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Autor: Anna

  • Alfie Templeman im Interview: »It either boosts my ego or scares the living daylight out of me«

    Alfie Templeman im Interview: »It either boosts my ego or scares the living daylight out of me«

    Alfie Templeman ist ein kleines Musikwunder aus Carlton, Minnesota und erst 17 Jahre alt. Alfie macht Indie-R’n’B, bedroom-pop und alles zwischendrin. Mit seiner kommenden EP „Happiness In Liquid Form“ setzt er ein weiteres Statement und beweist, dass mit ihm jetzt schon als aufkommende Musikgröße zu rechnen ist. Trotz seines ganzen Erfolges und seiner großen Fanbase versucht Alfie am Boden zu bleiben und das zu machen, was er am besten kann – Musik. Seit gestern könnt ihr seine neue Single „Obvious Guy“ auf allen Plattformen streamen, bevor am 15. Juli dann die ganze EP droppt. Als Einstimmung dazu hat Anna ihn schon mal ein bisschen für euch ausgequetscht.

    Anna: First off, congrats on the release of your new EP! How would you describe yourself and your music for the few people who missed you on their radar?

    Alfie: Thank you very much! I like to think that my music discography is a journey – each EP I put out I progress and learn new things. And by following me, you watch my journey evolve as a 17-year-old musician.

    Anna: How does “Happiness In Liquid Form” feel to you? Is does sound a bit different to what you’ve been doing before, what was the process behind your new project?

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    ©Blacksocks

    Alfie: Well, to people who look at my music from a fans point of view, it’s different as this is the first sugary pop song I’ve put out. However, I’ve always been making stuff like this. This is just the first time I’ve really had the guts to put it out. It WAS the same process, I’d normally just record a song and figure out the meaning after it’s done because I write lyrics subconsciously. I hit record and sing whatever comes out of my mouth. I still do that sometimes. But Happiness changed that because Justin Young showed me how to focus on lyrics a bit more. And it’s nice to find the meaning before you hit the record button.

    Anna: Tell me a bit about the different songs on the EP. Do you have a favourite one or one that was most challenging when writing or producing it?

    Alfie: Happiness and Obvious Guy are both very upbeat funk pop tracks. Both actually in the same key! They’re the two songs where I worked with different people – Justin Young and Will Bloomfield for Happiness, Nick Hodgson for Obvious Guy. I like working with people but not too often. I prefer having a safe little bunch of people I can learn tips from. The other songs are produced by me, My Best Friend being a dark pop song featuring a great verse from Jess Eastwood of Coach Party and my girlfriend Sitara singing backing vocals. Then we have Maybe This Is Time, my fave. It’s very indie, my answer to an older track of mine Yellow Flowers. There’s Things I Thought Were Mine which is very poppy and last of all Wish I Was Younger, an upbeat RNB song.

    Anna: Are there tracks that you were most excited sharing with your fans?

    Alfie: All of them, I’m very proud of every song that made the cut!

    Anna: I can only imagine finishing such a record and not being able to perform it live like you probably planned to. How are you dealing with everything that has been going on since March/April?

    Alfie: Yeah, it sucks but I also don’t mind waiting because its going to make the shows so much fun and everyone’s gonna have a blast. Everything at home is fine for me anyway, I just keep recording as usual.

    Anna: With almost 100K followers on your socials within just two years, you’ve had a pretty fast journey to the top. Do you still catch yourself doubting some of the things that keep happening? Or do you just go with it and enjoy the growth?

    Alfie: I never think about who I am, where I am or what I’m doing because it’s either boost my ego or scare the living daylight out of me. I think I’m genuinely so shocked that I’m doing what I’ve always wanted to do as a job that I haven’t processed it, and seeing the rate I’m growing, I don’t think I have time to do so!

    Anna: Do you feel like you’ve grown since you released your first song back in 2018? How were things back then and how are they now?

    Alfie:

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    Foto by Clara Templeman

    Sure, I’ve grown. Not height wise! But as a musician I’ve definitely progressed and learned a lot of tips, it’s all part of the journey I wish to share. I don’t look back and think those songs aren’t as good as the one I’ve made now, though. Art is art and preference is preference. I believe that if I put something out, I have to like it enough to still listen to it years later. I’m just finding new ways of expressing myself through music as I grow older.

    Anna: At Untoldency, the last question always goes with a blank space for the artist, meaning, you can put down anything you want here. A shout out to your fanbase, a good book you just finished reading, artists that inspire you and we should check out, really anything.

    Alfie: Thank you for the wonderful interview and thank you to everyone who has taken the time to listen to my music and support me. Animal Farm by George Orwell is a great book and Black Lives Matter so sign petitions and donate to causes.

    Hier das Video zur neuen Single Obvious Guy:

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  • Feng Suave im Interview: »It’s probably indie, it’s definitely pop, but probably indie.«

    Feng Suave im Interview: »It’s probably indie, it’s definitely pop, but probably indie.«

    Indie-Soul mit warmen Psych-Pop und R’n’B-Grooves aus Amsterdam? Klingt nicht nur interessant, hört sich auch noch sehr gut an. Feng Suave machen genau das, oder – wie sie es manchmal einfach selbst beschreiben – „retro infused angst pop“. Am Freitag haben  die zwei Daniëls aus den Niederlanden ihre neue EP „Warping Youth“ veröffentlicht und ich habe ein Interview mit beiden ergattern können.

     

    Anna: So first off, congratulations to your release! It’s your second EP, how does it feel like knowing it’s out in the world now? Does it feel different from your first EP release?

    Feng Suave: It’s quite different in the sense that this EP has a whole campaign around it. The first EP was just us sitting in our bedroom, recording and mixing the songs, and once they were finished we would upload them to ‘the internet’ so to speak. This time around we knew in advance when we had to deliver the EP and had to deliver it a couple months prior to the release of the first single. That makes the process quite different and it also has made it so that we have already moved on to our next body of work mentally. Knowing it’s out in the world still makes us feel good since we have worked hard for it and want people to hear our growth both musically and lyrically.

    Anna: For people who don’t know you yet, how would you describe yourself and the music you’re making?

    Feng Suave: We jokingly describe it as retro infused angst pop. But that’s only for a lack of better term. It’s probably indie, it’s definitely pop, but probably indie.

    Anna: “Sink into the Floor” is your most played Spotify song with over 15 million streams. Is that the song you still get the most feedback on?

    Feng Suave: Yeah. Sometimes it kinda sucks, because we feel we have made better songs in the meantime. But it’s always good to hear that people have been loving your tune, so we appreciate all the love we get for it and hope to top this success in the near future.

    Anna: Let’s talk about “Warping Youth” which is the title of your new EP. What’s the story behind it?

    Feng Suave: Warping Youth is personal in the sense that it’s about the Feng Suave, Untoldency, Untoldency Magazine, Indie, Musik, Blog, Blogger, Online Indie Musik Magazin, Interview, Feng Suave, Warping Youth EP, Toking Dozen adolescence and the disillusionments of growing up, but it’s also broader than that. We also try to capture feelings that we feel our generation has to deal with and want to connect with people who might feel alone on some of these topics. Every generation has felt they have been growing up in weird times, but in this one especially, since the world has become very small, we can share our feelings easier than ever, and we want to create a voice that tells you, you are not alone. We don’t offer solutions but show people, they’re not the only one.

    Anna: What challenges did you face when writing/producing this new EP? How would you describe the journey from first draft to the last master?

    Feng Suave: It’s always a struggle. This one in particular. We are bad at planning, and since there was a whole campaign behind this EP this stirred up some plans we had previously made. Other than that, it all went quite smoothly. It was our first time in a real studio, but a very good experience, but since its always a learning process we think our next body of work will sound even better.

    Anna: My personal favourite is “Toking, Dozing” – it’s just a vibe. What were your inspirations for that song?

    Feng Suave: Just the feeling that you’re not doing enough to help the world. Pollution and global warming are huge problems caused by mankind, and when we go to sleep only thinking about our own personal struggles and our own shit. The song is not a celebration of this feeling, but it’s also not pointing any fingers. It’s just simply acknowledging that everyone has this quality to a degree, and that it’s normal.

    Anna: How are you dealing with everything going on this year? Did it affect your release plans for “Warping Youth” or your plans to perform live?

