unsere Motivation und Energie aufrecht zu erhalten und freuen uns auf die Zeit, in der wir unsere Kreativität zusammen wieder besser ausleben können. Wir nutzen glaube ich alle die Zeit auch, um privat das ein oder andere anzugehen und uns gegenseitig zu supporten.
Anna: Ihr seid eine Newcomer Band aus Köln, macht aber schon ein bisschen länger Musik. Wie habt ihr euch als Band zusammengefunden und was für Musik macht ihr?
Luca: Pablo, Max und ich kennen uns schon seit über zehn Jahren. Wir haben damals schon in unterschiedlichen Besetzungen zusammen Musik gemacht und 2017 mit EESE nochmal ein neues Projekt gegründet. Mitte letzten Jahres (2020) ist noch unser guter Freund Leon dazu gestoßen und hat nochmal einen neuen Drive mit eingebracht. Ich würde sagen, wir haben schon einen großen Anspruch an unsere Musik und wollen auch immer wieder was Neues, Eigenes kreieren. Auch mit Struktur und Sounds experimentieren, ohne dass darunter die Eingängigkeit der Songs leidet und wir unzugänglich werden. Soundmäßig ist uns sehr wichtig, dass wir alles selber produzieren und mischen, damit wir uns da komplett verwirklichen können und es immer EESE bleibt.
„Was man von den Songs erwarten kann, ist Vielseitigkeit und Experimentierfreude.“
Anna: 2019 kam eure Single „Odd Repair”, mit der ihr schon ein bisschen durch die Szene gewirbelt seid. Wie hat sich das angefühlt nach längerer Zeit wieder Musik zu releasen?
Pablo: Ich glaube, es wurde echt Zeit! Die Leute, die uns folgen, haben sich bestimmt schon gefragt, ob es die Band überhaupt noch gibt. Außerdem hat sich unser Sound in der Zwischenzeit auch ziemlich verändert, also wollten wir unbedingt, dass das auch endlich jemand hört.
Anna: Auch wenn die Pandemie immer noch verhindert, „normal“ Musik zu releasen und die neuen Songs live zu spielen, geht auch euer Leben als Musiker immer weiter. Wie geht ihr damit um?
Leon: Wir versuchen, wie wahrscheinlich die meisten Leute, ob Musiker oder nicht, so gut es geht das Positive zu sehen. Andere Menschen trifft diese Krise sicherlich noch bedeutend härter als es bei uns der Fall ist. Dieses Jahr hat uns sehr dabei geholfen, uns musikalisch weiterzuentwickeln um neue Richtungen einzuschlagen. Natürlich freuen wir uns wieder sehr darauf, auf die Bühne zu gehen, um die EP endlich live zu zocken. In dieser ganzen Zeit sind natürlich auch noch viele weitere Songs entstanden, an deren Fertigstellung wir gerade sitzen. Sodass wir, sobald der ganze Spuk vorüber ist, besser vorbereitet sein werden als ohne Pandemie.
Anna: Mit „Into Anything“ kommt jetzt eure neue EP raus. Welche musikalischen Einflüsse haben euch während der Entstehung der EP geprägt und was können wir von den Songs erwarten?
Max: Jeder von uns würde hier glaube ich anders antworten, da wir selbst sehr viel und auch unterschiedliche Musik hören. Das spiegelt sich auch in unserer Musik wieder. Gemeinsame Einflüsse sind aber definitiv Bands wie Foals, Radiohead, Bon Iver und Tame Impala, was man an der ein oder anderen Stelle auf der EP vielleicht auch hört. Uns war es aber auch besonders wichtig, unseren eigenen Stil zu definieren. Was man von den Songs erwarten kann, ist Vielseitigkeit und Experimentierfreude. Jeder Song hält für die Hörer*innen hoffentlich spannende und überraschende musikalische und emotionale Elemente bereit. Und ich glaube auch, dass für jede*n was dabei ist – die EP hat sowohl ruhige, melancholische als auch energetische und ein wenig aggressivere Momente parat.
„So wachsen die Songs auf ganz natürliche Weise.“
Anna: Worum geht es inhaltlich in den Songs? Gibt es einen, der euch besonders am Herzen liegt?
Luca:Waive ist definitiv ein Song, der unsere musikalische Entwicklung ziemlich gut zeigen kann. Durch Leon ist neben mir auch noch ein weiterer Sänger dazu gekommen und ich glaube, in Waive wird dieses Zusammenspiel von Gesängen aber auch unserer Stilweiterentwicklung deutlich. Inhaltlich geht’s bei der ganzen EP um Ängste, sozialen Druck, Verantwortung und Selbstverwirklichung, alles was bei uns auch so im Leben mit Mitte 20 eine große Rolle spielt.
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Anna: Zu viert bringt bestimmt jeder von euch eine eigene Perspektive in eure Band mit rein. Wie war der kreative Prozess hinter den einzelnen Songs?
Leon: Da jeder von uns mit unserer DAW vertraut ist, waren wir dazu in der Lage, dass jeder, wenn es die momentane Situation gerade nicht zugelassen hat, alleine von zuhause an den jeweiligen Projekten weiterarbeiten konnte. So mussten wir uns nicht jedes Mal persönlich treffen. Ansonsten haben wir uns in Köln in unserem HomeStudio getroffen und den Songs dann zusammen den letzten Schliff gegeben. Normalerweise fängt es damit an, dass eine Person mit einer Idee startet und der Nächste sie weiterführt. So wachsen die Songs auf ganz natürliche Weise.
Anna: Wir hatten gerade alle irgendwie „einjähriges“ im Lockdown, was vermisst ihr (neben Konzerten) am meisten? Und was ist das erste, was ihr machen wollt, wenn das alles vorbei ist?
