Autor: Lukas

International Music veröffentlicht endlich ihr neues Album „Ententraum“.
Die dreiköpfige Band aus dem Ruhrgebiet dürfte dem eingefleischten Indie-Fan inzwischen natürlich ein Begriff sein. Ihr erstes Album „Die Besten Jahre“ bekam seiner Zeit große Aufmerksamkeit von Musikredaktionen und Feuilletons – und nicht nur das, unter anderem der Musikexpress krönte das Debüt zum besten Album des Jahres 2018. Auch ich war damals (bis heute) einfach nur fasziniert von dieser ganz eigenwilligen Klangwelt, die das Trio mit ihrem Debüt geschaffen hat.

Ihr könnt euch also vielleicht vorstellen, wie extrem aufgeregt ich war, als sich langsam und allmählich das neue Album „Ententraum“ ankündigte. Den ersten hörbaren Vorboten entsandte International Music im Januar auf dem ESNS-Festival in einem exklusiven Livestream (untoldency berichtete). Dort spielten sie den Song „Museum“ als Weltpremiere. Ich: komplett begeistert. Die Spannung stieg ins Unermessliche, die Monate vergingen langsam und tja, was soll ich sagen? Das Warten hat sich verdammt noch mal gelohnt.

Der „Ententraum“ ist wieder ein Doppelalbum geworden. 17 (!) Songs auf einem Tonträger. Das ist heutzutage echt höchst ungewöhnlich, oder? Aber wer sonst außer International Music könnte sich das erlauben. Ein ungewöhnliches Format für eine ungewöhnliche Band eben. Wer sich darauf einlässt und einmal den Playbutton hittet, bekommt eine gute Stunde lang „traumhafte“ Gedankengänge und surreale Unterhaltung pur. Und am Ende müssen wir uns alle zum Glück nicht mehr länger fragen, wie wohl die Band von Helge Schneider, Lennon & McCartney und Ian Curtis von Joy Division klingen würde, die sie nach einer durchzechten Nacht in irgendeiner Eckkneipe in Mülheim an der Ruhr aufgemacht hätten.

Sektempfang

Begrüßt werden wir diesmal nicht vom „Metallmädchen“, sondern vom „Fürst von Metternich“, dem ersten Song des Albums. Ich bin mir auch nach mehrmaligem Hören immer noch nicht ganz sicher, ob es sich hier um eine Art Liebeserklärung an den Sektkonsum handelt oder tatsächlich die historische Figur im Mittelpunkt steht, die mir ganz vernebelt noch aus einer fast verdrängten Geschi-LK-Klausur zuwinkt. Ersteres könnte ich auf jeden Fall sehr gut nachvollziehen und möchte am liebsten mit Daumen hoch „Zielgruppe erreicht!“ aus dem Fenster Richtung Ruhrpott kreischen.

Und im Grunde kommen wir ganz am Anfang damit schon zu einem interessanten Fakt: die Lyrics von International Music sind schwer zu dekodieren und bedeuten höchstwahrscheinlich nie 1:1 das, was wir da tatsächlich hören. Ich denke, das kann man dann insgesamt getrost als Konzept bezeichnen, denn genau wie in einem Traum macht während des Träumens immer alles mächtig Sinn. Erst nach dem Aufwachen oder wenn die Platte auf der Endlosrille ihren Feierabend genießt, steht bei mir ein dickes „WTF?“ im Gesicht. Der Ententraum, so so.

Es erfordert sicherlich etwas Willen und Geduld, sich auf die Texte dieser Band einzulassen.
Wir können uns bei IM niemals ganz sicher sein, ob sie sich inhaltlich wirklich auf einer anderen Metaebene far beyond befinden, oder ob sie sich über eben diese nur auf ironische Weise lustig machen. Das Schöne daran: wir können als Hörer beides. Den Nonsens als Nonsens betrachten und darüber schmunzeln, oder den Sinn hinter den Versen erforschen und uns extrem in diesen philosophischen schwarzen Löchern verlieren, die International Music hier für uns aufreißen.

Vom Stadion ins Museum

Ziemlich neu auf diesem Album ist Text als gesprochenes Wort in Form eines Erzählers, der von Bassist Pedro verkörpert wird und immer mal wieder kryptisch philosophierend in Erscheinung tritt. So auch bei den ersten beiden Stücken. Auch neu ist der Sound der Band. Obwohl, nein, das stimmt nicht so ganz. Denn schon der „Fürst von Metternich“ ist glasklar ein International Music Song, ab den ersten Takten unverkennbar. Dennoch kommt es mir so vor, als sei ihr Sound etwas extrovertierter im Vergleich zum Vorgänger geworden. Besonders merkt man das bei den rockigen Stücken wie dem zweiten Song „Die Höhle der Vernunft“, bei dem vor allem die Drums, für die ganz großen Rockmomente, einen leichten Stadion-Touch verpasst bekommen haben.

Ein weiterer Wandel in der Produktion fällt mir bei „Wassermann“ auf, den die Gruppe vorab schon als Single auskoppelte. Hier ist ein deutlich größerer Einfluss von New Wave aus den 80er Jahren zu spüren, der auch später auf „Ententraum“ immer mal wieder auftaucht. Der vermehrte Einsatz von Synthesizern, Vocodern und anderen Tasteninstrumenten gibt Songs wie diesem eine spannende Tiefe, auch wenn der Genremix dadurch noch wilder wird.

