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Kategorie: untold stories

  • Charlotte Fever im Interview: »Paris Cyclone is our very own make-believe paradise«

    Charlotte Fever im Interview: »Paris Cyclone is our very own make-believe paradise«

    Das französische Pop-Duo Charlotte Fever kommt Ende Juni im Rahmen der Fête de la Musique für ein Konzert nach Berlin. Vorab haben wir sie ausquetscht: über ihr aktuelles Album „Paris Cyclone“, ihre Dynamik als Duo und Sommer in Frankreich mit all seinen Facetten. Wir können jetzt nicht nur die garantierte Gute Laune empfehlen, die man bekommt, wenn man ihr Album hört, sondern sind jetzt auch riesen persönliche Fans der sympatischen Pariser. Wer sommerliche Landschaften und 80s Pop mag, ist hier genau richtig.

    Charlotte Day im Interview

    Anna: You’re a “french band with fresh sounds” as you say in your Insta-Bio. What is it that makes your sound so fresh?

    Charlotte Fever: As much as we love Paris, the city has a slightly anxiety-inducing vibe. So when we begin working on a new song, we rely on our imagination to design ideal sonic and visual landscapes where we feel good in order to start creating. These imaginative spaces become our sanctuary, allowing us to craft our fresh new universe.

    Our creative process often begins with visions of tropical paradises — sipping cocktails by a poolside oasis or strolling along sun-kissed beaches on a torrid day. We are usually infusing our music with elements of sunny percussion, dreamy 80s synths and echoes of good memories. Then we weave together melodies that transport us to these idyllic scenes.

    Anna: How did you find your way to making music? What’s the origin story behind Charlotte Fever?

    Charlotte Fever: We met about ten years ago through mutual friends and hit it off right away. We had our first musical experience together in a psychedelic rock band. But we both wanted to do something fresher, lighter, more spontaneous — just the dynamic duo of us. We realized that together the whole creative process was so much easier. Probably because we feel free to play and sing anything in front of each other. Whether it’s crafting melodies, weaving lyrics or delving into themes, our complicity fuels our creative flow effortlessly.

    „When we’re composing, our minds wander between the streets of Paris and tropical daydreams.“

    Anna: You released your debut album last November. After two EPs it’s a milestone called Paris Cyclone and packed with songs I wanna play on repeat at my fictional pool. What’s the story behind the album title?

    Charlotte Fever: From start to finish, we do pretty much everything on our own in our Parisian-sized studio. That’s probably one of our strengths, because we record with each other with complete freedom and no time limits. But we still crave to get away from these few square metres and therefore we chat together a lot! We usually talk about things we like in general, like idyllic beaches, dreamy holidays and the occasional natural disasters…  Writing about these ‚fantasies‘ gives us a sense of freedom.

    Our very first album Paris Cyclone is a blend of solar tracks and a good summary of what’s going on in our imagination. When we’re composing, our minds wander between the streets of Paris and tropical daydreams. The album is resolutely designed to get people dancing to the rhythm of exotic percussion. We really tried to take people with us, to places where they can escape their everyday lives. In the end, like your fictional pool, Paris Cyclone is our very own make-believe paradise!

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    Anna: What would you play at your fictional (or non-fictional) pool? Do you have a favorite summer album/playlist or artists that you connect deeply with the sense of summer?

    Charlotte Fever: To party on the day that we will get a non-fictional pool on the roof of our studio, the top of the playlist will be:

    Anna: What are some of your favorite memories of summer in France?

    Charlotte Fever: August transforms Paris into a tranquil haven. The city is (almost) empty and it’s the moment of the year we like it the most. Any summer day spent basking in the sun, playing Mölkky with friends would be a favourite memory. Especially this time when we stumbled upon THE perfect spot in Les Tuileries, the experience was even more magical haha.

    „Perhaps the next album will tell that tale?“

    Anna: What’s your current favorite song on Paris Cyclone? And why?

    Charlotte Fever: Our standout favorite would probably have to be Septembre, as it is a step away from our usual style. It had us dive into nostalgia, which proved to be quite the challenge!

    Since the beginning, we’ve strived to keep our songwriting detached from personal experiences, delivering a rather neutral message. Yet, Septembre was a deliberate break from that norm where we intended to capture the bittersweet essence of summer’s end with a story we’ve all experienced to some extent.

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    As we both have a tendency to turn to music to let off steam, sadness is really not our go-to… Melancholic music is the only kind of sad tune we are able to feel at ease with. Therefore crafting a track like this one was a bit of a risk but also an intriguing experiment. And in the end, we are super happy that we ventured into this unfamiliar territory. So who knows, maybe someday we’ll explore the depth of outright sorrow. Perhaps the next album will tell that tale?

    Anna: What topics do you cover on the album and in your music? As a (sadly) non-french speaking person, I only understand so much.  

    Charlotte Fever: Charlotte Fever is more than just two collaborators — we’re friends who chat a lot and share everything. Our songs are born from the very conversations we have, delving into topics like love, heartbreaks, parties, natural disasters, erotica, holidays… and even aquagym.

    Overall, with this album we’re trying to make the summer season last all year round, to conjure up a sensual universe whisking you away on a journey away from everyday life. Paris Cyclone immerses you in an eternal, tropical, and sensual summer, inviting you to escape the ordinary and embrace the extraordinary.

    „80s pop inspires us a lot.“

    Anna: Who would you list as your musical influences? Is there a dream-collab you would like to make happen some day?

    Charlotte Fever: Clearly, 80s pop inspires us a lot, but if we’re going to do a collab we might as well do it with someone who’s still alive. We would probably jump at the chance to work with Sébastien Tellier, Tame Impala, Niagara, Polo&Pan or Daft Punk…

    Anna: Talking about collabs, you’re deeply rooted in the Parisian music bubble. Can you rec us some local artists we should check out?

    Charlotte Fever: Absolutely! We assume that you are undoubtedly already familiar with L’Impératrice, but if not, do something about it as it’s a must-know haha. We even had the chance to collaborate with them at the very start of Charlotte Fever. And while you’re at it, don’t miss out on discovering other incredible talents like Edouard Bielle, Lewis OfMan, Zaho de Sagazan, and many others featured in our curated Spotify playlist La Fièvre F.M.

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    „It was both totally out of the blue and truly magical.“

    Anna: You’ve been touring and playing (sold out) shows not just in Paris or France but globally. Is there one show that stands out to you? It has to be really exciting to play your music in a completely different country.

    Charlotte Fever: Tokyo was absolutely surreal. We had the incredible opportunity to perform at Spotify o-nest, a renowned venue for indie music. The energy was electrifying, the show sold out, and the audience was super welcoming. It was like stepping into a dream come true, we did not even expect half of this!

    Another unforgettable experience for us was not a traditional concert. Picture this: we were touring Central America, and while in Honduras, we received the unexpected request from the Alliance Française to play in a school. So, at 10 AM, we found ourselves performing in the schoolyard of a local school. The children, who were all learning French, surprised us with handcrafted signs adorned with our photos and lyrics written in bold felt pen and as we performed, they sang along with us. After the concert, they presented us with banknotes, plaster casts, pencil cases, erasers — anything they could find for us to sign. It was both totally out of the blue and truly magical.

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    „It was both totally out of the blue and truly magical.“

    Anna: A few weeks ago you’ve played a c/o pop, in June you’re going to play the final show at Fête de la Musique in Berlin. We’re already excited for you to be here, have you ever been here before/know some artists from here?

    Charlotte Day: A few years back, we had the chance to go to Berlin on holidays and we love this city for many reasons. Yet, what truly stole our hearts was its culinary scene: you have the finest vegan pizza and the most incredible vegan blue cheese on the planet! Now, as we prepare for our first show in the city, our excitement extends beyond just the food to the legendary Berlin atmosphere. Parties in Berlin are said to be memorable and we’re eager to see if the live music scene lives up to the vibrant hype.

    Even though Nena, Kraftwerk, and Nina Hagen may not hail from Berlin, they’re German icons we admire. And during our time in Berlin, we’re hoping that we will get the time to explore the city’s record stores, hoping to unearth gems and discover new local indie artists.

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    Anna: For our last question we always ask for an untold story– something you’ve never shared in an interview before. That can be totally random, serious, funny or music connected, whatever you feel like sharing now.

    Charlotten Day: Oh wow, this is going to be hard because we are an open book… It’s not untold but it’s a truth bomb: nobody’s actually called Charlotte in our band.

    The real story goes like this: we have been super close friends for years and started making music together purely for fun. It all started on a rainy summer day in our Parisian apartment, where our friend Charlotte was staying with us. She was crashing on the couch due to a fever, which inspired us to jokingly name our very first song „Charlotte Fever“ after her… It eventually stuck and was adopted as our band name.

    Wer Lust hat, das sympatische Pop-Duo live zu sehen, am 21.06. spielen sie im Kesselhaus, Berlin im Rahmen der French Night der Fête de la Musique! Der Eintritt ist frei, bis dahin verliert euch gerne noch ein wenig in der idyllischen Sommer-Welt von Charlotte Fever:

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    Fotocredit: Kevin Blain

  • Mine im Interview: »Ich mache immer, wonach mir die Nase gewachsen ist«

    Mine im Interview: »Ich mache immer, wonach mir die Nase gewachsen ist«


    Die BAUM TOUR 2024 zum gleichnamigen Album von Sängerin Mine ist vor etwas mehr als einer Woche zu Ende gegangen. Untoldency hat diese Tour mitpräsentiert und Redakteur Leif hatte die Gelegenheit das Konzert in Hannover im Capitol zu besuchen und vorab ein Gespräch mit Mine zu führen.

    Triggerwarnung/Content Note: Drogen, Drogenkonsum und Sucht
    In der letzten Frage dieses Interviews geht es um die Thematisierung von Drogen und Drogenkonsum. Bitte achtet auf euch selbst und eure Gesundheit.

    Mine im Interview mit untoldency zu ihrem Album BAUM

    Leif: Hallo Mine! Schön, dass du dir Zeit nimmst, ich freu mich richtig. Zum Warmwerden beginne ich mit einer Frage zu deiner Musik. Du hast deine eigene Musik schonmal als „Deutschsprachigen Folk mit Hip Hop-, Jazz- und elektronischen Elementen“ beschrieben. Würdest du das noch so unterschreiben?

    Mine: Deutschsprachiger Folk? Ne, eigentlich nicht. Habe ich das mal gesagt? (lacht) Wenn man mich fragt, sage ich immer ganz grob Deutscher Indiepop mit verschiedenen Genreeinflüssen. Ich finde es voll schwierig mich da festzulegen, weil ich voll gerne mit verschieden Genres arbeite. Manchmal fühle ich mich mehr in die Richtung Dance, andermal eher in Richtung Chanson, manchmal wiederum Klassik. Deswegen überlasse ich das lieber anderen Menschen, meine Musik einzuordnen. Jeder hört es anders und nimmt es anders wahr.

    Leif: Auf die Klassikeinflüsse kommen wir später noch zu sprechen, sie ist ja auch eine Charakteristik deines neuen Albums. Wobei das ja auch schon seit Februar draußen ist.

    Mine: Das gilt noch als neu!

    Leif: Und deshalb: Gratulation zu deinem Album BAUM! Bald ist es zehn Jahre her seit der Veröffentlichung deines Debütalbums Mine, ein Jubiläum also! Seitdem hat sich viel getan. Bist du rückblickend zufrieden und gibt es etwas, das dich bei mehr als zehn Jahren Musikmachen immer begleitet?

    Mine: Es hat sich viel getan, aber hallo! Und ich bin mehr als zufrieden – zufrieden ist gar kein Ausdruck. Ehrlicherweise läuft alles viel viel besser, als ich es mir jemals erträumt habe. Ich hatte ja gar nicht vor, das beruflich zu machen und dachte, dass sich das gar nicht vereinen lässt. Also diese freie künstlerische Arbeit mit künstlerischer Musik als Beruf. Deswegen fühle ich mich gerade sehr privilegiert und dankbar dafür, dass ich das machen darf. Und was mich bis jetzt in den letzten zehn Jahren begleitet hat, ist auf jeden Fall meine Crew. Wir sind schon so lange unterwegs. Das ist ein sehr familiäres Gefühl.

    Leif: Das ist ja richtig toll! Cool, dass ihr euch auch nach zehn Jahren dann noch „treu geblieben“ seid.

    Mine: Voll, wir sind halt auch Freunde und arbeiten sehr gern zusammen. Es ist alles immer sehr harmonisch.

    Über die freie Kunst und die Frage nach dem Besonderen

    Leif: Du hast eben schon das Künstlerische in deinem Schaffen angesprochen. Deine Leidenschaft erstreckt sich auch auf Videodreh von zum Beispiel Musikvideos. Und auf Social Media hast du ein kleines Reel-Format namens SWEETE INSTRUMENTE, was ich persönlich ganz cool finde. Wie kam es denn dazu?

    Mine: Ich weiß auch nicht, ich hatte einfach Bock. Ich bin so eine Instrumentensammlerin und interessiere mich für neue Klänge, die ich noch nicht kenne und wollte selbst ein wenig mehr über die Instrumente, die ich bereits habe, herausfinden. Da lag es nahe als Format kurze Instrumentenkunde zu machen. Aber wo genau das herkam, kann ich gar nicht so genau sagen. Ich hatte einfach Bock drauf.

    Leif: Es passt ja bei deiner Musik auch total ins Bild – und damit kommen wir auch schon zu deiner Musik und zum Album BAUM. Auf den ersten Blick fällt auf, dass es viele Intros und Reprisen gibt. Hört man rein, vernimmt man zum einen Pop, Hip Hop, Electro, Funk, viele außergewöhnliche Instrumente und starke Arrangements. Zum anderen sind viele Elemente aus der Klassik verbaut. Hast du als studierte Musikerin hohe Erwartungen an „das Besondere“ in deinen Songs?

    Mine: Ne. (lacht) Ich mache immer, wonach mir die Nase gewachsen ist.

    Leif: Das ist eine sehr tolle Antwort!

    Mine: Ich bin einfach ein sehr neugieriger Mensch und bin auch sehr schnell gelangweilt und hungrig. Aber das bezieht sich auf alles im Leben. Ich google alles, ich will alles wissen und ich lese mir alles durch. Wenn ich eine Künstlerin geil finde, schaue ich mir alle Videos und Interviews an. Und so geht’s mir eben auch bei der Musik, die ich selbst mache. Ich höre super viel Musik und wenn mich etwas catcht, überlege ich: Was ist da so drin und wieso klingt es so, wie es klingt? Dann versuche ich mich weiterzubilden, weil es mir Spaß macht Dinge zu machen, die ich vorher noch nie gemacht habe. Diese Euphorie im Musikmachen will ich dann nie verlieren. Das würde passieren, wenn ich immer das gleiche machen würde.

    Leif: Also nicht stehen bleiben, sondern immer weiter. BAUM ist bisher dein chartmäßig größter Erfolg. Wie fühlt sich das an?

    Mine: Stimmt, da habe ich gar nicht so viel Ahnung von. Ich wüsste auch gar nicht auf welchem Platz es war. (lacht)

    Leif: Das kann ich dir sagen: Platz 7.

