Kategorie: untold stories

Matt Ryder im Interview: »My music is constantly changing because I am constantly changing.«

Matt Ryder ist ein direkter Geheimtipp an euch. Aus England und erst 17 Jahre alt macht Matt alles rund um Lo-Fi-Electronica undhat mich vor allem mit seinen neuen Releases sehr geflasht. Ich konnte mir auch nicht ganz zu viel unter diesem Genre Namen vorstellen, aber zusammengefasst ist es einfach nur mega schöne Musik. Ein Verlieren in melancholische, stimmungsvolle selbstproduzierte elektronische Musik von einem 17-Jährigen aus Birmingham –was das Internet nicht alles möglich macht. Nach Not The Same kam vor ein paar Wochen (bin ein bisschen spät dran hiermit, verzeiht) die zweite Single Soundless Motion raus, und erst gestern die brandneue Single Feel! Alle drei sind Auskopplungen aus seiner neuen, in diesem Jahr noch erscheinenden EP und ich hatte die Ehre, Matts allererstes Interviewzu sein! Es geht um die Struggles des Erwachsenwerden (wer kennt sie nicht) und seine musikalische Weiterentwicklung.

Anna: Hey! Really cool that it worked out online-meeting you! How are you?

Matt: I’m good, thank you (smiles). Yeah, it’s such a weird dynamic to meet people over zoom still, but I’m good, thank you.

Anna: You’re a 17 y/o newcomer from England. How would you describe your music, what are the sounds that inspire you and what stories do you want to tell?

Matt: It’s all kind of an experience for me. Obviously cause I’m so young, I’m still experiencing a lot of things that tend to develop people as who they are. And it’s quite nice for me to have music as a way to express and kind of process the experiences that I have as I move through childhood and into adulthood in such a confirmative time in life. So yeah, my music is constantly changing because I’m constantly changing. Being 17, every few months there’s a new thing for you to like get your head around. My music is a big reflection of that.

Anna: When did you start getting into music and when did you decide that it’s something you really wanna do?

Matt: I started producing music when I was around like 9. I was playing guitar and piano before that when I was around 4, so it just kind of started from there. But I think it was when I was 9 when I first got a production piece of software and realised, actually this is whatI want to do. I can record music and can actually have like a finished product of kind of expression.

Anna: That’s pretty early.

Matt: Yeah, I know, it’s really weird! (laughs) I tell people that all the time and a lot of times they don’t even know that I’m 17, so yeah, it’s quite early to start. My mates were out playing in the street and like going to the park and I sat in my room, playing with my production software (laughs).

Anna: Last year, you released your first EP “50FT” –later this year your second EP is going to be released. In how far would you say will your second EP sound different to your first one?

Matt: It’s quite different. Quality wise, it’s definitely a step up. This music that I’m releasing now is still like a year old. I made 50FT between the age of 14/15, so that’s still quite early to make and release music. So obviously for me the quality of that is nowhere near the quality of music I’m about to release. But then again, even looking at music I’m releasing now to music I’m currently making, it’s such a different kind of thing to what I was doing before. But yeah, there’s definitely a change in dynamic. Soundless Motion, what the new EP is called, it’s not dark but it’s moving into a much more real space regards to experiences I had while I was making it. And that really inspired a much more honest record I think.

Anna: So you also feel like you’ve grown production-wise?

Matt: Yeah, I learned a lot. After I wrote 50FT, I had a really long time of writer’s block, which is weird and tough. Moving forward from that I just had a breakthrough and started to make this music. I was mostly just messing around and had no idea that it was actually gonna lead to something that was like a finished piece like this EP now.

Anna: The first single release from this EP is called Not The Same and since I heard it, it’s lowkey running on repeat. The next one up is Soundless Motion, how excited are you about these releases?

Matt: I’m really excited! It’s nice to finally get music out, it’s been so long since I put something out that feels really fresh for me. I’m very, very excited for people to hear it!

Anna: I’m excited, too! As you said before, you draw a lot from your own teenage life and the experiences you make. What is it like to be a teenager in England right now with everything going on?

Matt: I’m quite lucky, I think. I managed to keep in contact with my friends and everyone that I know has stayed safe. But I can imagine there are people in such awful positions, which is horrible. Writing music has definitely been a reflection on these situations through lockdown and the pandemic. But I think it’s also just a lot more reflective of the “normal” teenage things that I think a lot of kids just go through. That’s kinda just what I’m exploring, really. Going to the first party and just all of that “normal kid stuff”. Because when you get to this age, you’re kinda launched out in the world, you go to university or you get a job, and a lot of the time, of people don’t feel ready and it’s scary. Those experiences that lead up to it tend to be reflective of that, of that fear of what’s about to happen.

Anna: It’s not getting easier, I tell you that. You’re also very interested in arts and photography telling from your Instagram. Do you also take inspirations from that?

Matt: Yes, 100%. I’m very visual with the way that I make music. Especially for this music, brutal architecture from the 60’s and 70’s were some of the biggest inspirations for the visuals. And I’m really into that, that was definitely the visuals I was seeing when I was making the music. I have like these pinboards that I put photos on toand kinda see what direction the music is gonna go visually. Because, for me, it’s not just music or an audio file I got but it adds a different dimension to it.

Anna: Talking about a different dimension to music, I was wondering, did you play shows live before Covid happened?

Matt: No, I haven’t yet. I’ve performed a lot in bands in school and did some live stuff there, so I am kinda used to being on stage, but mainly just behind the guitar. So I’m quite nervous to get on stage and it’s just like me, but I’m excited!

Anna: Well I hope when you do and can, you’ll stop by in Germany!

Matt: (laughs) Yes, absolutely, of course!

Anna: The last question is always a blank space for the artist, so you can leave here literally anything you want, even a good movie recommendation if you will.

Matt: Definitely, a good movie and a good visual inspiration is The Shining, I feel like everyone has probably seen that film but they should go back and watch it again because it is crazy and such a good film and inspired a lot of the visuals for this new music. So yeah, I’m really excited to share new music and yeah, cool, thanks for the interview!

Fotocredit: Milly Cope

01.10.2020
The Ella Sisters im Interview: »We wanted to make a hymn about empowerment.«

The Ella Sisters sind die Zwillinge Charlotte und Maren aus Norwegen, die mit ihrer ersten EP Queens frischen weiblichen Wind in die Pop-Szene bringen. Mit jeder Menge Energie und wichtigen Themen macht das Zwillings-Duo auf sich aufmerksam und macht klar: Wenn auch noch klein und unbekannt, sind sie jetzt hier, um zu bleiben. Anna hat sie in einem kleinem Mail-Interview zur EP befragt und wie es ist mit seiner Zwillingsschwester Musik zu machen – nämlich genauso cool, wie man denkt. Gebt den zwei Norwegerinnen eine Chance, um sie in euer Pop-Herz zu schließen (wir alle wissen, dass wir eins haben, auch unter all der Indie-Love).

Anna: Hey you two! You’ve released your very first EP last Friday, how crazy does that feel like?

Charlotte: It feels surreal. It is so exciting to share it after working on it for such a long time! Especially when it is an EP, we get the chance to show a bit more of who we are.

Anna: But first a few things about you: You’re twin sisters from Norway, how did you get into making pop music? Did you know when growing up you wanna end up making music together?

Maren: We have always had a big passion for music. We´ve been writing songs since we were 12, and have written together since we were 15. We have listened to a lot of different types of artists, and we love a good chorus that gets stuck in your head.

Charlotte: Growing up we knew we wanted to work with music. The whole process of writing songs, recording them, releasing them and playing live shows for audiences, has always been a dream. For us it is important to be authentic and honest with the listeners, because that is something we have always appreciated when listening to music ourselves.

Anna: What would you say are the perks of working together with your twin?

Maren: It is incredible to have someone who is on the same journey as you are, and who understands you and respect you. We have always had such good chemistry, and we are best friends. When working together we see it as “us against the problem”, you know? When things get challenging, that is when it is most important to work with someone who gets you. We are so lucky.

Anna: There are two new songs that are released with the EP: What can you tell us about them?

Charlotte: That is correct. We have released Cars and Miss The Most as singles, and the new songs are the EP title track, Queens, and the last one is Don’t Worry About Us. Queens is actually the song that made us want to start writing pop music. We have written more acoustic pop and roots music earlier on, but that song needed another type of production. It has been in the works the past four years, because we knew that we had to work on an entire sonic landscape to get it where we wanted that song to be. We wanted to make a hymn about empowerment. Don’t Worry About Us is a song about the young generation and how we sometimes can feel lost. It is about mental health, and just the feeling of being human.

Anna: The EP is called Queens. Simple as that. What is the message you hope to get across with this EP? What were the things most important to you when writing and producing it?

© Tobias Aasgaarden

Maren: We hope the listeners feel empowered. That would be a dream. Our main goal when working on the EP was to be honest about our experiences as humans. We are part of a young generation trying to figure out life with all its ups and downs. The songs have variation in both lyrics and production, but it still gives a picture of how we sound as The Ella Sisters.

Anna: Since you’re still a very small band I feel like it’s even more important to point out how good this EP is. Is there a song that feels even more special to you than the others? Or one you had the most fun writing?

Charlotte: That is such kind words, thank you! Queens feels very special to us. It is a song that we want to share because we think it is an important message. Don’t Worry About Us was a fun song to write, because we played with sarcasm in that song. When recording it, we all just knew where we were going with it, and that is an amazing feeling.

Anna: We have this tradition of using the last question as a blank space. So this is your very own space to say anything you want, tell people to go check you out or other great Nordic artists we aren’t aware of or literally anything else you want to get off your chest before this interview is over.

Maren: First, we want to say thank you for such nice questions. We love to talk about the process and everything! For the readers: make sure to check out our EP, Queens, out Aug. 28^th.

Both: Second, we want to remind the beautiful humans reading this, how important it is to lift each other up and support each other. We are all trying to figure out life, so let us take care of each other, see each other, and listen to each other.

All the love, The Ella Sisters

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03.09.2020
KID DAD im Interview: »Das Album ist wie eine protokollierte Selbsttherapie.«

Bei der Band KID DAD sollte jetzt wirklich jeder aufpassen, der sich nach guten alten spannungsgeladenen und emotionalen Gitarrenrock sehnt. KID DAD sind vier Jungs aus Paderborn, die uns mit „In A Box“ ihr Debütalbum präsentieren und wirklich unfassbar abgeliefert haben. Also wirklich. Für eine noch so kleine und neue Band hört sich In A Box an, als wären KID DAD schon lange in der Szene etabliert, dabei hat sich diese Energie nur sehr, sehr lange angestaut und kommt jetzt gebündelt in unsere Hände. Anna hat sich mit Marius (Frontman) und Max (Bassist) getroffen und ein viel zu langes aber auch viel zu gutes Interview kurz vor Release geführt. Es geht um die eigene Genrezuordnung, das Album natürlich inklusive Anspieltipps, Konzertvermissung und tatsächlich Buchempfehlungen. KID DAD könnten tatsächlich meine persönliche Musikentdeckung des Jahres sein, also lest mal rein, lacht ein bisschen, kauft Merch (dessen Erlös zu 100% an Hilfsorganisationen geht und der auch einfach unfassbar ästhetisch ist) und checkt das Album aus!