    Feng Suave: Yeah, we had to cancel a lot of shows, which sucks, but they have all been rescheduled by now, so we won’t be missing out on anything. Furthermore, everything went quite smoothly, it was nice to spend some extra time on the new material we are writing.

    Anna: Lastly, we have a blank space question, which is not a question but a literal blank space for you to fill out. You can share your thoughts on anything here, important topics, a funny anecdote or the last good book you read.

    Feng Suave: We just want to take this opportunity to express our heartfelt gratitude towards our fans and anybody who’s tuned in to our music. It means the world to us. We love making music and are so thankful to have been enabled to pursue our dreams. Ps. recycle.

     

    Fotocreditsgehen raus an Max D’orsogna.

    Hört hier in „Warping Youth“rein und überzeugt euch selbst:

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  • JEREMIAS im Interview: »Die Musik stammt aus unserer Seele.«

    JEREMIAS im Interview: »Die Musik stammt aus unserer Seele.«

    Eigentlich muss man JEREMIAS gar nicht mehr großartig vorstellen. Jeder sollte die vier Jungs aus Hannover mittlerweile kennen – und wenn nicht, dann ist jetzt der perfekte Zeitpunkt dafür, sie kennenzulernen. JEREMIAS machen Funk, Indie, alles, was gute Laune macht und, bisschen kitschig aber wahr, das Herz berührt. Erst letzten Freitag haben sie ihre zweite EP alma veröffentlicht und direkt einen Tag später ihr Release Konzert à la Autokino in Hannover gespielt mit Shelter Boy als Support. Anna hat sie inmitten all dem Stress kurz auf ein Interview erwischt – das Resultat lest ihr hier.

    Anna: Erstmal Glückwunsch zum EP-Release! alma ist jetzt überall erhältlich, sowohl digital als auch physisch, für alle, die sowas zu Recht noch sammeln. Wie geht’s euch mit dem Wissen, dass eure zweite EP jetzt da draußen in der Welt ist?

    JEREMIAS: Vielen Dank, uns geht es sehr gut damit. Wir sind froh, stolz und gespannt wie die neuen Songs ankommen. Tatsächlich sind wir sogar fast ein bisschen verwundert, wie schnell das Ganze dann doch passiert ist. Die erste EP ist nicht mal ein Jahr her… der kreative Output ist aber auf jeden Fall da und hält uns offensichtlich noch am Leben.

    Anna: Ich muss jetzt offiziell aber auch nochmal fragen: Was steht hinter dem Titel alma?JEREMIAS, Untoldency, Untoldency Magazin, Indie, Musik, Blog, Blogger, Online Indie Musik Magazin, Interview, JEREMIAS, Jeremias, alma EP, alma

    JEREMIAS: alma heißt übersetzt auf Spanisch „Seele“. Zwei Ansätze: auf textlicher Ebene sind die Worte an eine Seelenverwandte gerichtet. Zum anderen stammt die Musik, die auf der Platte zu hören ist, irgendwo aus unseren Fingern, Köpfen aber auch Bäuchen – letztendlich aus unserer Seele. Sehr cheesy – ich weiß. Aber vielleicht ja auch ein bisschen schön.

    Anna: Was könnt ihr uns zu den noch unveröffentlichten Songs auf der EP erzählen? Habt ihr einen Lieblingstrack oder einen, der euch bei der Produktion besonders herausgefordert hat?

    JEREMIAS: schon okay war ursprünglich der schwierigste, weil wir den schon lange lange live gespielt hatten und es schwierig war, sich für so einen runtergespielten Song wieder begeistern zu können. Das hat Timmi (unser Produzent) dann aber gut hinbekommen. Bei den neuen Songs sind wir auf lass dich besonders stolz. Der Song fühlt sich für uns wie ein langes Epos an, bei dem wir uns austoben können.

    Anna: Was ist euer „Geheimrezept“, wenn ihr Musik macht? Habt ihr da eine Aufgabenverteilung? Wie kann man sich das so hinter den Kulissen vorstellen?

    JEREMIAS: Eigentlich ganz einfach: Treffen im Proberaum. Jammen. Sprachmemo machen. Text schreiben.

    Anna: schon okay hat mittlerweile auf Spotify über eine Million Streams. Hättet ihr das jemals erwartet, dass nach so kurzer Zeit der Bandgeschichte so viele Leute eure Musik hören?

    JEREMIAS: Niemals, verstehen wir auch gar nicht.

    Anna: Eure erste Single kam vor einem Jahr mit Alles raus, die erste EP Du musst an den Frühling glauben im Oktober. Zwischendurch wart ihr unglaublich viel live unterwegs und habt euch so, zu Recht, eine große Fanbase erspielt. Wie habt ihr das letzte Jahr rückblickend wahrgenommen? Was waren die Highlights, an die ihr euch heute noch zurückerinnert?

    JEREMIAS, Untoldency, Untoldency Magazin, Indie, Musik, Blog, Blogger, Online Indie Musik Magazin, Interview, JEREMIAS, Jeremias, alma EP, almaJEREMIAS: Das letzte Jahr war sehr intensiv, gerade auch wegen der ganzen neuen Eindrücke die wir als Band erlebt haben. Da gab es Vertragsverhandlungen, Vorschüsse, Vereinbarungen, Planungen, die weit über das Jahr hinausgehen und dann halt auch Supportshows bei Bands, die wir selbst lieben und anhimmeln. Es ist großartig und wir leben das Leben, welches wir uns immer erträumt haben. Zu den Highlights müssen wir die Tour im Februar zählen. Die ist zwar nicht ganz 2019 gewesen, war aber bis jetzt auf jeden Fall der Peak. 18 Städte und plötzlich sind 16 davon ausverkauft und Leute kommen von allein, kommen teilweise nicht mehr rein und stehen an und werden wegen einer Brandschutzverordnung nach Hause geschickt. Das war sehr überwältigend und absurd und scheint momentan irrealer denn je.

    Anna: Ihr habt die Tour im Frühjahr gerade so abgeschlossen bekommen, bevor Corona passiert ist. Wie geht es euch damit, nicht genau zu wissen, wann ihr das nächste Mal live spielen werdet? Und wie geht es euch allgemein in dieser ungewissen Zeit gerade?

    JEREMIAS: Wir sind eigentlich die letzten, die sich beklagen dürften, da wir wie gesagt diese 18 Shows im Februar hatten, dann für zwei Wochen (wie geplant) im Studio waren und alma aufgenommen haben und dadurch die Zwangspause Mitte März ziemlich dankbar annehmen konnten. Natürlich wird es jetzt Tag für Tag schmerzvoller, weil diese Pause für maximal 14 Tage cool ist und dann aber sehr nervig wird. Trotzdem konnten wir unsere Pläne abgesehen von dem live spielen komplett durchziehen, sodass es zusammenfassend NOCH nicht so tragisch ist.

    Anna: Die letzte Frage ist wie immer der blank space für euch als Künstler. Also haut raus, was ihr hier an der Stelle schon immer mal sagen wolltet.

    JEREMIAS: Bleibt stark, haltet durch und geht bewusst durch die Welt. 2020 wird als Wandel und als Umbruch in die Geschichte eingehen. Alle, die um uns sind, sind also genau dafür verantwortlich. Bewusstsein – das ist es. liebe und danke!

    Fotocredits gehen raus an Lucio Vignolound Isabel Hayn.