    Mine: Ahh, sieben. Ich bin da gar nicht so interessiert, mein Management schon eher. (lacht) Für mich ist das immer so gewesen, dass ich von dem Job nicht abhängig bin. Ich wollte eigentlich als Musiklehrerin arbeiten, damit ich freie Kunst machen kann, ohne über des Geldverdienen nachzudenken. Mir ist es wichtig, dass ich nicht so einen Druck habe und meine Kunst frei bleibt. Deshalb können mir Zahlen auch egal sein. Diese Unabhängigkeit genieße ich sehr.

    Leif: Dieses Privileg befreit deine Kunst bestimmt sehr.

    Mine: Total. Für mich ist es auch die einzig richtige Herangehensweise. Unter Druck könnte ich gar keine freie Kunst machen. Das Musikmachen an sich ist ja das Schöne an dem Job. Und wenn das verloren geht, dann hätte ich gar keinen Bock mehr das zu machen.

    Leif: Das verstehe ich sehr. Du kannst das am besten beurteilen: BAUM ist voll mit persönlich und biografisch wirkenden Songs. Wie viel Mine steckt in den Texten?

    Mine: Es ist schon sehr persönlich, ich denke mir da nichts aus. Für mich ist das Musikschreiben immer Safe Space und Dinge aussprechen, die ich mir vor anderen Menschen so nicht traue. Deshalb ist das alles eigentlich privat. (lacht) Bei jedem Song geht es um eine gewisse Situation, die ich empfunden habe. Und den Dampf lasse ich dann in der Musik raus.

    Leif: Es gibt ja auch Storytelling im Songwriting, aber du musst da schon einen persönlichen Bezug zur Handlung haben?

    Mine: Ich finde es fühlt sich dann so an, als würde man sich selbst covern. Es ist dann eher die Schauspielerei. Und ich finde das auch voll geil, wenn das Leute können. Die haben dann auch ein Alter Ego und schreiben dann Sachen, zu denen sie gar keine Gemeinsamkeiten haben. Aber so ist es bei mir nicht. Ich bin genau die gleiche Person wie hinter der Bühne. Zumindest fühle ich mich nicht anders.

    Der BAUM zieht sich bei Mine als optisches und rhetorisches Mittel wie ein roter Faden durch Album und Bühnenbild.


    Leif: „Werde geboren und werde dann groß, lerne zu leben und dann bin ich tot“ – Hören wir da Kritik an einem kapitalistischen Mittelmaß im Titelsong BAUM?

    Mine: Ich liebe diese Interpretation, auch wenn sie nicht die Gedanken waren, als ich den Song geschrieben habe. (lacht) Aber ich kann sehr zu ihr relaten. Weil ich auch richtig abgef*ckt bin vom Kapitalismus. (lacht lauter) Ich finde es ganz schlimm, wie das Schulsystem kleine Arbeitssoldat*innen zusammenschustert, die, sobald sie außerhalb dieser Leistungsgesellschaft keinen Platz finden, durch das System fallen. Deshalb finde ich diese Interpretation super.
    Aber eigentlich hatte ich beim Schreiben eher an den Zyklus gedacht, den zwar jeder Mensch individuell durchlebt, der sich aber auch ganz unemotional ständig wiederholt. Das soll gar nicht so emotional aufgeladen sein. Es ist einfach Fakt, dass unsere Großeltern, Eltern und Kinder das Gleiche machen. Du wirst da reingeworfen, dann versuchst du klarzukommen, denn gehst du wieder und nach zwei Generationen kann sich keiner mehr an dich erinnern. Ich glaube, dass Menschen sich selbst prinzipiell ein bisschen zu wichtig nehmen. Manchmal ist es gut sich bewusst zu machen, dass das Allerwichtigste ist, dass man Menschen gut behandelt. Alles andere, wie „Ich hinterlasse Fußspuren“ finde ich etwas lächerlich.

    Die BAUM TOUR 2024

    Leif: Die nächsten Fragen zielen auf deine BAUM TOUR 2024 ab. Tourst du gern?

    Mine: Ja, ich lieb‘s! Für mich ist das total Quality Time. Ich bin Mutter von Zwillingen und arbeite sehr viel. Daher habe ich nie so viel Zeit für mich selbst wie jetzt auf Tour. Das genieße ich sehr. Und auch, dass ich mein Team um mich herumhabe. Das sind alles meine Freunde und mit denen unterwegs zu sein fühlt sich an wie eine Klassenfahrt. Ich liebe es mit ihnen Musik zu machen. Aber die Tour ist generell so krass! Es läuft alles so gut und es ist sehr erfüllend.

    Leif: Die ausverkauften Veranstaltungen und die hochgebuchten Konzerte machen es doch sicher noch besser, oder?

    Mine: Ich habe ab dieser Größe hier nach unten alles gespielt. Jede Größe von 30 Leuten bis zu dem, was ich momentan spiele. Ich fand’s auch vorher cool. Was es natürlich mit sich bringt, wenn man mehr Zuschauer*innen hat, ist, dass man alle aus dem Team gut bezahlen kann. Für mich ist das sehr entspannend, wenn ich weiß, alle können davon leben. Denn man investiert super viel Zeit. Aber vom Publikum her ist es ganz egal, es ist immer ein geiles Gefühl. Diesbezüglich ist es bei uns auch nie schlechter geworden. Es kamen immer etwas mehr Leute dazu als vorher. Es gab da nie einen Sprung, sondern ging konstant weiter nach oben. Total angenehm, aber crazy, dass wir jetzt so groß unterwegs sind. Und total entspannt.

    Leif: Entspannt?

    Mine: Ja! Ey, früher sind wir noch hunderte Kilometer selbst auf der Autobahn gefahren mit einem Sprinter. Danach ist man anders müde.

    Leif: Und dann muss noch performt werden!

    Mine: Genau. Das war zwar auch cool, aber jetzt haben wir natürlich Luxus.

    Leif: Was machst du denn beim Touring zwischen den Auftritten am liebsten?

    Mine: Sport! Ich mache jeden Tag Sport. Und heute habe ich noch einen Beat produziert. Sonst geht der Tag ziemlich schnell rum. Wir fangen schon um 14 Uhr an, so viel Zeit ist dann gar nicht mehr. Sport, Duschen, Bühne vorbereiten, Einsingen, Essen und Interviews geben. (lacht und klopft mir auf die Schulter)

    Leif: Du hast eben deine Zwillinge angesprochen. Was fehlt dir am meisten, wenn du unterwegs bist?

    Mine: Auf jeden Fall meine Kinder. Meine Kinder, das Studio und das Alleinesein. Man hat immer Menschen um sich rum und Zurückziehen ist da eher rar. Und meine Freunde in Berlin fehlen mir auch sehr. Aber sonst vermisse ich ehrlich gesagt gar nicht so viel.

    Leif: Das reicht ja auch! Selbst eine Sache zum Vermissen kann ja schon schwer wiegen.

    Mine: Im Großen und Ganzen sind es auch eigentlich nur meine Kids. Alles andere ist nicht der Rede wert. Die sind so süß. (lacht)

    An dieser Stelle sei erneut auf die anfängliche Triggerwarnung hingewiesen:
    Sollte euch die Auseinandersetzung mit den Themen Drogen und Drogenkonsum schwerfallen, lest diesen Artikel ab dieser Stelle bitte nicht weiter.

    Leif: Bei uns endet ein Interview immer mit einer Anekdote oder etwas, was du noch nie über dich erzählt hast. Was ist deine untold story?

    Mine: Eine Sache kann ich dir verraten. Was ich noch nie gesagt habe, weil ich das eigentlich nicht verherrlichen will, ist, dass es bei einem Song von mir um LSD geht. Ich habe das noch nie erzählt, denn ich bin nicht so ein Fan davon, über Drogen in der Öffentlichkeit zu reden. Ich denke, das Thema muss mit sehr großer Vorsicht betrachtet werden. Und ich rate Leuten prinzipiell erstmal davon ab, weil es sehr gefährlich ist für Leute mit psychischen Vorerkrankungen und man sehr aufpassen muss.

    Leif: Der Titel des Songs bleibt daher an dieser Stelle lieber unerwähnt. Und damit endet unser Interview! Ich danke dir für deine Zeit, für das schöne Gespräch und freue mich auf’s Konzert!

    Mine: Mich hat es auch gefreut! Wir geben heute alles!


    Dass zum Beinahe-Tourende alles gegeben wurde, verspürte man in jeder Sekunde des Konzertes. Die kraftvolle und energiegeladene Performance zeichnete sich durch einen abwechslungsreichen Mix aus Mine-Klassikern und neuen Songs des Albums aus. Auch die Support Acts Shelly Phillips und ffortissibros heizten dem Saal ordentlich ein.

    Am Ende wird hier die klare Empfehlung ausgesprochen, ein Mine-Konzert zu besuchen. Auch, wenn die Tour nun vorbei ist, stehe weitere Daten in der bald startenden Festivalsaison an.


    22.06.2024 – Duisburg, Traumzeit Festival
    24.07.2024 – Freiburg, Zelt-Musik-Festival
    25.07.2024 – Marburg, KFZ
    16.08.2024 – Leipzig, Parkbühne Geyserhaus
    17.08.2024 – Hamburg, MS Dockville
    07.09.2024 – Berlin, Lollapalooza
    08.09.2024 – Berlin, Lollapalooza

    Wer sich das Album BAUM bisher noch nicht angehört hat, sollte es schleunigst tun. Die Möglichkeit zum Reinhören gibt es hier.

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    Fotocredit: Bastian Bochinski

  • Vacations im Interview: »The best thing is making art and traveling the world with my best friends«

    Vacations im Interview: »The best thing is making art and traveling the world with my best friends«

    Habt ihr auch Lust auf Urlaub? Mit über 10 Millionen monatlichen Hörer*innen auf Spotify, über 500 Millionen Streams auf Singles und Auftritten in bekannten US Fernsehsendungen haben Vacations aus Australien bereits beachtliche Meilensteine in ihrer Karriere erreicht. Ihre Songs erreichten vor allem durch TikTok und Feel-Good Playlisten eine breite, junge Hörer*innenschaft. In Deutschland scheint die Band trotzdem noch weniger bekannt zu sein. Dass der angenehme, catchy Sound so beliebt ist, ist jedoch kein Wunder. Zwischen Indie-Rock und Bedroom-Pop legen sich die vier Australier seicht dazwischen. Dabei ist der Name Vacations nämlich Programm: Musikalisch klingen sie nach warmen Sonnenstrahlen, sanften Wellen am Strand und endlosen freien Tagen. Assoziationen, die unmittelbar durch die Kopfhörer mitfließen. Im Januar veröffentlichte die Band ihr drittes Album No Place Like Home mit 10 neuen, eingängigen Tracks, die sich ganz unaufdringlich anschleichen und doch ihren Platz im Kopf finden. Zwar klingt das Album nicht überraschend anders als seine Vorgänger, so beweist die Band, dass das auch nicht immer der Fall sein muss, um erfolgreiche und qualitative Musik zu veröffentlichen. Ich habe Sänger und Bandgründer Campbell Burns dazu mit ein paar Fragen gelöchert.

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    Campbell von Vacations im Interview

    Dascha (untoldency): Hi Campbell! How would you introduce yourselves to someone who is not yet familiar with your band?

    Campbell (Vacations): Australia’s greatest boy band.

    Dascha (untoldency): How did you come together as a band?

    Campbell (Vacations): Through house parties, tertiary education, and a Facebook ad.

    Dascha (untoldency): You recently released your new album No Place Like Home. How would you describe the album in three words?

    Campbell (Vacations): Nostalgic, bittersweet, transformative.

    Dascha (untoldency): When did you start working on the album? What did the process feel like?

    Campbell (Vacations): Late 2022, in December. The process felt therapeutic since we had all been through so much collectively. I was happy to be in the studio again and working towards something.

    Dascha (untoldency): What does “home” mean to you?

    Campbell (Vacations): Honestly, I’m not sure. I’ve only just stopped travelling after 14 months of almost constantly moving. I’m learning how to be still again in Los Angeles, my new home.

    Dascha (untoldency): What feeling would you like your listeners to get from the album?

    Campbell (Vacations): Anything, just as long as they feel strongly about it.

    Dascha (untoldency): What themes inspired the album and how did you work them into it? Is it easy for you to put personal feelings into music?

    Campbell (Vacations): Home, belonging, acceptance. There’s a lot more, but I try not to analyse my own work, I simply let it happen. I think it’s easy because it’s what I’ve been doing for the past ten years, it’s how I express myself. I don’t really know any other way how to do so.

    Dascha (untoldency): Do you personally have a favorite song on the album? And if so, why?

    Campbell (Vacations): Lost in Translation, it’s hardly a song. I think that’s why it’s interesting to me, because it’s so different to what I’d normally write. I’m not following a conventional pop structure like with most of our output.

    Dascha (untoldency): What do you think has changed the most since the first album to this point? What is the biggest development you’ve made so far?

    Campbell (Vacations): That we’re more sure of ourselves and our artistic direction. There’s a greater sense of collaboration as well as purpose. The production has stepped up a few notches too.

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    Dascha (untoldency): Some of your songs have gone pretty viral on TikTok and have been used for all sorts of random videos. What do you think of that? Do you think TikTok is destroying music culture or giving it new opportunities?

    Campbell (Vacations): I think it’s wonderful that people are expressing their feelings about our music in their own unique way. People are discovering us and becoming fans, that’s great!
 For your other question, it’s both. There’s no barrier for entry into music anymore, this is a good thing. Musicians are easily able to get themselves out there now, however, people are also reducing their artist practice to fit the mould of what’s trending or what’ll be perceived as successful.

    Dascha (untoldency): You recently played at Jimmy Kimmel Live, that’s huge! How was that experience for you?

    Campbell (Vacations): I blacked out on strumming the first chord, but it went well and it felt surreal to be on national US television later that same day.

    Dascha (untoldency): Your Instagram bio says: “Australia’s greatest boy band”. Who would be the greatest non- Australian boy band?

    Campbell (Vacations): Boy band adjacent, but SWV.

    Dascha (untoldency): You moved to the US recently, right? How do you think this will influence your music and career in the future? How does it influence the feeling of “home“ for you?

    Campbell (Vacations): I did! I live in Los Angeles now. Moving here has already been influential. You’re in a city with some of the best musicians, songwriters, producers, and so much more. The celling is limitless. I feel like I’m not restricted like I would be back home. Everyone here is incredibly supportive and there’s a strong community of people that simply want to make great art.

    Dascha (untoldency): What is the best place in the world to play concerts?

    Campbell (Vacations): New York City.

    Dascha (untoldency): What’s the best thing about being in a band?

    Campbell (Vacations): Making art and traveling the world with my best friends.

    Dascha (untoldency): What is something you definitely want to do or achieve as a band in the future?

    Campbell (Vacations): I think we’ve achieved so much already, anything from here on out is a bonus. I’d love to play more festivals though.

    Dascha (untoldency): Our last interview question is always an untold story. A story, a fun fact or a little secret that you haven’t told publicly yet. Can you think of anything?

    Campbell (Vacations): Due to acid reflux, I can’t really hiccup. So instead, I make this terradactyl noise that’s really frighting to people that aren’t used to it.

    Dascha (untoldency): Thank you for your time!