Anna: Hey! Also erstmal, Marius, dein Skype-Name ist „idrinkcheapbeer“. Wieso? (lacht)

Marius: Ja (lacht). Ich hatte vor drei oder vier Jahren als ich den Skype-Account gemacht hab, hab ich sehr viel FIDLAR gehört, die machen so neMischung aus Hardcore, Surf-Punk und Alternative Rock. Und die haben halt so einen Song, der heißtCheap Beerund da singen sie „I drink cheap beer so what fuck you“ und das fand ich irgendwie witzig. Ich hab dann auch nicht Lust gehabt, lange nach einem Skype Namen zu suchen und hab deswegen dann einfach den genommen, der lustigerweise noch frei war (lacht). Also natürlich trink ich auch selbst gerne das ein oder andere leckere Paderborner, aber billig ist ja nicht immer schlecht!

Anna: Und jetzt zur „normalen“ Vorstellung: Ihr seid eine Rockband aus Paderborn und macht unter dem Namen KID DAD laut eigenen Angaben „Sad Music“. Was verbirgt sich hinter euerm Bandnamen?

Marius: Ursprünglich haben wir den Namen gewählt mit dem Ansporn, die Erwartungen an junge und alte Personen zu verwischen. Es wird ja häufig gesagt, „du bist jung, du darfst das nicht“ oder „du bist schon erwachsen, du musst das und das machen“. Wir wollten die Grenzen da so ein bisschen verschwimmen und Mensch einfach Mensch sein lassen. Wir beziehen uns eher auf die Inhalte als auf das Genre, weil es uns schwerfällt, uns selbst in Schubladen zu stecken oder mit anderen Künstlern zu vergleichen. Ich mein, wir haben superviele verschiedene Einflüsse, aber das sorgt irgendwie auch wieder dafür, dass wir keine Einflüsse haben, weil alles und nichts ist irgendwie fast das gleiche (lacht). Wir machen sehr viel einfach intrinsisch aus uns heraus und weil es halt meistens Themen sind, die von der Gesellschaft als „negativ“ oder „traurig“ betitelt werden, haben wir uns auf diesen Begriff geschmissen so „Okay, dann machen wir halt sad music!“ (lacht). Uns ist irgendwie nichts Treffenderes eingefallen, weil wir halt hauptsächlich über solche Themen singen.

Anna: In a Box ist euer langerwartetes Debütalbum, diese Woche kommt es raus. Ich durfte schon reinhören und find es unglaublich gut. Ich will nicht zu viel spoilern, aber was könnt ihr schon über die Songs sagen, die am Freitagdebütieren werden?

Max: Aww, danke!

Marius: Danke! Was irgendwie einfach unsere Prämisse war, war, dass kein Song klingt wie der andere. Dass wir aus der Masse an Songs, die wir geschrieben haben, zwar die rausnehmen, die uns am besten gefallen, aber aucheher zwei gleiche gegeneinander antreten lassen, wovon dann einer aufs Album kommt. Sonst hätten wir vielleicht 16 Songs auf dem Album gehabt, aber letztendlich ist uns halt wichtig, dass es abwechslungsreich ist, so ist es dazu gekommen, dass jeder Song für sich was ganz Eigenes ist. Und dann haben wir überlegt, „okay, wie können wir dem Song das geben, was er verdient?“ und haben einfach mit verschiedenen Set-Ups recordet. Happy zum Beispiel haben wir live eingespielt, wohingegen wir Songs wie Window Track-By-Track aufgenommen haben. Somit hat jeder Song einen eigenen Touch bekommen.

Anna: Habt ihr einen Lieblingssong vom Album im Moment?

Max: Oh, letztens hatten wir eine Diskussion und jeder von uns hatte einen anderen Lieblingssong. [Fragt Marius] Was war’s bei dir?

Marius: Bei mir war’s glaub ich Window… Window oder A Prison Unseen. Aber ich will mich da nicht festlegen, das ist ziemlich schwierig, das ist wie zu sagen, „was ist dein Lieblingskind?“ (lacht)

Max: Ich glaub, bei mir war’s Happy, aber unter dem Gesichtspunkt, dass ich mir vorgestellt habe: Was wäre mein Lieblingssong, wenn ich die Musik nicht selbst machen würde? Zum Live Spielen zum Beispiel gibt’s Songs, die machen einem mehr Spaß, weil die irgendwie freier sind vom Runterspielen und bei manchen muss man sich halt mehr konzentrieren, aber ich glaub, vom reinen Hörvergnügen als Außenstehender wär’s für mich wirklich Happy.

Anna: Dann hab ich noch die Frage: Wofür steht der Albumtitel?

Marius: Der Albumtitel ist In A Box und beschreibt sozusagen ein

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Szenario, wo man selbst in einer geräuschlosen und materielosen Kiste eingesperrt ist. Es ist ein imaginärer Ort, an dem man nicht gestresst oder genervt ist, nicht von anderen Personen unter Druck gesetzt wird, wo keine Gesellschaftskritik herrscht, einfach ein komplettes Nichts sozusagen. Die Songs auf dem Album sind die unterschiedlichen Emotionen, die man durchlebt, wenn man in dieser Kiste eingesperrt ist. Manchmal ist es so, da fühlt man sich komplett überladen und will einfach nur fliehen oder sich irgendwo verstecken, wo einen niemanden findet. Aber dann gibt’s halt auch Songs, die beschreibendas Gefühl eingeengt zu sein und wollen einfach ausbrechen. Wiederum andere handeln von Einsamkeit, wo man sich wünscht, man würde mal genervt werden. Es sind diese Gegensätze, dieses „Ich bin allein, aber ich wills nicht“ oder „Ich bin von tausend Leutenumgeben, aber ich wills nicht“, die uns in den letzten zwei Jahre geprägt haben. Es ist wie so ne Art protokollierte Selbsttherapie (schmunzelt). Wir wollen, dass es nicht nur „sad music“ ist, die sad macht, sondern Musik, die über traurige und schwierige Themen berichtet, aber einem auch irgendwie Kraft gibt.

Anna: Stand der Albumtitel schon vorher fest oder kam der während des Aufnehmens?

Max: Der Albumtitel stand glaub ich schon 2017 oder 18 fest, bevor es die Songs gab eigentlich.

Marius: Teilweise, ja. Also wir haben halt super viele Songs geschrieben über einen langen Zeitraum und dann gemerkt, in welche Richtung es geht. Und von den Songs, die jetzt auf dem Album sind, waren viele da noch nicht geschrieben, aber die Thematiken waren die gleiche.

Max: Genau. Wir hatten halt diese Richtung und wusste, okay, irgendwas mit Isolation und Ausgrenzung und dann hatten wir diesen Namen und es gab auch keinerlei Diskussionen darüber, weil wir alle irgendwie dachte „ja, ist cool!“ (lacht). Und um den Namen herumhat sich dann irgendwie lustigerweise diese ganze andere gebildet. Die Videos, das ganze Album-Artwork…

Anna: Das ist übrigens mega, ich liebe das Album-Artwork! Machst du das?

Max: Ja, ich durfte/musste mir das selbst beibringen.

Anna: Ich wollt dich jetzt auch nicht unterbrechen, aber da wollt ich jetzt echt mal ein Kompliment dalassen, auch die Website, der Merch, das sieht alles einfach mega aus.

Max: (muss lächeln) Danke. Wie gesagt, ich bin halt irgendwie kein Mensch, der mit Illustrator und Designs und sowas arbeiten kann, ich mach halt irgendwie immer die Videos und die Fotos für uns und dieses Minimalistische, Ästhetische, was es auch irgendwie ist, ist aber auch dem geschuldet, dass es das Maximum ist, was wir zu dem Zeitpunkt machen konnten (lacht).

Marius: Es ist schon ästhetisch!

Max: Ja, aber ich konnt auch nicht über diesen Minimalismus hinaus. Also wir haben uns dann irgendwann festgelegt: „Ok, es wird minimalistisch vom Aussehen…

Marius: …aber haben wir auch Bock drauf!“ (lacht)

Max: Genau (lacht). Ja, sorry für diesen Exkurs, aber jedenfalls hat sich dann alles um dieses Box-Thema gedreht und wir sind mittlerweile sehr vernarrt in Quadrate (lacht).

Anna: Wieder zurück zur Musik: Was ist euer Anspieltipp für Leute, die euch noch nicht kennen, aber sich unbedingt dieses Album anhören sollten?

Marius: Ich glaube, dass der Anspieltipp, den man sich für Leute wünscht, meistens der erste Song ist. Der erste Song muss die meisten Leute irgendwie catchen, aber irgendwie auch Spannung schaffen für den Rest des Albums. A Prison Unseen ist der erste Song auf dem Album und war ja gleichzeitig mit Ankündigung des Albums die erste Single, die wir rausgebracht haben, also glaub ich, würden wir uns alle für A Prison Unseen entscheiden.

Anna: Hab ich tatsächlich auch selbst als erstes gehört.

Max: Yuhu! (lacht)

Anna: Ihr seid zum Schreiben der Songs ja ziemlich viel unterwegs gewesen, auch international –welchen Einfluss hatte das auf das Album? Hat sich das einfach so ergeben?

Marius: Teils, teils. Es waren teilweise wirklich Songwriting-Reisen,

Frontsänger Marius auf Inspirationen-Suche

teilweise hatten die Reisen aber auch private Gründe. Ich glaub, wenn man ein Album schreibt, wasdivers sein soll, braucht man unterschiedliche Inspirationen. Ich hab zuhause geschrieben, in meinem Zimmer, in der Küche, ich glaub, ich hab‘ auch in der Abstellkammer geschrieben, das sind schon mal unterschiedliche Inspirationen für mich (lacht). Wir haben im Proberaum zusammen geschrieben, ich hab in der Schweiz geschrieben, in China und mit einer Songwriterin in London und das sind jetzt schon mal so acht bis neun verschiedene Orte und es sind elf Songs auf dem Album, also da zeichnet sich schon irgendwie ab, dass unterschiedliche Orte was anderes mit einem machen.

Anna: Parallel zur Album Release habt ihr die Safe In A Box Kampagne am Laufen, die eure Plattform nutzt, um auf das ThemaHäuslicher Gewalt von Kindern aufmerksam zu machen. Ihr produziert auf eigene Produktionskosten Merch, dessen Gewinn zu 100% an das SOS-Kinderdorf oder an die NSPCC in England geht. Wie seid ihr auf dieses Projekt gekommen? Wieso liegt es euch so am Herzen?

Max: Wir saßen mal in einem Telefonat, und dachten uns, „lass uns mal bitte irgendwie mehr machen“. Auch wenn wir nicht die Riesen-Reichweite haben mit unserer Social Media Präsenz, wollten wir trotzdem versuchen, mehr zu machen. Dann haben wir uns Projekte überlegt, die wir unterstützen können, und das war grad so der Anfang des Lockdowns und irgendwann kamen denn auch so die ersten Meldungen bezüglich ansteigender häuslicher Gewalt. Wir hatten über mehrere Ecken sogar Kontakt zu einem SOS-Kinderdorf und so kam das dann zustande.