  • The 1975 und ihre „Notes On A Conditional Form”

    The 1975 und ihre „Notes On A Conditional Form”

    The 1975 liefern einfach immer wieder ab. Was anderes kann ich zu ihrem neuen Album einleitend gar nicht sagen. Jeder, der ein bisschen was auf Indie gibt, müsste eigentlich schon seit Jahren ein riesengroßer Fan der Engländer sein. Mit ihrem vierten musikalischen Werk „Notes Of A Conditional Form“ oder kurz „NOAFC“ haben sie erneut bewiesen, wieso. Lest hier die ausführliche Review zu einem sehr langem, aber gutem Album.
    The 1975 feat. Greta Thunberg
    Jedes The 1975 Album fing bis jetzt ähnlich an. Verschiedene Versionen des ersten self-titled Tracks eröffneten die drei Vorgänger Alben und auch NOACF hat sich in die Reihe dieser self-titled Intros eingereiht. Doch dieser soll vielleicht der beeindruckendste sein. Matty Healy traf sich hierfür mit der jungen Aktivistin Greta Thunberg, die das gesamte fünfminütige Intro einsprach. Kein Politik-Talk an dieser Stelle von mir, sondern wirklich und ganz ernsthaft einfach nur die Aufforderung eines 17-jährigen Mädchens an die Welt und jeden Einzelnen von uns, die Art und Weise, wie wir leben und uns auf dieser Erde verhalten, stark zu überdenken: „So, we can no longer save the world by playing by the rules because the rules have to be changed. Everything needs to change, and it has to start today. So, everyone out there, it is now time for civil disobedience. It is time to rebel”.
    “It is time to rebel”
    Die letzte Zeile des Monologes nehmen sich Matty und der Rest der Band ans Herz, um genau so die die Reise ihres 22 Songs langen Albums zu beginnen. People ist astreiner Garagen-Punk. Für meine Indie-verwöhnten Ohren ist es leider nichts, aber ich habe mir von mehreren Leuten sagen lassen, wie unglaublich gut dieser Song sein soll –wenn man Punk mag. Die Lead Single ist laut, schnell, aggressiv und aufweckend. Sie packt Gretas Worte in einen Song, der sich an alle Generationen richtet, endlich mit der zerstörerischen Lebensweise aufzuhören, die wir gerade alle verfolgen. People ist durchtränkt mit wütenden Gitarrenriffs, schreienden Lyrics und einer ganzen Mentalität eines rebellischen Schritts in die richtige Richtung. Es ist ein ganzes Statement.
    „Oh boy, don’t cry“
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    © Jordan Curtis Hughes
    In Frail State Of Mind beschreibt Matty seine eigene zerbrechliche Mentalität, die sich vor allem mit Social Anxiety ausdrückt, für diese er sich mehrfach in dem Song entschuldigt. Er eröffnet mit einem stimmungsvollen Glockenspiel, welches sich schnell zu einem ausgefallenen Beat entwickelt. Der Song klingt leicht verzerrt am Anfang und wird dann stark dominiert von der Melodie der Strophe. Die dritte Single Auskopplung ist eine ganze Ansammlung von verschiedenen musikalischen Schichten, die sich übereinanderlegen und trotzdemSinn ergeben. Das Glockenspiel vom Anfang ist immer wieder zu hören, kurz bevor neue Elemente wieder dazukommen. Es ist der erste Song auf dem Album, bei dem mir auffällt, wie komplex die Produktionen von The 1975 eigentlich sind – und wie herausfordernd es sein muss, diese Komplexität in ein stimmiges Liedzu verwandeln. Mein imaginärer Hut wird an dieser Stelle gezogen.
     
    The Birthday Party ist mein Lieblingssong des gesamten Albums. Das Ambiente, welches The 1975 hier erschaffen, ist wie das Tor zu einer Traumwelt. Bonjo, Piano und Mattys sanfte Stimme lassen einen rundum gut fühlen. Auch wenn sich musikalisch nicht viel verändert, ist es vielleicht genau das, was es so gut macht. Mattys Stimme ist das einzige, welches einen durch den Song führt. The Birthday Party ist ruhig, ohne traurig zu sein und entspannend, ohne einzuschläfern. An dieser Stelle sehr zu empfehlen ist das Musikvideo, welches ein kurioses Meisterstück ist und den gesamten Vibe des Songs perfekt einfängt.
    „Emas eht leef t’nod I, degnahc -s’ti ekil sleef emiT“
    Was auf den ersten Blick, völlig zu Recht, wie absoluter Schwachsinn aussieht, ist die dritte Zeile des siebten Songs Yeah I Know. Rückwärts geschrieben ergibt sich: „Time feels like it’s changed, I don’t feel the same“. Ob das einen tieferen Sinn hat? Garantiert. In Yeah I Know experimentieren The 1975 das erste Mal auf dem Album mit mehr elektronischen Vibes. Und es funktioniert. Mattys Stimme ist mit Autotune verzerrt und tiefer als sonst. Diese Tiefe wird mit dem sich durchziehenden Bass aufgegriffen, der den sich immer wiederholenden Beat bestimmt. Es ist simple und ohne aufwendig viele Instrumente oder Lyrics. Auch wenn es am Anfang leicht entfremdend wirkt, so beginnt man doch, je länger man einfach nur zuhört, sich langsam in genau jenem Beat zu verlieren, der anfangs doch so anders wirkte.
     
    Ich summe immer noch das catchige „Hit that shit, go hit that shit“ von Yeah I Know vor mir her, als die Musik auf einmal wieder eine 180 Grad Drehung macht. Weg von elektronischen Loops hin zu einem typischen The 1975 Love-Track. Then Because She Goes ist nicht lang, aber lässt mich auch schon in den zwei Minuten Länge in leichte 90er Melancholie verfallen.Voller Gitarrenund verträumter Leadstimme ist es bestimmt ein kleines Goldstück auf dem Album, was noch an ältere Alben erinnert.
    Jesus Christ 2005 God Bless America
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    Matty by Jordan Curtis Hughes
    Okay, zweiter Favourite Track. Mit solchen Liedern können mich Matty und The 1975 wirklich zuschütten, weil ich jedes Mal absolut schwach für werde.Jesus Christ 2005 God Bless America ist eine musikalische Umarmung, so einfach und doch so pur. Mattys unveränderte ruhige Stimme, die nur mit einer Akustikgitarre und leichten Symphonien begleitet wird. Die Gitarre hört sich so unverfälscht an, als würde er es direkt hier vor meinen Augen spielen. Matty und seine Duett-Partnerin Phoebe Bridgers singen von verzweifelter, unerwiderter Liebe für „a boy i know“ und „the girl next door“. And I’m here for that.
    „I’ve been in love with her for ages”
    Mit einer gesunden Dosis Sarkasmus in den Strophen haben The 1975 mit Roadkill einen weiteres kleines Indie-Meisterstück vorgezaubert. Es klingt, wie der Titel vermuten lässt, stark nach einem Roadtrip-Song durch Texas mit offenem Fenster und hereinstrahlender Sonne. Der Refrain bringt die Melancholie und die Strophe die gute Laune. Eigentlich müsste ich mich jetzt in mein Auto setzen und einfach so herumfahren, nur um den Song seine gerechtfertigte Szenerie zu bieten.
     
    Direkt danach geht es weiter mit Me & You Together Song, der vor allem allen alten The 1975 Fans gefallen sollte. Die Gitarrenmelodie erinnert stark an die Zeiten von Chocolate und Sex, und fügt sich so perfekt an die gute Laune des vorherigen Songs an, nur mit weniger Melancholie. Der Song hat keine ruhige Stelle und man muss sich auf so viele Gitarren schon ein bisschen einlassen, aber macht man das, hat der Song Potential auf den nächsten Lieblingstrack. Liebeskummer verpackt in gute Laune Songs hatte schon immer größtes Hitpotential.
     