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  • RAHEL im Interview: »Ich mag es, dass ich durch Musik andere Welten aufmachen kann«

    RAHEL im Interview: »Ich mag es, dass ich durch Musik andere Welten aufmachen kann«

    Im März veröffentlichte die Wiener Musikerin RAHEL ihr lang ersehntes Debütalbum „miniano„. In 11 Songs ihrer außergewöhnlichen Version von Indie-Pop erzählt sie Geschichten losgelöst von starren sozialen Konstrukten und begibt sich dabei in queer-feministische Utopien. Wortgewandtheit und Absurdität gehen Hand in Hand einen Spaziergang durch diverse Themen. Mal eher unbequem, mal schützend, aber nie aufdringlich. Mit auffallend viel Feingefühl und Leichtigkeit befördert RAHEL ihre Hörer*innen in eine sanfte Welt, in der sie grenzenlosen Raum haben, um zwischen ihren realen Emotionen und surrealen Träumen zu schweben.

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    RAHEL im Interview

    Dascha (untoldency): Danke, dass du dir Zeit nimmst! Wie geht es dir damit, dass dein Album bald veröffentlicht wird?

    RAHEL: Gut! Es ist interessant, weil ich mich gerade echt daran erinnern muss, worum es in dem Album eigentlich geht. (lacht) Ist alles schon eine Zeit lang her. Aber ich freue mich sehr, die Songs mit der Welt zu teilen.

    Dascha (untoldency): Wie hast du den Entstehungsprozess empfunden? Gab es besondere Höhen und Tiefen?

    RAHEL: Zu dem Zeitpunkt hab ich noch nicht so extrem viel live gespielt wie danach, deshalb hatte ich da glücklicherweise noch viel Zeit und war noch ein bisschen in einem anderen State of Mind. Da konnte ich mich sehr gut drauf einlassen. Das sagen zwar wahrscheinlich alle Leute über ihre eigene Musik, aber es ist tatsächlich ein sehr emotionales Album. Auch weil es zum Beispiel Themen wie Tod behandelt.

    Dascha (untoldency): Würdest du sagen, du bist dabei nach einem Leitfaden gegangen oder sind die Songs alle unabhängig von einander entstanden?

    RAHEL: Also es ist kein Konzeptalbum, aber es war mir schon wichtig einen roten Faden zu haben. Ich glaube, der hat sich dadurch ergeben, dass ich viel über die selben Themen nachgedacht habe und die dann in unterschiedlichen Songs verarbeitet habe.

    Dascha (untoldency): Wie würdest du das Album zusammengefasst in nur drei Wörtern beschreiben?

    RAHEL: Die Stimmen, die in dem Album vorkommen, sind auf jeden Fall: verletzte und verletzliche, wütende und hoffnungsvolle.

    Dascha (untoldency): Das finde ich sehr schön gesagt! Hast du auch einen persönlichen Lieblingstrack auf dem Album? Und warum?

    RAHEL: Ich mag wo gehst du hin später sehr gerne. Und die Zeile, die darin vorkommt:

    „Es gibt noch so viel Hoffnung, wie es Zwerghamster gibt / Doch man weiß noch nicht, dass man die Hoffnung in Kleintieren misst“

    Aber auch das kleine kasterl. Ein kleines Kasterl ist halt ein kleines Kästchen und es ist im Song so, als würde es sprechen:

    „Wenn es uns gibt, musst du vielleicht gar nicht traurig sein / Wenn das kleine Kasterl beim Aufmachen jedes mal so trostlos singt“

    Das Kasterl bekommt quasi eine Stimme, so wie die Kleintiere auch. Mir gefällt dieses Kindliche daran sehr, weil es sich auch ein bisschen wie ein Buch, eine Geschichte lesen lässt.

    Dascha (untoldency): Das ist sehr schön! Mein Favorit vom Album ist bitte nicht in blicken. Vielleicht magst du mir dazu etwas mehr erzählen?

    RAHEL: Ich würde sagen, das ist ein ziemlich emanzipatorischer Song, der von Gleichberechtigung im Bett handelt. Das hab ich nie so sehr betont, weil ich wollte, dass man das durch die Blume versteht. Es war mir wichtig, diese blumige Sprache zu haben, sodass man es nur versteht, wenn man genau auf den Text achtet. Es geht um Intimität und darum, dass das weibliche-ich in dem Song sagt, dass sie nicht möchte, dass die Verbindung zu eng wird und es nur auf einer körperlichen Ebene bleibt.

    Dascha (untoldency): Das kommt aber sehr schön geschickt rüber. Ich bin eine sehr emotionale Musikhörerin und als ich den Song zum ersten Mal gehört habe, hat der sehr viel in mir ausgelöst.

    RAHEL: Ist schön, dass er was auslöst. Ich habe zu dem Zeitpunkt, wo ich den Text geschrieben habe, mich mit Lyrik befasst, weil ich auch eine Zeit lang Germanistik studiert habe. Es erinnert mich ein bisschen an Goethe, weil es gibt dieses: Die Nacht sie reitet schnell. Vielleicht kann man es ein bisschen wie eine Ballade über zwei Liebhaber*innen interpretieren. Da gibt es viele Beispiele in der deutschsprachigen Lyrik.

    Dascha (untoldency): Ja, total. Ich finde das Album fühlt sich generell an wie ein sanfter Traum. Auch das Musikvideo zu schaffner kombiniert ja traumartige Elemente. Was bedeuten Fantasie und Träume für dich?

    RAHEL: Ja, voll. Das bedeutet mir sehr viel, weil pure Realität finde ich oft langweilig. Ich mag es, dass ich durch Musik andere Welten aufmachen kann. Die echte Welt finde ich manchmal ein bisschen zu stumpf, zu schwierig zu begreifen und auszuhalten.

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    Dascha (untoldency): Verständlich. Und woher ziehst du die Kraft für so viel Fantasie?

    RAHEL: Ich würde sagen es ist eher umgekehrt. Solche Fantasien geben mir sehr viel Kraft. Durch’s Musik Hören und Musik Schreiben kann ich da irgendwie hinkommen. Ich glaube, dass es auch viel damit zusammenhängt, wie ich aufgewachsen bin und erzogen wurde. Auch viel mit den Büchern, die ich in meiner Kindheit gelesen habe. Ich bin sehr alternativ aufgewachsen auf einem Hof mit vielen Kindern und vielen Tieren. Glücklicherweise wurde mir immer vermittelt, dass es okay und wichtig ist, zu träumen.

    Dascha (untoldency): Das ist sehr schön! Träumst du auch viel, wenn du schläfst?

    RAHEL: Unterschiedlich. Ich finde Träume auch etwas scary. Aber ich befasse mich auch nicht mit Traumdeutung, das ist mir oft ein bisschen zu viel.

    Dascha (untoldency): Versteh ich. Fällt es dir leicht solche Gefühle und Gedanken in Musik zu verarbeiten? Auf mich wirkt es so, als würde es dir einfach gelingen, das in deiner Musik positiv klingend zu verarbeiten. Wenn ich selbst kreative Dinge tue, fällt es mir immer einfacher das Negative darin hervorzuheben. Wie ist das bei dir?

    RAHEL: Also es ist nicht so, dass ich bewusst versuche trostlose Inhalte positiv klingen zu lassen. Mir macht es einfach mehr Spaß Dinge zu tun, die nach Hoffnung klingen. Wenn ich Sachen mache, die nur negativ sind und mir die später nochmal anhöre, zieht mich das nur runter. Ich glaube, dass Hoffnungslosigkeit und Hoffnung sehr nah bei einander liegen. Komik in der Trostlosigkeit zu finden funktioniert auch oft besser. Ich mag die Ambivalenz.

    Dascha (untoldency): Was wäre deine perfekte Utopie und was müsste passieren, um dieser ein Stück näher zu kommen?

    RAHEL: Das frag ich mich oft. Weil die perfekte Utopie hat für mich damit zu tun, wie man kreativ sein kann. Ich fänd’s cool, wenn es eine Art von System gäbe, in dem es kein Konkurrenzdenken gibt. Ich weiß aber nicht, wie das funktionieren würde. (lacht) Ich weiß nicht, ob es vielleicht etwas sehr natürliches ist, in Konkurrenz zu einander zu sein. Oder ob es eben sehr durch den Kapitalismus angeheizt wird. Es wäre sehr schön, wenn Musik ohne Wettbewerbsgedanken entstehen könnte. Ich glaube meine Utopie hat aber auch viel mit dem bedingungslosen Grundeinkommen zu tun.

    Dascha (untoldency): Macht Sinn. Welche Gefühle wünschst du dir, die dein Album in seinen Hörer*innen auslösen sollte?

    RAHEL: Ich merke, je älter ich werde, dass es in meiner Musik viel um das Kindsein geht. Deshalb würde ich mir wünschen, dass die Leute es nicht zu peinlich finden, sich mit ihrem jüngeren Selbst zu befassen. Und dass das mehr an’s Tageslicht kommen darf. Ich wünsche mir, dass die Lieder Hoffnung machen.

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    Dascha (untoldency): Das ist ein schöner Wunsch! Für welchen Film wäre deine Musik der Soundtrack? Egal ob bereits existierend oder ausgedacht.

    RAHEL: In Österreich haben wir schon viele sehr gute Filmemacher*innen. Ich stelle mir einen Arthouse Film vor, der nicht zu abgründig ist und irgendwas mit Natur zu tun hat.

    Dascha (untoldency): Kann ich mir vorstellen. Was ist die größte Entwicklung, die du seit deinen ersten Release bis hier hin gemacht hast? Worauf bist du besonders stolz?

    RAHEL: Das ist eine schöne Frage, weil ich vor Kurzem einen Auftritt beim FM4 Geburtstagsfest in Wien hatte. Damit ist ein kleiner Traum in Erfüllung gegangen, weil ich gerne mal genau auf dieser Bühne stehen wollte. Da habe ich dann gemerkt, dass es mir jetzt sehr viel leichter fällt, mich selbst singen zu hören. Das hat sich in den letzten Monaten erst so entwickelt. Weil ich in den vergangen Monaten sehr viel live gespielt habe, habe ich einen Weg gefunden, wie ich mit meiner Stimme besser umgehen kann. Es ist sehr schön, wenn man Liveaufnahmen von sich anhören kann und dabei stolz ist. Da hat irgendwas bei mir Klick gemacht.

    Dascha (untoldency): Voll schön! Hast du auch noch bestimmte Ziele für dieses Jahr?

    RAHEL: Konkrete Ziele nicht. Das Jahr ging schon sehr schön für mich los mit einigen Touren. Sonst will ich viel spielen und viel schreiben. Ich bin momentan auch in einem Theaterprojekt involviert. Ich möchte so weitermachen dürfen wie bisher. Würde mich sehr freuen.

    Dascha (untoldency): Was für Musik hörst du momentan selbst am liebsten?

    RAHEL: Ich höre momentan viel Frankie Cosmos und den Juno Soundtrack zum Film. Michael Cera ist ja auch Musiker und seine Musik habe ich vor Kurzem für mich entdeckt. Ich mag Musik, die ein bisschen weird klingt und nicht so glattgebügelt. Ich höre auch gerne immer wieder das selbe Lied. Das ist so toll, wenn man zum Beispiel im Hotelzimmer sitzt und viel um die Ohren hat und dann immer wieder dasselbe hört.

    Dascha (untoldency): Kommen wir zur letzten Frage. Das ist bei uns immer eine untold story, also ein kleines Geheimnis oder eine kleine Geschichte, die du noch nicht öffentlich erzählt hast. Fällt dir etwas ein?

    RAHEL: Ich habe gestern einen Fisch gegessen, obwohl ich eigentlich vegetarisch lebe. Zumindest ein kleines Stück vom Fisch. Das hat sich voll arg angefühlt und auch ein bisschen verboten. Gleichzeitig habe ich gemerkt, dass ich vielleicht für mich nicht so ganz starr mit diesen Dingen sein sollte. Ich hoffe, dass der Fisch mir verzeiht!

    Dascha (untoldency): Jetzt hast du direkt deine Sünden im Zoom Call gebeichtet. Danke dir!

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    Foto Credit: Daria Savytska

  • Hidden Gemz im Interview: »Es war sehr überwältigend, wie viele Leute auf einmal vor der Bühne stehen«

    Hidden Gemz im Interview: »Es war sehr überwältigend, wie viele Leute auf einmal vor der Bühne stehen«

    Hidden Gemz zu hören macht einfach Spaß. Die Newcomerband aus Österreich, die letztes Jahr quasi aus dem Nichts kam und Supportslots von Bilderbuch spielte, hat nun ihre Debüt-EP The Gemz Mixtape veröffenlicht. Passend zum Frühling und all seiner Endorphine ist The Gemz Mixtape genau das: ein Mixtape voller überragend guter Songs. Irgendwo zwischen Brockhampton, Dominic Fike und Gorillaz finden Hidden Gemz ihren ganz eigenen Style. Und der macht einfach Spaß. Was genau da drin steckt, wie alles gestartet ist und vieles mehr erfahrt ihr hier, denn wir haben sie all das mal selbst gefragt.

    Hidden Gemz im Interview

    Anna: Eure erste Single Miss Monroe hat erst im Oktober 2023 das Licht erblickt, ihr macht aber schon sehr viel länger Musik. Wie habt ihr zur Musik aber auch als Band zusammengefunden?

    Didi: Zur Musik haben wir alle auf verschiedene Weisen gefunden. Für mich war es durch meine Familie und vor allem durch meine Geschwister, wo ich mich viel durch deren Lieblingsmusik durchgehört habe. Als Band haben wir uns alle im Kontext Schule kennengelernt und gemerkt, wie gut wir zusammen passen.

    Jonas: Meine ersten Berührungungspunkte mit Musik hatte ich mit sechs Jahren auf meinem ersten Konzert. Schon damals hatte mich der Schlagzeuger der Band sehr fasziniert und ab diesem Zeitpunkt wollte ich dann auch Schlagzeug lernen. Bis zu meinem ersten Schlagzeugunterricht trommelte ich auf allen Kochtöpfen, die wir zuhause hatten. Didi, David und Mateo habe ich dann erst viel später in der Oberstufe kennengelernt. Nachdem ich schon ein Jahr in der Oberstufe war, wechselten die drei auf meine Schule und es hat sich schnell herauskristallisiert, dass wir vier sehr gerne gemeinsam Musik machen. Nach den ersten Schulauftritten wollten wir das Ganze auch außerhalb der Schule präsentieren und seitdem arbeiten wir zielstrebig an unserer Karriere.

    Anna: Was ist die Geschichte hinter Miss Monroe? Wieso habt ihr euch entschieden, die Single nicht mit auf die EP zu nehmen?

    David: Miss Monroe gab es schon sehr lange. Ursprünglich ist er so entstanden, dass ich am Keyboard die Akkorde von Sunset To Sunrise in einem anderen Rhytmus gespielt habe. Eigentlich zum Spaß. Wir haben dann durch unsere Konzerte bemerkt, dass der Song zu einem Favoriten des Publikums wurde, und so dachten wir uns, dass Miss Monroe perfekt als Debut-Single geeignet wäre.