Apropos wild – „Spiel Bass“ ist ein super Beispiel für die bunte Punksträhne im wehenden Haar des Trios. Hier wird dann auch gerne mal gebrüllt und den Emotionen freien Lauf gelassen. Wie damals nach der Achten auf’m Schulhof mit meinen Zeckenfreunden aus der 10b. Dazu ein treibender Groove auf verzerrten Toms und ein Gemisch aus krachenden Gitarren und – natürlich – Bässen. Beim Hören muss ich leider echt ein Tränchen verdrücken, wenn ich an das eine tolle IM-Konzert zurückdenke, das ich vor Corona live miterleben durfte. „Spiel Bass“ wäre beim nächsten Mal definitiv ein Banger im Moshpit.

Es folgt „Museum“, der schon wie erwähnt vorab im Livestream Premiere feiern durfte. Der schleppende Charakter der Instrumentierung fängt hier eine ganz spezielle Stimmung ein. Im Text des Songs geht es womögllich um einen ganz intimen und besonderen Moment: vielleicht ein vorsichtiges Annähern, vielleicht das erste Date? Dann ein Kniff! Wie könnte man einen romantischen Moment wohl herrlicher zerstören, als mit den Worten „Fass bitte nichts an, das ist mein Museum“? Dieser plötzliche Bruch in der Erzählung ist ganz typisch für IM und zeigt ihren sehr witzigen, selbstironischen Humor.

„Das Fell auf meiner Haut macht sich groß und das ist mir vertraut
Die Haare stellen sich langsam auf und ab
In Tüchern und Kuverts finde ich den letzten Vers
Überheblich verwerf’ ich ihn mitsamt den Querverweisen

Fass bitte nichts an, das ist mein Museum
Hab ich dir gesagt, hab ich dir gesagt
Hab ich dir schon mal gesagt“

Ein bisschen Zucker

Die Zeit, in der Rocksongs mehr oder weniger offensichtliche Liebesbotschaften an LSD oder Heroin enthielten, scheint auch endlich vorbei zu sein. Stattdessen widmet International Music den Song „Zucker“ der größten Droge des 21. Jahrhunderts: der köstlich-süßen Versuchung. Hier ist auch weiteres Markenzeichen von IM absolut hervorzuheben: der großartige Chorgesang der beiden Frontpersonen Pedro und Peter. Nichts prägt sich so sehr ein, wie diese wunderschönen harmonischen Arrangements der Zweit- und Drittstimmen. Manchmal irgendwie monoton und spirituell angehaucht, manchmal wie ein gruseliger gregorianischer Choral und an anderer Stelle wie ein feinsäuberlich aufgestellter Barock-Knabenchor. Das ist auf dem neuen Album einfach noch mal besser gelungen, als auf dem Debüt.

„Misery“, ein Song, den ich mal vorsichtig als politisch bezeichnen würde, kommt im Refrain im musikalischen Kleid eines optimistischen Friedensliedchens daher, obwohl wir beim Text eher eine bittere Pille zu schlucken haben. Hier lässt sich eventuell eine Reaktion auf Fake News und Querdenken ablesen, die dem Stück eine dystopische Note verleiht:

„Die Sprache ist eklektisch
As you and me
Truth is not objective
Wie er und sie“

Der „eklektische“ Wechsel zwischen Deutsch und Englisch wirkt hier ganz logisch und ungezwungen und ist ein Stilmittel, das die Band inzwischen wirklich gut beherrscht.

Ein neues Glas Pop

Jetzt immer wieder zu schreiben „ein weiteres Highlight ist der Song XY“ gähnt mich selbst schon an. Aber was soll ich machen? Alles ist irgendwie ein Highlight. Wirklich herausstreichen möchte ich noch den Song „Raus ausm Zoo“, der einfach mal wieder Lust auf Reisen macht und richtig Fernweh verbreitet. Aber nicht so „perfekte-Reise-nach-Thailand-im-warmen-Regen-duschen“-mäßig. Sondern eher so richtig mies, „Mundgeruch-nach-22-Stunden-Autofahrt-nach-Moldavien“-mäßig. Der Bass spielt hier ein paar ziemlich funkige Lines, die mit einem sogenannten Chorus-Effekt versehen sind. Dadurch bekommt der Song so einen geilen, dreidimensionalen 80er Pop-Flair, der mich gerade total abholt. Und dabei genau wie die Kassette klingt, die wir auf dieser Reise unter dem Sitz unseres Opel Kadetts fänden.

Es gibt drei Sachen, die International Music wirklich gut kann: Hooklines, Hooklines, Hooklines. Wie aus dem Nichts hauen sie in jedem Song einprägsame Verse raus, die sich sowohl lyrisch als auch musikalisch wie ein Branding ins Gehirn einbrennen. Bereits nach dem ersten Album haben sich mehrere Zeilen schon regelrecht in mein Vokabular etabliert. Ich weiß gar nicht mehr, wie ich mich ohne IM-Zitate überhaupt noch verständigen soll. Und wenn ich mir so das neue Album anhöre, stelle ich mir schon vor wie ich am Kaffeetisch sitze und „ich will wie immer ein bisschen Zucker“ zu singen beginne. Oder wie „ich nehm’ die Achterbahn nach Düsseldorf“ durch meine Hirnschale schallt, wenn ich mal wieder auf dem Weg in die verbotene Stadt bin, wie man im Rheinland so schön zu sagen pflegt.

Der Band gelingt es nämlich immer wieder, alltägliche Beobachtungen und scheinbar banale Handlungen und Dinge in ein interessantes, neues Licht zu rücken. Kontext Baby! Dadurch erhalten Zeilen wie „Heute kauf’ ich mir ein neues Glas Marmelade / Heute kauf‘ ich mir ein neues Glas Pop“ eine unerwartete Dimension, die reichlich Platz für Interpretationen lässt.