    I Think There’s Something You Should Know bildet wieder einen kleinen Break in dem doch jetzt schon langen Album. Eigentlich bin ich absolut kein Fan von allem über 15 Lieder, einfach weil es immer die Tendenz hat, sich gleich anzuhören. NOACF bildet jedoch eine riesengroße Ausnahme und ich bin froh, meine Skepsis überwunden zu haben und trotz 22 Songs genauer reinzuhören. Mittlerweile auf Track 12, greift I Think There’s Something You Should Know wieder den experiementellen Vibe mit elektronischen Samples und Beats auf. Mir gefällt es tatsächlich auch besser als Yeah I Know, einfach weil es ein bisschen ruhiger und melodischer ist. The 1975 beweisen erneut, wie wandelbar sie sind, ohne ihren eigenen Sound zu verlieren. Denn auch wenn der Touch Indie, den man gewohnt ist, fehlt, ist es doch eindeutig The 1975.
    Nothing Revealed / Everything Denied
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    © Jordan Curtis Hughes
    Ungefähr in der Mitte des Albums fällt mir jetzt auf, dass sich erstens wenige so viel durchlesen wie ich gerade geschrieben habe, und dass ich mich sehr überstürzt auf meine Lieblingslieder festgelegt habe. Nothing Revealed / Everything Denied mischt da definitiv auch mit. Der Anfang ist sehr ruhig, dann höre ich einen eindrucksvollen Chor und bin schon beeindruckt, als sich kurz danach das gesamte Lied auf einmal dreht. Matty rappt. Mit viel Nutzung von Autotune, aber hell yes. Lyrisch behandelt Matty die Diskrepanz zwischen seinen Lyrics und realem Leben, aber um ehrlich zu sein, kann ich mich da beim ersten Mal hören gar nicht so drauf konzentrieren. Bei solchen Liedern ist die Länge des Albums absolut gerechtfertigt. The 1975 zeigen mal wieder, dass sie absolute Musik-Genies sind. Und absolut unterschätzt.
    Im Endspurt durch die letzten 9 Songs
    Um den Lesefluss dieses Artikels realistisch zu halten, versuch ich jetzt nicht ganz so detailiert auf den Rest des Albums einzugehen. Bis jetzt ist NOACF aber auf jeden Fall ein weiteres Meisterstück der Band aus Manchester. Auch Tonight (I Wish I Was Your Body) und If You’re Too Shy (Let Me Know) reihen sich in die Songs ein, die das beweisen. Der eine ein bisschen jammiger, der andere schon vor Album Release ein absoluter Konzertliebling. Beide behandeln das Thema der sexuellen Intimität, auf ästhetische Art und Weise. Letzterer featured laut der Band die besten Gitarrenriffs, das beste Sax-Solo und die beste Hommage an die 80er Jahre Teenie-Film Kultur. Großartig widersprechen kann ich da nicht. Auch What Should I Say, wenn auch offensichtlich kein Indie, sondern gut gebaute Loops mit catchigen Samples, hinterlässt einen guten, bleibenden Eindruck. Musikalisch ist NOACF genauso gut wie vielschichtig.
     
    Playing On My Mind erinnert mich sehr stark an She Lays Down von dem 2016 Album I like it when you sleep, for yet you are so unaware of it (The 1975 können Albumtitel). Sehr ruhig, mit nur einzelnd angespielten Tönen auf einer Akustikgitarre kreiert Matty wieder einmal eine träumerische Atmosphäre, der ich sofort verfalle.
     
    Wir nähern uns dem Ende und es wird noch einmalsehr persönlich. Don’t Worry ist eingesungen von Matty selbst und seinem Vater, der den Song geschrieben hat, als Matty zwei Jahre alt war. Und auch Guys, das den Abschluss des Albums bildet, ist ein emotionales Tribut, diesmal an seine Freunde. Matty zeigt auf, dass es viel zu wenig Liebeslieder für platonische Freundschaften gibt und schließt das Album mit den Worten ab „You guys are the best thing that ever happened to me.“ Und damit bin ich raus, nach einer viel zu langen Review zu einem viel zu gutem Album.

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  • SCHMYT im Interview: »Nur schöne Musik reicht mir nicht.«

    SCHMYT im Interview: »Nur schöne Musik reicht mir nicht.«

    Wer ist SCHMYT? Der junge Berliner tauchte fast wie aus dem Nichts auf dem Deutschrap-Radar auf. Als Feature auf Majan’s Single „Monoton“, die absolut empfehlenswert ist, machte er das erste Mal so richtig auf sich aufmerksam. Kurz danach erscheint seine erste eigene Single „Niemand“ – und die ist ein absolutes Statement. Alles, was ich in Erfahrung bringen konnte, ist, dass SCHMYT das Soloprojekt von Julian Schmitt ist, der manchen von euch von der Band Rakete bekannt sein könnte. Doch darüber hinaus? Lest hier das Interview mit ihm, in dem er mir ein bisschen mehr über sich und seine Musik erzählt. Denn eins ist gewiss: Von SCHMYT werden wir ganz sicher noch ziemlich viel Gutes hören.

    Anna: Als einsteigende Frage: Wie würdest du dich als Künstler und deine Musik für jemanden, der dich noch nicht kennt, beschreiben?

    SCHMYT: Ich liebe Geschichten, ich liebe Musik und Kunst. Leider bin ich zu neugierig als dass ich ein Leben mit einem musikalischen Stempel verbringen kann. Es gibt zu viele Dinge, mit denen ich Lust habe zu spielen. Bach ist der König der Choräle, Freddie Mercury ein echter Popstar und Felix Brummer hat die Zeilen, auf die ich neidisch werde. Trap und Autotune sind kreativer als ihr Ruf. Wahrscheinlich könnte man aber behaupten, dass Melancholie, Stimme und Bässe fast immer auftauchen.

    Anna: Du warst schon Feature bei namentlichen Deutschrap-Künstlern bevor du deine erste eigene Single veröffentlicht hast. Kannst du ein bisschen aus dem Nähkästchen erzählen, wie die Features zustande kamen?

    SCHMYT: Den Song Monoton haben Majan und ich gemeinsam geschrieben. Ehrlich gesagt, kam das ganz unromantisch über einen Verlagskontakt. Im Studio hat es dann einfach gefunkt und der Song war innerhalb von einem Abend fertig … für mich sehr ungewöhnlich. Yassin und ich hätten uns eigentlich schon seit Jahren persönlich begegnen müssen, weil wir auf den kleinen und mittelgroßen Festivals der Republik immer wieder zusammen auf Flyer und Line-Ups standen (ich damals noch mit meiner alten Band). Aber irgendwie sollten wir uns erst 2019 kennenlernen, da ist dann „Taube“ entstanden.

    Beides sind jedenfalls tolle Künstler und mit beiden wird in Zukunft noch was passieren!

     Anna: Niemand ist ein sehr aussagekräftige erste Single, die auch mich direkt überzeugt hat. Wie war das Feedback, was du bis jetzt darauf bekommen hast?

    SCHMYT: Das Feedback war super, viele Kollegen haben sich euphorisch gemeldet und ich merke an den Online-Reaktionen, dass Niemand wirklich etwas auslöst bei den Hörern. Das freut mich sehr, weil ich lange an Texten sitze und nur schöne Musik mir nicht reicht.

    Anna: Erzähl uns ein bisschen zu der Entstehungsgeschichte und Bedeutung hinter Niemand.

    Es gibt viele Bücher und Lieder, die sich damit beschäftigen, niemand zu sein. Am prominentesten ist wohl die List von Odysseus, sich vor dem Zyklopen Polyphem als Niemand auszugeben. Auch der Song Stranger von 070 Shake hat mich sehr inspiriert. Zusammen mit dem Gefühl, für jemanden bedeutungslos zu werden (und auch zu fühlen, wie andere für einen bedeutungslos werden!), sind solche Geschichten in meinem Hinterkopf zu diesem Lied zusammengeschmolzen.

    Anna: Da kommt doch auch garantiert noch mehr: Worauf können wir uns musikalisch von dir freuen? Macht auch dir Corona einen kleinen Strich durch deine geplanten Promo-Pläne?

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    SCHMYT bei dem, was er am besten kann – produzieren

    SCHMYT: Ich bin ganz schlecht im Pläne machen, dass übernehmen Gott seid Dank die Menschen um mich herum. Ich kann mir schon vorstellen, dass Corona auch die Promo schwieriger macht, aber Promo ist einfach immer schwer am Anfang. Live spielen hat mir immer sehr viel Spaß gemacht. Aber das muss jetzt warten, also mache ich wohl erstmal mit der nächsten Single weiter.

    Anna: Womit beschäftigst du dich in diesen ungewissen Tagen?

    SCHMYT: Mit Musik und Musik und Musik und Kochen. Ich sitze zuhause oder im Studio und schreibe für mich und für andere. Mein Leben unterscheidet sich also gar nicht so sehr von dem Leben, dass ich vor der Pandemie geführt habe. Es gab immer schon Phasen, in denen ich sehr isoliert war und das mag ich auch. Ich glaube, es ist einfach nur deshalb anders, weil der Fluchtpunkt ins Ungewisse rückt. Aber ich bin positiv und geduldig.

    Anna: Die letzte Frage ist ein blank space, heißt, du hast jetzt hier die Möglichkeit, alles frei raus loszuwerden, was du möchtest. Buch- oder Musikempfehlungen zum Beispiel, aber auch ein bisschen Selbst-Promo geht immer klar.