Marius: Genau, die helfen einfach Fällen, denen das passiert ist, betreiben psychische Betreuung oder sowas wie Notfall-Betreuung nur auf lange Sicht. Dass man versucht, sowas zu verarbeiten, aber auch präventiv zu verhindern. Also wirklich gegen zu arbeiten und die Täter, bevor sie aktiv werden, versucht zu stoppen. Und in gewisser Weise ist es schon eine Herzenssache, aber nichts persönliches. Also soweit ich weiß waren wir nie betroffen von sowas, aber wir hatten den Eindruck,momentan brennt die Welt irgendwie. Die Ohren werden gerade krass gespitzt für jede Art von Diskriminierung, was super geil ist, aber es geht relativ wenig in Richtung Kinder unterstützen, es sei denn es war im Bereich Flüchtlingshilfe oder so.

Max: Wir hatten leider echt die Prämisse gehabt, dass wir uns nur zwei Organisationen aussuchen wollten, weil ich glaub am liebsten hätten wir ziemlich viel Leute unterstützen wollen, aber…

Marius: …dann landet bei jedem nur ein halber Cent.

Anna: Eigentlich wäre ja jetzt der Zeitpunkt für euch, alles abzutouren, was geht, das könnt ihr ja grad nicht machen. Auf einer Skala von 1 bis 10, wie sehr vermisst ihr Live-Auftritte?

Marius: (breitet seine Arme ganz weit auseinander) 11! (lacht)

Max: 11 bis 92.

Marius: Also wir sind glaub ich eine Band, die das Studio-Dasein sehr genießt, aber das ist nicht das, wofür wir das alles angefangen haben. Jeder

Von oben nach unten: Marius, Michi, Yoshi, Max

kleine Punker, der früher mal in einer Schulband war oder so, hat irgendwann mal davon geträumt, auf Tour zu gehen. Wir schreiben Songs nicht in erster Linie für die Platte, natürlich ist das auch schön und das konserviert auch ein Momentum im Leben eines Künstlers, aber wir machen das, um es mit Leuten zu teilen können, so richig face-to-face. Und das ist gerade das Schlimmste, was uns und der Industrie hätte passieren können, aber ich finde, wir machen das zumindest in Deutschland aktuell größtenteils sehr gut. Wir nutzen die Zeit, in der keine Konzerte stattfinden können, um einfach das Konzerterlebnis nach den ganzen Einschränkungen so aufregend wie möglich zu gestalten. Ich glaub, das ist alles, was uns bleibt. Wenn es wieder losgeht, sind wir da.

Max: …ich vermiss es auch sehr (lacht). Live ist halt so das, wo man eigentlich hinwollte als man angefangen hat, Musik zu machen. Ich hab mir eher vorgestellt, dass ich vor Leuten spiele als dass ich im Studio sitze und irgendwas einspiele. Man ist sich als Band auf der Bühne auch näher als im Proberaum und den Leuten, denen man das dann vorspielt, sowieso.Marius: Es ist sehr viel wert, wenn man das Gesicht von der Person sieht und wie sie reagiert auf den Song. Wenn man live spielt, weiß man wirklich, das macht was mit der Person. Die kommt dann danach zum Merch und sagt „ey, ich war mega berührt, ich will die CD kaufen, meine Freunde sind auch voll begeistert, können wir ein Foto machen einfach, weil ich diesen Tag nie vergessen will?“. Und das ist halt eine ganz andere Hausnummer, das ist das, wo wir wieder hinwollen.

[Viel zu langer Zwischentalk über die letzten Konzerte, auf denen wir waren]

Anna: Die letzte Frage ist bei uns ein sogenannter Blank Space, hier könnt ihr alles loswerden, was vielleicht unter gegangen ist, ihr aber unbedingt sagen wolltet. Auch Buchempfehlungen oder letzte musikalische Entdeckung sind immer gern gesehen.

Max: [fragt Marius] Hast du ne Buchempfehlung?

Marius (überlegt)

Max: Ich hab jetzt A Brave New World gelesen, das war sehr gut.

Marius: Von Yoshi, ne? Wir haben uns zu Weihnachten so gegenseitig Sachen geschenkt, also gewichtelt, und unser neuer Gitarrist hat das nicht so ganz verstanden und hat uns einfach allen was geschenkt und da hat jeder ein Buch bekommen und das war echt süß (lacht). Und jetzt sind wir alle so gerade in der Phase, wo wir alle mal unsere Bücher von Yoshi gelesen haben. Ich hab In einem andern Land von Ernest Hemingway bekommen, das handelt vom ersten Weltkrieg und klingt halt irgendwie hausmütterlicher als es ist (lacht), aber ich find’s geil.

Max: Haben wir jetzt zwei Bücher empfohlen zum Schluss? (lacht) Hast du noch irgendeine Message oder Musik oder so?

Marius: Musik nicht, aber abschließende Message wenn wir immer noch Platz haben, ist eigentlich dass die Leute respektvoll miteinander umgehen sollen und ihre Maske tragen sollen wenn nötig, weil wir dann am schnellsten wieder bei dem Konzerterlebnis sind, was wir alle haben wollen. Das ist einfach unsere Bitte am Schluss, wir machen das auch, versprochen!

20.08.2020
RIIVA im Interview: »I wasn’t born for your demands«

RIIVA ist eine sympatische Newcomerin, die aber bestimmt nicht mehr allzu lange Newcomerin sein wird. Sie verpackt 2000er R’n’B mit modernem Pop und hat dazu noch wichtige feministische Botschaften, die sie mit ihrer Musik verbreiten möchte. Nach ihren Single-Auskopplungen zu So Shady, Wall of Water, Painkiller (lest hier unsere exklusive Premieren-Review) und zuletzt I’m Sorry droppt morgen ihre Debüt-EP Bold Femininity. Anna hat sie auf ein „kleines“ Zoom-Interview erwischt und mit ihr über ihre Musikvideos, ihre persönlichen Erfahrungen mit Sexismus und die Message, die hinter Bold Femininity steht, gesprochen.

Anna: Hey, schön, dass es geklappt hat! Du bist jetzt ja wahrscheinlich voll in der Promo-Phase für deine erste und neue EP Bold Feminitiy, die morgen (14.08.) erscheint. Wie fühlt sich das an, das jetzt als komplettes Werk der Musikwelt zu präsentieren?

RIIVA: Es ist so ‘ne Mischung aus Stress und Vorfreude. Die EP stellt wie so eine persönliche Entwicklung von mir dar und das ist natürlich immer aufregend, wenn man das denn teilt. Ich habe aber auch viele Leute, die mich unterstützen, Franca, meine Managerin, Matilda von Closer Pleasures sowieso und auch die Promoagentur aus der UK. Das macht alles super viel Spaß, wenn es so langsam voran geht. Dann hat man den Punkt erledigt und dann den Punkt und JETZT IST ES SCHON BALD SO WEIT (lacht). Das ist schon schön, dass ich da auch dran teilhaben kann und das miterlebe und nicht nur die Musik schreibe und den Rest machen dann halt irgendwelche anderen Leute.

Anna: Das ist schon cool, das kann ich mir vorstellen. Wie bist du generell zum Musikmachen gekommen?

RIIVA: Ich habe ganz früh schon angefangen zu singen durch meine Schwester, die hat mir die ganze Zeit die Pop Musik von damals aus den 2000ern näher gebracht. Und dann war ich halt voll der Backstreet Boys, Britney, J-Lo Fan und hab mit fünf Jahren oder so angefangen zu singen. Irgendwann habe ich mir meine erste eigene CD gekauft und war eigentlich schon da schon total in love mit Musik (guckt verträumt und lacht). Also ich war schon immer total musikinteressiert und hatte dann Gitarrenunterricht und Klavierunterricht mit acht und das erste Mal Gesangsunterricht mit elf. Als ich dann den ersten Song geschrieben hab, mit 14 oder so, hat sich das denn so angedeutet und seinen Lauf einfach genommen.

Anna: Deine Musikvideos sind bisher alle unglaublich gut und detailreich, woher bekommst du die Ideen und Inspirationen dafür?

RIIVA: Unterschiedlich, inhaltlich haben die ja alle alle einen anderen Background. Für Wall Of Water zum Beispiel war die Sage von Loreley, die alle Seefahrer mit ihrem Gesang in den Tod reißt, die Inspiration für das ganze Video. In dem Fall war ich eine River Goddess, also eine Meereskönigin, die ihre Energie nur aus ihren männlichen Opfern natürlich (lacht) saugt und das war halt so ein bisschen angelehnt an diese Geschichte. Ansonsten denk ich mir die Musikvideos alle selbst aus, setzt mich hin, denk nach und schau wirklich so: Wie stell ich mir mein Video vor? Wie kann ich den Inhalt noch auf eine andere Art und Weise ausdrücken als er der Song schon tut? Ich find’s manchmal auch schön, wenn man noch so ne andere Ebene in den Videos aufmacht, die auch vielleicht anders interpretiert werden könnte. Die Konzepte für Painkiller, I’m Sorry und So Shady hab ich mir in meinem Schlafzimmer ausgedacht und finde dann zum Glück aber auch immer Leute, die das dann so umsetzen können. Denn das ist dann natürlich auch noch mal so ein nächster Punkt(lacht).

Anna: Würdest du sagen, dass es dir wichtig ist, gesellschaftliche Probleme mit Musik zu verknüpfen?

RIIVA: Auf jeden Fall. Gesellschaftliche Probleme aber auch einfach persönliche Probleme. Generell Emotionen, emotionale Erlebnisse, einfach Aussagen treffen, die auch Leute berühren können. Bisschen weg von diesem „Heut ist alles toll und wir geh‘n feiern“ und „I love you soo much“ (lacht).

Anna: Weil du gerade I’m Sorry angesprochen hast, der Song handelt ja die Thematik der männerdominierten Gesellschaft und die Macht über die Frau und ihr Wohlbefinden. Hast du in dem Kontext eine Geschichte, die du hier gerne teilen würdest?

RIIVA: Mhmm. Ich glaube, ich kann für viele Frauen sprechen, dass sie schon mal so eine Erfahrung gemacht haben in irgendeiner Art und Weise. Dass sie schon mal belästigt wurden, ob verbal oder körperlich. In unserem jetzigen Alltag ist es irgendwie relativ normal, dass man sich als Frau schon irgendwie so drauf einstellt und es als „ja, so ist es halt“ abstempelt. Irgendwann hatte ich eine Erfahrung, da war ich auf einer Party und hatte ein Crop-Top an, es war langärmlig, mein ganzer Körper war bedeckt außer eine Stelle zwischen Bauchnabel und dem Top. Sonst nichts. Und an diesem Abend wurde ich einfach so oft von Männern genau an dieser Stelle berührt, aber so wirklich. Nach außen hin erscheint es vielleicht harmlos, weil es wahrscheinlich auch keine böse Absicht war. Also das passiert ja auch in einer Umarmung oder so, aber es gibt noch andere Möglichkeiten, mich zu umarmen, ohne gleich die Hände an meineTaille zu packen, sagen wir mal so. Und das ist genau dieser Punkt, wo ich mir dachte, das hier ist jetzt schon „normal“ geworden. Und das hat mich an dem Abend so schockiert, weil es so oft passiert ist, und irgendwann hab ich mich richtig schlecht gefühlt und dachte so „okay, scheiße, ich hätte irgendwas anderes anziehen sollen“. Aber dann hab ich mir im nächsten Moment gesagt (wird lauter) „nee, warum muss ich was anderes anziehen, ich glaub es hackt?!“ Nach diesem Abend hab ich gesagt, ich muss da jetzt ‘n Song schreiben. Ich hab mich dann tatsächlich auch einen Tag später hingesetzt und angefangen. Das war einfach so der ausschlaggebende Punkt, der das Fass zum Überlaufen gebracht hat.