Fazit

Okay, ihr merkt, ich bin total hyped. Und nicht mehr objektiv. JA! Das stimmt! Aber Entschuldigung!? Für mich ist der „Ententraum“ definitiv ein Top-Anwärter für das Album des Jahres 2021. Warum? Weil es einfach so viele gute Dinge vereint. Es ist nämlich toll produziert und klingt hervorragend, dank Produzentenlegende Olaf O.P.A.L. Die Lyrics sind wunderbar einfach auf den ersten Blick, aber haben gleichzeitig so viel weiße Fläche, um die eigenen Gedanken kreativ darauf zu verewigen. Dann dieser Ausritt durch die Genrelandschaft von 60s Beat- und Surfmusik, über early 70s Punk bis zum New Wave und Gothic der 80er. Das Zusammenspiel der Band, die Basslines, die Gitarrenriffs und die minimalistischen Schlagzeuggrooves von Drummer Joel. Und nicht zuletzt die Konstruktion des Albums an sich. Surreal und psychedelisch, und immer schön nach dem Motto „I am cringe, but I am free“. Eine wahre Flucht aus meinem langweiligen Alltag.

Fotocredit: Harriet Mayer, Alfred Jansen

Erst kürzlich hat der Berliner Musiker Amanda Deff seine Doppelsingle „Ass Minze“ veröffentlicht. Nachdem 2016 sein Album „ABCDEFF“ und 2018 seine EP „SPAM“ erschien, meldet sich Amanda Deff 2021 mit erfrischenden Lebenszeichen zurück.

Als „Hybrid-Pop“ bezeichnet David alias Amanda Deff selbst seine Musik. Das ist äußerst passend, denn die verschiedenen Genreeinflüsse fliegen nur so kreuz und quer durch seine bisherigen Veröffentlichungen. Da steht Synthfunk neben Lofipop und von irgendwo ganz hinten ruft uns noch ein Mac DeMarco ein „Hallo“ herüber. Ein Hybrid auch bei der Sprache seiner Texte: zuerst noch hauptsächlich auf Englisch gedichtet, sind die beiden neuen Songs „Ass“ und „Minze“ vorwiegend in deutscher Sprache verfasst.

Ein Ass im Ärmel

Ich habe ja ein großes Herz für alternative Popmusik und Amanda Deff passt da ganz hervorragend rein. Hier ist nichts vorhersehbar. Und so lassen mich die Lyrics von „Ass“ auch zunächst ziemlich ratlos im Regen stehen. Hier treffen sich viele kleine Metaphern aus der Welt des Gamblings und außerdem ein paar diskret eingeflochtene Zitate aus Klaus Lages „1000 und 1 Nacht“, dem Song, zu dem unsere Eltern in flippigen Kellerdiskos schon Zärtlichkeiten ausgetauscht haben (auf die ich aber wirklich nicht näher eingehen möchte). Kernthema des Textes also: die verpasste Chance zwischen zwei Menschen, immer und immer wieder. Tausend mal berührt, tausend mal ist nichts passiert. Die Sehnsucht nach mehr bringt uns Amanda Deff hier wirklich unaufdringlich näher und beschreibt damit eines der aufregendsten, aber auch oft schmerzvollsten Gefühle ever.

Dieses Phänomen einer Freundschaft mit ungewissem Status scheint ja quer durch die Gesellschaft wirklich häufig zu existieren, vielleicht hat sogar jede*r von uns schon einmal Herzschmerz aus dieser Richtung erfahren. Eine ganz besondere Beziehung zu einem ganz besonderen Menschen: Man kennt sich lange, man vertraut sich, man liebt sich. Und entweder es wird dann tatsächlich mehr – oder eben nicht. Die Kartenspielmetaphern im Text untermalen dieses Bild zusätzlich: es gleicht einem Spiel, es geht hin und her, es wird „gecheckt“, dann wieder ausgeteilt. Alles auf eine Karte, das Ass im Ärmel – für den richtigen Moment. Das angenehme an Amanda Deffs Art des Textens ist der Flow seiner Gedanken. Er möchte uns in seinen Lyrics am Glück oder am Schmerz teilhaben lassen, zwingt es uns aber nicht auf, wenn wir dem roten Faden nicht folgen wollen.

„Tausend mal ist nichts passiert
verdammt ich hab es satt
die Welt gehört doch uns
ok wir wollten es nur wissen

Ich hatte noch heute nachgedacht
was du schon letztens sagen wolltest
und es hat zoom gemacht“

Die Vocals, eingehüllt in einen weichen Autotuneeffekt, werden in „Ass“ von verschiedenen Synthesizern begleitet. Musikalisch baut der Song auf seinen recht kurzen 2:23 immer wieder Spannungen durch angetäuschte Build-Ups und Hi-Passfilterfahrten in den Drums auf, die sich aber nie wirklich und gänzlich in einen Drop entladen können. Denn ganz passend zur Thematik besteht das besungene Beziehungskontrukt ja auch aus genau diesen Spannungen, die sich einfach nicht abbauen wollen.

„Kauen together, Classic forever“

Deutlich definierter instrumentiert ist hingegen die andere Hälfte der Doppelsingle, nämlich „Minze“. Die Drums treiben uns ab der ersten Sekunde durch den Song. Beim ersten Hören klingt „Minze“ nach einer Liebeserklärung an den Kaugummi. Und je mehr ich darüber nachdenke, desto mehr wird mir bewusst, was der Kaugummi eigentlich für ein interessantes Produkt ist. Er ist oft ein Retter in der Not, man denke nur an all die Situationen des schlechten Atems, der inneren Zwiebel in uns. Am Morgen-Danach auf dem Zeltplatz unseres Lieblingsfestivals. Kurz vor dem Bewerbungsgespräch. Oder vor dem ersten Kuss. Andererseits ist der Dauerkauer natürlich auch ein Zeichen der Provokation. Gegenüber Älteren ja sowieso, aber auch am Tisch mit offenem Mund gekaut, als gelangweilt zerplatzende Kaugummiblase, oder banal vor unsere Füße gespuckt.