Pablo: Ganz ehrlich: Einfach mal wieder die Jungs aus der Band auf ein Bier sehen und dann vielleicht noch auf ein zweites in die Bar.
Anna: Zum Schluss gibt’s, wie ihr vielleicht wisst, immer eine kleine untold story: einen kleinen Fun Fact oder eine Anekdote, die ihr davor noch nicht in einem Interview erzählt habt.
? + ?: Wir erinnern uns so ganz spontan an den Moment als einer von uns (Wir nennen jetzt bewusst keinen Namen. Du weißt schon.) mal die ganzen aktuellen Projekte in unserer Dropbox ausradiert hat und dann in vollkommener Aufregung in die Gruppe geschrieben hat: „Hey Leute ich glaube, ich hab alles gelöscht“. Zum Glück konnte man alles zurücksetzen. Sonst würde dieses Interview zu diesem Zeitpunkt wahrscheinlich auch gar nicht stattfinden 😀
EESE – zum Glück nicht gelöscht und zum Glück auch auf Spotify:
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Immer wenn wir neue Bands finden, wollen wir die mit euch teilen. Deshalb haben wir auch heute wieder eine Band im Vorstellungsinterview, die vielleicht sonst nicht auf eurem Radar gelandet wäre. Zugegeben, musikalisch ist es ein bisschen rougher, geht mehr Richtung Rock als Indie. Aber dafür mit ziemlich guten Riffs, und wer liebt die nicht. Energiegeladen, ehrlich und voller Genre-brechenden Hooks. Das sind Dead Poet Society. Auch wenn die Jungs schon ein bisschen länger Musik machen (8 Jahre um genau zu sein), haben sie erst kürzlich ihr Debütalbum -!- veröffentlicht. Da hat sich wirklich ziemlich viel Gutes angestaut. Fans von The Pale White, cleopatrick oder Nothing But Thieves könnten hier sehr zu ihren Gunsten kommen. Wir haben Sänger Jack in einem schnellen Fragen-Quiz für euch.
Dead Poet Society im Interview
Anna: Hey, thanks for taking the time! How are you?
Jack: I’m good, have had quite an interesting month but doing good.
Anna: Since some people may not know you yet, do you want to introduce yourselves?
Jack: We are a four piece band called Dead Poet Society. We formed in Boston, MA when we were in college. The band boys are Will Goodroad (Gonzo), Jack Collins (American Chopper), Dylan Brenner (Bork), and me Jack Underkofler (The Pearl). We’re from all over the US.
Anna: -!- is going to be your debut album, released on March, 12th. Before we talk about that, you’ve been making music for so much longer, going all the way back to 2013. What can you tell us about your journey from then to now?
Jack: It’s been a long one. We’ve toured Mexico nine times, we’ve done two full US tours, we’ve released two EP’s and a bunch of singles, we’ve all been single, in relationships, did shrooms, I’ve done every app job in existence, and I lost about 50lbs.
Anna: Was there a specific moment or a set of songs that made you go “we’re gonna make an album”?
Jack: We just kind of decided two and a half years ago that maybe it was time to start working on one. We had four songs at the time and thought, well let’s just keep going and see how far we can go.
Anna: Finally releasing a debut album after so many years as a band is big. How do you feel? Nervous, excited, relieved?
Jack: Well now I feel excited and still nervous. It’s being received really well so that’s helped. Plus it’s gotten on a ton of playlists so things are looking preeeettttty good.
Anna: The single that got me really hooked was .intoodeep. It is also the first single that kicked off this new era after you signed to Spinefarm Records. What makes this single so special to you?
Jack: It was a song written about a trip I took back to my hometown. I was hanging out with a really close friend of mine at a house he had just bought and we were sitting around a firepit in his backyard just thinking, wtf am I doing with my life? All of my friends seemed to be settling in to their lives, buying houses, growing careers, getting married, and here I was in the same situation and mindset that I had when I was 18 years old. However, I know that the lifestyle I live and where I am is addictive to me and I love it, even though it’s a struggle at the best of times.
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Anna: What are the main messages you want to convey on this record?
Jack: Let the art dictate the art.
Anna: Do you got a song that you look most forward to playing live?
Jack: CoDA. It’s got so much feeling for me behind it and gets me hyped every time.
Anna: The last question is about an untold story that you haven’t shared in interviews yet. Do you got an interesting or funny anecdote you can tell us?
Jack: Oh god lol. Not sure if I have any left that I can say publicly. Let’s just say New Orleans is a wild place.
Hört hier in das ganze Album rein:
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Neuen Zuwachs für die deutsche Indie-Szene bilden FORWARD und ihre neue Single Overdrive. Ein Song mit Vibes, die ideal zum gerade erwachenden Frühling passen. Hier trifft englischsprachiger Indie mit Funk und Jazz-Elementen auf 8 Jungs aus Hannover. Schon die ersten Sekunden der catchy Bassline von Overdrive machen gespannt auf den Song. Und man wird definitiv nicht enttäuscht! Im Gegenteil —FORWARD gelingt es auf eine sehr lässige Art und Weise Disco-Sound, Synthies und dazu noch Blasinstrumente in ihrer Interpretation von Indie zu vereinen. Der Song klingt so leicht und smooth, nicht zuletzt auch durch die Stimme von Sänger Tim, die einfach nur angenehm zum Anhören ist.