    SCHMYT: Meine nächste Single kommt … sehr bald! 😉 Ansonsten freue ich mich eher wenn ihr mir was vorschlagt, Bücher, Musik, Podcasts … egal. Kommt schon mal vor, dass ich im Studio und am Schreibtisch sitze und verpasse, was draußen passiert. Gerne PM an @derschmyt 😊

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  • Exklusive Videopremiere: RIIVA mit „Painkiller“

    Exklusive Videopremiere: RIIVA mit „Painkiller“

    Exklusive Videopremiere bei Untoldency! RIIVA veröffentlicht das offizielle Lyric-Video zu ihrer neuen Single Painkiller und schafft eine realitätsferne Traumwelt, die sich mit düsteren Themen beschäftigt. Lest jetzt eine kleine beeindruckte Review mit Videovorstellung.

    RIIVA ist eine junge Singer-Songwriterin, die tiefe Emotionen vermittelt, ohne auf einer Akustik-Gitarre hängen zu bleiben. Stattdessen entführt sie uns in dunkle und alternative R’n’B-Vibes, die Ohrwürmer noch für Tage hinterlassen. Mit So Shady und Wall of Water hat sie bereits zwei ausdrucksvolle Singles veröffentlicht, die zeigen: RIIVA ist hier, um zu bleiben. Genauso ist es auch mit Painkiller. Die Halb-Amerikanerin klingt hier fast ein bisschen wie Billie Eilish. Sie singt mit heller sanfter Stimme über tiefe Bässe und verzaubert mich damit ein kleines bisschen. Der Song entpuppt sich alsein stetiger Wechsel zwischen melancholischer Strophe und eingängigem Refrain. Er überzeugt musikalisch schon beim ersten Hören und steht für sich als sehr großes Statement.

    Zwischen verspielten Rosengärten und schmerzhafter Realität

    Auch lyrisch enttäuscht RIIVA nicht. Painkiller handelt von der unüberwindbaren Machtlosigkeit, einer abhängigen Person in ihrem Schmerz helfen zu wollen –es aber nicht zu können. Stattdessen muss man aufpassen, dass man selbst nicht dem Leiden der Person verfällt. Um diese Erkenntnis geht es in Painkiller: Nicht die Verantwortung über die psychische Gesundheit einer geliebten Person übernehmen zu können und zu wollen. RIIVA schafft es, das Gefühl diesen Schmerzes in Worte zu fassen. Vor allem die Bridge am Ende drückt diese schwierige Situation noch einmal treffend aus: „How can you love me when you don’t love yourself?“

    Das Video zu Painkiller entführt uns in eine ganz gegenteilige Welt, wie es scheint. Umgeben von reflektierenden Sonnenstrahlen treten wir in eine Traumwelt, in der der kranke Protagonist zu leben scheint. Er entflieht der Realität und versucht sich an den hellen Traumbildern des Rosengartens festzuhalten. RIIVA hat es hier definitiv geschafft, eine Ästhetik zu schaffen, die minimalistisch die Fluchtmechanismen des Protagonisten verdeutlicht. Zwischen Blumen, Bäume und Sonnenstrahlen läuft RIIVA im Blumenkleid umher und scheint so leicht und fröhlich, dass auch ich fast von dem Schein geblendet werde. Doch die Veränderung ihrer Figur zum Ende des Videos zeigt: es ist wirklich nur Schein. Denn je länger sich der Protagonist auf RIIVA als metaphorisches Schmerzmittel verlässt, desto kränker wird sie selbst und die Traumblase zerplatzt. Doch bevorich mich in einen Aufsatz über die Thematik verliere, schaut euch das Video einfach selbst hier an und werdet, wie ich, riesengroßer RIIVA-Fan.

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    Fotocredit geht raus an: Cris Civitillo & CAPADO

  • Neues Oktett auf dem Indie-Radar: Al Pride und ihre EP „Spruce“

    Neues Oktett auf dem Indie-Radar: Al Pride und ihre EP „Spruce“

    Al Pride –das sind acht Musiker*innen aus der Schweiz, die mit ihrer Anfang April erschienenen EP „Spruce“ eine bleibende Wirkung im Indie-Game hinterlassen wollen. Die Badener machen schon seit mehreren Jahren Musik und haben sich sowohl musikalisch als auch die Besetzung betreffend immer wieder gewandelt. Die jetzt veröffentlichte EP verdeutlicht mehr als je: sie wollen hier groß mitmischen. Ob sie das können, checkt Anna für euch in einer kurzen Review.

    Grooviger Einstieg in den Frühling

    Hunger ist der Opener der EP. Es geht ruhig los, mit sich immer wiederholenden Klaviertönen, die mich fast ein bisschen einlullen. Doch dann, Takt für Takt, kommen immer mehr Instrumente hinzu, bis sich ein wahrhaftiger Indie-Song entfaltet. Es klingt nicht, wie ich es erwartet habe, als ich „Al Pride, das Indie-Quartett“ gelesen habe. Hunger ist kein Orchester-Zusammenkommen mit vielen verschiedenen hektisch übereinander gelegten Blasinstrumenten, sondern es ist viel mehr ruhig und ohne viel Schnick Schnack. Es ist einfach ein Groove. Die Lyrics sind zweideutig aufgeladen und das wirkt sich auch auf die Stimmung des Liedes aus. Es fängt sehr Bass-lastig an und bekommt über den erstenRefrain hinweg mit der Leadgitarre ein bisschen mehr Höhe und auch Verspieltheit. Meine persönliche Weiterempfehlungsrate: 7/10

    Next up ist Kalif Onya II. Auch wenn ich nicht ganz weiß, was aus dem Titel zu schließen ist, hat es mich von der ersten Sekunde. Kein instrumentelles Intro, sondern nur ein Summen eröffnet den Song. Al Pride haben zwei Leadstimmen, eine männliche und eine weibliche. Die Harmonie und Abwechslung der beiden kommt vor allem in diesem Song sehr zur Geltung. Und das Summen am Anfang –Leute, das ist schon ein bisschen sexy. Doch Kalif Onya II ist kein Sexy-Vibe wie Hunger eben, sondern eher ein kleiner Indie-Schatz zum Frühling, mit der Sonne im Gesicht im eigenen Garten (sehr privilegiertes Gut in Zeiten von Corona). Es ist nicht zu langsam, aber auch nicht zu schnell, nicht zu eingängig, aber auch nicht zu experimentell. Auch hier höre ich beim ersten Abspielen kein Oktett heraus. Doch nimmt man sich die Zeit und den Raum, um den Song in seiner Gesamtheit aufmerksam zu hören, fallen einem die verschiedenen eingespielten Trompeten und andere Instrumente auf. Al Pride haben hier definitiv die richtige Mischung aus instrumenteller Vielfalt und minimalistischer Entfaltung der Musik hinbekommen. Mein persönliches 10/10 aus dieser EP.

    Zwischen Motivation und Melancholie

    Mit Another Vibe befinden wir uns in der Mitte der kurzen EP. Es ist definitiv energetischer als die zwei Vorgänger. Während die Strophe mich sehr überzeugt, erinnert mich der Refrain ein bisschen zu sehr an die Indie-Band Balthazar. Ich glaube, die Hauptassoziation wird durch die Stimme des Leadsängers verursacht, der, wenn er tief sängt, unheimlich ähnlich zu der des Belgiers klingt. Aber auch musikalisch werden Balthazar Fans hier einige Ähnlichkeiten finden. Nichtsdestotrotz ist Another Vibeein guter Song – es strahlt Unbeschwertheit aus und auch hier funktioniert die Zusammenklang von Bass, Schlagzeug und der gesamten Bläsersektion der Badener sehr gut. Wird empfohlen zum: allen, wozu man ein bisschen groovige Motivation braucht – 8/10.

    Abschluss bildet die Ballade Al Pride, Untoldency, Untoldency Magazine, Indie, Musik, Blog, Blogger, Online Indie Musik Magazin, Review, Al Pride, Spruce EP, Kalif Onya Sober by Tomorrow, die zum ersten Mal von der weiblichen Leadstimme eröffnet wird. Das verleiht dem Song von Anfang an ein Maß an Melancholie, welches davor musikalisch noch nicht zu finden war. Der Groove ist weg und wird ersetzt durch sehr schöne ruhige Gitarrenklänge, die mit dem Bass und den Stimmen sehr harmonieren. Schließt man die Augen, muss man aufpassen, nicht kurz wegzudriften. Ich find‘s wirklich mega schön und merke absolut nicht, wie die Zeit vergeht. Dabei ist der Song von der EP mit knapp viereinhalb Minuten der längste. Die im Vordergrund stehende weibliche Stimme verleiht ihm fast eine gewisse Zerbrechlichkeit und setzt sich so von den anderen ab, in denen die männliche Lead dominiert hat. Sober by Tomorrow bildet so einen soliden 9/10 Abschluss zu einer kurzen, aber sehr guten EP der Schweizer Truppe.