    Didi: Es war auch ein Statement Song für uns. Wir wollten den Leuten einen passenden Einstieg in unsere Musikwelt geben. Von dort aus kann man uns als Band gut mitverfolgen und sich mit uns gemeinsam entwickeln. Die EP hatte nochmal den Zweck eine andere Geschichte zu erzählen, in die Miss Monroe nicht passte.

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    „Ich hätte Paranoia, dass ich auf Butterfly Effekt irgendwas anrichten würde.“

    Anna: In eurer Debüt-EP The Gemz Mixtape geht’s viel ums Reminiszieren der Vergangenheit und die Essenz eurer Teenie-Jahre. Was ist es, was ihr am meisten aus der Vergangenheit vermisst? Würdet ihr gerne ab und zu zurückkehren und Dinge nochmal erleben/anders machen?

    Jonas: Aus meiner Vergangenheit vermisse ich am meisten das unkomplizierte Leben, in dem ich mir weniger Gedanken über gewisse Themen gemacht habe. 
Ab und zu denke ich schon darüber nach zurückzuspulen und Momente nochmal zu erleben. Jedoch hält dies meistens nur kurz an, weil ich meinen jetzigen Lebensabschnitt auch sehr schätze. Dinge konkret anders machen würde ich nicht.

    David: Ich vermisse die Freiheit von Sorgen und die Gelassenheit. Nach der Schule bin ich heim gegangen und habe mein Instrument geübt, Songs geschrieben oder mich mit Freunden getroffen. Und ich hatte alle Energie der Welt trotz Schule, Hausaufgaben und Lernen. 

    Mateo: Auf jeden Fall kommt Nostalgie hoch wenn ich an die Zeit denke, wo man sich um nichts geschert hat außer Spaß mit Freunden zu haben und die Schulzeit zu überstehen. Das war ein „anderes“ Gefühl von Freiheit.

    Didi: Das schöne Gefühl der Gegenwart vergisst man oft ein wenig im Moment und erinnert sich dann erst wieder daran wenn es schon in der Vergangenheit liegt. Es gibt schöne Zeiten, an die ich gerne zurückdenke, aber sie noch einmal erleben wollen tu ich nicht. Ich versuch so gut es geht meinem eigenen Wort zu folgen und zu erkennen welche schönen Seiten meines Lebens ich aktuell leben darf. Anders machen will ich auch nichts. Ich bin zu froh darüber, wie es mir heute geht und hätte Paranoia, dass ich auf Butterfly Effekt irgendwas anrichten würde und plötzlich alles anders wäre.

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    Anna: Outside könnte glatt zu meiner Frühlings-Hymne werden, so oft wie es momentan höre. Wie verbringt ihr eure Frühlings- und Sommertage am liebsten?

    Didi: Mit Freunden so viel es geht. Die Tage, an denen es möglich ist, versuche ich immer zu nutzen und Sommer ist sowieso meine Jahreszeit. Sich irgendwo draußen treffen und schwimmen gehen oder Fußball oder auch Volleyball spielen während wir Musik hören, das fühl ich.

    Mateo: Am Liebsten verbringe ich diese Tage mit rausgehen Leute treffen und auf jeden Fall auch Songs hören, die einem dieses Sommer-Gefühl geben.

    David: Ich persönlich: Ein guter Tee mit dem Album „The Peaceful Side of Jazz“ von Billy Strayhorn oder ein Spaziergang durch den Prater.

    „Das Lied hittet bei mir komplett.“

    Anna: Welche Musik hört ihr, wenn ihr draußen mit euren Freunden unterwegs seid?

    Didi: Das ist unterschiedlich da gibt’s bei mir persönlich eigene Playlisten zu verschiedenen Vibes. Aber welches Lied ich zum Beispiel jetzt schon tot höre und sicher noch im Sommer hören werde ist „11 y once“ auf dem neuen Album von Tainy. Das Lied ist zu gut und hittet bei mir komplett.

    Jonas: Viel Hip-Hop wie zum Beispiel unter anderem Jay-Z, Anderson Paak, Mac Miller oder Remi Wolf.

    Mateo: Also man kann auf jeden Fall nicht viel falsch machen mit klassischen R&B/Hip Hop Songs von Künstler*innen wie Tyler the Creator, SZA oder Kanye West.

    Anna: Welche Songs und Artists haben euren Sound inspiriert? Ich hör viel von Outcast zu Brockhampton, Dominic Fike oder Gorillaz und liebe diesen Mix vollkommen.  

    Didi: Das sind ehrlich geile Künstler. Ich mein, irgendwo her kommt Inspiration immer, aber bei unserer Musik denken wir nicht bewusst an irgendwelche Inspirationen sondern einfach was aus uns so rauskommt. Wir spielen und spielen und schauen, was uns gefällt. Im Endeffekt entsteht dann vielleicht ein ganzer Song auf diese Weise.

    David: Mein „Bass-Spiel-Style“ (wenn man das sagen kann) ist sehr beeinflusst von dem Album „All Eyez On Me“ von 2Pac. Songs wie „Scandalouz“ oder „Only God Can Judge Me“ haben bis heute für mich die besten Bass-Lines.

    Mateo: Mich persöhnlich haben Künstler wie Dominic Fike, Kendrick Lamar aber auch Bands wie Pink Floyd oder RHCP total inspiriert.

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    „Es hat sich angefühlt wie auf einer Klassenfahrt.“

    Anna: Bevor ihr überhaupt Musik veröffentlicht habt, habt ihr schon live gespielt. Zuletzt auf Supporttour mit Bilderbuch – zu dem Zeitpunkt war nur die Single Miss Monroe veröffentlicht. Wie ist es dazu gekommen und wie war das für euch, am Anfang von eurer Karriere vor so vielen Menschen zu spielen, die euch nicht kennen?

    Jonas: Das ist sehr richtig, wir haben vor unserem ersten Release auch schon viel live gespielt. Vorrangig in den Wiener Gürtellokalen. Als wir mitbekommen haben, dass Bilderbuch uns als Vorband möchte, hat uns das natürlich sehr gefreut und es war eine komplett neue Erfahrung für uns. Vor so vielen Leuten zu spielen war ein sehr aufregendes Erlebnis, doch was an diesen beiden Gigs besonders war, war das gemeinsame herumreisen. Es hat sich angefühlt wie auf einer Klassenfahrt.

    David: Es war sehr überwältigend wie viele Leute auf einmal vor der Bühne stehen. Gleichzeitig hat es einfach total viel Spaß gemacht auf einer Bühne mit dieser Größe zu performen.

    Anna: Bilderbuch sind eine der größten Band aus Österreich, die die deutsche Indie-Bubble dominiert haben und es immer noch tun. Dabei wimmelt es in eurer Wiener Bubble nur so von unfassbar guten Newcomer-Artists. Und weil wir natürlich nichts davon verpassen wollen, vielleicht die Frage direkt an die Quelle: Wen aus eurer Bubble sollten wir auf jeden Fall auf dem Schirm haben?

    Didi: Ehrlich gesagt sind wir gar nicht so in dieser „Bubble“. Aber es ist immer eine gute Idee seine Augen und Ohren offen zu halten für interessante Charaktere. Man kann da echt überall Sachen finden, die zu einem passen, man muss nur offen sein. Wenn man das ist, gibt es so viel zu sehen.

    David: Die Rockband Venice Blue.

    Anna: Ihr habt die gesamte EP selbst aufgenommen und produziert – wie war diese Erfahrung für euch? Und wie hat sich die Dynamik eurer Band dabei entwickelt?

    Didi: Es war echt was Neues für uns, aber wir haben auch dabei, ähnlich wie im Songwriting und Performen, so einen Spaß drin finden können. Studio-Arbeiten war manchmal sehr anstrengend für den Kopf, aber die Momente, in denen man rumprobiert und auf was geiles kommt, sind zu wild gewesen. Hat mir persönlich absolut gefallen mal mehr im Studio zu sein und da zu hustlen. Ich glaub, wir lernen uns gegenseitig immer besser kennen bei sowas und deswegen schweißt es einen auch mehr zusammen und stärkt das Verständnis zum anderen.

    David: Jeder hat einfach Aufgaben in seinem Möglichkeitsbereich erledigt. Meine Kenntnisse beim Aufnehmen sind leider nicht die stärksten, reichen aber aus wenn Jonas am Schlagzeug sitzt und deshalb nicht selbst aufnehmen kann. 

    Jonas: Wir haben in diesem Prozess auch sehr viel dazu gelernt. Dadurch, dass jeder von uns seine Stärken und Schwächen hat, haben wir uns sehr gut ergänzt. In der Produktionszeit der EP haben wir uns fast täglich gesehen und wir sind somit nochmal ein Stück näher zusammengewachsen.

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    Anna: „I think I finally understand that I’m in love with cake.” mag fast meine Lieblingszeile aus der gesamten EP sein. Die offensichtliche Frage: was ist euer Lieblingskuchen?

    Jonas: Für mich ist es absolut ein Himbeerkuchen.

    Didi: Für mich ist es vielleicht sogar ehrlich gesagt Sachertorte. 

    David: Oblatentorte.

    Mateo: Erdbeerjoghurttorte.

    Anna: Die letzte Frage bezieht sich bei uns immer auf eine untold story. Das mag eine Anekdote aus dem Studio, eine Empfehlung von Herzen oder etwas komplettes Random sein. Hier ist euer Space, zu sagen, was ihr wollt.

    Didi: Schwierig, aber eine Sache, die mir aufgefallen ist, ist, dass in dem Stress, den wir teilweise stark zu spüren bekommen haben, es immer wichtig ist, verbunden mit Leuten zu bleiben. Man sollte sich nicht in Einsamkeit abschotten. Sich mit den Leuten in dem eigenen Umfeld auszutauschen kann einem so sehr helfen aus diesem Tunnel zu kommen. Das ist mir aufgefallen und würde ich gern weitergeben an Leute, die etwas ähnliches erfahren haben oder gerade erfahren.

    Jonas: Ein lustiges „Easter Egg“ gibt es in unserem Song Chops. In jedem Chorus hört man einen von uns, als rhythmische Element, atmen/hauchen. Das ist auch das entscheidende Element, welches den Bounce im Song ausmacht.

    Mateo: Was oft missverstanden wird, ist dass Musik Kunst ist und es da kein richtig oder falsch gibt.

    Wir lassen Mateos Schlusswort nochmal eine Minute wirken und dann hören wir die Kunst, die The Gemz Mixtape und Hidden Gemz sind, nochmal von vorne. Ihr auch?

     

    Fotocredit: Amin Zaazou

  • some sprouts im Interview: »Es war nie dafür gedacht, mal auf eine Platte zu kommen«

    some sprouts im Interview: »Es war nie dafür gedacht, mal auf eine Platte zu kommen«

    Sommer, Sonne, gute Laune: Genauso klingen die Songs von some sprouts. Die Indie-Band aus dem Süden Deutschlands klingt nach einem Strandtag im Urlaub an der spanischen Küste oder einem Sommer-Flirt im Campingtrip. Auf den Synthie-Sounds von some sprouts lässt es sich perfekt in die Leichtigkeit des Sommers träumen. Für das perfekte Gefühlsbad gibt es aber auch noch eine Portion Melancholie dazu.

    Ja, lange haben uns die Indie-Boys aus Regensburg auf ihr Debütalbum warten lassen. Sporadisch wurden Singles oder mal eine EP veröffentlicht, aber das Album ließ warten. Dabei gehören some sprouts seit 2017 zum Repertoire einer jeden Indie-Klassiker Playlists. Mit Songs wie „Someone you love“ und „She longs for you“ wurden Ohrwürmer in die Welt gesetzt, die nur schwer wieder wegzubekommen sind. Mit ihrem Debütalbum „sweet bug“ liefern die Jungs jetzt ein volles Paket an neuen Ohrwürmern. Im Interview sprechen sie darüber, warum das Album so lange warten ließ, welcher Song eigentlich nur Zufall war und wie es zu dem Namen „sweet bug“ kam.

    some sprouts im Interview

    Anna: Mögt ihr euch einmal kurz vorstellen?

    Jakob: Ich bin Jakob. Ich spiele Gitarre. Alek spielt Bass.

    Jonny: Und ich bin der Schlagzeuger Jonny. Ich bin noch recht neu dabei.

    Anna: Ihr macht jetzt seit gut 6 Jahren zusammen als some sprouts Musik. Wie kommt es, dass euer Debütalbum erst jetzt rauskommt?

    Jakob: Wir haben eigentlich immer so von Song zu Song gearbeitet. Das war für uns nie so ein Ding, ein Album zu machen, wie es vielleicht früher mal wichtig gewesen ist. Das man dann mit einem Debütalbum irgendwie mal rauskommt und dass das so der Ritterschlag ist. Das war für uns irgendwie in Zeiten des Streamings gar nicht mehr so relevant. Ob es jetzt ein Album ist oder eine EP oder man geht irgendwie von Projekt zu Projekt – das war egal. Und zum Beispiel bei der letzten EP war das auch nicht konzeptionell gedacht, sondern das hat sich dann im Nachhinein so ergeben. Okay, wir haben jetzt sechs Lieder. Lass doch eine Platte machen. So ist es dann irgendwie oft gewesen. Genau. Und dieses Mal war es dann irgendwie so, dass wir eine Phase hatten, wo wir viel geschrieben haben und dann auf einmal relativ viele Songs da waren. Und dann dachten wir, das könnten wir jetzt nutzen und da gleich ein Album draus machen.

    Der Kleber, der das Album zusammenhält: Das Schöne im Unperfekten

    Anna: Beschreibt doch mal: Worum geht es thematisch in „Sweet bug“?

    Jakob: Man macht sich dann ja irgendwie doch immer Gedanken und man könnte das jetzt schon so voll bedeutungsschwanger aufladen. Aber im Endeffekt glaube ich am Anfang stand an dem Namen so ein bisschen das Wortspiel oder der Gag. Ich glaube, es war eine Nachricht, die der Joshi mir mal geschrieben hat oder ich Joshi geschrieben habe, aber keiner konnte sich so genau dran erinnern, warum eigentlich oder wer es wem geschrieben hat. Aber irgendwie war dieses „sweet bug“ dann da und das fanden wir irgendwie witzig und auch, dass „bug“ einerseits als Käfer, andererseits wird es ja dann in der Computersprache auch als Fehler verwendet. Dieses Positive durch „sweet bug“, also das Positive in einem Fehler sehen oder dass ein Fehler auch eine Tür zu einer ganz neuen Welt sein kann. Das war dann, was uns irgendwie an dem Namen gefallen hat. Das ist eigentlich auch das, was das Album ein bisschen zusammenhält. So dieses schöne in dem Unperfekten zu sehen.

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    Anna: Würdet ihr sagen, das spiegelt sich dann auch in den Songs inhaltlich wieder?