Kaum zu glauben, dass dies erst die dritte Single von FORWARD ist, denn Overdrive klingt überhaupt nicht nach Anfängern. Man bekommt zu spüren, dass sie wissen, was sie tun. Jeder Ton scheint perfekt zu sitzen und die kreierte Atmosphäre absolut gelungen und passend. Ich könnte den Song hundert Mal am Stück hören, ohne, dass er mich auch nur auf die geringste Weise nervt.
Zu Overdrive wurde auch ein detailverliebtes Musikvideo veröffentlicht, welches die 8 Jungs der Band charmant und humorvoll in Collagen zwischen Kleinstadt und Kitsch zeigt. Eigentlich bin ich nicht leicht für Musikvideos zu begeistern, aber das hier hat es mir angetan. Mehr möchte ich zu FORWARD und ihrer Single gar nicht sagen, denn ich habe sie darum gebeten, das lieber selbst zu tun. In der jetzigen Situation ist es vor allem für Newcomer-Bands schwer, sich und ihre Musik potentiellen neuen Hörer:innen näher zu bringen. Auf Konzerten und Festivals neue Fans gewinnen oder an Bar und Merchstand quatschen fällt ja leider erstmal weg, dafür können sie sich hier vorstellen.
FORWARD im Interview
Dascha: Hey, schön, dass das geklappt hat! Könnt ihr euch mal vorstellen, für alle, die euch noch nicht kennen?
FORWARD: Hey Dascha, vielen Dank für die Einladung! Wir sind FOWARD, eine Indie-Pop Band aus Hannover und insgesamt 8 Jungs. Dazu gehören, Tim (Gesang/Gitarre), Arne (Gitarre), Kai (Drums), Carl (Bass), Jan (Keys), Colin (Trompete), Malte (Tenor Sax) und Ruben (Alt Sax). Wir sind alle um die 20 und in den unterschiedlichsten Richtungen unterwegs. Vom Informatiker, bis Gitarrenlehrer ist eigentlich alles mit dabei.
Dascha: Wie würdet ihr eure Musik beschreiben? Fans von welchen Bands könnte eure Musik besonders anziehen?
FORWARD: Wir verpacken klassische 80er Jahre Synthie-Vibes und Bläser-Sounds in unserer Vorstellung von “modernen” Indie-Disco-Vibes. Unsere Inspiration suchen wir bei Musiker:innen wie zum Beispiel Tom Misch, Parcels, Amber Mark, Men I Trust oder Hush Moss. Menschen, die solche Musik abfeiern, sollten bei uns auf jeden Fall mal reinhören.
Dascha: Wie habt ihr als Band zusammengefunden?
FORWARD: Wir kommen alle vom Land, so um Hannover herum und da es dort nicht so super viele Menschen gibt die Musik machen, kennt man sich halt irgendwie. So haben wir uns dann auch gefunden. Arne und Tim machen eigentlich schon ihr Leben lang zusammen Musik und die anderen aus der Band sind dann Stück für Stück über die verschiedenen Lebensabschnitte dazu gekommen. Das machts für uns auch so spannend, da wir so ne Mischung verschiedenster Charaktere und Menschentypen geworden sind und uns nicht erst über die Musikhochschule oder so gefunden haben. „Und so wurde aus dem Duo eine Großfamilie” — wie wir auch ganz gerne dazu sagen.
Dascha: Erst kürzlich erschien ja eure neue Single “Overdrive”. Könnt ihr mal erklären, von was der Song handelt und was er für euch bedeutet?
FORWARD: Eigentlich geht es uns mit Overdrive darum, Strukturen, die uns total geprägt haben, zu hinterfragen und neu zu denken. Einfach die Sichtweise zu ändern. Wir sind mega in einer Bubble der Vorstadtromantik, zwischen Frieden und Wiesen groß geworden und Teil einer Generation, die bis jetzt mit keinen großen Problemen konfrontiert war. Dafür sind wir super dankbar aber das prägt natürlich auch eine Denkweise, die außerhalb dieser Bubble schnell auf Widersprüche trifft. Das zu thematisieren ist für uns super wichtig, damit man nicht komplett einseitig und blind durch die Welt läuft. Gar kein Bock irgendwann so Menschen zu werden, für die es nur eine richtige Denkweise gibt.
Dascha: Wie ist der Song entstanden? Wie sah der Entstehungsprozess und Hintergrund aus?
FORWARD: Es startet eigentlich immer mit einer super trashigen Demo Version von einer Songidee. Die wird dann zur Probe mitgebracht oder schon vorher mit allen geteilt. Die Idee zu Overdrive hatte beispielsweise Arne, der wirklich einen krassen Output an neuen Ideen hat. Da einmal Probs am Rande! Naja und dann spielen wir die Idee und schauen wohin sie sich entwickelt. Und wenn dann alle fein damit sind, geht’s an die Ausarbeitung und liebevoll in die Detailarbeit, was man jetzt wie an welcher Stelle wie und warum spielt. Bis wir dann ins Studio gehen ist eigentlich alles musikalische geklärt und tausendmal hinterfragt worden. Genau so ist Overdrive entstanden.
Dascha: Wie kamt ihr auf die Idee zu dem Musikvideo?
FORWARD: Der Songtext von Overdrive beschreibt so ein bisschen den Mood, dass man Dinge, mit denen man groß geworden ist, plötzlich als wahnsinnig spießig wahrnimmt. Mit dem Video wollen wir diese Stimmung einfangen und eigentlich alltägliche Szenerien auf eine möglichst skurrile Art und Weise darstellen. Also hat unser Sänger Tim damit angefangen, Fotocollagen aus “spießig-skurrilen” Dingen zu machen, die dann mit unserem gemeinsamen Kumpel Niklas noch skurriler zu animieren und uns als Band dann in diese harmonische Welt als Kontrapunkt zu setzen. Und so ist dann das Video daraus entstanden.