    Es lohnt sich durchaus Al Pride auf eurem Indie-Radar zu halten, hört hier gerne selbst zur eigener Überzeugung in die EP Spruce rein:

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  • Allan Rayman und sein viertes Meisterstück

    Allan Rayman und sein viertes Meisterstück

    Es ist Anfang April und ich habe bereits mein Album des Jahres 2020 gekürt. Es ist Christian von Kanada’s „best kept secret“ Allan Rayman. Ich bin Fan seit seinem ersten Album Hotel Allan aus 2016, hört euch einfach mal Tennesse an und sagt mir, dass das nicht das beste ist, was ihr heute gehört habt. Seitdem hat Allan drei Alben und eine EP veröffentlicht und Christian soll sich jetzt in diese Chronik mit einreihen. Seit Anfang des Jahres freu ich mich auf dieses Album und darf es nun euch in allem Detail vorstellen.
    Welcome to the Madhouse

    Allan Rayman macht mit seiner Musik Prosa. Er denkt sich Personen und Szenarien aus und taucht komplett in diese Figuren ein. Christian ist nicht, wie der Titel auf dem ersten Lesen vermuten lässt, religiös, sondern derName der Figur des Albums. Allan schreibt seine Musik innerhalb dieser Szenarien, die er fast zu einem eigenen Universum werden lässt. In seinen ersten zwei Alben schafft er ein Ausganssetting, in welchem sein alter Ego sich dazuentscheidet, seine Freunde und Familie zu verlassen, um sich abgeschottet der Musik hinzugeben. Er zieht sich in den Wald zurück und schreibt seine EP Courtney, das Album Nummer drei Harry Hard-On und jetzt vier mit Christian.

    Mit Papa eröffnet Allan das Album und ich bin so hyped, jetzt schon. Es ist kurz, eröffnet mit Klatschen und wird dann zu einem simplen aber relativ schnellen Intro. Es ist voll mit References zu alten Alben und Geschichten und macht so klar: Christian gehört mit zum Universum Allan Rayman.

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    © Steph Verschuren

    Dann kommt Madhouse. Es fängt an mit einer Art Rauschen, das einen leicht einhüllt und mit hellen Gitarrenklängen den Song einleitet. Als dieser sich dann entfaltet, ist es genau das, was ich mir erhofft habe. Seine Stimme, Leute über die Stimme habenwir noch gar nicht geredet. Allans Stimme ist so eigen und drückt mehr aus, als ich es selten von jemand anderen gehört hab. Sie ist besonders. Und in Madhouse ist es fast, als würde er uns mit ihr zu seinem Lagerfeuer im Wald führen wollen, bis wir seinen Geschichten lauschen: „Welcome to the big show, Welcome to the circus, Welcome to the madhouse“. Allan erschafft mit seinen Liedern Kulissen, benutzt das Rauschen als Wiedereinstieg nach der Bridge mit diesen hellen Gitarrenklängen, dass ich mich wirklich fühle, als würde man mich aus einem Sog hoch an die Oberfläche ziehen.

    Blush, little bunny

    Stitch kam schon im Juni letzten Jahres raus und greift eher den Sound vom letzten Album auf. Es ist rockiger und versprüht eine lässige, gut gelaunte Stimmung.

    Dann kommt Blush. Eine Gitarre spielt ins Nichts ein paar Töne bevor eine simple Trommel sie unterstreicht und Allan mit seiner Stimme darüber tanzt. Man kann seine Stimme fast schon als eigenes Instrument bezeichnen, er weiß sie einfach zu benutzen. Das ganze Lied geht nur knapp drei Minuten und bleibt so tänzelnd simpel. Man braucht nicht immer eine riesen Produktion um Musik, meist kommt sie am besten in ihrer stripped down Version, wie sie sich der Künstler ausgedacht hat. Bei Blush kommt dann immer noch kurz eine Gitarre aus dem Off rein, die so viel Hall hat, dass ich gar nicht weiß, wie ich damit umgehen soll. Es rundet alles perfekt ab.

    Blush ist zu Ende und ich habe schon wieder den Fehler gemacht und gedacht, zu wissen, was mich zu erwarten hat. Bunny fängt an und beweist mir, ich tu‘s nicht. Allan schreibt seine Songs nicht nach einer Erfolgsrezeptur, sondern jedes einzelne Lied steht für sich. Hier zum Beispiel fängt es nicht mal musikalisch an sondern mit zwölf „I love you“s in die Stille reingesprochen. Dann kommt wieder so ein leicht rockiges Riff wie in Stitch und alles hört sich leicht unharmonisch an. Während der Sound ruhig ist, sorgt der leicht im Hintergrund stehende schnelle Beat dafür, dass ich nicht zur Ruhe kommen kann. Es fühlt sich fast an wie eine Flucht oder Jagd, was es, wenn man drüber nachdenkt, wahrscheinlich auch soll, wenn er singt: „Run like bunny“. Doch Allans Kunst ist es, selbst solche unharmonisch klingende Lieder irgendwie harmonisch zu machen, dass man sie im Endeffekt immer und immer wieder hört.

    Allan talks to his cigarette and I never want it to end

    Next up: Pretty Please. Meiner Meinung nach, einer der besten Songs, die Allan Rayman jemals veröffentlicht hat.Das merk ich allein nur daran, dass ich seitdem es im August 2019 rausgekommen ist, jede Woche mehrmals höre und es einfach immer noch so sehr liebe wie beim ersten Mal. Es ist ein ganzer Vibe. Alles stimmt sich miteinander ab und es ist so simpel, aber Allan macht es einfach zu Gold. Mir fehlen wirklich die Worte, euch das irgendwie zu beschreiben, also hört einfach hier rein.

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    Allan und seine Zigarette
    Obwohl ich das Lied schon so lange kenne, hör ich es mir im Laufe des Albums noch einmal an, weil wie gesagt, leichte Perfektion. Als es zu Ende ist, hab ich fast vergessen, dass jetzt Lieder kommen, die ich nicht mehr kenne. Doch dann ertönen die ersten Klänge von Talk To My Cigarette und ich bin ein bisschen sprachlos. Side note: Es ist 1 Uhr nachts als ich das Album direkt nach Release im Dunklen mit Kopfhörern höre, aber auch jetzt im Hellen hab ich das gleiche Gefühl. Dieser Song ist ein Schlafsackaus Musik. Er wickelt mich völlig ein, ohne einschläfernd ruhig zu sein, sondern einfach pure Harmonie. Seine Stimme, die manchmal noch zusätzlich aus dem Off reinschreit, die Gitarren, jeder kleine nicht ganz zu definierender Sound, alles fügt sich zusammen und ich will nicht, dass es jemals aufhört.
     

    Hello To Me. Ich bitte euch wirklich, parallel dieses Album zu hören, weil langsam sind meine Worte ausgeschöpft. Allan Rayman ist eine andere League, findet völlig abseits der Musikindustrie statt und ist EINFACH SO GUT. Die immer wieder abbrechenden Drums, die leicht verspielte Gitarre und seine Stimme klingen einfach hot. There, i said it. Allans Musik hat Sexappeal.

    Road Warrior ist ein Indie-Bop

    Okay, den werdet ihr lieben. Road Warrior ist wieder komplett ein anderer Vibe, es ist fucking Indie. Allan kann auch Indie, aber was für einen. Er nimmt diese Indie-Gitarre, die von eurer Lieblingsband sein könnte, und macht einfach sein eigenes Ding draus. Mit sowas hätte ich wirklich nie gerechnet, für mich ist Allan ein R’n’B Genie, aber auch ich lerne aus meinen Fehlern und möchte ihn nie wieder genren (wie gendern nur mit Genre, get it). Road Warrior ist ein Sommer Song, ein sich die Sonne ins Gesicht scheinen lassen und einfach gute Laune.