Alles ganz wunderbare Metaphern, um Gefühle auszudrücken. Und ich glaube genau das will Amanda Deff in diesem Song. Denn wenn er singt „so please never never never leave me“, kommt mir unweigerlich der vergangene Geschmack eines einst wirklich leckeren Kaugummis in den Sinn. Bitte verlass mich nicht! Genau wie in der Liebe: was früher einmal erfrischend, fruchtig und aufregend war, wird mit der Zeit immer blasser und fader und dann fragen wir uns: warum kauen wir eigentlich noch? Ja, die Liebe ist wohl wie ein Kaugummi.

„Lass dich kauen
in dir steckt nämlich Wut
und Kapitulation
das steht dir gut
aber das haste nicht gewollt“

Musikalisch erinnert mich der Song, mit der Mischung von Synthezisern und Indiebeats, zum Beispiel an Bands wie MGMT oder The National. Das Ganze dann hübsch geschmückt mit Falco-Vibes in Amanda Deffs Vocalperformance, diesmal ganz ohne Autotune. Das flowt und macht direkt gute Laune.

Fazit!

Amanda Deff schafft etwas, was sich viele IndiemusikerInnen für die eigenen Songs wünschen: es klingt absolut authentisch. Seine Texte wirken zunächst unfassbar simpel und plakativ, doch je öfter man hört oder liest, desto mehr Kleinigkeiten, Referenzen und Genialitäten findet man zwischen den Zeilen. Für mich bringt Amanda Deff, der zudem auch noch alles selbst produziert, ein Stückchen Avantgarde in die manchmal etwas langweilig gewordene, deutschsprachige Popmusik zurück. Dabei muss man keineswegs all seine Texte bis aufs letzte Wort verstehen, dafür sind sie wahrscheinlich einfach zu abstrakt . Aber die dadurch gewonnene Freiheit einfach mal zuhören zu können, ist wirklich sehr angenehm. Ein Kaugummi, der mir zumindest noch lange schmecken wird!

Am 26.03. hat Micro Circus aus Nürnberg bzw. München ihr neues, bereits zweites Album „Black Swan“ veröffentlicht – beachtliche acht Jahre nach dem Vorgänger „Bliss made of plastic“. Seitdem ist viel Wasser die Isar runtergeflossen und diese Zeit hat das Duo sinnvoll genutzt, um sich nicht nur musikalisch weiter zu entwickeln, sondern auch um eine beeindruckende neue Platte zu produzieren.

Eine düstere Offenbarung

Das Erste, was mir beim Hören auffällt, ist die unglaublich professionelle Produktion dieser elf neuen Tracks. Ich bin da wirklich kleben geblieben und der Sound hat mich verschlungen, obwohl ich die ersten beiden Songs nur auf Handylautsprechern gehört habe. Ein Grund mehr, sich das mal genauer anzuhören. Musikalisch präsentiert uns Micro Circus auf „Black Swan“ ein Album mit Konzept. Elektronische Drumloops treffen auf vintage Synthesizer, zerbrechliche Vocals auf verzerrte Gitarren. Klingt zwar nach einer bunten Mischung, fühlt sich aber so an, als dürfte es gar nicht anders sein.

Den Start in die Welt von Micro Circus macht der Song „Revelation“. Im wahrsten Sinne des Wortes ist dieser Song eine Eröffnung von etwas Verborgenem. Nämlich einem Gefühl, das viele Menschen gerade in sich tragen: Resignation. Wir haben es verbockt, so sieht es aus. Unsere Gesellschaft ist auf Perfektion abgerichtet und abgestumpft von schlechten Nachrichten und Katastrophen, jeden Tag. Da bleibt nicht mehr viel übrig als zuzuschauen und abzuwarten, wie wir allmählich die Kontrolle über all das verlieren. So sieht es zumindest der wunderbar dystopische Text des Songs, der im Chorus einen ironischen Toast auf unsere grandiose Spezies ausbringt:

„Hooray! A cheer for revelation
We are greatest of all creations
We’re dedicated to perfection
Yes, we are“

Der Song, der vorab schon als Single erschien, glänzt außerdem mit einem spannenden Aufbau. Zu einem Loop eines Drumcomputers gesellt sich anfangs lediglich die glasklare Stimme des Sängers Chris. Zugegeben, ich als absoluter Radiohead-Ultra war da schon hin und weg, denn die ganze Art und Weise wie hier Musik gemacht wird, erinnert mich sehr an die experimentellen Phasen von Thom Yorke & Co., aber zum Glück ohne wie eine Kopie zu klingen. Die Steigerung durch das akustische Schlagzeug und die breiten, verzerrten Gitarren, gibt dem Song zum Ende hin den nötigen Raum, um richtig wirken zu können.

Beware of aggressive swans

Während ich mich so von Track zu Track höre, überlege ich, welche Bands aus Deutschland dieses etwas verschrobene Genre denn noch so repräsentieren. Eine Mischung aus Indierock und Alternative, das alles aber irgendwie introvertiert und experimentell, gespickt mit elektronischen Klängen. Spontan fallen mir da Bands wie The Notwist oder vielleicht noch Moderat ein, die beide für einen sehr internationalen Sound bekannt sind. Allerdings ist diese Art von Musik und deren Tiefe und Eindringlichkeit auf dem deutschen Musikmarkt relativ selten zu finden. Bemerkenswert also, dass Micro Circus sich hier selbstbewusst einreiht und einen Vergleich tatsächlich nicht scheuen muss.