Anna: Würdest du sagen, dass das auch Titel der EP Bold Femininity vereint?

RIIVA: Auf jeden Fall! Alle Songs zeigen eine Nachzeichnung von mir im Laufe meines Lebens. Die EP zeigt meine Entwicklung von schüchtern und eher „schwach“ zu bold, strong und selbstbewusst. Das wurde von verschiedenen Erlebnissen beeinflusstund alle das ist in diesen Songs drin. Das sind alles Geschichten, die mich zu dem Menschen gemacht haben, der ich jetzt bin. Und da bin ich auch ein bisschen stolz drauf. Deswegen auch der Überbegriff Bold Femininity. Ich bin jetzt an einem Punkt, wo ich sage: Ich weiß, was ich wert bin und ich will auch, dass andere wissen, was sie wert sind. Dass man die Kraft findet, über Dinge zu stehen und daraus zu lernen, auch wenn’s negativ ist. Weil es ist ja jetzt nicht eine „Heey, ich bin eine strong und independent woman und alles ist cool!“-EP, sondern es zeigt auch schon auch die Schattenseiten und das war mir sehr wichtig.

Anna: Was können wir so von den restlichen Liedern auf der EP erwarten?

RIIVA: Also, es sind ja noch ein Intro-Track und zwei andere Tracks dabei…(überlegt). Ich würd sagen, dass die alle so ein bisschen mehr in ne poppigere Richtung gehen, es ist weniger R’n’B, es ist getragener, es ist ein bisschen orchestraler und ein größerer Sound als die anderen.

Anna: Ich bin sehr gespannt! Corona muss dich ja genau wie alle anderen in der Musikbranche getroffen haben. Wie hat sich das auf dich ausgewirkt?

RIIVA: Ja.. Wir hatten tatsächlich sehr viele Live-Termine dieses Jahr, weil ich auch einen Booker seit Ende letzten Jahres hab und der hat sich komplett ins Zeug gelegt. Das war zwar nicht umsonst, weil die Line-Ups meist auf’s nächste Jahr übertragen wurden, aber die Frage ist natürlich auch, ob die Sachen überhaupt stattfinden, auch wenn das Line Up übertragen wird. Das weiß man ja jetzt noch nicht. Aber das hat die Band schon krass getroffen, weil jedes zweite Wochenende eigentlich mehrere Sachen anstanden, und das ist natürlich dann auch hart..

Anna: Oh man, das tut mir auch mega leid… Hast du dafür jetzt andere, neue Pläne gemacht?

RIIVA: Also es gibt auf jeden Fall noch ein paar Live Termine geben, natürlich kleinere Rahmen und nicht mehr so viele, das steht auf jeden Fall noch an. Ich weiß nicht, ob man das alles schon announcen kann (lacht), aber ja.

Anna: Die letzte Frage ist ein blank space, der nur für dich als Künstlerin ist. Du darfst hier nochmal alles loswerden, was du noch nicht loswerden konntest oder vielleicht einfach auch ein paar inspirierende Worte zum Schluss dalassen.

RIIVA: Ouh, das ist ja richtig pressure hier! (lacht) Ja, also, eine Sache, die ich vielleicht sagen würde zu Leuten, die mich noch nicht kennen oder meine Musik zum ersten Mal hören: Ich hoffe, dass sie sich irgendwie in die Musik reinfühlen und sich damit auseinandersetzen können ineiner Art und Weise, die sie inspiriert und in ihrer Lebenssituation weiterbringt und Trost spendet. Das ist ein großes Ziel von mir, mit meiner Musik das zu erreichen und Emotionen zu wecken und zu verbreiten. Das hoffe ich einfach, dass ich das mit dieser EP schaffen kann, auch wenn’s nur ein oder zwei Leute werden, die’s hören würden, das würde auch schon reichen. Ich meine, ich bin Newcomerin, ich darf jetzt nicht viel erwarten, aber das ist so das größte Ziel und ich hoffe, dass ich das damit so erreichen kann und ich freu mich und ich hab‘ Bock und ja (lacht).

Fotocredit: Anna Tiessen

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13.08.2020
Interview zur Videopremiere: Ein Abend mit Leopard und „20.000 Sternis“

Leopard, eine quasi neugeborene Band aus Berlin, feiern heute exklusiv bei uns die Videopremiere zu ihrem Song „20.000 Sternis“. Jule hat dazu mit Sänger Lars und Gitarrist Christian einen Abend in Berlin-Schöneberg verbracht. Was Sternburg zu dem Song sagt und was für coole, engagierte Menschen hinter Leopard stecken, lest ihr jetzt in einem etwas anderen Interview.

Vorab: Leopard gibt es echt erst seit knapp einem halben Jahr. Ich habe sie kennengelernt, weil Christian vor einigen Wochen bei einem anderen Interview-Date dabei war und mir eine CD zum Reinhören in die Hand gedrückt hat. Habe ich natürlich getan: Den Sound ihrer am 12.06.2020 erschienen EP „Mysterium“ fand ich direkt spannend. Um es einmal genremäßig runterzubrechen: Es ist irgendwie schrammeliger, aber sau ehrlicher und authentischer Post-Punk mit deutschen Texten.

Es ist ein schöner Mittwochabend, als ich mich mit Lars und Christian in der Roten Insel treffe, weil sie hier, Zitat, „subkulturell sozialisiert“ sind und auch ihren Proberaum haben. Freudestrahlend kommen sie mir entgegen. Die Wellenlänge stimmt ab der ersten Sekunde. Gemeinsam trinken wir das erste Sterni und mampfen was, denn mittwochs gibt’s hier eine VoKü (hands down, ich habe schon lange nicht mehr so lecker gegessen). Etwas an der Roten Insel hat mich nachhaltig beeindruckt: Ich habe diesen Ort noch nie vorher besucht, mich aber von allen Seiten direkt herzlich aufgenommen gefühlt. Konsequenz: Liebe geht raus an die Rote Insel <3

Ziemlich schnell ging es im Gespräch mit Lars und Christian um ihr EP-Release-Konzert. Da ein normales Club-Konzert ja nicht möglich war, haben Leopard nämlich kurzerhand ein Soli-Konzert auf einem Dach gegenüber der JVA Berlin-Moabit gespielt.

Christian: Wir haben ja im Juni die EP rausgebracht und wollten unbedingt ein Release-Konzert spielen – war halt überhaupt gar nicht möglich. Für uns als Musiker sind sämtliche Beschränkungen natürlich absoluter Abfuck. Gerade, wenn du eben eine EP veröffentlicht hast und einfach spielen willst. Dann haben wir halt für die Insassen der JVA gespielt und das war echt geil.

Lars: Ich wohne da in der Nähe und wir haben sowas auch schon mal aus dem Fenster raus gemacht. Die Insassen freuen sich halt, wenn einfach auch mal irgendwas passiert. Wir haben dieses Konzert dann sowohl live gestreamt als auch mit drei Kameras gefilmt. Einen Zusammenschnitt davon gibt’s übrigens auf YouTube zu sehen.

Jule: Krasse Idee! Wie war das so? Wie waren die Reaktionen? Gab‘s Ärger?

Lars: Joa, wir haben am Ende schon eine Anzeige kassiert (lacht). Wir haben halt eine fette 1.300-Watt-Anlage auf das Dach einer Häuserreihe gestellt, weil wir den Knasthof richtig schön beschallen wollten. Die Insassen haben’s auch voll gefeiert. Irgendwann wurden sie leider wieder weggesperrt.

Nach dem Essen entführen mich die Jungs zum ehemaligen Drugstore bzw. zur Potse. Früher hatten sie im Drugstore ihren Proberaum. Es gab viele Konzerte und Möglichkeiten für Jugendliche, sich wie auch immer auszuleben. Die Mietverträge der selbstverwalteten Jugendzentren wurden nicht verlängert und neue Räume stehen aktuell (noch) nicht zur Verfügung. Stattdessen sollen in die Räume eine private Wirtschafts-Uni und ein Co-Working-Space einziehen. Der Drugstore ist bereits ausgezogen, die Potse ist seit dem Ende des Mietvertrages von Jugendlichen besetzt – um ihren Treffpunkt zu erhalten oder wenigstens neue Räumlichkeiten zugesagt zu bekommen. Dieses Thema liegt Leopard ziemlich am Herzen. Sichtlich bewegt und wütend erklären mir die beiden den aktuellen Stand. Ist in Berlin ja leider keine Seltenheit, dass Institutionen einfach ausradiert und weggentrifiziert werden, obwohl sie ein so wichtiger kultureller Strohhalm für viele Jugendliche und junge Erwachsene sind. Pfui Berlin, pfui!

Um die Gemüter wieder etwas zu beruhigen, steppen wir zum Späti, decken uns nochmal mit Sternis ein und setzen uns in den benachbarten Kleistpark. Als wir da ankommen, ist gerade eine Gruppe dabei, mit Schwertern zu kämpfen – die perfekten Klänge, um ein bisschen intensiver über die Musik von Leopard zu quatschen.

Lars: Unsere EP ist auf jeden Fall mega wichtig für uns, weil sie bisher der einzige musikalische Output ist. In unseren früheren Bands war es auch immer schwierig was zu kreieren, womit alle glücklich sind. Das war hier einfach völlig anders. Wir haben die EP bei Thies in der Tonbrauerei produziert, vorher war das immer DIY und klang irgendwie nicht soo geil (lacht). Ich habe bei der Platte jetzt wirklich das Gefühl, dass das ein Sound ist, der uns gut steht und eben auch der Sound ist, den wir im Proberaum spielen.

Christian: Thies hat auch sofort gecheckt, wie wir den Sound haben wollen. Es war ein super natürlicher Prozess. Wir haben die EP live aufgenommen, sie ist einfach aus einem Guss. Obwohl wir sie schon nach zwei Monaten Bandgeschichte aufgenommen und das im Endeffekt nur viermal geprobt haben. Wir wussten einfach, was wir wollten, es war super harmonisch.

Jule: Wie entstehen eure Songs denn? Schreibt sie gemeinsam oder gibt’s eine Art Rollenverteilung?

Christian: Das ist ganz unterschiedlich. Es gibt Songs, die ich geschrieben habe, es gibt welche die Lars geschrieben hat. Das ist sehr offen bei uns: Wer eine Idee hat, der wird unterstützt und dann arbeiten wir das gemeinsam aus. Einen richtig festen Prozess haben wir da nicht.

Die beiden erzählen mir weiter, dass die Mysterium-EP ein absolutes Herzensprojekt ist. Es sind Songs, die schon vor längerer Zeit hätten vertont werden sollen. Ein übergeordnetes Thema gab es daher nicht. Das Mindset war, ehrliche Texte zu schreiben. Für Lars klingen die Texte anderer Künstler:innen oftmals designt, es wird erst darüber nachgedacht, was man ausdrücken möchte, welche Attitüde, welches Lebensgefühl. Bei ihm ist das umgekehrt. Er schreibt die Texte einfach aus der Emotion heraus, ohne darüber nachzudenken, wie sich der Text am Ende als Ganzes liest. Die Songs von Leopard sind Abbilder ihres Lebens, gerade in der aktuellen Situation. Momente krasser Lebensfreude, aber auch das Gefühl des Verlorenseins.