    Jakob: Von den Lyrics würde ich sagen: Da ist es glaube ich gar nicht so klar, weil die dann doch tendenziell hauptsächlich über zwischenmenschliche Sachen gehen. Romantisch, aber auch platonische Beziehungen. Aber im Sound würde ich sagen, da kann man es schon auf jeden Fall raushören. Und wir haben auch zum Beispiel einen Song drauf, der das eigentlich ganz gut trifft. „My Idea 84“ – das war nur eine Demo, wo wir dann doch irgendwie gedacht haben: ganz nett, könnte man draufpacken und da haben wir zum Beispiel die Drums nur mit einem iPhone aufgenommen. Das haben wir aber bewusst so gelassen und auf die, auf die, auf die Platte gepackt. Also auch wie es entstanden ist. Es war nie dafür gedacht, dass es mal auf eine Platte kommt, geschweige denn irgendwie mal online geht. Es war eigentlich nur eine spontane Recording Session und die ist natürlich ziemlich voller Fehler. Und genau da glaube ich, kann man es auf jeden Fall raushören.

    Alek: Das ist dann wieder der Vorteil an dem Album, dass du das wir halt jetzt mal so einen Song haben, der eigentlich mehr so demomäßig ist oder ein Instrumental Song. Das würde man sich bei einer fünf Song EP halt dann irgendwie zweimal überlegen.

    Jakob: Ja, das stimmt. Wir haben vorher drüber geredet, wie sich das Streaming in den Recording Prozess quasi eingeschlichen hat oder die Art wie Musik gehört wird. Aber so ein Album gibt dann schon noch mal Freiheiten für unkonventionellere Sachen und aus dem Schema F ein bisschen auszubrechen.

    „Wenn man nicht zu sehr auf sich selber achtet, dann feiert man den Song mehr“

    Anna: Habt ihr denn einen Lieblingssong auf der auf dem Album? Und wenn ja, warum?

    Jonny: Das tatsächlich der einzige, auf dem keine Drums drauf sind: „Crave„. Der ist also entstanden, bevor ich überhaupt bei euch gespielt habe. Dann habe ich irgendwann mal die Demo oder nicht die Demo, sondern ja schon den fertigen Song gehört und fand den ziemlich ziemlich nice und war dann irgendwie richtig froh, dass der das dann auch auf die Platte geschafft hat.

    Alek: Ja, Witzig. Ich glaube, mein Lieblingssong ist auch einer, wo ich quasi nicht selbst drauf bin. Also da hat der Tobi Blessing in der Session den Bass eingespielt. Ich finde „Green Feather“ einfach am nicesten. Vielleicht ist es aber auch so ein Phänomen, das, wenn man nicht zu sehr auf sich selber achtet, dass man den Song mehr feiert.

    Jakob: Ja, das stimmt, wenn man das Gefühl hat, man könnte noch was ändern, dann will man es auch irgendwie ändern, wenn man es jemand anders eingespielt hat, dann hat man nicht so einen kritischen Blick drauf.

    Anna: Ich hab mal irgendwo gelesen, dass eure Musik nach Sommer klingt – find ich sehr passend. Was meint ihr, wie würde ein some sprouts song klingen, der sich nach Winter anhört? Was müsste der für Elemente haben?

    Alek: Also ich finde der Opener ist zum Beispiel so ein herbstlich, winterlicher Song von der Stimmung her. Ich glaube nicht, dass der nur nach Sommer klingt.

    Jakob: Vielleicht bräuchte es noch Glocken, um mehr nach Winter zu klingen. Müsste auf jeden Fall auch langsamer sein. Natürlich in Moll.

    Alek: Die Frage ist: Welche Songs klingen generell wie Winter? Mir fallen eigentlich nur so melodische Metal Sachen ein oder irgendwie so Weihnachtssongs.

    Jakob: Müssen wir mal ausprobieren. Das wäre vielleicht mal eine Challenge, um aus unserer Komfortzone rauszukommen.

    Die Magie der englischen Sprache in Songs

    Anna: „Es ist einfacher, Gefühle und Erfahrungen auf Englisch zu schreiben, da versteht man das nicht sofort. Wenn man auf Deutsch singt, ist man ein bisschen nackter.“ – Das ist ein Zitat aus einem Interview von 2019 (damals war ich noch bei Ernst.FM) – unterschreibt ihr das noch immer so?

    Jakob: Es ist schon so, dass Yoshi schon auch in letzter Zeit, in den letzten Jahren, auch hin und wieder mal Songs auf Deutsch geschrieben hat. Von dem her würde ich sagen, da hat sich schon ein bisschen was getan, oder Ich höre jetzt auch hin und wieder mal deutschsprachige Sachen. Genau. Aber im some sprouts-Kontext kann ich mir das nicht vorstellen. Aber es gibt auf jeden Fall Songs von unserem Sänger Joshi, die auf Deutsch sind.

    Anna: In besagtem Interview habt ihr auch erzählt, dass ihr teilweise noch mehr oder weniger im Studium hängt – wie sieht‘s an der Front denn jetzt 5 Jahre später aus?

    Jakob: Die Phase haben wir jetzt alle überwunden. Außer Jonny. Der ist genau mittendrin, sozusagen.

    Jonny: Genau, ich studiere soziale Arbeit, aber auch noch gar nicht so lang.

    Jakob: Der Rest von uns ist jetzt ins Arbeitsleben eingetreten.

    Alek: Also Jakob ist Arzt.David macht so Projektmanagement-Zeug. Ich bin wissenschaftlicher Mitarbeiter an der Uni.

    Jakob: Joshi ist auch schon fertig mit Studium und in der Medieninformatik tätig. Aber er arbeitet nicht voll und hat noch etwas mehr Zeit für die Musik.

    Demos = finale Songs und warum das gut ist

    Anna: Was hat sich bei euch über die Jahre verändert – entstehen die Songs auf andere Weise oder bleibt ihr da beim Altbewerten?

    Jakob: Ja, hat sich schon verändert, würde ich sagen. Früher ist schon noch viel mehr im Proberaum entstanden. Das war aber auch als wir noch viel mehr live gespielt haben und da hat sich mehr ergeben. Da gab es dann mal eine Demo, die am iPad entstanden ist und jetzt genau produktionstechnisch weit gedacht war. Hatte eigentlich nur den Zweck, dass man es festhält. Dann haben wir halt die Songs gespielt und dann haben sie sich meist erst entwickelt und sind runder geworden. Erst dann sind wir ins Studio gegangen und haben die aufgenommen. Und jetzt bei dem Album ist viel mehr am PC entstanden. Und da haben wir dann noch viele Sachen, die in den Demos drin waren, auch in die finalen Versionen übernommen.

    Anna: Eine Frage habe ich noch: Habt ihr eine untold story für mich parat?

    Alek: Jakob dachte, dass Kraftklub an Stelle von „Wenn du mich küsst, schreibt Noel wieder Songs für Liam“ „… schreibt Bohlen wieder Songs für Liam“

    Jakob: Ich habe es einfach so hingenommen. Ich dachte klar, natürlich, Dieter Bohlen macht voll Sinn. Aber jetzt macht es wirklich viel mehr Sinn.

    Anna: Aber wenn man das halt einmal gehört hat, dann hört man das ja auch immer so weiter. Das Problem daran?

    Jakob: Ja voll, ich hab das eine Zeit lang echt nur gehört.

    Anna: Mein Beileid an dieser Stelle. Aber trotzdem danke, dass ihr diese Story geteilt habt und danke für’s Interview.

    Jakob: Danke dir und viel Spaß beim Album hören!

    Für alle, die es noch nicht getan haben, hier könnt ihr „sweet bug“ von some sprouts streamen:

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  • Mother Mother im Interview: »Every time you fail and you forget, it’s a wake up call to remember and to try again«

    Mother Mother im Interview: »Every time you fail and you forget, it’s a wake up call to remember and to try again«

    Mother Mother schlägt ein neues Kapitel auf: Grief Chapter ist das neunte Album der kanadischen Band. Seit weit mehr als zehn Jahren ist die Band nun schon gemeinsam unterwegs und überzeugt wie gewohnt mit einer wunderbaren Kollektion an Songs. Irgendwo zwischen schnellen, explosiven Rocksongs, ruhigen, vor allem stimmlich getragenen Songs und Lyrics, die auch nach dem Hören bleiben, ist ein Album entstanden, das sich mit Trauer und Tod beschäftigt – aber nicht auf eine traurige Art und Weise. Mehr in einer Art, die alle Emotionen begrüßt und für sie Platz macht. Im Rahmen ihrer Welttournee konnten wir mit dem Sänger der Band, Ryan Guldemond, sprechen und einen Einblick in dieses neue Kapitel erhalten.


    Ryan Guldemond im Interview

    Johanna (untoldency): Hello! You’re in Berlin since today probably. How is touring so far? Are you enjoying it?

    Ryan Guldemond:I love touring. Yeah, it’s a harder lifestyle, but I think that makes for a happier temperament. I think challenge is good for us, us people. So I like to struggle and I like the diversity. I like being exposed to different cultures. And of course, that energy, that medicine of human connection that we get every night during the show is really special.

    Johanna (untoldency): You’re touring – not only, but probably mostly – the recent album Grief Chapter, and it’s an album about death and grief. And there are still songs on there which were you explaining how to fully experience life, how to live fully, how you don’t conform to any images others have of you in your mind. So would you say those are two sides of the same coin, or where would death and grief and living life meet for you?

    Ryan Guldemond: I think they’re two words for the same thing. It’s like light and dark. We need light to expose the shadow. We need shadows to consume the light. And I think the more you investigate death, the more mysterious it becomes. And the lesson in how to live only becomes more clear the closer you get to death. So I think that’s what death is here for, is to help us live.

    Coverartwork des Albums Grief Chapter

    Johanna (untoldency): Yeah. That’s true. Grief is usually not only a chapter, though. I would say many people experience grief for a way longer time than just that chapter. So how come that you called the album grief chapter?

    Ryan Guldemond: Well, a life is a chapter.


    Johanna (untoldency): Only one chapter?

    Ryan Guldemond: I guess it depends what you believe. I believe in the mystery. I believe in not knowing and in not knowing the freedom to be curious. But Grief Chapter the album is about life as a chapter. So every day we grieve the death of a day. A page from the book of a life.


    Johanna (untoldency): Yeah, I haven’t thought about it that way, but I like the thought. And would you say it’s musically as well a chapter for itself? Or more like a chapter in the whole discography of yours?


    Ryan Guldemond: I think every album musically, thematically is a representation of where the band was at during that time, and it becomes less about doing something amazing and more about doing something true to that time.


    Johanna (untoldency): I get that. Still in the chapter theme: there are different stages of grief in general. Like some would say five, some would say seven. First you have anger, then you’re sad, followed by the other ones. Do you feel like those are displayed in the album as well?


    Ryan Guldemond    : No, we did not intend to model the quintessential stages of grief. It was more abstract than that. I couldn’t even list you those stages of grief. I know… Anger, denial, all that stuff. Yeah, it’s got to be in there. I’m sure it’s all in the record, but I didn’t intentionally write it that way.


    „But what we do is we project the past and the future onto the moment and we pollute the moment.“

    Johanna (untoldency): For me personally two tracks of the album stood out. One of them was Explode. I think that was the third track on the album, because I feel like it was just suiting me. I’m very often living that kind of way, and I know many people who are as well, like doing too much at some point because they want to get everything out of life. I mean, I think you said those things as well. So what is your life advice for people who relate to that?


    Ryan Guldemond: I think your life is always the present moment. And it’s good to remember that. Like, my life is not what I’ve done or what I’m going to do. My life is sitting here with you, having this conversation. That is my life right now. And when I ask myself, is there anything wrong with my life right now? No, this is pleasant. My leg is not on fire. Everything is okay. Typically, everything is okay in the moment. Um, for most people. But what we do with our brains is we project the past and the future onto the moment, and we pollute the moment. And we falsely label our lives as having something wrong with them, when in fact, most of the time it’s perfectly fine because the moment is usually unburdened.

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    Johanna (untoldency): Was that a lesson you’ve learned over time, or was it just clear and simple?


    Ryan Guldemond: I’m still learning how to not ruin my own life with my own mind. And I fail every day. And I forget every day. But every time you fail and you forget, it’s a wake up call to remember and to try again.


    Fuck no to living in the matrix

    Johanna (untoldency): Wake up was actually a good word, because the other song which stood out to me was The Matrix. And there’s this line which goes “fuck no to living in the matrix”, I think. So what would be the Matrix for you? Have you thought about that? Like, what are you saying no to with this line?


    Ryan Guldemond: Maybe it’s a script that someone else wrote besides you. So following someone else’s orders, as opposed to the orders of your truth, or your heart or your soul. It doesn’t have to be a 9 to 5 job. It doesn’t have to be the system or society. Yeah, it can just be every time you fall out of step with your authenticity. That’s when you fall into the matrix. Not a good thing.

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    Johanna (untoldency): And we want to say no to that.

    One of your biggest hit songs was Hayloft. It’s gone viral 12 years after its release. If you could pick one song of the current album, Grief Chapter, to become your next hit – which would that be?


    Ryan Guldemond: Grief chapter. The song. I think it’s a really beautiful thing when a slow and deep song becomes a hit. It’s rare, but when it happens, it’s powerful. Because you know that everyone is attaching to it, not for surface reasons. They’re connecting to a deeper emotion, and it’s moving a lot of people on that level, which I think is a really healthy thing.


    Ryan on his songwriting: „So for me I try to just model creativity in life“

    Johanna (untoldency): Okay. Yeah. Maybe that’s going to be the next hit. Let’s see. In general you’re songwriting is quite raw and vulnerable I’d say. It’s really honest and people are connecting with it. I mean, you probably recognize that the most, but what is the hardest thing in that process? Like is it hard for you to open up or which step exactly is hard to get those songs as they are?


    Ryan Guldemond: I mean it’s hard to live your life, generally in a way that keeps your vulnerability open and your channel open to receive these lyrics and these messages in creativity. So it’s less about sitting down and writing a song with that intention. It’s more about how you wake up, how you move through the day, how you exist in the world, which either supports or works against the creative process. So for me, I try to just model creativity in life. How I look at a tree. How I walk down the street. How I talk to my mom. And if I’m doing that successfully for most of the day, every day, then when I sit down to write, it’ll just arrive because I’m open, because I’m honoring life in a way that supports creativity. And when I tune out and distract myself with nonsense, then songwriting becomes very hard.


    Johanna (untoldency): If you’re saying at the end of the day you’re sitting down, is it like writing a diary entry for you? Or was it more metaphorically meant?


    Ryan Guldemond: It feels like being visited by a force who feels safe enough to make a connection because you’ve been proving to that force that you’re sensitive enough to communicate with it. And if you just bulldoze your way through your life and you have your blinders on and you’re down the rabbit hole of the internet or sedating yourself with, you know, sugar and indulging in conflict and gossip, then that beautiful, creative, pure energy doesn’t want to get close to you. It’s dangerous. It’s not a safe space, so it stays far away. And guess what? No songs come. So it definitely feels like you’re in collaboration with an energy outside of yourself.


    „It’s like there’s two lives – one where I’m not writing a song and it feels like I kind of might as well not even be here.“

    Johanna (untoldency): Which was the hardest song to write for the album, or was there even a hardest one?


    Ryan Guldemond: Yeah, there was. Normalize. It began in a really clear and open way. But then I got too involved. I think my brain got too involved. And I pushed it around and forced a theme and an arrangement that I think was different from what the spirit of the song just wanted to be.