Dascha: Auch wenn es im Moment, vor allem für Newcomer-Bands, schwierig ist: Was für Pläne und Wünsche habt ihr dieses Jahr für eure Band?
FORWARD: Ja, die große Headline-Tour im Festival-Sommer mussten wir leider absagen, haha. So wirklich rosig sieht’s diesen Sommer mit Live Shows ja leider nicht aus. Auch wenn es momentan als Newcomer-Band weniger Möglichkeiten gibt live zu performen, suchen wir uns alle möglichen Wege unsere Kreativität ohne Einschränkungen auszuleben. Unser Motto als Band für dieses Jahr ist, einfach mal alles machen wo wir Bock drauf haben. Dazu gehört für uns der Songwriting Prozess verbunden mit dem herumspielen neuer Sounds, aber auch das Umsetzen von neuen Musikvideo Ideen.
Mit dem Release von Overdrive beginnt für uns als Band eine neue Phase und wir freuen uns unfassbar dolle, unsere Musik mit allen Menschen da draußen zu teilen! Die nächsten Monate werden aufregend und für negative Gedanken und das ärgern über Dinge, die man eh nicht ändern kann, ist absolut kein Platz!
Dascha: Zum Schluss frage ich immer nach einer “Untold Story”, also einem kleinen Geheimnis oder einer Geschichte, die die Öffentlichkeit noch nicht von euch kennt. Was wollt ihr loswerden?
FORWARD: Wir haben Overdrive im Off The Road Studio im wunderschönen Leipzig aufgenommen, wo wir uns ein bisschen in die Stadt verliebt haben. So richtig angetan hat uns dort aber eigentlich das Bier Sternburg aka Sterni. Das gibt’s in Hannover nicht! Auf jeden Fall nicht in den Mengen und zu dem Preis. Wir sind mit einem Anhänger nach Leipzig gefahren, der noch ein bisschen Platz über hatte, den wir nicht ungenutzt lassen wollten. Also kam unser geschätzter Bassist Carl auf die grandiose Idee, ein paar Kästen Sterni einfach nach Hannover zu importieren. Ich meine, bei dem Preis-Leistungs-Verhältnis!? Ende der Geschichte: Jetzt stehen in unserem Proberaum 12 Kästen Sterni die komplett unberührt sind, da wir seit unserer Rückkehr aus Leipzig wegen Coroni nicht mehr Proben durften. Also doppelt traurig. Das motiviert aber natürlich nochmal anders wieder anzufangen zu proben. Oder endlich eine richtige Release-Party zu feiern!
Behaltet FORWARD in Zukunft im Auge und schaut euch hier unbedingt das Musikvideo an:
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Unsere heutige Vorstellung geht weite Wege – über 7000km liegen zwischen Calvin Stone und Michael Dreilich. All the way from Columbus, Ohio bis nach München, Bayern haben die beiden sich über YouTube kennengelernt und machen jetzt Musik zusammen. Das Resultat ist die letzte Woche erschienene EP Speaking into Existence. Amerikanische Hip Hop Einflüsse des Rappers Calvin Stone werdenmit treibenden Beats von Drum-Mastermind Michi, den ihr sehr wahrscheinlich als Drummer der Rockband Blackout Problems kennt, kombiniert. Zusammen mit der inhaltlichen Tiefe, die Calvin in die einzelnen Songs legt, haben sie eins der für mich jetzt schon spannendsten Projekte des ganzen Jahres geschaffen. Anna hat die beiden Musiker zusammen auf Skype erwischt und mit ihnen über den Prozess hinter der EP, musikalische Einflüsse und das angeblich beste Videospiel gesprochen.
Calvin Stone x Michael Dreilich im Interview
Anna: Hey! I’m really happy to catch you guys! How are you, how’s February treating you?
Michi: It was really snowy a few weeks ago here too, but getting warmer now. We just finished shooting a video for Blackout Problems and I’m excited for our project to be released. So yeah, exciting times!
Anna: To get right into that project: you two have a collab EP coming out in March. What can you tell us about that? What’s the message behind “Speaking into Existence”?
Michi: What’s the message behind it… Mainly, it’s to show that you can work together, build up chemistry and do positive stuff together even if you aren’t in the same country. Music is such a powerful tool to unite people. To me, having the songs ready to come out is already one of the biggest successes I have, as a musician. Just to see it happen and develop… that’s the message, that you can make anything happen. That’s where the speaking into existence comes from.
Calvin: Right! We were just having like a simple conversation. I think it’s all about, speaking like positivity, affirmation into existence and that’s all that was. And along came the EP, starting with The Water. That was just a single, we thought that would have been it. But yknow, seeing the good response that we got, we just kept going.
Anna: I’m glad you did! So how did you two meet in the first place? How did this project start?
Calvin: I’d say about 4-5 years ago, I started learning how to mix and master. So I started to record my own music and after that I put the mixtape on YouTube, it was called Seven Seven. Not knowing how to get proper promotion, I used a clickbait-method. So I uploaded the mixtape as a Kendrick Lamar EP.
Anna: Okay yeah, that’s clickbait (laughs)
Calvin: Right?! (laughs) It hit about 40-80Tsd views and a lot of comments, so I think that’s where Michael also came across it. So he hit me up on Instagram and was like “yo, I came across your music, I think you’re dope, we should do some work”. And he did a video where he was jamming out to one of the songs and I was like “woah, that was mindblowing, it reached out all the over there”. That was just crazy. And then we were just talking about collabing and came forward now, three years later.
“The process was nothing I’ve ever experienced before.”
Anna: What was the process behind the EP? Did you have a solid idea that started it or did you just went with it to see where it goes?