    Ich Allan Rayman, Untoldency, Untoldency Magazine, Indie, Musik, Blog, Blogger, Online Indie Musik Magazin, Review, Allan Rayman, Christian, Roadhousemuss hier wirklich jeden einzelnen Song mit euch durchgehen, weil sie alle so gut sind und jeder von ihnen könnte eurer nächster Lieblingssong sein. Vielleicht ist es Chief? Es ist ein bisschen lebendiger, sogar ein bisschen groovig. Vielleicht ist es aber auch Eye To Eye, das ist ein bisschen wie Blush, nur mit weniger Lounge-Vibe. Allan tänzelt auch hier über die im Vordergrund stehende Drums. Vor allem der Anfang vom Song sticht hervor, ich bin von Sekunde eins dabei. Auch wenn es sich danach weiterentwickelt und mehrere Elemente hinzukommen, kommt es im Endeffekt immer wieder auf diese Drums vom Anfang zurück und das liebe ich.

    It’s 6am and I’m still listening to this album

    Das Album neigt sich dem Ende zu, aber ein Ass hat Allan noch im Ärmel: Russia klingt irgendwie tatsächlich nach einer Waldhütte im abgelegenen Russland mit Wodka und Kaviar, wie Allan singt, aber zugleich auch aufbrechend und dynamisch. Das kriegt mich zum Schluss noch einmal voll. Auch hier wieder, Gitarre mit Hall und seine Stimmeharmonisieren einfach perfekt. Es ist eine kleine Reise, bei der ich eine Stunde vor Abreise da sein will, damit ich auf jeden Fall nichts verpasse. Dieses ganze Album war eine Reise und ich weiß, ich werde mich noch so viele Male auf sie begeben dieses Jahr.

    Mit 6am schließt Allan die Reise und das Album ab. Ich bin mir nicht ganz sicher, ob euch diese mit meinen Gefühlen vollgeschriebene Review überzeugt hat, in Christian reinzuhören und Allan Rayman als Künstler auf eurem Radar zu behalten oder nicht. Wenn dies noch nicht so ist, ist jetzt wirklich der allerletzte Aufruf euch dieses Album anzuhören. Und falls ihr das getan habt und euch wie ich ein bisschen (sehr) in Allan und seine Rundum-Ästhetik verliebt habt, dann geht gut mit ihm um. Er ist ein bisschen eigen und distanziert, hat sich zur Promo diesen Albums zwar zu ein paar Interview geöffnet, findet aber sonst wirklich gar nicht in der Öffentlichkeit statt, weil er das einfach nicht möchte. Er lässt lieber seine Musik für sich sprechen. Und das tut sie.

    Hört euch hier Christian von Allan Rayman in Volllänge an:

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  • Mavi Phoenix ist „sweet, fly and just an average guy“ – Das Debütalbum „Boys Toys“ im Reviewcheck

    Mavi Phoenix ist „sweet, fly and just an average guy“ – Das Debütalbum „Boys Toys“ im Reviewcheck

    Mavi Phoenix könnte einigen von euch bereits mit Aventuraoder Bite über den Radar gesprungen sein. Der Österreicher, der sich letzten Sommer als transgender identifiziert hat, war außerdem bereits 2017 mit den Jungs von Bilderibuch auf der „Magic Life“-Tour und erst Anfang diesen Jahres mit Milky Chance auf ihrer „Mind The Moon“-Tour. Mavi macht schon seitdem er 11 ist Musik, mit 13 veröffentlichte er seine ersten Songs auf MySpace. Nun hat er sich wieder ans Produzieren gemacht und gibt uns nach mehreren EPs mit dem Debütalbum Boys Toys einen Einblick in den Transformationsprozess seiner Gender-Identitätsfindung. Vom sexy Player bis zum Familienvater ist alles in Boys Toys vereint. Ich hab mich ans Werk gemacht und das für euch auseinander genommen.

    ARE YOU READY?

    Einleitend kann ich hier mal sagen, dass Debütalben immer eine bestimmte Art von Erwartung in mir auslösen. In Zeiten von Spotify und anderen Streaming Diensten ist das Konzept vom Album immer mehr zurückgegangen. Vor allem Newcomern stützen sich am Anfang immer mehr auf EPs und Single Releases, bevor das Konzept Album in voller Länge in Angriff genommen wird. Ich bin gespannt, wie sich das Konzept Boys Toys anhört und drücke auf Play.

    Der Titelsong Boys Toys beginnt mit einem richtig gut gebauten Loop, der Mavis Autotune, für den er so bekannt ist, schon anklingen lässt. Mit tiefem Bass fängt Mavi dann an, über den vielschichtigen Beat zu rappen, aber was für ein Beat. Ich spul zurück und spiel’s direkt wieder von vorne. Beim zweiten Hören erinnert er mich ein bisschen an sein Aventura (guter Song, hört rein). Musikalisch bin ich hier also schon mal voll dabei. Es ist überhaupt nicht langweilig, sondern klingt experimentell und aufregend, als würde es uns alle mal ein bisschen aufrütteln wollen und sagen: hey, hört her, so klingt Boys Toys!!! Und wie sich herausstellt, lieg ich damit gar nicht so falsch: Mavi verrät, dass Boys Toys sein alter Ego als 10-jähriger Junge darstellt und mit dem Wissen im Kopf, hör ich auch die mit Autotune verzerrte Stimme ganz anders: Sie hört sich tatsächlich an wie ein kleiner Junge, der uns, hochmotiviert (ich fühle mich fast ein bisschen angeschrien) die ganzen Sachen zeigen will, die ihn begeistern. Mich hat er.

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    © Elizaveta Porodina
    Der nächste Song ist die vor kurzem erst veröffentlichte Single 12 Inches, die als Selbstbewusstseins-Boost aller Trans Dudes fungiert. Es ist kein aufwendig gebauter Beat, sondern klingt ganz chillig und schiebt den Fokus mehr auf die Lyrics: Mavi erzählt uns, wie er sich eben nicht von der Reaktion seiner Eltern auf sein Outing aus dem Konzept bringen lässt. Er nutzt viel mehrdiese Energie, um sich und seinem Erscheinungsbild (check out the video here) mehr zuzusprechen. 12 Inches strahlt lyrisch als auch musikalisch einfach eine reine Coolness aus.
    Zwischen Deepness und Aufbruch-Mentalität
    Scary Thoughts ist definitiv einer der ernsteren Parts des Albums. Mavis Ego aus dem Intro hat hier sowas wie ein Skit und erzählt wie beängstigend und unheimlich die eigenen Gedanken sein können. Blendet man die Kinderstimme kurz aus, wird man Teil eines sehr persönlichen Zugeständnisses, mit dem sich wahrscheinlich mehr Menschen identifizieren können, als sie es zugeben.
     
    Ich erwarte nach diesem deepen Skit irgendwie einen etwas langsameren Song, der diese Message noch einmal unterstreicht. Dann fängt Choose Your Fighter an und ich bin erstmal kurz perplex. Mit so etwas fast komplett out of Genre-artiges hätte ich gar nicht gerechnet. Eine wilde Bassline und sehr viel Geschreie –erfrischend anders, bisschen aggressiv und vielleicht nicht für jeden was. Aber das ist ja das, was Mavi mit seiner Musik erreichen will.
     
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    © Michael Ullrich
    Bullet In My Heart ist dann das, was ich mir für Choose Your Fighter gewünscht hatte. Auch wenn es nicht mehr die gleiche Thematik behandelt, hat es trotzdem einen gefühlvollen und fast schon melancholischen Vibe. Mavi hat den Song, wie alle anderen auch mit ihrem Bruder Alex the Flipper produziert, und schon letztes Jahr veröffentlicht. Es ist sehr geprägt von Mavis Gesang, was nicht zu oftpassiert. Mir gefällt’s, es nimmt die Aggressivität vom Vorgänger und bringt alles ein bisschen runter. Zum Ende hin wird es nochmal ein bisschen aufgebrochen, man spielt mit all den einzelnen musikalischen Elementen vom Song.
    Eine kleine Zwischenbilanz
    Von Bullet To My Heart geht’s weiter zu Player. Zwischenbilanz – Boys Toys ist genreübergreifend, lyrisch sehr stark und experimentierfreudig. Ich glaube, es ist ein Album, was viel mehr in sich hat, als man beim ersten Mal raushört. Kein Song klingt wie der andere, alle stehen für sich und doch im ganzen Konzept des Albums. Es ist vielschichtig und nicht wirklich als irgendwas zu definieren –genau wie Mavi Phoenix selbst auch.