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    Johanna (untoldency): You’re doing all of the songwriting for Mother Mother. What’s the process of showing the songs to the rest of the band? Like, because I’ve shared some of the songs to friends of mine and they were like, are you okay? Let’s go have a cup of tea and talk about something. Do you want to share something? And, I mean, I’m just sending it to them because they know those are not my words, obviously. So what is it inside the band?


    Ryan Guldemond: Well, yeah, I mean, I never offer cries for help, and so the band knows not to take my songs as that. They know it’s very practical for me. I’m showing them a song because I’m wanting to test its merit, and I want to know if they think it’s a viable song for our project. And even if the lyrics are really distressing, they never assume that that means I’m doing poorly because it doesn’t.

    I’m like the more distressing the lyric is, the better I’m doing. Because that means I’m open. I’m connecting to the deep well of emotion, and that’s when I’m happiest, even if what I’m touching is a really disturbing or sad energy.


    Johanna (untoldency): But I mean, it’s probably helping as well with coping.


    Ryan Guldemond: Always. It’s like there’s two lives – one where I’m not writing a song and it feels like I kind of might as well not even be here. Everything’s kind of gray and pointless.

    And then there’s the life when I’m writing a song and I’m inside of that song. Like In the womb and the world is bursting with color and meaning and beauty.


    „Much of that is because of this amazing fan base that found us and took us in and celebrated the parts of the band that were most authentic.“

    Johanna (untoldency): That sounds beautiful. As I’ve mentioned Hayloft before, that was 12 years ago. You’ve been at it – like musical staff, songwriting, touring – way more than ten years. Way more than a decade. So has it changed for you – putting out music, playing live? I mean, of course the industry has changed or even society, but like, how are you feeling doing it? Has that changed?


    Ryan Guldemond: Yeah, it’s great now. It was really exciting at the very beginning because you’re so naive and you’re fresh to the world of music, and the industry seems exciting and inviting. And then you get inside of the beast and the machine, and there’s lots to scare you and there’s lots to confuse you. And so I think we spent some years in that middle stage of development. Like an awkward puberty, let’s say. And now we’re on the other side, and we know who we are. We know what we’re trying to get out of this and what we’re trying to give to it. And it’s all very pure and of good intentions. So we’re just able to not even think about stuff that used to bother us. It’s a very wholesome, clear space that we’re in. And much of that is because of this amazing fan base that found us and took us in and celebrated the parts of the band that were most authentic. The strangeness, the quirkiness, the stuff that the industry told us to double down.

    Foto der Band


    „There’s this sort of cycle of energy that starts to swirl in a show, and you just kind of like, throw yourself into it and get swept away and you get made better as a person.“


    Johanna (untoldency): I’ve been at one of your concerts back in 2022. One of them here in Berlin, and I feel like the fanbase is such a strong thing. That is what comes out the most at the concert. The energy you bring onstage, the fans, they’re so deeply connecting to what you’re doing on stage and what you’re singing and saying.


    Ryan Guldemond: Yeah, it’s beautiful. There’s this sort of cycle of energy that starts to swirl in a show, and you just kind of like, throw yourself into it and get swept away and you get made better as a person. That’s how we feel after our shows, and it feels like we’re just five people of a much larger ensemble that is giving a performance that night.



    „Life is too serious to take it seriously.“


    Johanna (untoldency): That’s cute. In general – what came out at your concerts as well, I feel like is… The topics in your songs are quite serious topics sometimes, but there’s a certain humorous way you’re going about it. Do you feel like that’s the key to life? Like feeling the stuff but not taking it too seriously? 


    Ryan Guldemond: Yeah, I think there’s an expression. Life is too serious to take seriously [Johanna laughs silently] and see, it makes the person laugh because they understand immediately. It’s like the universe is always offering a cosmic giggle, because this world is built on paradox and opposites, and we get so tortured by one end of the spectrum when we stop to remember that it’s totally intertwined with its very opposite, and therefore everything is in balance. You have to laugh. So I certainly love humor. I especially like irreverent humor and dark humor. You know, I think it’s very fun and it allows a person not to take things so seriously or piously. I think people can get a little too sanctimonious about… I don’t know, life and the moral spectrum, and it’s fun to mess around with that a little bit in songwriting.


    Johanna (untoldency): I get that. We’ve been on the topic live quite a few times now. You’re on tour right now. What is your favorite memory of this tour so far?

    Bild von dem gesprochen wird
    (c) @gldmth_

    Ryan Guldemond: I went for a photo walk in Milan and the venue was in this very industrial neighborhood. But I found this really beautiful, idyllic park and these great trees and this expansive field. And there was this guy, taking a break, sitting beside his bicycle on the grass. And I was just like taking his picture and vibing out with him. Those kinds of memories I really keep close. Like going for walks and connecting to something and using my camera to immortalize the experience.


    „We’re looking for problems inside of our mind, as opposed to looking for like the way a cloud cuts across like some telephone wires“


    Johanna (untoldency): I mean, there’s probably not too much time for that, is it? So just consciously taking the time to do that is probably the most important thing.


    Ryan Guldemond: Every day I do it. Yeah, I have to. You can go for a 20 minute walk and change your life – if you’re open to be moved. And I find the camera is such a great way to motivate you to look for beauty. It’s a different experience going for a walk with the only motivation of trying to find something beautiful. When we go for walks, typically we just think about our lives and all the problems we’re looking for. We’re looking for problems inside of our mind, as opposed to looking for like, I don’t know. The way a cloud cuts across like some telephone wires or, you know, a guy sitting in a field. So for me, it’s activities like that that keeps me sane, but also childlike and joyful on tour. And it gives me an escape route out of the tunnel of routine and structure.


    Johanna (untoldency): Is it a real camera or are you taking the photos of your phone?


    Ryan Guldemond: Real camera, Yeah. I have like an old, vintage lens. And it forces you to do manual focus, so you can’t just go click, click. You have to sit and work with the image so it enforces patience, which also feels good. Yeah, it’s better.


    „It’s like we’re so bored by the idea of conflict or interpersonal drama.“


    Johanna (untoldency): Yeah, I get that. I’ve recently discovered my digital camera again and it’s so much more fun than with the phone. 

    But back to tour – you’re not alone on tour. There is a whole crew and the rest of the band. Would you say you as a band have different roles while touring? Like one of you is the dad of the group and one …

    Foto vom Konzert
    (c) Johanna Feger


    Ryan Guldemond: Not really. We’re all very self-contained and responsible for ourselves. And I think people have different personalities. Like, some people are more funny than others. I’m a bit of a tease, like a jokester. And Molly – my sister – is really comical. She can kind of be fastidious and worried. And it’s funny, you know, she kind of becomes a cartoon character. And we all do, right? Like people in your family, everyone kind of becomes a parody of themselves.

    Yeah, but everyone in the band is lovely. I think we all feel really lucky how easy it is to exist together. We’ve been through it all. It’s like we’re so bored by the idea of conflict or interpersonal drama. Like nothing could interest us less. Yeah. That’s nice.


    „It’s like Carpe diem. And the cosmic giggle.“


    Johanna (untoldency): Yeah, that’s a good thing. We actually have two closing questions left now. The first one: if someone meets you who doesn’t know Mother Mother or Grief Chapter yet, how would you describe it briefly to them?

    Ryan Guldemond: It’s like Carpe diem. And the cosmic giggle.


    Johanna (untoldency): Okay, then the last one. Our magazine is called untoldency and we have this thing at the end of each interview to ask people to tell an untold story. Maybe there’s a special story you’d like to share which you haven’t told.


    Ryan Guldemond: That is. I mean, maybe I haven’t told my untold stories for a reason.

    Johanna (untoldency): That’s true.

    Ryan Guldemond: I feel like most good stories you tell. I really can’t think of an untold story. Does everyone give an answer?


    Johanna (untoldency): I mean, one artist once told me he accidentally stole something out of one of those candy shops. Where you can buy a chocolate bar for 1€. And he just forgot to pay and he took it. Then when he was home, he realized that he actually didn’t pay.


    Ryan Guldemond: I did that on this tour and I don’t think I’ve told anyone. Yeah. It was – you know the little prince? There was a keychain and everyone says I look like the little Prince. Because of the blond hair. And they like to infantalize me, like my family, Molly. “Oh, you’re just a little prince”. So I saw this keychain at a gift shop on a ferry crossing the English Channel. And a couple of days later, there’s something in my pocket, and there it was. And I never paid.

    I stole the other person’s story. Is that okay?


    Johanna (untoldency): Yeah. That’s fine. I mean. Untold is untold. And it’s not stealing if you’re just experiencing the same.


    Ryan Guldemond: Untold is untold.


    Johanna (untoldency): Exactly. And actually, one last, last question, but that’s fine if you don’t have an answer for that. I just wanted to ask if you want to share something else, like if you feel something’s missing. If there’s a question left which I didn’t ask, but you’d like to answer.


    Ryan Guldemond: Oh, probably not, but maybe I’ll just express extreme gratitude. To those who are reading and taking interest in Mother Mother. And if they listen, we hope that they enjoy. Nice. Yeah. End on a nice, polite note, like good manners is important.


    Johanna (untoldency): That’s true. So thank you for taking the time.


    Ryan Guldemond: Thank you very much.

    „It’s like carpe diem and the cosmic giggle“ – wenn ihr jetzt hören wollt, wie das klingt, könnt ihr das hier tun:

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  • Tusks im Interview: »You will be OK – even if it seems impossible.«

    Tusks im Interview: »You will be OK – even if it seems impossible.«

    Wenn die Melancholie zuschlägt und auch der Synth genau diese Frequenz trifft, die direkt für Gänsehaut sorgt – dann hört ihr vielleicht einen Song von Tusks. Die Sängerin, Produzentin und Multiinstrumentalistin aus London hat atmosphärische Synths mit dunklen Pop-Melodien zu ihrem unverwechselbaren Sound gemacht und verpackt in ihnen Verletzlichkeit, Ehrlichkeit und Intimität. Die Vergleiche schwanken zwischen Daughter, Sigur Ros und Art School Girlfriend, und auch wir haben ihr neues Album Gold erstmal ein wenig sacken lassen müssen. Dann haben wir jedoch die Möglichkeit ergriffen, um Tusks selbst was zu ihrer Musik erzählen zu lassen.

    Tusks im Interview

    Anna: You’ve been making music for some time now. How would you describe your new record in comparison to the last two?

    Tusks: I think it definitely feels more refined and mature than my previous two. I fully feel like I’m In my 30s writing it now. Like I was way younger making the first two. I think it’s richer, I think the songs are more developed and I think it sounds maybe more like the music I listen to a lot.

    Anna: Gold is an album full of contradictions that you also pulled from your personal experiences. Is there one that fascinated you the most, or one that made you struggle the most?

    Tusks: I think Strangers is the one that I struggle with most. The idea that you can be so close to someone for so long and then the relationship can end and you can just become strangers… Something about that just always feels so sad and gutting to me – even if its right to break up the relationship. Every time I sing it live it makes me sad in a different way to the other tracks.

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    „You will be OK.“

    Anna: What’s a learning you pulled from these experiences? Maybe we can learn something from them, too.

    Tusks: I think that you can always get through the things that felt like they would be too much to handle. I feel like experiences just come around again and again in life disguised as different things and you will be OK – even if it seems impossible.

    Anna: Your music is very ethereal, and it’s really easy to let myself just fall into it. How was the process behind the music for you?

    Tusks: I love losing myself in the process of writing and producing music. Normally, I’d take myself away to a secluded place, not talking to anyone for days. It all kinda flows out of me. Then I take it back to the studio and start producing it properly. This one was really fun to produce. We ran it through loads of tape machines and analog delays and got really creative with the recording side of things. That brought so much fun and energy to the process.

    Anna: Can you share songs (or artists) that recently made you feel like falling into them?

    Tusks: I really love Mk.gee’s new album ‘Two Star & The Dream Police’ – that feels really immersive.

    „Kinda like a daydream.“

    Anna: Your song The Way is addressed to anxiety and trying to accept the things you cannot change. Did writing the song and addressing it so clearly change something for you?

    Tusks: Yeah it did actually. The song is about realising that this is the way it was always going to be. Something about having that element of control or choice taken away from me really calms my anxiety. You just have to accept that this is how things are and this is what’s happened and move on. There’s no other choice really.

    Anna: Read The Room also feels like a very personal song. What is it about?

    Tusks: Yeah it is. Its another break up song – kinda more reflective and defeatist than the others on the album. It was all recorded in one take in this studio in Wales. Then I did a take of synths over the top through a Copicat Tape Echo which I think makes it feel way more lonely than the other tracks. Its meant to be a bit of an interlude. Kinda like a daydream.

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    „It would have been a completely different album“

    Anna: In parts, the album was written amidst exceptional circumstances of 2020/2021. Do you feel like you would have written a different album if it wasn’t for Covid?

    Tusks: Yeah for sure – it would’ve just been a completely different album I think because there was such a pause on everything that I just wrote and re-wrote all the songs. I think maybe only two of the songs that made it onto Gold were in the original ten songs – Wake and Cold Storm (weirdly the first and last).

    Anna: What is the weirdest (or coolest) habit you picked up during the lockdown years?

    Tusks: Haha err I made a lot of pasta at home. But I feel like that’s something you can only really do when you have the time you have in a lockdown.

    Anna: For our last question we always ask for an untold story – something you’ve never shared in an interview before. Is there something you want to get off your chest now?

    Tusks: The middle 8 of strangers came about because I got covid just before we went in to record the album. I was living in this warehouse of 11 people at the time. The rule was if you got covid, you couldn’t leave your room. I tested positive for ten days so was in this room for ten days and it was literally like 2m x 3m. It was so bizarre. Luckily it had a huge window which looked out across London and we were on the top floor so there was an amazing view – one day I just watched this crane build a house for hours. But yeah – I wrote the middle 8 of strangers at that time too which I think is why its so full of angst and tension.

    „Full of angst and tension“, aber trotzdem wunderschön – wir können euch allen Tusks Album sehr ans Herz legen. Hört hier in Golden rein!

    Tusks, Gold, London, Singer Songwriter, Producer, Emily
     

    Fotocredit: Emily White

  • ENGIN im Interview: »Es ist unser Anspruch, Teil der Veränderung zu sein. «

    ENGIN im Interview: »Es ist unser Anspruch, Teil der Veränderung zu sein. «

    Diese drei ernstaussehenden aber unfassbar lieben Jungs solltet ihr mittlerweile kennen – immerhin wirbeln ENGIN seit knapp einem Jahr durch unsere Bubble. Mit ihrem Debütalbum Nacht haben sie sich letzten Sommer durch fast alle Städte Deutschlands gespielt und mit jedem Stop neue Fans gewonnen. Zuletzt als Support von Von Wegen Lisbeth stehen sie nun vor ihrer ersten Headline-Tour (wir dürfen präsentieren und verlosen!), im Gepäck ihre aktuelle EP. Voll mit neu-interpretierten türkischen Volkslieder und Klassikern des Anadolu-Rocks brechen sie die Schwelle zwischen deutscher und türkischer Rockmusik auf. Eine Schwelle, die schon so lange gebrochen werden wollte! Weil die EP aber nicht nur voll mit Hits ist, sondern auch in einer Sprache, die ich leider nicht spreche, findet ihr hier ein mit witzigen Anekdoten durchspicktes Track-By-Track Interview! Von Quittenbäumen über Pferde im Vollgalopp zu Tipps gegen Liebeskummer und das Zerrissenheitgefühl einer ganzen Generation – hier lernt den Sound hinter David, Engin und Jonas (v.l.n.r.) ganz genau kennen.