Jule: Kommen wir doch mal zum Song des Tages, „20.000 Sternis“. Wie ist der denn entstanden?

Lars: Den habe ich zu Weihnachten bei meinen Eltern geschrieben. Ich hatte zu diesem Zeitpunkt auf jeden Fall eine Abfuck-Zeit, deshalb ist „20.000 Sternis“ auch ein klassisch trotziger Abfuck-Song. Sollte er eigentlich nicht sein, aber natürlich ist er auch irgendwie ein Werbe-Song (lacht).

Christian: Da gibt es übrigens eine witzige Anekdote zu: Wir haben Sternburg gefragt, ob sie mit dem Song Werbung machen wollen. Sie haben geantwortet mit dem Wortlaut: „Wir finden den Song wirklich cool, aber die Hauptaussage dieses Liedes lässt sich leider überhaupt nicht mit bewusstem Konsum von Alkohol in Verbindung bringen“. Und wir dachten nur so: JA KACHING, STERNBURG SAGT WIR SIND ZU BESOFFEN FÜR STERNBURG (alle lachen).

Nach der EP ist vor der EP. Leopard planen natürlich auch schon ihre musikalische Zukunft. Ob nun ein Album, oder eine Doppel-EP, die deutsche und englische Texte beinhalten würde, mal sehen was kommt. War „Mysterium“ noch eine rein intuitive Platte, möchten sie die momentane Lage nutzen, um ihren Sound weiter zu spezifizieren und auszuarbeiten. Es bleibt also auf jeden Fall spannend, was da in Zukunft auf uns zukommt.

Jule: Zum Ende dieses Interviews gibts den weltberühmten blank space, mit dem ihr tun und lassen könnt, was ihr wollt. 3, 2, 1…

Christian und Lars: Wir würden gerne unserer Freundin Nam das letzte Wort überlassen, die Teil des Kollektivs D.A.M.N. ist: „D.A.M.N. (Deutsche Asiat*innen, Make Noise) ist eine politische Plattform für asiatische Menschen in Deutschland. Deutsch-asiatische Perspektiven sind in der deutschen Gesellschaft immer noch unterrepräsentiert oder werden nicht ernst genommen. Auch in feministischen und anti-rassistischen Mainstream-Diskursen werden asiatisch gelesene Menschen oft nicht berücksichtigt. Was übrig bleibt sind eindimensionale, fremdgesteuerte und stereotypisierte Darstellungen von (deutsch-)asiatischen Identitäten. D.A.M.N. versteht sich daher als Widerstandsbewegung gegen Unsichtbar- und Andersmachung, soziale Bevormundung und politische Instrumentalisierung von Menschen mit asiatischer Herkunft.“ (https://deutscheasiatenmakenoiseblog.wordpress.com)

Jule: Sauber. Vielen Dank für den schönen Abend und das noch schönere Interview! *Sternis die aneinander klirren*

So, und jetzt präsentieren euch endlich das Video zu „20.000 Sternis“, in dem es um einen Abend vorm Späti geht (mindblowing). Gefilmt mit einer Steadycam und 10 Freunden, die sich (erwachsen und dem Konsum und den Auswirkungen von Alkoholmissbrauch bewusst) hemmungslos betrinken. Das Ganze kommt als Lyric-Video daher und kann jetzt exklusiv von euch ausgecheckt werden, viel Spaß!

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Fotocredits: Lazarus Dance und Erika Stehli

07.08.2020
MOA mit Debütalbum „an/aus“: Ein Hurra für die Welt der Popmusik

Es ist endlich da: MOA’s Debütalbum „an/aus“. In 8 Songs entführt er uns in eine zusammenhängende Geschichte vom ersten Höhenflug zu einer tiefen Verbindung, der ersten Resignation, dem Richten des Krönchens und des Neubeginns. Lest jetzt die ausführliche Review von Jule, in der auch MOA selbst zu Wort kommt und einige spannende Hintergrund-Facts verrät.

Hinter MOA steckt Lucas Mohr aus Kassel, der schon seit fast 10 Jahren als Musiker durch die Lande zieht. Die einzelnen Songs des Albums hat er in einer ungewöhnlichen Herangehensweise, nämlich in einem 6-wöchigen Rhythmus als Singles veröffentlicht und sich damit bereits eine beachtliche Fanbase aufgebaut. Nun kann das Gesamtwerk bestaunt werden, zu dem mir MOA vorweg Folgendes gesagt hat:

MOA: Man sagt ja, dass man sich für das erste Album lange Zeit nehmen soll. Daher sind da auch Songs drauf, deren Ideen teilweise schon 4-5 Jahre alt sind. Ich habe aus vielen Songs die Besten gepickt und lange ausgearbeitet. Es ist jetzt nicht so, dass ich mich 2 Monate hingesetzt und gesagt habe „Ich schreibe jetzt mein erstes Album“. Es ist vielmehr ein Prozess aus einer sehr langen Zeit.

Mit diesem Vorwort steigen wir jetzt mal detaillierter in die Songs ein:

„du weißt es“

Das Album beginnt mit dem Song „du weißt es“ und einem catchigen Beat aus Drums und Gitarren. MOA besingt eindringlich das Gefühl des Kennenlernens und des kompromisslosen Begehrens. Die Strophen klingen euphorisch. Der Pre-Chorus nimmt sich dann zurück, um im Refrain energiegeladen nach vorne zu gehen. Die Lyrics bringen die Story des Songs, das Verliebtsein, absolut auf den Punkt. Auch die immer mal wieder kurz herausstechenden Gitarrenriffs finde ich toll. Gelungener Einstieg, ich will mehr hören.

„teil von mir“

Der nächste Song beginnt auf jeden Fall ruhiger, nämlich lediglich mit einem Gitarrenriff und MOA’s Stimme. Das Riff im Intro erinnert mich übrigens voll an das von Dean Lewis‘ Song „Waves“. In „teil von mir“ hat sich das anfängliche Liebenlernen von „du weißt es“ zu einer tieferen Verbindung entwickelt. Es klingt nach Hand in Hand am Strand Richtung Sonnenuntergang spazieren, sich anlächeln und den Moment genießen.

Ich hab erst gar nicht gemerkt,
dass ich nicht mehr alleine bin
Du bist ein Teil von mir

Der Song baut sich langsam auf, bis der Beat wie ein Herzschlag klingt. Das ist süß, ohne kitschig zu sein. Man hört hier stimmlich absolut raus, dass MOA Gefühle beschreibt, die er selbst gespürt haben muss. 1A Liebeslied auf jeden Fall.

„an/aus“

„an/aus“ ist obviously der titelgebende Song des Albums, der auch direkt gut scheppert. Melodiegebend sind hier Becken und Bass, im Refrain gesellt sich dann noch irgendwas Rasselndes und eine Gitarre dazu. Eben diese Gitarre ist für mich das absolute Highlight des Songs. Überraschend ist die Bridge, in der MOA plötzlich rappt. Das Hochgefühl von „teil von mir“ ist auf jeden Fall gedämpft, das Herzchen hat Risse bekommen. Man kann „an/aus“ aber auch durchaus als gesellschaftskritisch sehen. Viele haben verlernt, sich (fest) zu binden. Es wird geliked und blockiert als Zeichen von Zuneigung und Abneigung – geht eben schneller als eine Auseinandersetzung.

MOA: Der Rap-Part in „an/aus“ stammt eigentlich aus einem anderen Song. Als ich „an/aus“ dann geschrieben habe, passte dieser Part richtig gut rein. Er beschreibt dieses Hin und Her einer On-Off-Beziehung einfach ziemlich gut. Der Song thematisiert aber eben auch irgendwie die „Generation beziehungsunfähig“.

„worte“

Der nächste Song ist „worte“. Schon mit der ersten Zeile wird klar, dass von „an/aus“ nur noch „aus“ geblieben ist. Resigniert lässt MOA das Vergangene Revue passieren und zweifelt die Echtheit der Gefühle an. Schön ist hier die stimmliche Umsetzung des Schmerzes, den eine Trennung eben so mit sich bringt. „worte“ ist trotz seines Themas aber keine Ballade, vielmehr der stärkste, abwechslungsreichste und der instrumental „aggressivste“ auf dem Album.

Du hast gesagt du willst nur mich
Bis der letzte Tag anbricht
Alles verloren, ich habe dich verloren

„trümmer“

„trümmer“, den 5. Song des Albums, habe ich bereits ausführlich auseinandergenommen, die Review dazu findet ihr hier.

„neue wege“

Nachdem MOA in „trümmer“ die Ärmel hochgekrempelt und mit dem Scherbenhaufen einen Pfad Richtung Zukunft gebaut hat, geht er nun eben „neue wege“. Klingt der Songtitel eigentlich nach „Kopf hoch“, sagen die Lyrics doch eher „davonrennen“. Das spiegelt auch das Instrumental des Songs wieder, das mal energisch und dann wieder entspannter klingt – wie wenn man sich mit dem Fahrrad auf der Buckelpiste bergauf abrackert, um sich beim Weg nach unten der Schwerkraft zu bedienen.

MOA: Thematisch geht es um Freundschaft. Klassische Selbstfindungsphase: Anfang 20, was will man, wo will man hin? Er passte aber trotzdem einfach gut auf das Album. Ursprünglich habe ich ihn nach dem Abi geschrieben. Plötzlich gehen die Wege der Freunde auseinander und es steht einem alles offen. Schwierig ist aber eben auch, dass noch in vielen Köpfen steckt, dass es nur einen Weg gibt und man sich entscheiden muss. Obwohl wir eigentlich ganz viele unterschiedliche Sachen machen können.

„nina“

Der vorletzte Song heißt „nina“ und beginnt schön softrockig. Eine klare E-Gitarre und starke Drums, die abermals den leiseren Strophen Platz machen. Also wenn’s hier thematisch nicht um eine kurze Affäre geht, fress‘ ich einen Besen. Egal was kommt, wir sind hier und jetzt genau richtig. Alles an diesem Song ist irgendwie sexy – die Gitarren verrucht und die Stimme flirty. Schade, dass wir gleich durch sind. Btw, erinnert ihr euch an meinen Vergleich mit Dean Lewis‘ Song „Waves“, im Refrain heißt es: „It comes and goes in waves“. In „nina“ wiederum singt MOA eine Zeile die da lautet: „Es kommt in Wellen“. Just sayin, Detektiv Jule entgeht nix, höhö.

Ich will mehr, mehr von dir
Deiner Energie, die mich nach oben zieht
Du bist mein Dopamin, Koffein, Endorphin
Du bist mein Adrenalin

MOA: Der Song ist aus einem Vibe entstanden, aus einer kurzen intensiven Zeit. Ich thematisiere hier tatsächlich nur einen Moment. Herbert Grönemeyer singt in einem Song „Lieb mich wenig, dafür lieb mich lang“ – ich habe daraus „Lieb mich kurz, aber dafür viel“ gemacht, also ein umgedrehtes Songzitat versteckt. Und eigentlich geht es genau darum. Einfach den Moment leben und genießen und sich nicht die Gedanken machen, die man sich in den Songs davor gemacht hat.