Calvin: That was shortly after the incident with George Floyd happened. Michael reached out and he was like “I want to lift your message on my platform”. And yknow he sent the beat over and I just kinda took it where I wanted to take it. Spoke on things that I had experienced cause I have a cousin who was killed by the police. So I was just speaking on all of that. And then, sending me the song back, it didn’t sound nothing like what I sent to him, he made a whole song out of it. The process was just different, I’ve never seen or heard anything like it.
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Michi: The process was nothing I’ve ever experienced before, either. Pretty much how all the songs came together was me creating like a basic vibe. I had a lot of drum loops and beats laying around, on my hard drive or in my mind, and I just put them down and tried to create a musical frame for Calvin. I sent it to him, he sent me back the vocals, I took that to Mario (lead singer of Blackout Problems) and we started producing. I’ve never done it like that before and really enjoyed the process of this EP. I’ve tried to mix in hip hop influenced drums with other projects I’m evolved in but never had the chance to go down that hip hop road completely. I had a lot of fun doing that and it is just something I wanted to do for years.
To me, it’s crazy to think that it all worked out. And it makes so much sense in my mind, like all the songs and the skits, the whole EP just tells the story of how it came together. All of our conversations are on Instagram (laughs). So I was going through like pages of texts and voicemails. Very cool process.
Anna: Did you face any obstacles or struggles during this process?
Calvin: Surprisingly, I feel like it worked out smoothly on my end. I mean, I don’t know what you guys do over there in the studio (laughs), but I feel like it was the smoothest project I’ve ever done. Yknow, I’m used to mixing now and doing my own vocals in a certain way. So sending it to guys and seeing what you do with it, I’m just surprised at this point to see what happens. Because the songs never come back the same.
Michi: Yeah. I don’t see any obstacles. It was hard at times to finish stuff because we had a lot of other stuff going on, but other than that it was just a fun process. It never felt like work or anything, just like a passion project all the way through.
“There’s a lot of talent here but not a lot of support.”
Anna: Calvin, you’ve been releasing music for some time now, too. How did you get into making music? What influences shaped you and your style of music?
Calvin: I mean I got influences like Jay-Z, Tupac, Kayne, Lil Wayne. But I think what started it all was me being a kid and having a journal. Just not being always able to express myself vocally, to process things I used to write them down. And that became poetry afterwards. And then it became me writing raps and things like that, trying to turn it into music. I’d say I was about 14 when I did my start like talent show. And after that I was like wow, I’ve never experienced anything like that before. So I wanted to keep chasing that feeling. I just kept trying to make music, yknow, collabing with other people, things like that.
Anna: You’re from Columbus, Ohio – how’s the music scene over there?
Calvin: (laughs) Music scene here is… not very supporting. I would say there’s a lot of talent here but there’s not a lot of support. People don’t really check for it. And if people do have something going on, it’s like others around won’t support it. It’s like some kind of race here, yknow what I mean? Everyone wants to be the first one, so they don’t want to get involved with other people, they want to keep to themselves. That’s what we do. It’s a crazy rap race going on here and we’re just dealing with it (laughs).
Anna: But you’ve got something special with that EP.
Calvin: Yeah! And that’s because of the beautiful internet, yknow. We’ve been able to make these things happen. I’m excited to see where it goes.
Okay, so that about Columbus. That’s only Columbus. But you’re part of like Cleveland, like there’s a lot of artists who come from Cleveland. Kid Cudi, MGK (Machine Gun Kelly). So I mean like it can happen! It’s got something going on here.
“I developed a love for hip hop”
Anna: Michi, like you said you had fun going down that hip hop road. How did you get into hip hop in the first place?
Michi: I grew up in a very small town in the Bavarian country side, so not lot of rap music there (laughs). But when I grew up, I first listened to mainly punk rock and then there came a time when 50 Cent was very popular. And what I noticed was that a lot of friends who used to listen to Rise Against and punk rock stuff stopped listening to it and started listening to 50 Cent. I did too, but also didn’t stop listening to punk rock so I always had both sides present. The Graduation album by Kayne was like the first real hip hop album that influenced me.
Calvin: Graduation? Yeah, I love that album.
Michi: Being a drummer, it’s just interesting because the drums work so different from rock music. It’s challenging and you use the individual parts of a drum kit in such a different way. I think you don’t have to know every aspect of musical theory in order to make like a good hip hop beat or vibe happen. And I know very few things about musical theory so that’s why hip hop speaks to me (laughs). It has such a strong message and it’s so direct in the delivery of the message. Yeah, I just developed a love for hip hop.
“Touring into existence”
Anna: Do you have future plans for this project?
Michi: We have some stuff laying around like there’s still one beat that we didn’t get to work on yet. I think I can speak for the both of us, we can only get better at doing this. We wanna keep working and see where it takes us. But there’s no plan of “we’re going to make an album in the next three months or so”. It’s just a vague idea of working together.
Anna: I assume that if there wasn’t a worldwide pandemic you’d also want to bring this project on stage.
Calvin: Absolutely! I thought we were gonna but at this point I really don’t know.
Michi: I stopped making plans. Like when it comes to playing live. It’s a big point on my bucket list for me to have Calvin here in Germany and play a few shows. It would be great. Just the two of us, the mic and the drums,
Calvin: Will be! It will be great.
Michi: “Touring into existence” that’s gonna be the tour title (laughs).
Anna: We’re already at the last question which is an untold story you can share now. Anything that you haven’t told anyone in an interview before.
Michi: (thinks) Everything is pretty much out there concerning this project.
Anna: So you’re gonna leave me hanging on the last question?