    ENGIN im Interview

    Anna: Hey ihr drei! Noch ein wenig rest-frisch im neuen Jahr erstmal ein kurzer Blick zurück: wie war das Jahr 2023 für euch?

    Engin: Das letzte Jahr war ein Geburtsjahr von vielen Sachen. Erste Tour, erstes Album, erste Konzerte in Istanbul. Das war auf jeden Fall ein Jahr voller Highlights! Das Istanbul-Konzert war für mich persönlich ein ganz großes Ereignis. Beziehungsweise waren es ja drei Konzerte am Stück! Das war ein krasses Gefühl mit dem neuen Album, das ein paar Monate vorher rauskam, und ein paar türkischen Songs im Gepäck da aufzuschlagen und auf so viel Gegenliebe zu stoßen. Hätte ich mir nicht erträumt, dass das so schnell geht.

    Jonas: Für mich war es eigentlich mehr so ein Stück weit den Kindheitstraum erfüllen. Diese intensive Zeit, die man als Band verbringt und die witzigen Momente, die dabei passieren. Das Spielen an sich natürlich, das ist schon krass, aber auch das ganze drum herum. Dass man die ganze Zeit beschäftigt ist und rumrennen darf für die eigene Musik.

    David: Ja, ich finde es auf jeden Fall auch ein krasses Privileg, dass wir die Chance bekommen, als (bis aufs Booking) DIY Band so viele Menschen zu erreichen mit Musik und generell einer Thematik, die im Kern so positiv ist. Und das dann auch gerade in der heutigen Zeit. Das macht auf jeden Fall Lust auf mehr!

    „Es soll keine Fremde herrschen, sondern Verbundenheit und Vertrautheit.“

    Anna: Ich wollte das Interview ein wenig an der Tracklist eures neuen Albums „Mesafeler“ hangeln. Vielleicht starten wir zuerst mit dem Album-Titel: „Mesafeler“ bzw. „Distanzen“ wie es auf Deutsch übersetzt heißt, fasst die Thematik des Albums passend zusammen. Welche Distanzen versucht ihr mit dem Album zu überbrücken?

    Engin: Es sind ein paar! Die erste ist natürlich kulturell und sprachlich, weil das Album auf Türkisch ist. Es ist auch eine Überbrückung der innerdeutschen Distanz, weil es Musik ist, die türkische Menschen vor ein paar Jahrzehnten nach Deutschland mitgebracht haben. Für mich persönlich ist es auch eine Überbrückung der Distanz zur eigenen Identität, also dieses „es ist okay, wenn ich hier geboren und aufgewachsen bin, dass ich trotzdem auf Türkisch singe“. Dass auch das seinen Platz hat. Eine weitere Bedeutung sind auch die Distanzen, die wir physisch zurückgelegt haben. Mit knapp 60 Konzerten in acht Monaten ist es auch ein guter Tour-Titel! Und natürlich das selftitled Album von Erkin Koray, welches eine große Inspirationen für uns war und als Meilenstein des Anadolu Rocks gilt. Da heißt der erste Song auch Mesafeler, deshalb ist es so ein bisschen eine Hommage an ihn. Es hat also viele Ebenen!

    Anna: Euer Album „Mesafeler“ ist eine Sammlung von Covern türkischer Lieder, viel auch aus den 60er und 70er Jahren. Warum gerade diese Zeit?

    Engin: Wir beziehen uns auf diese Zeit, weil sie musikalisch sehr spannend ist, was die türkische Musik anbelangt. Vor allem im Zuge des Aufkommens des Anadolu Rocks, der alte türkische Folklore und traditionelle Musik mit westlicher Rockmusik und psychedelischer Musik verbunden hat. Anadolu Rock ist ein sehr globaler Sound, der uns schon seit Jahren als Inspirationsquelle dient. Es gibt so viel Musik aus der Türkei, die in Deutschland gar nicht bekannt ist. Entgegen dem gängigen Klischee-Bild wollen wir zeigen: wie klingt denn eigentlich türkische Musik? Für uns war das auch eine Forschungsreise in dem Sinne! Wir haben ja ganz viel Musik aus dieser Zeit auf Social Media schon präsentiert und da wollten wir auch für uns diesen Kern herausschälen. Aus was besteht Anadolu Rock, und wie kann man Songs in unserem Stil, in unserem Gewand präsentieren? Das war eine spannende Herausforderung!

    Jonas: Musik oder Sprache sind ja beides Klänge. Man gewöhnt sich als erstes an den Klang einer Sprache und kann von da immer weiter eintauchen. Und das finde ich auch wichtig bei unserem Ansatz, dass wir eigentlich nur probieren, Menschen die türkische Sprache und Kultur in einem vertrauten musikalischen Gewand zu präsentieren. Wenn man sie öfter hört, gewöhnt man sich an den Klang der Sprache. Und das ultimative Ziel wäre dann, wenn ich draußen rumlaufen und türkische Menschen sprechen höre, dass mir der Klang vertraut vorkommt, weil ich ihn in der Musik erlebt habe. Darum geht es, diese Distanz mit der Musik zu überbrücken und dann auch im echten Leben nicht mehr Menschen, die seit 60 Jahren hier leben und zwei Sprachen können, als fremd wahrzunehmen. Ich kann nicht mal eine Sprache richtig! (lacht) Und ich merke ja wie geprägt ich von der Gesellschaft bin. Das war eine schöne Reise auch zu mir selbst, diese Vorurteile aufzulösen. Damit mein ich nicht mal intellektuell, weil das geht schnell. Sondern dass man das wirklich fühlt, und keine Fremdheit mehr herrscht, sondern Verbundenheit und Vertrautheit.

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    „Ich freu mich auf den Leidensweg, die Songs live gut zu spielen.“

    Anna: Habt ihr lange gebraucht, um euch auf einen Sound zu einigen oder lief das alles ganz harmonisch zusammen? Wie viel Spaß hat der gesamte Prozess gemacht?

    Engin: Der Prozess hat sehr viel Spaß gemacht und lief auch relativ flott! Wir sind da nicht so planvoll vorgegangen, sondern haben die Songs erst mal gespielt. Dadurch hat sich das sehr organisch ergeben. Wir sind ja einfach auch drei Charaktere, die zusammen was erschaffen, und da entsteht eh ein anderer Sound. Da hat sich relativ schnell rauskristallisiert, was eine coole Version ist.

    Anna: Die erste Single des Albums ist „Ayva Çiçek Açmış“, und bedeutet übersetzt „der Quittenbaum blüht“. Ich hab mir natürlich auch den Original-Song angehört, und eure Version hat deutlich mehr Wucht nach vorne – habt ihr ihn deshalb als Opener des Albus gewählt? Und was für eine Rolle spielt der Quittenbaum?

    Engin (lacht): Der Quittenbaum ist insofern relevant, als dass er für die Vergänglichkeit der Liebe steht und die Angst davor, was passiert, wenn sie erlischt. Es gibt die Zeile: „Weck mich nicht aus meinem tiefen Schlaf / Belüge mich nicht, indem du sagst, dass du mich liebst“ – das hat ja eine enorme Wucht. Wir hatten sofort Lust, da einen sehr tanzbaren Song draus zu machen, aber auch einen Song, der so richtig reinhaut. Das Outro könnte wahrscheinlich jeden Nachbarn aus dem tiefsten Schlaf wecken, wenn man es auf angemessener Lautstärke spielt (lacht). Das fanden wir einfach passend, um ihn als ersten Song zu wählen.

    Anna: Ich kann auch nicht anders, als mir das direkt in einem vollen und durchschwitzen Club vorzustellen. Auf welchen Song des Albums freut ihr euch am meisten auf der Tour im Mai live zu spielen?

    Engin: Also ich freue mich persönlich schon auf sehr auf Ayva çiçek açmış. Wir haben ja auch ein paar Songs schon länger im Programm und Ayva ist auf jeden Fall einer, den wir neu dazunehmen werden. Das wird auf jeden Fall ein Highlight!

    David: Ja bei mir auch, da schließ ich mich an!

    Jonas: Ich bin sehr gespannt auf Cemalım. Ich freu mich auf den Schmerz und den Leidensweg, den Song live gut zu spielen (lacht).

    Engin: Also ist ein herausforderndes Set auf jeden Fall! Die Songs sind sehr unterschiedlich, haben unterschiedliche Stilelemente, und die in unserem Trio-Format überzeugend rüber zu bringen, das wird eine Herausforderung. Aber es wird klappen, vorher gehen wir nicht aus dem Haus! (lacht)

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    „Barış Manço war ein richtiges Original.“

    Anna: Auch der zweite Track „Anlıyorsun Değil Mi“ hört sich an, als würde er sehr viel Spaß live machen. Wenn ihr die Plattensammlung eurer Eltern heute durchkramen würdet, würdet ihr dort Barış Manço auch finden? Der Mann sieht ein bisschen aus wie eine türkische Legende.

    Engin: Auf jeden Fall, man kann ihn eigentlich in jedem türkischen Haushalt finden. Barış Mançoist einer der wichtigsten Vertreter des Anadolu Rock und hat einfach über Jahrzehnte hinweg unfassbar wichtige Arbeit für die türkische Musikkultur geleistet. Er ist Ende der Neunziger gestorben und als er zu Grabe getragen wurde, waren alle auf den Straßen, es lief rund um die Uhr auf den Fernseher. Es war ein Volkstrauertag im Endeffekt. Barış Manço war ein richtiges Original. Er hat auf Englisch gesungen und dann auch sehr viel Bock gehabt, Japanisch zu lernen, also hat er ein japanisch-sprachiges Album aufgenommen. Er war dadurch auch in Japan sehr beliebt und bekannt. Einfach so ein Weltenwanderer und Kosmopolit. Das ist auf jeden Fall ein schönes Vorbild, was das kulturverbindende Element anbelangt.

    Anna: In dem Song „Öyle Sarhoş Olsam Ki“ lautet eine Zeile (übersetzt) „Wenn ich doch nur so betrunken wäre, um dich für einen Moment zu vergessen.“ Wie geht ihr mit Liebeskummer um?

    Engin (lacht): Das hab ich lang nicht mehr gespürt, kann das wer anders beantworten?

    Jonas: Ich glaube, es ist legitim, Sachen ein Stück weit zu kompensieren, dass man nicht die ganze Zeit über den Schmerz nachdenken muss. Vor allem wenn man es eh nicht lösen kann.  Also ich sage jetzt nicht, betrinke dich jeden Tag. Ich sag, betrink dich von mir aus einen Tag, aber geh den nächsten Tag auf ne Wanderung (lacht). Also lenk dich ab, damit du nicht die ganze Zeit über Probleme nachdenkst, weil am Ende braucht das Gehirn gehören einfach Zeit, um die Synapsen aufzulösen und neue zu bauen. Ist ein schwieriges Thema und sehr individuell, da muss man schon sehr auf sich aufpassen.

    David: Musik hilft auch! Also man kann sich ja, wenn man traurige Musik hört, richtig gut im Liebeskummer baden und so. Aber wenn man dann wieder da rauskommt und Musik findet, die einen ablenkt und auch wieder auf positive Gedanken bringt, dann ist das auch sehr gut.

    Jonas: Man kann Schlagzeug spielen.

    David: Genau, also Sport auch einfach! Sport machen, …

    Jonas: Streich einfach alles raus und schreib „Schlagzeug spielen“ (lacht).

    „Ja, das darf auch im Radio gespielt werden!“

    Anna: „Cemalım“ haben wir ja schon angesprochen. Was macht diesen Song so besonders?

    Engin: Cemalım ist eigentlich voll der Krimi! Es erzählt die Ermordung eines türkischen Edelmannes und die Klagen seiner Frau, die nicht weiß wohin, nun wo er gestorben ist. Cemalım ist ein Totenklagelied, einmal aus der Sicht des Mannes und aus der Sicht der Frau. Es geht auch um das Pferd des Mannes, mit dem er ausgeritten ist und das nach seiner Ermordung nicht mehr zurück nach Hause findet. Das ist alles sehr filmisch erzählt, und in den Lyrics steckt dieses ganze Drama hinter diesem brutalen Akt. Es ist auch sehr gehetzt, fast wie eine Verfolgungsjagd, und das haben wir versucht musikalisch zum Ausdruck zu Bringen.

    Anna: Gecovert hat das Lied u.A. auch Altin Gün, eine ebenfalls sehr prägende Band unserer Generation, die dazu beigetragen hat, türkische Musik in den Mainstream zu bringen. Habt ihr das Gefühl, dass die Schwellen zur türkischen Musik und Kultur in den letzten Jahren gesunken sind?

    Engin: Auf jeden Fall! Wir hatten neulich ein interessantes Gespräch mit dem Kölner DJ Burakete, der schon seit den 90ern Partys veranstaltet. Die Leute wussten in den Neunzigern nicht, wie sie auf die türkischen Rhythmen tanzen sollen und jetzt haben diese Partys auch aus der nicht-türkischen Community großen Zulauf. Das hat also schon ein paar Jahrzehnte gedauert, aber ich würde sagen gerade so die letzten vier oder fünf Jahre ist da viel Bewegung reingekommen. In Frankreich zum Beispiel sind viele türkische Acts einfach bekannt! Es gab zum Beispiel in den Siebzigern schon die Band Moğollar, die man auch als einen wichtigen Grundpfeiler des Anadolu Rocks gesehen hat. Die haben ihr prägendes Werk in Frankreich aufgenommen haben und wurden ultra gefeiert. Also die haben da auch Musikpreise gewonnen in Frankreich, in den Siebzigern schon! Obwohl in Deutschland eigentlich viel mehr Türken waren, war in Frankreich die kulturelle Anerkennung der Popmusik der Türkei viel schneller. Das ist also länderspezifisch unterschiedlich, wie schnell das geht. Aber ich würde sagen, gerade in den letzten Jahren tut sich auch in Deutschland was. Und es ist ja auch unser Anspruch, ein Teil dieser Veränderung zu sein. Die Gesellschaft ist divers, und die musikalischen und kulturellen Hintergründe sind auch divers. Wir haben alle Platz. Und ja, das darf auch im Radio gespielt werden!

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    „Dieses Zerrissenheitsgefühlt hat viele Generationen, auch bis heute, begleitet.“

    Anna: „Gurbet“, einer meiner Lieblingstracks des Albums, handelt von genau diesen Gastarbeiter*innen, die nach Deutschland gekommen sind und versucht haben ein neues Leben in der „Fremde“ aufzubauen, weit weg von ihren Liebsten. Sind die Auswirkungen davon heute noch zu spüren?