„höher“

Kommen wir also zum Ende des Albums, „höher“. Herausstechend ist hier erstmal das Klavier, dass immer mal wieder aufploppt. Der letzte ist auch gleichzeitig der erste Song, der richtig melancholisch klingt. Textlich auf jeden Fall das Highlight des Albums. Wobei ich ihn mir fast etwas ruhiger gewünscht hätte, nachdem eigentlich alle Songs eher in Richtung Uptempo gingen. Während die vorangegangenen Songs aber abgeschlossene Storys erzählen, endet „höher“ mit einem open end. Irgendwie auch eine schöne Metapher dafür, schon jetzt gespannt auf das zu sein, was MOA in den nächsten Jahren noch von sich hören lässt. Denn seine Geschichte ist auch noch nicht zu Ende erzählt.

MOA: Dieser Song ist einer der persönlichsten und schwierigsten Songs für mich. Ich hatte einen Bekannten, der an einem Burn-Out litt und dann auch verstorben ist. Er war ein Mensch, der nie zur Ruhe gekommen ist und immer noch mehr machen musste. Er hat sich da richtig verrannt, darüber habe ich viel nachgedacht und habe da auch einige Parallelen zu meinem Leben entdeckt. „höher“ ist auch ein kleiner Reminder an mich, dass ich mir auch mal Pausen gönnen muss.

Das Fazit zu „an/aus“

„an/aus“ ist für mich ein richtig gutes Pop-Album, das dem Klischee trotzt. Es lebt von den Gegensätzen der Lyrics zu den Instrumenten. Wobei ich denke, dass ihm eine Klavier-Ballade oder so echt gutgetan hätte. Trotzdem hat es mich ab dem ersten Hören voll abgeholt. MOA hat es mir im März das erste Mal gezeigt und seitdem habe ich nicht aufgehört, es zu hören – ein gutes Zeichen, oder? Mit am auffälligsten war für mich die klare Aussprache im Gesang. Hier ist ein „nicht“ noch ein „nicht“ und kein genuscheltes „nich“. Das stört mich bei vielen anderen deutschen Songs oft ein bisschen. Die Platte ist mega gut ausproduziert, wobei ich an manchen Stellen das Augenmerk noch mehr auf die wirklich schönen Melodien der Gitarren, Synthies oder des Klaviers gelegt hätte. Aber das ist mein persönlicher Geschmack und „Jammern“ auf hohem Niveau.

Wie auch schon in dem Artikel zum Song „trümmer“ möchte ich nochmal dem Gesamtkonzept „MOA“ meine Liebe beichten. Hier wird einfach bis ins kleinste Detail alles bedacht. Die Single-Cover (die ihr übrigens als kleine Drucke bekommt, wenn ihr ein Bundle kauft, gibt’s auf shop.moamusik.de), die sich als zerrissene Schnipsel auf dem Album-Cover wiederfinden. Die handschriftlichen Details, die euch immer wieder begegnen. Die Songtitel, die alle klein geschrieben sind, der Künstlername dafür aber komplett in Großbuchstaben. Da steckt in der allerkleinsten Ecke das allergrößte Maß an Liebe und Konzept drin. Das hat mich von Anfang an wirklich tief beeindruckt und berührt.

Falls ihr noch nicht in „an/aus“ reingehört habt, dann könnt ihr das nachfolgend tun. Untoldency – hier wird Service noch großgeschrieben.

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21.07.2020
Provinz im Interview: »Ich hab diese Zeit noch nie erlebt, aber ich kann’s eigentlich auch kaum noch erwarten.«

Provinz – muss man sie wirklich noch vorstellen? Die Band aus Ravensburg hat in dem letzten Jahr schneller den Status „Newcomer“ verlassen, als sie ihn betreten haben. Ohne Album und nur mit einer Handvoll Songs haben sie sich Indie-Folk-Deutschland wie in einem Rausch erspielt. Von Straßenmusik zu ausverkauften Touren in Clubs, die zu groß sind, um sie noch Clubs zu nennen. Provinz sind erst am Anfang ihrer Karriere und beweisen jetzt mit ihrem Debütalbum Wir bauten uns Amerika, dass der Hype weit weg von unberechtigt ist. Anna hat Frontsänger Vincent auf ein ausführliches Interview vor Release erwischt und ist jetzt noch größerer Fan als davor.

Anna: Hey Vincent, was ein Auf und Ab um euer Debütalbum Release, doch jetzt ist es endlich so weit: „Wir bauten uns Amerika“ kommt Freitag endlich raus in die Welt! Wie fühlt sich das an?

Vincent: Boah, voll komisch (lacht). Also man arbeitet an so einem Album ja ewig lang irgendwie. Wir haben die letzten zwei Jahre dran gearbeitet und jetzt hat sich das irgendwie noch länger herausgezögert wegen der Corona-Krise. Aber jetzt ist es endlich so weit und ich bin krass nervös und gerade in der Release Woche wird’s jeden Tag noch schlimmer. Ich bin mega erleichtert wenn’s draußen ist. Das ist einfach wichtig gerade, dass man das raushaut und dass es die Leute endlich mal hören können.

Anna: Euch liegen alle Lieder wahrscheinlich ähnlichnah am Herzen. Gibt es welche, die sich besonders anfühlen, Lieblingslieder oder Lieder, die bei der Aufnahme/Produktion herausfordernd waren?

Vincent: Der besonderste Song für mich ist glaub ich Ich baute Dir Amerika, der letzte Song auf dem Album. Der ist ganz spät entstanden, und es war eigentlich auch gar nicht so klar, ob wir den direkt draufnehmen sollen oder nicht. Der Song war sehr persönlich und auch sehr anspruchsvoll für uns alle. Deswegen sticht der so ein bisschen heraus. Live spiel ich am liebsten Wenn die Party vorbei ist, weil der halt irgendwie krass abgeht. Das sind so die zwei Favoriten im Moment, aber das wechselt die ganze Zeit, ich hab jede Woche gefühlt ‘nen neuen Lieblingssong (lacht).

Anna: Wie kamt ihr auf den Titel Wir bauten uns Amerika? Das hat doch bestimmt auch was mit dem letzten Song auf dem Album zu tun oder?

Vincent: Genau.
Provinz sind krass stolz auf ihr Album und wir auch
Amerika steht ja für sehr viel und in dem Zusammenhang steht es als Metapher für ein Ziel, auf das man hinarbeitet, was zwar ‘ne Illusion ist, aber einen antreibt. Und das war irgendwie das Album für uns und ich denke, jeder hat sein Amerika, sein Ziel und seine Illusion, die vielleicht irgendwann die Wahrheit wird, aber im Moment eben nur in weiter Ferne ist. Das Album war unser großes Ziel bzw. unsere große Herausforderung und wir haben jetzt quasi unsereigenes Amerika gebaut. Und dazu kam halt der geile Gegensatz mit unserem Bandnamen Provinz und Wir bauten uns Amerika, und deswegen haben wir uns dafür entschieden.

Anna: Da steckt also noch eine zweite Ebene hinter.

Vincent: Genau (schmunzelt).

Anna: Eure Fanbase ist ja unglaublich gewachsen und ihr hattet ja bis jetzt nicht mal ein Album draußen. Wann habt ihr angefangen, zu realisieren, dass das alles ein bisschen schneller ein bisschen größer wird als vielleicht anfangs gedacht?

Vincent: Eigentlich als wir live gespielt und die Leute mitgesungen haben, das war so letzten Sommer. Da haben dann alle Menschen angefangen Was uns high macht mitzubrüllen und so, und das war dann schon auf jeden Fall, wo ich gedacht hab „irre, wie sich das anfühlt und was daraus werden kann“. Und die Leute haben dann auch angefangen, Bilder zu wollen und so, was ich glaub ich immer noch nicht ganz verdaut hab oder was zum Glück auch noch nicht normal ist. Aber da hab ich erkannt, dass da mehr dahinter stecken kann.

Anna: Wenn man plötzlich so ein bisschen aus der eigenen Bubble die Reaktion und das positive Feedback mitbekommt.

Vincent: Genau. Bisher ist es ja so, dass wir in Vogt aufgewachsen sind, in so ‘nem Dorf, und da haben uns eigentlich nur die Familie gehört und vielleicht mal mit Straßenmusik ein paar Passanten. Aber als wir dann erkannt haben, dass es sogar außerhalb unseres Landkreises Leute gibt, die das hören wollen, war das auf jeden Fall verrückt.

Anna: Das wäre jetzt auch meine nächste Frage gewesen: Möchtest du für die, die den frühen Sprung auf die neue Musikgröße „Provinz“ noch nicht geschafft haben, euch und eure Bandgeschichte noch einmal kurz vorstellen?

Provinz vorgestellt: Robin, Leon, Moritz und Vincent (©Maximilian Mack)
Vincent: Ja gerne, wir sind vier insgesamt, Leon, Moritz, Robin und ich. Moritz, Robin und ich sind Cousins. Wir haben eine sehr musikalische Familie und bei uns war es früher immer so Pflicht, ein Instrument zu spielen und auch wenn man das gar nicht wollte (lacht). Irgendwann saß ich dann mit Robin zusammen, glaub‘ an Weihnachten bei Oma oder so, und dann haben wir angefangen, Songs zu schreiben, einfach so aus Spaß. Da haben wir entdeckt, hey, krass, man muss ja gar nicht immer so langweilige Noten spielen, man kann ja auch einfach spielen, wie man Bock hat. Dann haben wir angefangen, Musik zu machen, da war ich vielleicht 12… Wir haben englische Lieder geschrieben, die waren auch mega schlecht zu dem Zeitpunkt noch, und dann hat sich das so daraus entwickelt. Wir haben zu zweit Straßenmusik gemacht am Bodensee, da wo wir auch herkommen, weil da die reichen Rentner rumlaufen und uns immer gut Geld gegeben haben (lacht). Ich musste immer sehr viel schreien, bis mich jemand gehört hat, deswegen hat sich meine Stimme auch so entwickelt, glaub ich. Und irgendwann kam Mosse dazu, der dann anfangs noch Cajón gespielt hat und dann hießen wir „Twice feat. Mo“, sehr kreativ, ich weiß (lacht). Und in der Oberstufe hat sich das so ein bisschen verlaufen, Robin ging auf Weltreise, und wir haben nicht mehr so regelmäßig Musik gemacht. Als er wieder da war, haben wir Leon kennengelernt, und wollten wieder ne Band gründen und haben ihn einfach gefragt, ob er mitmachen will. Das war so vor zweieinhalb, drei Jahren und seitdem ging alles eigentlich relativ steil und relativ schnell.

Anna: Was eine süße Geschichte. Wie würdest du die Zusammenarbeit eurer Band beschreiben? Macht es es einfacher, oder schwerer, dass ihr euch euer Leben lang schon kennt? Wie kann man sich das vorstellen, hinter den Kulissen, habt ihr eine Aufgabenverteilung oder harmonisiert ihr alle relativ?