Michi: I mean I have plenty of untold stories but I don’t know I should tell you these (laughs)
Anna: What’s your favorite song from the record then?
Michi: Mine is definitely Stay at the moment.
Calvin: My favorite one is Can Goods.
Michi: Oh yeah, here we go, untold story! Can Goods, yeah. That’s another thing that’s just crazy to me. We grew up so many miles apart from each other but we both played one video game. A lot. There are actual sounds from the Tony Hawk Pro Skater Game in that track. That’s maybe an untold story. The reference really is from us playing the game in our younger years (laughs).
Calvin: I used to vibe with that soundtrack, like it has the hip hop meets rock vibe – dope.
Michi: Crazy how far a video game can reach. But it’s one of the best video games ever.
Anna: I won’t argue with you there.
Michi: You can’t (laughs)
Hört hier in die Speaking into Existence EP rein:
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Eine Sache, die vielleicht viele nicht wissen: Am 22. März ist Weltwassertag! Wasser ist für uns so einer Selbstverständlichkeit, dass ein Reflektieren auch zu diesem Thema super wichtig ist. Denn: Wasser könnte nicht nur „irgendwann“ mal knapp werden, sondern ist es schon. Laut einer aktuellen Studie von UNICEF leben mehr als 1,42 Milliarden Menschen in Gebieten mit hoher oder extrem hoher Wasserunsicherheit. Jedes fünfte Kind weltweit hat nicht genug Wasser, um den täglichen Bedarf zu decken. Wir lesen uns diese Sätze nur durch, so viele Menschen erleben sie. Darauf möchte das musikalische Projekt Faraway Friends mit ihrem AlbumRain Is Coming aufmerksam machen. In Zusammenarbeit mit Viva con Agua haben sich der österreichische Produzent und Schlagzeuger David Raddish, der deutscher Rapper Keno und die indische Singer-Songwriterin Ditty zusammengeschlossen. Wie das Projekt entstanden ist, worum es auf den Liedern geht und was ihr noch alles wissen müsst, lest ihr im Interview.
Faraway Friends im Interview
Anna: Hey! Ihr hat mit Faraway Friends ein unglaublich spannendes und wichtiges Projekt auf die Beine gestellt, das ihr mit Album-Release mit dem Rest der Welt teilt. Wollt ihr das Projekt und euch ganz kurz zur einleitenden Vorstellung zusammenfassen?
Keno: Faraway Friends ist ein Kollektiv, gegründet haben wir es zu dritt: Ditty, Singer-Songwriterin und Urban Ecologist aus Delhi, David Raddish, Produzent und Schlagzeuger aus Wien und ich, Keno. Ich bin Rapper und Songwriter in Hamburg und normalerweise mit meiner BandMoop Mama als Frontman unterwegs.
Anna: Wie habt ihr zueinander gefunden? Ein Album zu machen war ja gar nicht eure erste Prämisse.
Keno: Getroffen haben wir uns während einer Projektreise mit Viva Con Agua durch Indien. David und ich waren dort als Teil einer größeren NGO Gruppe unterwegs, um Wasserprojekte kennenzulernen. Viva Con Agua ist sehr vernetzt mit der Musikszene, die meisten werden schon mal auf irgendeinem Festival einen Pfandbecher in die Spendentonne geworfen haben. Sie verbinden die NGO Arbeit immer mit einer kulturellen Ebene und setzen die universelle Sprache der Musik ein, um Verbindung auf Augenhöhe zu schaffen. Das war unser Job.
Wir haben dann ziemlich gegen Ende unserer Reise Ditty in Varanasi kennengelernt, wo wir ein gemeinsames Konzert gespielt haben. Wir wollten in irgendeiner Form zusammenarbeiten, vielleicht einen Song zusammen machen…
Anna: Wann habt ihr gemerkt, dass es über eine Zusammenarbeit der ersten Songs hinaus geht?
Keno: Dass wir eine super Ebene miteinander haben, war direkt klar. Wir saßen in einem Hotelzimmer zusammen und als David und ich anfingen über die bereits existierenden Ideen zu erzählen, war da direkt eine ganz besondere Verbindung.
David hatte schon ganz viele Field Recordings gemacht, Wassersounds gesamplet und datraus erste Beats gebaut. Das hat Ditty total geflashed und irgendwann meinte sie nur: „Hey guys, let‘s just not sleep tonight.” Also sind wir nach der Show zurück ins Hotel und haben weiter gesponnen. Die ganze Nacht, bis wir im Morgengrauen zu einem Bootstrip auf dem Ganges abgeholt wurden. Das war wirklich eine crazy Nacht. Aus den Gesprächen dieses Abends ist der Song Ganga Hotel geworden, aber es war auch die Grundlage dafür, dass wir wussten, da geht mehr.
Wir haben dann in sehr vielen Skype Sessions gearbeitet und Ditty noch einmal nach Wien eingeladen. Bei jedem dieser Schritte wurde das Projekt nur größer, die Konzepte ausgereifter… Eigentlich hat das nie aufgehört.
„Wir wollen unsere Musik nutzen, um die Themen anzusprechen, die für unseren Planeten wichtig sind.“
Anna: Auch wenn ihr alle unterschiedliche Perspektiven mitbringt, so verbindet euch der Aktivismus und die Musik. Wann habt ihr jeweils angefangen, euch aktiver in diese Richtung zu verwirklichen?
David: Also bei mir schon recht früh. Ich war in meiner Jugend schon politisch aktiv und wenn ich mich nicht fürs Schlagzeug-Studium entschieden hätte, wär ich wahrscheinlich heute bei einer NGO aktiv.