Der durch seinen Breakbeat ziemlich groovige Song „Water“ leitet uns weiter flußabwärts in ruhigere Gewässer, in denen wir auch den „Black Swan“ des Albums treffen sollen. Wer schon mal von einem attackiert wurde, weiß, dass Schwäne einfach nur verdorbene, charakterlose, aggressive Miesepeter sind. Auch wenn sie wunderschön aussehen. Ich weiß es seit Kindheitstagen und bin deswegen schwer traumatisiert. Das Titelstück des Albums erinnert mich sofort an das „The Resistance“-Album von Muse und ich bekomme immer mehr das Gefühl, dass Micro Circus und ich wohl mit der gleichen Musik sozialisiert worden sind. Im Song prophezeit die Band das Zuschnappen des schwarzen Schwans und dessen unumgängliche Jagd auf uns. Der schwarze Schwan steht in der Mythologie seit jeher für ein unerwartetes bzw. unwahrscheinliches Ereignis und gibt dem Song dadurch eine sehr tiefe philosophische Ebene. Nichts ist vorhersehbar, wir können uns nicht auf alles vorbereiten und das Schicksal bekommt uns, egal wo wir uns verstecken. Die Zeilen in der zweiten Strophe passen da ganz besonders gut:

„All glass balls are defect(ive)
So everyone is wrong
Everyone is wrecked
This is the Worst Case Scenario
Time has come to jump out the window“

Aus den Fugen geraten

Die Abwechslung zwischen ruhigen, introvertierten Songs und einigen aufbrausenden Pophymnen, ist über das Album verteilt sehr angenehm. „Statues“ ist zum Beispiel einer dieser großspurigen, epischen Songs. Hier geben sich verhallte Drums und dicke Gitarrenwände die Hand und tragen eine äußerst radiotaugliche Melodie in unsere Ohren, die dort lange bleiben will. Auch „Sparks“ schlägt hier durch angenehm harmonische Akkorde, gezupfter Gitarre und positiven Vibes in den Lyrics eine etwas poppigere und gefälligere Richtung ein. Im Kontrast dazu stehen dann Stücke wie „Next“ über Chaos, Leid und Schmerz oder „Vs.“ über Abhängig- und Abwechslungslosigkeit, zum Beispiel in einer Beziehung. Beide Stücke sind dann auch deutlich minimalistischer und düsterer instrumentiert und lassen ein ganz besonderes, elektronisches Instrument erklingen: das „Melotron“. Dieses wurde schon von Bands wie den Beatles oder Led Zeppelin in den 60er und 70er Jahren verwendet und klingt auch heute noch einzigartig.

Dass Micro Circus auch mitreißende Balladen kann, hören wir dann ganz eindrucksvoll bei „Scientists“. Ein ganz lethargisches und leicht verstimmtes Klavier, bei dem wir sogar das Knarzen des Pedals hören können, schafft eine intime Atmosphäre. Der Klang der Vocals hat hier, ganz ohne das despektierlich zu meinen, einen ganz leichten Touch of Robbie Williams in seinen besten Jahren. Das Stück handelt von einem aus den Fugen geratenen Leben und auch dieser Text lässt sich wieder ganz wunderbar auf die aktuelle gesellschaftliche und politische Situation auslegen. Der Wunsch nach Führung und die Sehnsucht nach einem Wegweiser, z.B. durch die Wissenschaft, wird hier besonders ausgesprochen. Zeilen wie „The perfect circle’s out of tune“ oder „surrounded by the cage of doubts“ treffen den Ton der andauernden Krisen momentan ganz vorzüglich.

„Write on, write on, dear Scientists
I’m waiting for your promises
I’m faced with things I’ve never missed before
Write on, write on, dear Scientists
You are the last ones on my list
Come on! Lead me somewhere I belong“

Fazit

Die beiden Musiker Chris und Ole von Micro Circus haben sich auf ihrem zweiten Album wirklich die Ärmel hochgekrempelt und ein richtig gutes Album geschaffen. Die Qualität von „Black Swan“ ist hervorragend – vom Songwriting über die Aufnahmen bis hin zum Mix. Das macht beim Hören einfach Spaß und ich glaube es gibt so einige Major-Produktionen, die deutlich schlechter klingen. Wenn ich einen Kritikpunkt suchen müsste, dann wäre es die Länge bzw. das Format des Albums. Ich weiß, das ist Geschmackssache, aber ich hätte mir hier auch gut zwei EPs vorstellen können. Aber hey, kann man zu viele gute Songs auf einer Platte haben? Wahrscheinlich eher nicht!

Ich würde sagen, wir sollten gemeinsam daran arbeiten, dieses Stück Musik weiter zu verbreiten. Hört es euch an! Der schwarze Schwan schnappt auch bei euch zu. Versprochen.

Fotocredit: Andreas Groh
Artwork: Phlipp Holle

Vor nunmehr zwei Wochen hat die Band FOTOS ihr neues Album „Auf zur Illumination!“ veröffentlicht. So wie viele andere Bands und MusikerInnen, hat auch FOTOS die Quarantänezeit im letzten Frühjahr genutzt, um neue Musik zu produzieren. Zunächst in Eigenregie von Tom Hessler, dem Sänger und Gitarristen der Gruppe. Nach den Lockerungen folgte dann die Vervollständigung durch die gesamte Band und der Produzentenlegende Olaf Opal.

Wer FOTOS kennt, weiß, dass die vier Musiker alte Hasen im deutschsprachigen Musikbiz sind. Bereits 2006 veröffentlichten sie ihr erstes Album und haben sich seitdem sowohl textlich, als auch musikalisch enorm entwickelt und gewandelt: vom gitarrenlastigen Indierock aus ihren Anfängen, über ihre Shoegazephase auf dem Album „Porzellan“ bis zu ihrem jüngsten Werk, bei dem Gitarren absolut in den Hintergrund gerückt sind.