Vincent: Ich denke, dass es ganz gut ist, wenn man sich so gut kennt. Man ist immer krass ehrlich zueinanderund auch wenn das oft persönlich wird und es schon mal Streit geben kann, sind wir halt einfach Familie. Und ich glaub bei Freunden ist es so, dass sich das dann, wenn man sich mal nicht so gut versteht, sich auch einfach verliert, den Kontakt nicht mehr pflegt und dementsprechend auseinanderlebt. Und wir sind eben so krass verbunden, dass das nicht möglich ist, wir müssen uns jedes Mal wieder zusammensetzen und offen ansprechen, was das Problem war. Deswegen ist es glaub ich ganz gut, dass wir Cousins sind, weil der Zusammenhalt noch tiefgehender ist vielleicht.

Anna: Ich hab euch selbst 2018 im kleinen Flux Bergfest gesehen und war von Sekunde eins überzeugt und riesen Fan. Ich kann mir deshalb auch vorstellen, dass eure Fans vor allem durch eure energetischen Live-Auftritte angezogen werden, bekommt ihr das Feedback direkt auch immer nach den Shows?

Vincent: Ja, auf jeden Fall. Die Leute kommen meistens und wollen Autogramme, unterschriebene Platten oder CDs, und machen viele Bilder. Also es gab da auf jeden Fall schon viele verrückte Momente. Als wir zum Beispiel einmal in München waren, ich glaub, das war eins der letzten Konzerte, die wir gespielt haben, wurden wir so krass überrannt, dass die Security kurz einschreiten musste. Ich weiß nicht, wir werden auf jeden Fall viel gefeiert für unsere Liveauftritte, was am Anfang gar nicht abzusehen war. Wir waren voll die schlechte Liveband am Anfang, unsere Booking Agentur, die Landstreicher, meinten am Anfang auch zu uns „Jungs, ihr werdet halt so nicht gebooked, weil ihr einfach zu schlecht seid“ (lacht)

Anna: Das ist sehr ehrlich (lacht)

Vincent: Ja, ist schroff, im Nachhinein, dass sie das so gesagt haben, und für uns war das auch ein bisschen so ne Ernüchterung, wo wir gesagt haben, nee, wir müssen uns echt mal dahinterklemmen. Wir haben dann krass angefangen zu proben und wurden tighter und dass wir so am Schluss als Liveband wahrgenommen werden, ist schon schön zu sehen, ja.

Anna: Da wir grad bei Live-Auftritten sind: eure erste Tour war innerhalb vier Tagen komplett ausverkauft und auch die zweite Tour, die dann im Herbst stattfinden sollte, wurde mehrfach hochverlegt und ausverkauft. Dazu erstmal Glückwunsch! Habt ihr damit gerechnet?

Vincent: Null, auf gar keinen Fall, das war voll das Experiment. Die erste Tour war ja auch noch voll klein und ist aktuell immer noch so klein, so 200-300er Clubs. Und als es plötzlich ausverkauft war dachten wir, „ok krass, aber es sind auch kleine Clubs“. Deswegen haben wir das noch so eingeordnet, aber als wir dann die große Tour angesagt haben und das war auch plötzlich alles ausverkauft und hochverlegt, das war schon das Unnormalste an all dem.

Vincent kann’s kaum erwarten, wieder live zu spielen
Anna: So viele Leute haben sich einfach so viele Karten gekauft in so schneller Zeit.

Vincent: Ja, genau. So viele zahlen einfach Geld dafür, dass sie uns spielen sehen, das ist einfach ein ganz verrücktes Gefühl. Ich hab diese Zeit noch nie erlebt, aber ich kanns auch eigentlich kaum noch erwarten.

Anna: Es ist dann natürlich nochmal doppelt ärgerlich, diese Konzerte jetzt wegen Corona nicht spielen zu können. Auch die ganzen Festivals sind diesen Sommer ja ins Wasser gefallen. Ihr habt aber auch schon Alternativen gefunden, wie zum Beispiel die Picknick-Konzerte in Dresden und Leipzig Anfang August. Auf einer Skala von 1 bis 10, wie viel Bock habt ihr, wieder live zu spielen?

Vincent (ganz schnell): 12 (lacht). Wir wissen zwar noch nicht genau, wie das mit den Picknick Konzerten genau abläuft, aber uns ist es voll egal, wir spielen wieder live und die Leute sind da und das ist das Wichtigste. Ich glaub auch, dass das Verlangen der Leute extrem groß geworden ist, weil ja ein halbes Jahr ja gar nichts ging.Und da nimmt man ja auch, was man bekommt oder kriegt. Wir sehen das auf jeden Fall so und freuen uns daher extrem.

Anna: Ein bisschen Deep-Talk zum Ende hin: Wie habt ihr die erste Jahreshälfte 2020 wahrgenommen? Was hat es mit euch persönlich gemacht?

Vincent (überlegt): Wir haben unser Album fertig aufgenommen, dann wurdendie Touren angesagt und fast ausverkauft, wir standen in den Startlöchern, haben dann noch die Fil Bo Riva-Supportshow gespielt. Dann kam auch schon der Anruf, dass das jetzt alles nicht möglich ist, die Tour abgesagt wurde und das Album wahrscheinlich verschoben werden muss. Das hat uns auf jeden Fall krass getroffen, ich mein, keiner erwartet, dass so ‘ne Pandemie um die Ecke kommt und einfach so sagt „nee, so nicht“. Deswegen waren wir so krass perplex und haben uns ein bisschen ohnmächtig gefühlt. Aber dann war‘s auch so, ey keine Ahnung, wir haben die letzten zwei Jahre durchgehustled, wenn wir jetzt mal ‘ne dreimonatige Pause haben, werden wir das schon überstehen. Aber da es sich halt auch so lange gezogen hat, nervt es nur noch. Ich werd auch immer unruhig, wenn ich nichts mache, oder wenn ich mal nicht unterwegs bin. Ich glaube, das geht vielen so, dass einem dann ein bisschen die Existenzberechtigung fehlt. Das ist schon ‘ne schwierige Phase gewesen, aber jetzt ist Sommer, jetzt ist alles wieder ein bisschen positiver. Wir bringen das Album raus, wir können jetzt wieder die Picknick-Konzerte spielen, wir haben auch nach wie vor voll viele Ticktes verkauft, viele Albumvorbestellungen, das macht schon alles Bock. Deswegen hab ich eigentlich wenig Grund, mich so richtig zu beklagen.

Anna: Sind dadurch auch neue Projekte für die Zukunft schon entstanden?

Vincent: Ja, wir haben viele Songs geschrieben. Im Nachhinein ist es ganz witzig, denn ich schreib Songs eher so intuitiv, was mir gefällt, schreib ich auf. Ich hab in der Zeit schon ein paar Songs geschrieben, und die meisten handeln halt einfach so um Isolation, Fernweh, Sehnsucht nach Leuten, die man wieder sehen kann. Mir war nicht so bewusst, dass das dann doch so tiefgehende Struggles sind, die mich denn auch so emotional treffen, das ist eigentlich ganz witzig. Ich check dann eigentlich erst im Nachhinein, was mich eigentlich so beschäftigt, nachdem der Songs steht, so „ah ja, klar, macht Sinn“ (lacht).

Anna: Letzte Frage beim uns ist immer ein blank space für euch, die Künstler. Was möchtest du zum Schluss noch los werden?

Vincent: Am 17.07. kommt unser Album raus, vielleicht wisst ihr das auch sschon (lacht)! Das solltet ihr euch auf jeden Fall anhören, ansonsten wünsche ich euch einen schönen Sommer!

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17.07.2020
KAFFKIEZ im Interview: »Wir machen deutsche Musik mit Herz und ehrlichen Texten.«

KAFFKIEZ – das sind fünf junge Typen aus Rosenheim, die gerade in den Startlöchern stehen, um das Deutsch-Rock-Game mit ein bisschen frischer Energie zu versorgen. Früher noch mit englischen Texten unterwegs haben sich Niklas, Flo, Bene, Janik und zwei mal Johannes dazu entschlossen, ein neues Kapitel samt neuen Bandnamen und Konzept zu starten. Nächste Woche kommt ihre erste Single „Nie allein“ mitsamt Musikvideo, welches hier auf Picky exklusiv prämieren wird. Um die Jungs davor ein bisschen kennenzulernen, haben wir sie für euch interviewt.

Anna: Hey Leute, schön, dass es geklappt hat. Wollt ihr euch zum Anfang erstmal vorstellen? Wer steckt hinter KAFFKIEZ?

KAFFKIEZ: Wir sind 5 Jungs aus sehr unscheinbaren Ecken Rosenheims in Bayern, quasi da, wo sich Fuchs und Hase gute Nacht sagen und man nachts noch die eine Laterne im Dorf austritt (ok, vielleicht nicht ganz so verlassen :D). Die Bandbesetzung ist recht klassisch würden wir sagen: Unser Niklas klopft die Trommeln weich, Flo shredded die Gitarre, Bene nickt zum Bass, Johannes ist der Master of Keys und der andere Johannes spielt Gitarre und singt. Außerdem gibt es noch den Janik unser kleines Mastermind, der uns vor allem mit neuen Ideen und beim Recorden von Demos hilft.

Anna: Wie habt ihr euch kennengelernt? Wusstet ihr schon immer, dass ihr gemeinsam Musik machen wollt?

KAFFKIEZ: Puh, lange Geschichte. Aber die beiden Johannes kennen sich schon sehr lange, quasi von der Schule. Aus Jam-Sessions nach dem Unterricht zu zweit wurden dann irgendwann ernsthafte Bandproben und die ersten Gigs rollten auf uns zu. Nach ein paar Besetzungswechseln kam dann die Konstellation zusammen, in der wir heute noch spielen. Niklas und Flo haben wir damals noch gar nicht gekannt, die Konstellation ist also eher dem Zufall, Schicksal oder wie man es auch nennen mag, zuzuschreiben.

Anna: Eure Bandgeschichte reicht ja doch weiter zurück als gedacht: 2016 habt ihr bereits ein Album rausgebracht, damals aber noch unter dem Bandnamen „Maybe“. Seit April seid ihr „KAFFKIEZ“. Was hat euch zu diesem Neustart bewogen?

KAFFKIEZ: Ja, uns gibt es in der Zusammensetzung jetzt echt schon ein paar Jahre und lange waren wir in der Region eben unter dem Bandnamen „Maybe“ unterwegs, haben in Bars, auf Kulturveranstaltungen, und Lokalen der Rosenheimer Party Meute eingeheizt. Vor einiger Zeit haben wir angefangen uns an eigener deutscher Musik zu versuchen und haben sie direkt live ausprobiert. Die Ideen kamen so gut an, dass wir uns bald dazu entschieden haben, unsere erste Single im Studio aufzunehmen. Tja und dann war alles auf einmal ganz neu für uns: deutsche Musik mit Herz und ehrlichen Texten. Und dazu ein neuer Bandname – KAFFKIEZ – einfach um auch zu zeigen, dass für uns ein neues Kapitel beginnt. Im Namen KAFFKIEZ steckt für uns auch einiges an Bedeutung:

KAFF – als eine Hommage an den Arsch der Welt, von dem wir nun mal alle herkommen

KIEZ – Wo die Reise gerne hingehen darf: in die junge, bunte Szene der Musik unserer Großstädte.

Anna: Mit neuem Bandnamen kam auch die Entscheidung, von jetzt an auf Deutsch Musik zu machen, oder wie ihr es ausgedrückt habt: „Deutsche Musik mit Rums und ordentlich Bock aus der eigenen Küche“. Was gefällt euch so daran, Musik auf Deutsch zu machen?