    Engin: Gurbet ist ein Song, der immer noch sehr aktuell ist. Es gibt immer noch viel Migrationsbewegungen auf der Welt gibt und Menschen, die aus unterschiedlichsten Gründen ihre Heimatländer verlassen. Dieses Gefühl ist ein sehr universelles Gefühl. In der Türkei hat man die Gastarbeiter „Gurbetçi“ genannt, das heißt die im Ausland, also in der Fremde Lebenden. Das drückt diese Zerrissenheit ja schon aus: sie wohnen nicht mehr in der alten Heimat, aber sie gehören auch nicht in die neue. Und dieses Zerrissenheitsgefühlt hat viele Generationen begleitet. „Wo gehöre ich denn eigentlich hin?“ ist die Frage, die man sich auch heute noch in Deutschland stellt, obwohl man hier geboren ist. Deswegen ist es für uns sehr wichtig gewesen, diesen Song nicht nur aus der Perspektive von den Leuten zu sehen, die damals gegangen sind, sondern auch aus der heutigen Zeit. Dieses Zurücksehnen nach den kulturellen Wurzeln.

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    Anna: Auch der nächste Track „Resimdeki Gözyaşları“ handelt vom Vermissen und ist lyrisch sehr poetisch („Das Einzige was dir von mir blieb ist jetzt dieses kleine Bild / Es kann dir keine Antwort geben, aber um deine Einsamkeit weinen“). Wie poetisch im Allgemeinen ist die türkische Sprache?

    Engin: Sehr! Deshalb war es mir ein Anliegen, die Texte so gut es geht zu übersetzen. Es gibt auch viel Deutungshoheit da drin. Gerade Resimdeki Gözyaşları ist sehr atmosphärisch und beschreibt eher so ein diffuses Gefühl. Dieses Gefühl von Trost in der Nostalgie zu finden. Das Spannende ist ja, das es ein sehr trauriger Text ist, und im Original aber voll die wütende Soul-Rock Nummer. Also sehr tanzbar und sehr nach vorne. Aber man würde nicht darauf schließen, dass es jetzt so ein tief trauriges Thema ist, wenn man die Sprache nicht versteht. Deswegen wollten wir bei dem Song wirklich die Traurigkeit rausarbeiten und eine nachdenkliche, stille Version draus machen. Weil ihn wuchtiger als Cem Karaca zu machen, das ist auch nicht möglich.

    „Nein.“

    Anna: Damit sind wir schon beim letzten Song: „Ilgaz“ ist ein Folklore-Klassiker, den jedes Kind der 60er und 70er Jahre in der Türkei in der Schule schon lernte. Worum geht es in dem Song?

    Engin: Es geht um einen Berg (lacht). Wir fanden die Melodie sehr, sehr schön und die Ruhe, die der Song in sich trägt. Wie wuchtig und düster das Album dann auch irgendwie anfängt, baut sich am Ende einfach eine schöne, ruhige, entspannende Landschaft vor einem auf. Man kann so ein bisschen in Frieden gehen sozusagen. Unsere Version ist sehr stripped down und auf’s Wesentliche begrenzt, weil die Melodie schon alles sagt, was zu sagen ist.

    Anna: Anna: Nach den Interpretationen türkischer Volkslieder, gibt es deutsche Klassiker, die ihr gerne mal neu interpretieren würdet? 

    David: Ich bin bisschen unentschlossen, aber ich würde jetzt aus dem Bauch heraus wahrscheinlich irgendwas ganz Altes von Westernhagen raussuchen. Der hat auch schon in 70ern Jahren Platten gemacht, das war nicht immer ganz jugendfrei oder politisch korrekt, aber auch schon wild! (lacht)

    Jonas: Udo Jürgens!

    Engin: Alle Songs außer „Aber bitte mit Sahne“, den find ich ganz schrecklich (lacht)

    David: Aber das wäre vielleicht auch eine geile Challenge! Dass man gerade den dann so versucht zu machen, dass er wieder charmant wird.

    Engin: Nein.

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    Eine Odyssee in Rumänien

    Anna: Wir kommen zu unserer letzten Frage, unsere untold story: gibt es irgendetwas, was ihr in noch keinem Interview erzählt habt und einfach mal erzählen wollt?  

    David: Sollen wir die Odyssee des Albums darlegen?

    Jonas (schüttelt stark den Kopf)

    Engin: Das ist zu schmerzhaft.

    David: Wir können von unserer Istanbul Rückreise erzählen! Aber die würde ich gerne aus Jonas Perspektive hören.

    Jonas: Wir haben drei Konzerte in Istanbul gespielt, aber wollten nicht fliegen und sind deshalb mit dem Auto gefahren. Wir hatten aber kein ATA, also keine Zolleinfuhrgenehmigung. Auf dem Hinweg war alles kein Problem, ein paar Zollbeamte haben komisch geguckt, warum das ganze Auto mit Instrumenten vollgestopft ist, aber wir haben alles immer charmant gehandled und sind durchgewunken worden. Auf dem Rückweg war dann aber eine serbische Grenzbeamtin, die uns mitgeteilt hat, dass wir auf gar keinen Fall nach Serbien einreisen dürfen, weil die Gefahr bestünde, dass ich zum Beispiel meine Becken in Serbien verkaufe – was ich nie machen würde! (lacht) Wir wurden also an der serbischen Grenze abgewiesen und sind dann wieder nach Bulgarien und auf einer Landstraße über Rumänien nach Budapest gefahren. Wir sind um zwei Uhr nachts angekommen, nach 20 Stunden Fahrt. Und dabei war einfach auch der Stress, dass wir in Rumänien auf der Landstraße gefahren sind und die irgendwas von Dracula erzählt haben und tollwütigen Hunden.

    Engin (lacht)

    Jonas: Und weil wir dankenswerterweise das Auto von meinem Papa hatten, hatte ich dann so ultra Angst, dass irgendwas mit dem Auto passiert, wenn ich das Steuer abgebe. Da hat mein eigener Kopf mich gezwungen durchzufahren.

    Anna: Du bist 20 Stunden durchgefahren?

    Jonas: Ja…

    Engin: Wir konnten auch nicht anhalten, weil es gibt ja tollwütige Hunde! (lacht)

    Jonas: Das war dann irgendwann dieses Narrativ nach zwölf Stunden auf die Straße gucken. Das spinnt sich ja immer weiter aus.

    David: Das, was wirklich lustig war, war als wir in Bulgarien quasi die Kehrtwende machen mussten, und dann an der serbisch-bulgarischen Grenze Richtung Norden gefahren sind. Wir waren keine fünf Minuten auf der Landstraße, da kam uns so ein Dude im Vollgelopp auf dem Pferd entgegen (lacht). Und das halt über so ne saulange gerade Straße, das sah so wild aus, wie der da auf uns zu kam.

    Jonas: Es war auch schon die schönste Landschaft, die ich aus dem Auto bis jetzt gesehen hab. Vor allem war das ja im Oktober, also Herbst, und dann dieses goldene Blätterdach, soweit das Auge sehen kann…

    Mit diesem schönen Bild im Kopf endet das Track-By-Track Interview. Wer sich inspiriert fühlt, darf sich natürlich gerne einmal durch die gesamte Diskografie von ENGIN hören und/oder sie direkt auf Tour besuchen! In ein paar Tagen geht’s los, schnappt euch hier noch Tickets!

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    Fotocredit: Yasmin Sara Ergen, CAPADOL

  • The Holy im Interview: »The record’s main aesthetic is to be an invitation to come see us live«

    The Holy im Interview: »The record’s main aesthetic is to be an invitation to come see us live«

    Es wird laut im Februar! Der Winter, besonders in Berlin, ist kein leichter, wenn die Sonne sich für maximal zwei bis drei Tage aus den grauen Wolken traut. Da hilft manchmal ein Stupser melodischer Riffs, unterstützt mit der Power von zwei Schlagzeugen, Wunder. So ist es mit dem neuen Album „Ländmark“ der finnischen Rockband The Holy. Uns vor dem Album auch noch unbekannt, freuen wir uns umso mehr, euch das Quintett aus dem Norden im Interview genauer vorzustellen! Inklusive wertvoller Anspieltipps und, viel wichtiger, einer Headline-Tour durch Deutschland im Gepäck bringen The Holy euch sicher durch den restlichen Winter.


    The Holy im Interview

    Anna: For a smooth start, can you introduce yourselves and your band to people here in Germany who haven’t heard from you yet?

    The Holy: We are The Holy, a rock quintet from Helsinki, Finland. The band was founded in 2014 and we have released an EP and two albums with a third one set to be released in February 2024. We love making records but we are most known for our energetic live shows.

    Anna: To point out the most obvious fun-fact about your band: you have two drummers. It may seem a simple question, but why? Do you feel like this opens more musical spaces to explore that you couldn’t with a single drummer?

    The Holy: We started out with two drummers because we had two people that both wanted to play drums in the band hah! But also because we were the most interested in making the biggest wall of sound possible. Today we feel that it opens a lot of options in the rhythmic landscape and makes the band sound unique. And also because a third drummer wouldn’t fit the stage!

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    Nordic inspirations

    Anna: Growing up in Finland, what music did you grow up with? What was the musical landscape like when you started out as a band almost 10 years ago?

    The Holy: I think most of the band has been growing up with our parents a-class vinyl collections. But also around international music media, like Pitchfork, Stereogum and NME.. So kind of all the dad rock, fusion jazz, folk and early heavy metal meeting up with contemporary pop music, hip hop and indie.. I doubt that the Finnish music scene or tradition has been that influential for us at all.

    Anna: Can you name three Nordic artists or bands that inspire you right now and you want to recommend to us? We’re always looking for new good music input!

    The Holy: Of course! Elia Lombardini is violin prodigy with finnish and italian roots. He has collaborated with us in the past both in records and live but is now building his own career with cinematic contemporary instrumental music. Virta is an instrumental jazz trio, but expanding their sound also to electronic, post rock and psychedelic landscapes. They just released their new album a few months ago and we are very excited to play some shows together in the future. Antti Hevosmaa from the band also contributed some horns on our latest record. Jonsjooel is finnish but now berlin based composer, singer and multi-instrumentalist who just released his debut last year. He is also helping us out on tour with his insane drumming this year.


    „The record’s main aesthetic is to be an invitation to come see us live.“

    Anna: Talking about your new album “LÄNDMARK”, it’s your third album as a band. How excited are you releasing it? And how different was the process compared to your first two albums?

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    The Holy: We are of course insanely excited to put out new music after a long break! We released our previous album Mono Freedom in the middle of covid-times roughly three years ago and have been waiting since to release new music. We have been sitting on top of these songs for a long time. Many other bands have also been in this same position. It feels like a new era is starting in our scene.

    The making process was very different than while doing the previous albums. During covid break we were able to study ourselves and mirror back what we have done before. That made it more clear that we want to focus on the live energy of the band. So during the process we dropped all the songs that we knew might not work that well in live situations. We also wanted the sound to represent that aspect. The record’s main aesthetic is to be an invitation to come see us live. And to expand the experience of the songs. We had challenges to actually finish the record and to actually do the recordings. We wanted to use different kind of unconventional spaces for natural and unpredictable ambiences and challenge the process in that way. While we had mostly fun doing it, in mixing we had to do plenty of revisions and edits. Our mixing engineer Magnus Lindberg of course is a wonderful professional and handled our mayhem really well and with extraordinary precise.


    „Kind of  post-apocalyptical dream.“

    Anna: If you can, how would you describe LÄNDMARK visually?

    The Holy: I had this dream of a cold windy ocean and Escher -esque patterns and repetitive lines really burned into my eyes when I started to work on these songs. Saturated landscapes and mountains… deep forests and waters… kind of a post-apocalyptic dream from a city living person’s perspective. Some kind of study and reflection of the modern relationship between human and nature. A need for nature, but the dream and memory about it is starting to saturate, glitch and break down…

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    Anna: You have a couple of instrumental songs on the album and I was wondering, when do you decide that a song needs lyrics or when it doesn’t?

    The Holy: Basically, all of our songs start with a prepared demo that Eetu has made. We listen to it first and then start to work on it as a group and after a while it starts to feel like The Holy. Putting instrumental songs into the album was not a decision made beforehand, but during the recording process we started to have discussions about what our concept is and that we need to trust our gut instinct better. After that we just realised that there are a few songs in the album that carry a big emotional load that we want to just deliver to the listener to be interpreted.

    „The atmosphere at Haldern Pop was electric.“

    Anna: First and foremost, you are a live band, and all of your songs sound like they will unfold an incredible amount of energy played live. What is it that you love about playing shows the most? Which are the shows you played that you will never forget and why?

    The Holy: First and foremost, we love the way our music comes alive on stage. Each of us always gives 110% of ourselves on stage. It’s cleansing and every gig is kind of a therapy session for each of us. The connection we create as a band in a live situation is something unique. All your worries and cares are forgotten for a moment.

    It’s hard to pick one particular gig, but there have been a few unforgettable moments for sure. Certainly one of the most unforgettable gigs was when the Covid restrictions were still in their final stages and we played under restricted conditions in Haldern Pop, Germany. Everyone in the audience and performers were tested for Covid and we were booked for two shows, one during the day and one in the evening. The first gig was in the middle of a field where the audience came in bike groups to watch the gig. It was weird. Huge field and maybe 100 people. Then in the evening, at our second gig in the centre of a small town, the energy of the audience somehow exploded. The originally seated audience just went wild and no longer cared about any safety restrictions and people were dancing, kissing, and hugging. It felt like being part of something very special. The atmosphere was electric and that energy was reflected to us from the audience. A great moment and a great festival.

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    „Germans are taking the music seriously.“

    Anna: Being people who enjoy live music so much, what were your top 5 favourite concerts you saw last year?

    The Holy: Zwei Last year seeing Christine and The Queens live in Flow Festival was probably the highlight show of the year. Such a boss. Also the legendary Moderat performing at the same festival was a blast. Gilla Band playing in a small cap Helsinki venue Kuudes Linja made a huge impact and was really inspiring to see in a small joint. Jonsjooel record release show in Korjaamo was a blast, and also Erki Pärnoja playing his new album “Jäljed” in Tallinn with an orchestra and visuals by Kaupo Kikkas was a wholesome experience.

    Anna: Are there any plans of touring Germany? What is your impression of German rock fans when you played here during previous festivals and tours?

    The Holy: We will be back in Germany in October! We love playing in Germany, Germans are taking the music seriously. They are REALLY into music, they buy shirts and records and are so passionate about it. It’s wonderful. And if they don’t like it, they’re not afraid to show it either. In general, the music culture in Germany is so alive and well and it seems like every little village has its own annual festival where they want the best bands to play. It’s really rare these days and it’s really something to be envied. That’s why we’re thrilled to come back:

    17. – 19.05. Beverungen, Orange Blossom Special
    21.10. Aschaffenburg, Colos Saal
    22.10. Langenberg, KGB Kultur.Güter.Bahnhof.
    23.10. Berlin, Privatclub
    25.10. Hamburg, headCRASH
    26.10. Köln, Yard Club Kantine

    Hier gibt’s die Tickets!

    Anna: For our last question we always ask for an untold story – something you’ve never shared in an interview before. Is there something you want to get off your chest now?

    The Holy: The first ever German festival we did, the whole trip took only 16 hours in total. We left Helsinki, drove to the festival site, did a quick soundcheck before the show and then played in front of a killer audience. After that we packed up, took a quick nap at the hotel and headed home. It was a good introduction to touring abroad!

    Hier könnt ihr in das neue Album Ländmark reinhören!

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    Fotocredit: Samuli Matias Vienola