Reiseziel: Erleuchtung

Dass sich Tom Hessler buchstäblich mit seinem Modular-Synthesizer in seinem Studio eingeschlossen hat, ist ab der ersten bis zur letzten Sekunde des Albums zu hören. Die generierten Sounds dieses analogen elektronischen Musikinstruments klingen einzigartig und bilden das Grundgerüst von „Auf zur Illumination!“. Im ersten Song „Rauschen“ sägt uns der Synthie passend zum Songtitel monoton in Stimmung und verkörpert das Grundrauschen unseres Lebens. Eine Kulisse, die wir nicht ändern können und uns immer begleitet. Und FOTOS stellt uns, einleitend zum Album, eine brisante Frage zum Songende:

„Es gab einen Traum für uns
Wir träumten gemeinsam
Erinnerst du dich noch,
ob wir jemals aufgewacht sind?“

Spätestens jetzt wird klar, dass „Auf zur Illumination!“ keine hohle Phrase ist, sondern eine ziemlich ernstzunehmende Aufforderung darstellt. Denn nicht nur mit spacigen Sounds, auch textlich entführt uns Tom Hessler direkt auf eine andere spirituelle Ebene. Ab hier beginnt ein Wegweiser, ja quasi ein Reiseführer ins innere Selbst.

Hello, this is your Captain speaking

Wie das Reisetagebuch einer Expedition durch ein Paralleluniversum oder wahlweise durch das eigene Unterbewusstsein klingt der Song „Silberne Maschine“. FOTOS laden uns auf eine Fahrt in ihrem sonderbaren Vehikel ein. Die Band lässt den Hörer im Ungewissen, um was es sich bei dieser Maschine genau handelt. Ein UFO? Eine Rakete? Oder vielleicht doch um einen Delorean DMC-12 mit Fluxkompensator? Naja, jedenfalls: Fasten your seat belts! Denn wenn man hier nicht aufpasst, verfällt man durch die hypnotische Kraft der pulsierenden Bassdrum und des Auf-und-Abs des Synthesizers schnell mal in eine ganz heftige Trance.

Ist auch kein Wunder, denn immerhin massiert dieser Track knapp 11 Minuten die verspannten Synapsen. In Zeiten von zweieinhalb-Minuten-Songs und bösen Spotifyalgorithmen eine absolute Seltenheit. Das zeigt mir vor allem eins: dass die Band FOTOS komplett unabhängig und frei in ihrem musikalischen Schaffen ist und sich nicht in die Suppe spucken lässt. Und das finde ich hammer. In diesem Sinne erfrischend unkonventionell funktioniert das ganze Album weiterhin.

Der bereits zuvor ausgekoppelte Song „Meise“ besticht vor allem mit seinem lyrischen und eingängigen Text. Jede Zeile klingt einfach von vorne bis hinten schlüssig und ist sprachlich toll ausgearbeitet. FOTOS macht hier mit uns Sightseeing in der Gedankenwelt einer mutmaßlich durch Verfolgungswahn geplagten Person. Die Fetzen dieser Denkvorgänge sind in einem tanzbaren Groove mit durchgehend rollendem Bass verpackt; das Klirren und Sirren der synthetischen Klangquellen wirkt wie plötzlich aufkommende wahnhafte Gedanken. „Meise“ ist außerdem einer der wenigen Songs mit einem „klassischen“ Band Set-Up. Hier spürt man auch ganz besonders den Einfluss des Produzenten Olaf Opal, der ein wahrer Experte für psychedelisch-poppige Songs ist und das zum Beispiel bei Bands wie International Music oder auch schon zuvor bei FOTOS unter Beweis stellen konnte.

Wir haben unsere Reiseflughöhe erreicht

Tatsächlich sind eher ruhige, minimalistische Arrangements auf „Auf zur Illumination!“ das Markenzeichen. In „Gegen die Wand“ zum Beispiel, werden wir von einer leicht artifiziell verfremdeten Stimme dazu aufgefordert, doch auch mal verschlossene Türen einzurennen und die Flucht nach vorn anzutreten. Hier kommt sowohl das zuvor schon gehörte Thema „Angst“, als auch das Thema „Reise zu sich selbst“ wieder ins Spiel. Das leitet nahtlos über in den nächsten Song „Das Verlangen“. Diesmal etwas voller instrumentiert, werden wir mit einer weiteren inneren Stimme konfrontiert. Das Verlangen nach Selbstentfaltung und Extraversion arbeitet sich seinen langen Weg aus den Tiefen unserer Selbst, entgegen aller Beschwerlichkeiten. Dieses Gefühl ist wirklich bezeichnend für die im Corona Lockdown weggeschlossenen Bedürfnisse. Und das kann vielleicht ein*e jede*r gerade gut nachvollziehen, besonders aber die MusikerInnen und KünstlerInnen.

Let’s go zum nächsten Stopp in unserer silbernen Reisemaschine! „Auf zur Illumination!“, der Titelsong des Albums, klingt fast so, als ob Lennon und McCartney höchstselbst nach einer ihrer spirituellen Trips in Indien deutsch gelernt, und noch ein weiteres Stück für Srgt. Pepper geschrieben hätten. FOTOS schildern uns mit diesem Song einen ziemlich psychedelischen Erfahrungsbericht als erleuchtetes Wesen. Harmonisch einfach nur satisfying, kommt auch dieses Stück mit ganz abgespeckter Instrumentierung aus.