Keno: Ich hatte schon immer das Bedürfnis, in meinen Texten auch gesellschaftliche Themen anzusprechen. Ich denke, wenn man ein Publikum hat und gehört wird, ist es wichtig, das zu nutzen. Auch mit Moop Mama haben wir uns oft positioniert, ob bei Fridays For Future oder im Hambacher Forst. Für Ditty ist es glaube ich ähnlich. Sie will ganz klar ihre Musik nutzen, um die Themen ansprechen, die für unseren Planeten und seine Zukunft wichtig sind.
Anna: Der Sound auf dem Album ist sehr vielschichtig und, da muss ich auch einfach ein Kompliment dalassen, unfassbar gut produziert. Wenn man es von vorne bis hinten durchhört, ist es wie eine eigene Reise, an deren Ende man bewusster über solche Dinge nachdenkt. War das euer Ziel?
David: Wow, danke! Ja genau das war unser Ziel! Die Platte soll den/die ZuhörerIn auf die Reise mitnehmen, die wir erlebt haben. Deswegen spielen auch die Soundscapes zwischen den Songs eine Rolle. Sie sind quasi Szenenwechsel wie bei einem Film.
„Für mich war das Aufnehmen der Samples fast wie Tagebuch führen.“
Anna: Was sich ebenfalls wie ein roter Faden durchzieht sind die Samples, die ihr vor Ort aufgenommen habt. Vor allem der Sound von Wasser ist (offensichtlich) in all seinen Variationen vertreten. Wie war das, so gezielt mit Naturgeräuschen in der Produktion zu arbeiten?
David: Das stimmt. Ich wusste ja bereits vor der Reise, dass es um Wasser gehen wird. Deswegen hab ich mir ein kleines Unterwassermikrofon gebaut, um die verschiedensten Sounds von Wasser aufzunehmen. Ich war dann echt überrascht, wie vielseitig „Wasser“ eigentlich klingen kann. Von kleinen Tropfen in einem Teich bis zum Rauschen eines Wasserfalls ist da sehr viel dabei. Für mich war das Aufnehmen der Samples auch fast wie Tagebuch führen. Ich hab die Aufnahmen jeden Abend benannt, sortiert und auch gleich angefangen, Beats zu basteln.
Anna: Hast du einen Lieblingseffekt oder einen Lieblingsort, an dem ihr die Samples aufgenommen habt?
David: Jedes Sample ist an einen Ort verknüpft. Wenn ich es höre, bin ich im Kopf auch gleich wieder dort. Sehr stark in Erinnerung geblieben ist jedoch der Tag bei den Jal Sahelis. Für mich sind all diese Frauen wirkliche Superheroes. Ihnen ist ja auch ein Song gewidmet.
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Anna: Ebenfalls zu hören sind viele verschiedene Stimmen und Geschichten der Menschen dort. Wie waren die Zusammenarbeit und der Austausch mit den Menschen vor Ort? Was habt ihr aus dieser Zeit mitgenommen?
David: Unser Ziel war es, Perspektiven zu integrieren. Wir wollten keine Platte machen, auf der wir aus einer europäischen Perspektive über die Probleme anderer sprechen. Wir wollten eine Plattform schaffen und Menschen zu Wort kommen lassen. Zum Beispiel hört man auf dem Song Pooja Says die Stimme von Pooja Chowdhary. Sie war eine der ExpertInnen von der Welthungerhilfe vor Ort, die uns durchs Land geführt haben.
Ich bin super froh, dass uns dieses Projekt solange begleitet hat und die Möglichkeit gegeben hat, Beziehungen aufrechtzuerhalten und sich mit den Themen länger künstlerisch auseinander zu setzen. Bei einem kurzen Besuch, wie dieser Projektreise, begegnet man zwar vielen Menschen, aber oft verliert sich das auch schnell wieder aus den Augen. Dieses Projekt hat nun eine Eigenleben entwickelt und ist ein Mehrwert geworden. Die Authentizität in unserer Verbindung spürt man. Und wir kriegen ja auch Feedback aus Indien. Das Projekt funktioniert auf beiden Seiten und schafft Austausch. Das bedeutet mir extrem viel.
Anna: Das Album veröffentlicht ihr am Weltwassertag und unterstreicht damit nochmal die wichtige Message, die hinter diesem ganzen Projekt steht: Water is a human right. Der Erlös des Albums wird gespendet. Was erhofft ihr, wird sich daraus ergeben?
David:Wir hoffen mit dem Projekt natürlich auf das Thema Wasserversorgung aufmerksam zu machen. Und auch auf Projekte hinzuweisen, die‘s schon gibt und die wahnsinnig tolle Arbeit machen. Vielleicht können mit den Spendengeldern ja auch ein paar neue Ponds gebaut werden.
Anna: Die letzte Frage richtet sich bei uns immer nach einer untold story. Das kann eine Anekdote sein zu dem Projekt, ein Funfact oder etwas anderes, was ihr so noch nie in einem Interview erzählt habt.
David: Bevor wir Ditty zum ersten Mal trafen, waren wir im Nachtzug nach Varanassi unterwegs. Ich wusste schon, dass der nächste Tag sehr anstrengend sein würde, deswegen nahmen ich und ein Freund für die Zugfahrt eine Schlaftablette. Wir schliefen zwar bombenfest, jedoch alle anderen durch unser überaus lautes Schnarchen eher weniger.