KAFFKIEZ: Wir hatten das Gefühl, mit deutscher Musik einfach einen noch direkteren Zugang zu den Leuten zu haben, sie besser zu erreichen. Live ergibt das eine ganz neue Energie und die ist bombastisch. Ich glaub, wir haben uns in der deutschen Musik echt wiedergefunden und haben einen riesen Spaß daran, sie zu komponieren.

Anna: Weiht uns mal ein bisschen in eure Zukunftspläne ein: Was steht so an?

© David Gottwald & Florian Fechter

KAFFKIEZ: Nun erstmal freuen wir uns auf den Release unserer ersten deutschen Single „Nie Allein“. Dann wird ein bisschen gefeiert und dann, tja dann laufen die Song-Schmiedeöfen wieder heiß. Wir haben noch einiges in der Hinterhand, das nur darauf wartet ins Studio zu dürfen. Von einem konkreten Plan würde ich nicht sprechen, gerade ist das alles mit der deutschen Musik noch sehr neu für uns, aber wir glauben, das könnte ein sehr, sehr spannendes Kapitel werden.

Anna: Nächste Woche kommt eure erste Single als KAFFKIEZ raus und das Video wird hier beim Pickymag prämiert. Was bedeutet das Single Release von „Nie Allein“ für euch?

KAFFKIEZ: Neuland, ‘n Haufen Aufregung und eine gute Portion Stolz. Wir haben in diese Single sehr viele Mühen und Arbeit gesteckt und sind jetzt umso gespannter auf die Resonanz. Wir freuen uns auf alle Fälle mega das Baby jetzt endlich der Musikwelt da draußen präsentieren zu dürfen. Hinzu kommt einfach der Aspekt, dass es zum ersten Mal etwas Deutsches und unter unserem neuen Bandnamen ist. Das macht uns schon ein bisschen aufgeregt und wir sind sehr gespannt, wie es ankommt. Gerade bei deutschen Texten, die jeder versteht, die man viel schneller hinterfragt, durchdenkt und deswegen auch schnell mal doof findet, ist für uns eine ganz neue Herausforderung beim Schreiben der Lyrics entstanden. Wir hoffen natürlich, die Leute einfach abzuholen und ihnen mit der Nummer Bock auf mehr zu machen.

Anna: Und, allerletzte Frage, der blank space. Ist genau genommen keine Frage, sondern ein literal blank space, den ihr hier ausfüllen dürft, ganz wie ihr wollt. Wenn ihr noch was ganz wichtiges loswerden oder einfach ein bisschen Selbstpromo gestalten wollt – hier ist der Platz dafür.

KAFFKIEZ: Checkt uns doch mal hier, um auf dem Laufenden zu bleiben:

https://www.instagram.com/kaffkiez/

https://www.facebook.com/kaffkiez

Vielen Dank Freunde für dieses Interview. Wir sind hyped auf die Premiere! :*

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03.07.2020
Alfie Templeman im Interview: »It either boosts my ego or scares the living daylight out of me«

Alfie Templeman ist ein kleines Musikwunder aus Carlton, Minnesota und erst 17 Jahre alt. Alfie macht Indie-R’n’B, bedroom-pop und alles zwischendrin. Mit seiner kommenden EP „Happiness In Liquid Form“ setzt er ein weiteres Statement und beweist, dass mit ihm jetzt schon als aufkommende Musikgröße zu rechnen ist. Trotz seines ganzen Erfolges und seiner großen Fanbase versucht Alfie am Boden zu bleiben und das zu machen, was er am besten kann – Musik. Seit gestern könnt ihr seine neue Single „Obvious Guy“ auf allen Plattformen streamen, bevor am 15. Juli dann die ganze EP droppt. Als Einstimmung dazu hat Anna ihn schon mal ein bisschen für euch ausgequetscht.

Anna: First off, congrats on the release of your new EP! How would you describe yourself and your music for the few people who missed you on their radar?

Alfie: Thank you very much! I like to think that my music discography is a journey – each EP I put out I progress and learn new things. And by following me, you watch my journey evolve as a 17-year-old musician.

Anna: How does “Happiness In Liquid Form” feel to you? Is does sound a bit different to what you’ve been doing before, what was the process behind your new project?

©Blacksocks

Alfie: Well, to people who look at my music from a fans point of view, it’s different as this is the first sugary pop song I’ve put out. However, I’ve always been making stuff like this. This is just the first time I’ve really had the guts to put it out. It WAS the same process, I’d normally just record a song and figure out the meaning after it’s done because I write lyrics subconsciously. I hit record and sing whatever comes out of my mouth. I still do that sometimes. But Happiness changed that because Justin Young showed me how to focus on lyrics a bit more. And it’s nice to find the meaning before you hit the record button.

Anna: Tell me a bit about the different songs on the EP. Do you have a favourite one or one that was most challenging when writing or producing it?

Alfie: Happiness and Obvious Guy are both very upbeat funk pop tracks. Both actually in the same key! They’re the two songs where I worked with different people – Justin Young and Will Bloomfield for Happiness, Nick Hodgson for Obvious Guy. I like working with people but not too often. I prefer having a safe little bunch of people I can learn tips from. The other songs are produced by me, My Best Friend being a dark pop song featuring a great verse from Jess Eastwood of Coach Party and my girlfriend Sitara singing backing vocals. Then we have Maybe This Is Time, my fave. It’s very indie, my answer to an older track of mine Yellow Flowers. There’s Things I Thought Were Mine which is very poppy and last of all Wish I Was Younger, an upbeat RNB song.

Anna: Are there tracks that you were most excited sharing with your fans?

Alfie: All of them, I’m very proud of every song that made the cut!

Anna: I can only imagine finishing such a record and not being able to perform it live like you probably planned to. How are you dealing with everything that has been going on since March/April?

Alfie: Yeah, it sucks but I also don’t mind waiting because its going to make the shows so much fun and everyone’s gonna have a blast. Everything at home is fine for me anyway, I just keep recording as usual.

Anna: With almost 100K followers on your socials within just two years, you’ve had a pretty fast journey to the top. Do you still catch yourself doubting some of the things that keep happening? Or do you just go with it and enjoy the growth?

Alfie: I never think about who I am, where I am or what I’m doing because it’s either boost my ego or scare the living daylight out of me. I think I’m genuinely so shocked that I’m doing what I’ve always wanted to do as a job that I haven’t processed it, and seeing the rate I’m growing, I don’t think I have time to do so!

Anna: Do you feel like you’ve grown since you released your first song back in 2018? How were things back then and how are they now?

Alfie:

Foto by Clara Templeman

Sure, I’ve grown. Not height wise! But as a musician I’ve definitely progressed and learned a lot of tips, it’s all part of the journey I wish to share. I don’t look back and think those songs aren’t as good as the one I’ve made now, though. Art is art and preference is preference. I believe that if I put something out, I have to like it enough to still listen to it years later. I’m just finding new ways of expressing myself through music as I grow older.

Anna: At Untoldency, the last question always goes with a blank space for the artist, meaning, you can put down anything you want here. A shout out to your fanbase, a good book you just finished reading, artists that inspire you and we should check out, really anything.

Alfie: Thank you for the wonderful interview and thank you to everyone who has taken the time to listen to my music and support me. Animal Farm by George Orwell is a great book and Black Lives Matter so sign petitions and donate to causes.

Hier das Video zur neuen Single Obvious Guy:

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02.07.2020
Feng Suave im Interview: »It’s probably indie, it’s definitely pop, but probably indie.«

Indie-Soul mit warmen Psych-Pop und R’n’B-Grooves aus Amsterdam? Klingt nicht nur interessant, hört sich auch noch sehr gut an. Feng Suave machen genau das, oder – wie sie es manchmal einfach selbst beschreiben – „retro infused angst pop“. Am Freitag haben die zwei Daniëls aus den Niederlanden ihre neue EP „Warping Youth“ veröffentlicht und ich habe ein Interview mit beiden ergattern können.

Anna: So first off, congratulations to your release! It’s your second EP, how does it feel like knowing it’s out in the world now? Does it feel different from your first EP release?

Feng Suave: It’s quite different in the sense that this EP has a whole campaign around it. The first EP was just us sitting in our bedroom, recording and mixing the songs, and once they were finished we would upload them to ‘the internet’ so to speak. This time around we knew in advance when we had to deliver the EP and had to deliver it a couple months prior to the release of the first single. That makes the process quite different and it also has made it so that we have already moved on to our next body of work mentally. Knowing it’s out in the world still makes us feel good since we have worked hard for it and want people to hear our growth both musically and lyrically.

Anna: For people who don’t know you yet, how would you describe yourself and the music you’re making?

Feng Suave: We jokingly describe it as retro infused angst pop. But that’s only for a lack of better term. It’s probably indie, it’s definitely pop, but probably indie.

Anna: “Sink into the Floor” is your most played Spotify song with over 15 million streams. Is that the song you still get the most feedback on?

Feng Suave: Yeah. Sometimes it kinda sucks, because we feel we have made better songs in the meantime. But it’s always good to hear that people have been loving your tune, so we appreciate all the love we get for it and hope to top this success in the near future.

Anna: Let’s talk about “Warping Youth” which is the title of your new EP. What’s the story behind it?

Feng Suave: Warping Youth is personal in the sense that it’s about the adolescence and the disillusionments of growing up, but it’s also broader than that. We also try to capture feelings that we feel our generation has to deal with and want to connect with people who might feel alone on some of these topics. Every generation has felt they have been growing up in weird times, but in this one especially, since the world has become very small, we can share our feelings easier than ever, and we want to create a voice that tells you, you are not alone. We don’t offer solutions but show people, they’re not the only one.

Anna: What challenges did you face when writing/producing this new EP? How would you describe the journey from first draft to the last master?

Feng Suave: It’s always a struggle. This one in particular. We are bad at planning, and since there was a whole campaign behind this EP this stirred up some plans we had previously made. Other than that, it all went quite smoothly. It was our first time in a real studio, but a very good experience, but since its always a learning process we think our next body of work will sound even better.

Anna: My personal favourite is “Toking, Dozing” – it’s just a vibe. What were your inspirations for that song?

Feng Suave: Just the feeling that you’re not doing enough to help the world. Pollution and global warming are huge problems caused by mankind, and when we go to sleep only thinking about our own personal struggles and our own shit. The song is not a celebration of this feeling, but it’s also not pointing any fingers. It’s just simply acknowledging that everyone has this quality to a degree, and that it’s normal.

Anna: How are you dealing with everything going on this year? Did it affect your release plans for “Warping Youth” or your plans to perform live?

Feng Suave: Yeah, we had to cancel a lot of shows, which sucks, but they have all been rescheduled by now, so we won’t be missing out on anything. Furthermore, everything went quite smoothly, it was nice to spend some extra time on the new material we are writing.

Anna: Lastly, we have a blank space question, which is not a question but a literal blank space for you to fill out. You can share your thoughts on anything here, important topics, a funny anecdote or the last good book you read.

Feng Suave: We just want to take this opportunity to express our heartfelt gratitude towards our fans and anybody who’s tuned in to our music. It means the world to us. We love making music and are so thankful to have been enabled to pursue our dreams. Ps. recycle.

Fotocreditsgehen raus an Max D’orsogna.

Hört hier in „Warping Youth“rein und überzeugt euch selbst:

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30.06.2020

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