„Millionen Wale werden singen,
meine Seele salutiert
Auf Purpurwolken werd ich wandeln,
auf einer Scheibe die rotiert“

Sehr geehrte Gäste, wir starten den Sinkflug

Wer bis hierher gekommen ist und nicht (as usual) in der letzten Reihe unseres Nachtbusses zur Erleuchtung eingepennt ist (no offense!!), kann jetzt noch die letzten drei Haltestellen dieses Albums genießen. Mit „Ausflug“ einfach mal den Kopf ausschalten und weg hier, raus aus den eigenen vier Wänden, alle Signalempfänger aus oder auf Flugmodus. Die Abkapselung aus der Einkapselung. Da Reisen leider in real life gerade echt schwierig sind, sei es kurzfristig durch Corona oder langfristig in Bezug auf den Klimawandel, vermitteln uns FOTOS hier zumindest virtuell den süßen, fast vergessenen Geschmack von Zigarrettenholengehen-&-Niewiederkommen.

Ein ehrlich gesagt etwas gewöhnungsbedürftiges Stück ist für mich nach wie vor „Nachtschattenglühen“. Das zwar sehr poetisch, aber ebenso abgespaced vertonte Gedicht, klingt ein bisschen wie ein prison baby von Leonard Cohen und Novalis. Es öffnet auch ganz ohne Substanzen Pforten in meinem Kopf, von denen ich gar nicht wusste, dass es sie gibt. Alle, die sich gerne auf Metaebenen bewegen, werden an diesem Stück ihre wahre Freude haben.

Wesentlich poppiger erreichen wir danach aber auch schon unsere Endstation. Ein wahrer „Grower“ ist das letzte Stück „Weiße Wellen“. FOTOS vermitteln uns hier das Gefühl, abhängig, aber abgehängt zu sein. Zum Schluss wird nochmal ganz deutlich, wie raffiniert und eigenständig die Texte von Tom Hessler sind. Wirklich jeder Song lässt Millionen von Interpretationen zu und wenn man darauf keine Lust hat, klingen sie einfach nur gut. Mit einem wunderbaren Refrain verabschiedet uns FOTOS von dieser sehr aufschlussreichen und entspannten Reise mit einer Landung, bei der sicherlich Standing Ovations in der Maschine angebracht sind:

„Du rennst zu schnell
Lässt mich fliegen und bringst mich zu Fall
Du brennst zu hell
Jeder Flug endet mit einem Knall“

We hope you’ve had a pleasant flight

Das neue Album „Auf zur Illumination!“ von FOTOS klingt wie aus einer anderen Zeit. Nur weiß man nicht so ganz, ob es sich um die Vergangenheit oder die Zukunft handelt. Zugegeben: dieses Album braucht etwas Zeit. Das ist Slow-Food für unseren konditionierten Popgeschmack. Ich hatte anfänglich so meine Schwierigkeiten, richtig reinzukommen. Aber irgendwann macht es klick. Dann ist es wunderschön und trägt massiv zur Entschleunigung des Alltags bei. Die Sounds sind fesselnd, genauso wie die unfassbar guten Lyrics. Es ist ein geschlossenes System, alles passt perfekt zueinander und macht Sinn, sofern man denn einen Sinn suchen will.

Moment, eigentlich weiß ich gar nicht, ob es Sinn macht, weil ich viele der Texte nicht verstehe. Das ist aber gar nicht schlimm, denn zuhören will ich auf jeden Fall und dazu träumen lässt es sich auch prima. Ich bin jedenfalls froh, dass FOTOS mich neugierigen, sandaligen Touristen mit auf diese Reise genommen hat und gebe safe 5 Sterne bei TripAdvisor. Es ist bemerkenswert, wie unvoreingenommen und frei diese Band ihren Sound immer wieder neugestaltet und ihr Ding durchzieht. Davon kann man sich einfach nur mehr erhoffen und ich bin gespannt auf das nächste Album.

„RATATATA – Hört sich gut an. Es ist sehr laut, aber ist geil – Lass so“. Das sind die ersten eindrucksvollen Worte der jetzt erschienenen „Verstehst du nein gut“-EP des Wuppertaler Musikers Tom Taschenmesser. Eine alles in Grund und Boden rauschende EP voller Lofi-Sound und Wut im Bauch. Mit den drei Singles „Meine Schwestern“, „Maury“ und „Niemand kann alle sein“ hat sich im Vorfeld schon ein recht detailgetreues Stimmungsbild dieser EP ergeben, die zwei weiteren Songs ergänzen den verschrobenen Style in Perfektion. Immer auf der Suche nach der Schönheit in ihrer hässlichsten Verkleidung, fließen Toms Texte und Songs wie in einem Bewusstseinsstrom flussabwärts.

Kampfansage

„Meine Schwestern“ beeindruckt mich schon, bevor der Song überhaupt angefangen hat. Die absolut wache und irgendwie dauergereizte Stimme von Tom Taschenmesser führt in seinen Opener ein, der mir ab der ersten Sekunde eine Gänsehaut verpasst. Hier wird nicht um den heißen Brei geredet, denn es geht thematisch direkt zur Sache. Feministisches Empowerment ist zwar im Moment in aller Munde, aber bei „Meine Schwestern“ kriegen wir es alle noch mal gehörig auf die Fresse. Pardon, da ist es glatt mit mir durchgegangen. Mir steht dieser Stil vielleicht nicht so, aber Tom schafft es, zu singen wie er spricht. So scheint es zumindest.