Wenn ihr bis hierhin gelesen habt, kann ich euch sehr diese Doku ans Herz legen, die musikalisch und visuell all das zusammenfasst, wofür Faraway Friends stehen:
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Und hier gibt es Faraway Friends ganze EP Rain Is Coming:
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Ich bin mir ziemlich sicher, dass die folgende Empfehlung eine Band ist, an der man in Zukunft nicht so schnell dran vorbeikommen wird. Schorl3 veröffentlichten diesen Monat ihre Debüt-EP Sprudelpop voller tanzbarer Sounds und humorvoller Texte. Ihr Mix aus Indie-Pop, Funk und R&B reißt einfach mit. Sowohl ästhetisch, als auch musikalisch sticht bei der Band die Inspiration an vergangenen Zeiten heraus. Behandelt werden aber gängige Themen wie die eigene Faulheit in Rosen und so, die Vergesslichkeit im betrunkenen Zustand in Pia oder in Für Dumme die ehrliche Frage danach, wieso man selbst dümmer als die anderen ist. Der/die ein oder andere kann sich von den Lyrics schnell ertappt fühlen und sich selbst wiedererkennen, der Rest kann auch einfach darüber lächeln. Alles an Schorl3 ist ein bisschen absurd, aber vor allem macht alles an Schorl3 einfach Spaß.
Wahrscheinlich ist diese Leichtigkeit genau das, was wir alle in ernsten Krisenzeiten brauchen. Naja, und auch sonst immer. Dass amüsante und nicht ganz seriöse Texte im deutschen Indie gut funktionieren, wurde uns bereits schon von Bands wie Von Wegen Lisbeth bewiesen. Kombiniert man das Ganze aber mit Disco-Funk, bei dem es unmöglich ist still zu sitzen— Das ist einfach Schorl3. Somit stellt das Trio für mich eine der interessantesten Newcomer-Bands derzeit dar, denn sie grenzen sich mit ihrem selbsternannten Genre Sprudelpop ab. Sie machen Schluss mit den sich wiederholenden kitschigen Liebesliedern und in Selbstmitleid badenden Ichbinjetztsoeinsamohnedich-Indie-Songs und laden stattdessen mit viel Charm auf die Tanzfläche ein. Diese Einladung nehme ich liebend gerne an!
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Dascha: Hey, schön, dass das geklappt hat. Wie geht es euch im Moment?
Hans 1: Freut uns auch, uns geht’s super!
LMO: Ja, muss ja.
Hans 2: Da steckst du nicht drinnen.
Dascha: Könnt ihr euch mal vorstellen, für alle, die euch noch nicht kennen?
LMO: Ja, wir sind Schorl3.
Hans 2: Ja, wir sind es wirklich.
Hans 1: Ein Indie Trio aus Hamburg bestehend aus den Produzenten Hans & Hans und dem Sänger LMO.
Dascha: Wenn ihr eure Musik in nur drei Wörtern beschreiben würdet, welche wären das?
Hans 1: Sprudelig.
Hans 2: Erfrischend.
LMO: Groovy.
Dascha: Wer denkt ihr ist die Zielgruppe für eure Musik und was würdet ihr euch wünschen, welchen Effekt sie bei euren Hörer:innen auslöst?
Hans 2: Alle lieben Schorl3. Schorl3 liebt alle. Wir möchten viel Liebe verbreiten.
LMO: Unsere Hörer:innen lieben das Leben. Wir wollen Spaß am Tanzen und an der Musik auslösen!
Hans 1: Die genannten Leute aus dem Song „Gegenverkehr“ und alle anderen sind unsere eingegrenzte Zielgruppe.
Dascha: Vor Kurzem ist ja eure erste EP erschienen. Wie war eure Erfahrung mit dem Entstehungsprozess und dem Release?
LMO: War geil.
Hans 2: Gott hat die Welt in 6 Tagen geschaffen, am siebten war frei. Wir haben die EP in 7 Tagen geschaffen und feiern seitdem unseren Release.
Hans 1: Wir sind jeden Morgen mit einer anderen Vision aufgewacht und haben Nächte durchproduziert. War ne geile Zeit!
Dascha: Wie viel von den Geschichten in euren Songs ist wahr und auf euch selbst bezogen? Woher kommen die Ideen?
Hans 1: Die Geschichten der Songs erleben wir im Traum und fassen sie danach in Songs zusammen.
LMO: Wir schreiben erst die Songs und erleben dann das Geschriebene im Nachhinein.
Dascha: Und passend dazu: Gibt es Pia wirklich?
Hans 2: Ja.
Hans 1: Nein.
LMO: Ja.
Dascha: Wer oder was inspiriert euch musikalisch? Wen feiert ihr selbst besonders?
LMO: Jamiroquai, Daft Punk, The Neptunes und Nile Rodgers.
Dascha: Zwar ist es gerade etwas schwierig mit Coroni, aber habt ihr trotzdem Pläne für dieses Jahr oder gibt es etwas, worauf ihr euch sehr freut?
LMO: Wir haben viele Pläne. Unter anderem planen wir ein Benefiz-Konzert auf den Fidschi Inseln.
Hans 1: Sozusagen ein Benefidschi-Konzert.
Hans 2: Sobald es geht, wollen wir auf jeden Fall live spielen! Egal wo, Hauptsache mit geilen Leuten.
Dascha: Zum Schluss frage ich immer nach einer „Untold Story“, also einem kleinen Geheimnis oder einer Geschichte, die Öffentlichkeit noch nicht von euch kennt. Habt ihr da was auf Lager?
Hans 2: Was viele nicht wissen: LMO wurde Achter bei den norddeutschen U14-Meisterschaften im Dressurreiten bis ihm sein Titel wegen eines positiven Dopingtests aberkannt wurde.
LMO: True Story.
Hans 1: Ein weiteres Bandgeheimnis verraten wir ein anderes Mal.
Checkt hier die Musikvideos von Schorl3 aus:
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