„Junge was weiß ich, Bruder was weißt du
Von unerzogenen, räudigen Hunden
Von ungezähmten, hungrigen Hyänen, von giftigen Insekten
Die allesamt vergessen, dass sie sterben wenn sie stechen“

Das Mitglied des Indiekollektivs die neue leichtigkeit ruft zum Kampf auf, gegen das Patriarchat, gegen toxische männliche Strukturen in unserer Gesellschaft und gegen die enorme Gewalt gegen Frauen. Solidarität, ohne Geheuchel und ohne Geltungssucht, so wie ich sie mir viel häufiger von Männern wünschen würde. Seine derbe und ungehobelte Sprache hinterlässt dabei Splitter im Gehörgang. Die Band tut es ihm gleich und fetzt ein dissonantes und schweres Brett raus. Und trotzdem, sein Stil ist nicht vulgär oder daneben. Man kann seinen Ekel in jedem Wort hören und er kotzt einfach nur aus, was ihn ankotzt.

Von den Verlorenen und Vergessenen

Die „Verstehst du nein gut“-EP besticht weiterhin mit gekonntem Storytelling. Als wäre man live dabei, erzählt uns Tom Taschenmesser im Song „Verzeih Dir deine Schönheit“ zum Beispiel von Besuchen in einer psychatrischen Klinik. Das bedrückende Gefühl der Ohnmacht, das man als Besucher verspürt, wenn man Freunde oder Bekannte in solchen Einrichtungen besucht, wird hier sehr eindringlich transportiert. Und es trifft – wieder einmal – den Nerv der Zeit, denn psychische Erkrankungen und vor allem deren Gewichtung sind so präsent wie nie zuvor. Trotz der doch irgendwie sehr traurigen Story des Songs, gelingt es Tom, mir am Ende doch noch ein Lächeln zu entlocken und mir wenigstens den Apfelkuchen in der Cafeteria des Krankenhauses schmackhaft zu machen. Hier ist wirklich jeden Wort an der richtigen Stelle.

Ein Grund, warum ich dieser EP so gerne zuhöre, ist der Gesangsstil von Tom Taschenmesser. Von „Gesang“ im klassischen Sinne kann hier schon eigentlich keine Rede mehr sein, denn sein Stil ist sehr viel brutaler und dadurch ehrlicher im Vergleich zu anderen Singer/Songwritern. Er spuckt mir seine Worte vor die Füße und ich lese wirklich jedes gerne auf. Wie auch im Song „Maury“. Hier werden Lebenssequenzen eines „Wuppertaler Originals“ mit schnellen und präzisen Bildern erzählt. Durch den Sound der Band, der hierbei noch kräftiger und dreckiger ausfällt als zuvor, gestaltet er eine authentische Slow-Retro-Rock Kulisse für den „Tunichtgut und Taugenichts“ namens Maury.

„Und wenn man ihn so sieht
Wünschte man sich irgendetwas müsste doch mit ihm passieren
Irgendetwas anderes als das hier“

Jeder ist viele, aber niemand kann alle sein

Wo man herkommt und in welchem sozialen Milieu man aufgewachsen ist bzw. lebt, beschäftigt den Song „Niemand kann alle sein“. Auf feinfühlige, lyrische Art verknüpft er hier Situationsminiaturen glaubwürdig und authentisch miteinander und stellt uns auf subtile Weise die Frage, welche Bedeutung das ganze überhaupt hat. Und ob wir uns selbst vorgaukeln können, etwas oder jemand anderes zu sein als die Summe unserer Lebensumstände. Das alles fast schon fotorealistisch, aber auf jeden Fall so, dass ich zu jeder Zeile instant ein konkretes Bild vor Augen habe. Musikalisch geht es hier gefühlt das erste Mal auf der EP ruhiger und gelassener zur Sache, als hätte die Wut in den vorherigen Tracks ihre Hörner abgestoßen.

Die EP beendet Tom Taschenmesser mit einem schnulzigen Liebeslied. Nein, das ist natürlich Quatsch. Denn was er auch singen mag, es ist niemals kitschig oder pathetisch. Selbst wenn er aus „Rosen sind rot, Veilchen sind Blau“ einen Song machen würde. Oder einen über das Ende des Lebens, wie das letzte Stück „Brügge“. Hier schlägt er einen Bogen zum Film-Klassiker „Brügge sehen und sterben“. Dort wird die wunderschöne belgische Stadt Brügge als ein „must see before death“ glorifiziert. Falls ihr diesen Film noch nicht gesehen habt, hier nebenbei meine unbedingte Empfehlung. Ich dachte bei diesem Song ganz ehrlich kurz „Rio, bist du es?“, weil die Artikulation und die Attitüde in der Stimme von Tom mich so sehr an Ton Steine Scherben und Rio Reiser erinnert hat. Der Song fragt uns zum Ende der EP hin eine wirklich heikle Frage, nämlich die nach der Zufriedenheit im eigenen Leben. Aber wenn ich die jetzt für mich beantworten soll, lest ihr morgen noch. Deswegen lasse ich euch mit dieser schönen Frage und der schönen EP jetzt allein.

Fazit

Ja, was soll ich sagen!? Wir haben hier eine im besten Sinne laute, dissonante, instrumental chaotische Debüt-EP mit einem wirklich wirklich charismatischen Sänger und Songschreiber. Interessante Gitarrenriffs- und Voicings, brachiale Drums, schmetternde Basslines. Allerdings findet man auf „Verstehst du nein gut“ ebenso melancholische Balladen, bei denen man ein Tränchen verdrücken kann. Die Mischung macht’s! Und ja, das ist auf der Kürze der Strecke wirklich sehr gut gelungen. Tom Taschenmesser erzählt uns aus seiner Debüt-EP von all den Dingen, die alle anderen rausretuschiert hätten. Thematisch absolut aktuell und dennoch zeitlos, kickt uns diese EP von hinten in die Kniekehlen. „Verstehst du nein gut“ hinterlässt einen bleibenden Geschmack mit Suchtfaktor.

Fotocredits: Lea Dinger, Philipp Czampiel, Jonathan Ungemach (Layout)