    Player ist stripped down und noch eine Schippe ruhiger als Bullet To My Heart. Ganz anders als die Lyrics, denn hier singt Mavi über die Fantasie des Frauenaufreißers –einfach mal ein Player sein eben. Es hat ein sehr schönes und ruhiges Outro, das einen kurz in eine andere Welt mitnimmt. Man hat kurz ne Pause.

    Ein Meilenstein für die Trans-Community? Sehr wahrscheinlich.

    Player ist vorbei und mein Lieblingssong kommt. Strawberries ist einfach nur ein ganzer Vibe, der sich direkt an Player anfügt. Ruhig und melancholisch, mit viel Bass und Melodie, ich hör sogar ein Saxophon. „How could I be man enough for you?” fragt Mavi und ich fühl’s voll muss ich sagen. Ich kann mir gar nicht vorstellen, wie empowering das ganze Album für die Trans-Community sein muss, wenn ich es schon so fühle. Mavi spielt mit verschiedenen Stereotypen von Männlichkeit, und versucht sich selbst dabei zu finden. Das ist nie so ganz einfach, wenn man seinen Platz in der Gesellschaft als Transmann leider immer noch erkämpfen und verteidigen muss. Aber:

    JUST BECAUSE MY VOICE IS HIGH DOESN’T MEAN I’M NOT A GUY

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    © Nils Müller

    Ganz genau, Mavis Boys Toys verfremdete Kinderstimme hat Recht. Und dass er selbst mit höherer Stimme ein bomben Album bis hier hin geliefert hat, steht auch fest. Fck It Up ist ähnlich wie Choose Your Fighter voller Tatendrang, die Dinge zu verändern bzw. einfach mal ein bisschen provokativ zu rebellieren. Doch Mavi kann auch anders. In Family schafft er eine ähnliche Stimmung wie in Player aufzugreifen und dabei thematisch doch was ganz anderes zu bearbeiten. Es geht hier um die Gründung einer Familie und Mavi als Transgender Dad –wenn auch nur hypothetisch.

    Post Summer und Who I Am sind definitiv beide persönlichere und ernstere Songs, die den perfekten Abschluss für das Album bilden. Vor allem Who I Am, das definitiv als Hymne durchgeht, ist ein überzeugender Abschluss des Konzept-Albums. Vibe-technisch gibt es auch hier einen fetten Daumen hoch von meiner Couch aus, aber ihr müsst es an besten mal selbst hören, um euch davon zu überzeugen, dass euch hier nicht nur irgendjemand irgendetwas erzählt. Denn auch oder gerade weil es musikalisch so unglaublich viel abdeckt, erzählt Mavi eine sehr persönliche Geschichte, der wir alle mal zuhören sollten.

    Deshalb hier Mavis Debütalbum Boys Toys in voller Länge:

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  • Fynn Kliemann im Interview: »Das ist die stressigste Zeit meines Lebens gerade.«

    Fynn Kliemann im Interview: »Das ist die stressigste Zeit meines Lebens gerade.«

    Fynn Kliemann vereinigt Heimwerker, Webdesigner, Hausboot-Inhaber, Gründer des Kliemannsland, YouTuber und Musiker in einer Person. Wie das geht? Einfach unglaublich viele Ideen und Motivation, die Dinge anzupacken, die du Jahre lang vor dir herschiebst. Fynn Kliemann träumt nicht, er macht. 2018 hat er mit nie eins der meist verkauften Alben des Jahres veröffentlicht, und das, obwohl er seine Musik nie rausbringen wollte. Und jetzt? Jetzt kündigt er sein zweites Album POP für den 29. Mai diesen Jahres an. Drei Singles sind schon draußen und geben uns einen Geschmack darauf, was noch kommt. Anna bekam 20 Minuten seines stressigen Alltags, um ihm auf Skype ein paar Fragen zu stellen. Das Resultat lest ihr hier!

    Anna: Erste Frage vorweg: Für alle, die dich aus unentschuldbaren Gründen nicht verfolgen, was hat es mit deinem neuen Projekt POP auf sich? Wofür steht POP?

    Fynn: Naja, das ist mein neues Album, ich hab Musik gemacht (lacht). POP steht für viele Sachen, aber am Ende des Tages mach ich Pop-Musik wenn du so willst und so heißt das Album.

    Anna: Du hast davor ja auch immer schon Musik gemacht, und dich mit deinem ersten Album nie dazu entschlossen, sie das erste Mal zu veröffentlichen…

    Fynn: Richtig.

    Anna: … aber wolltest das ja danach nie wieder machen. Wieso hast du dich jetzt entschieden, das nochmal in Angriff zu nehmen?

    Fynn: Weil ich ein bisschen dumm bin (lacht). Ich hab den Aufwand mal wieder ein bisschen unterschätzt. Ich hab das ja nur gesagt, dass ich das nicht nochmal mache, weil das so ein Killer-Aufwand war und weil das alles irgendwie viel anstrengender und viel mehr war als ich jemals befürchtet habe. Und dann hab ich gedacht, egal, komm, weißte, je länger das her ist, desto mehr vergisst man, dass das anstrengend war (lacht). Dann sagt man irgendwann so „Ach ja, so schlimm war’s ja gar nicht“ und dann macht man das nochmal.

    Anna: Hast du retroperspektiv was aus der Veröffentlichung von nie gelernt? Also was mitgenommen oder diesmal anders gemacht?

    Fynn Kliemann, Untoldency, Untoldency Magazin, Indie, Musik, Blog, Blogger, Online Indie Musik Magazin, Interview, Fynn Kliemann, POP Album, oderso, Kliemannsland, fimbim
    zu sehen: Fynn auf Schaukel, credit: Luisa Gehnen

    Fynn: Mhm.. Ich find das schwer über Musik zu sprechen, ich hab mir dabei gar nichts gedacht. Ich setz mich da hin und mach halt Musik und was dabei rauskommt ist das, was dabei rausgekommen ist. So nachträglich betrachtet hab ich auf jeden Fall ein bisschen freier an Beats und Samples gearbeitet. Normalerweise machtman sich die ganze Zeit Gedanken darüber, ob man das benutzen kann oder die Aufnahme zu schrottig ist. Davon hab ich mich komplett frei gemacht. Ich hab jetzt nicht mehr den Anspruch oder die Angst davor, professionelle Musik auf meine laienhafte Weise zumachen. Das ist schon befreiend.
     
    Anna: Die Konzepte um Promo und Veröffentlichung sind aber an sich ähnlich aufgebaut: POP ist, wie der Vorgänger nie, nur bis zum Release Datum vorbestellbar und danach nie wieder.
     
    Fynn: Ja. Das werd ich auch immer so machen und kann das auch jedem nur ans Herz legen, der Musik macht. Meist geht es nur um möglichst viel Gewinnspanne an dem jeweiligen Produkt, also: billige Vinyl, billige Verpackung, billige CD-Hülle, billiges Booklet, billiges Papier, billiges Alles. Ich finde das ist genau falsch, man muss das Wertigste, das Teuerste, das Beste, das für die Umwelt Schonendste wählen, was es gibt, damit dieses physische Produkt so geil wie irgend möglich ist. Und wenn man das so macht, dann ist diese Limitierung einfach nureine kleine Kirsche obendrauf. Das ist das, worauf ich achte, dass das Zeug wirklich einfach richtig gut ist und nicht viel Geld einbringt. Man schätzt auch seine Hörer und Hörerinnen viel mehr. Die Leute, die einen früh kennengelernt haben und schon seit Stunde eins unterstützen, die haben das und alle anderen nicht. Das find ich irgendwie geil (lacht).
     
    Anna: Für POP hast du angekündigt, deinen gedrehten Dokumentarfilm zu niefür genau einen Tag in die Kinos zu bringen. Wie war die Resonanz bis jetzt darauf?
     
    Fynn: Sehr gut, richtig krasses Feedback auf jeden Fall. Wir haben irgendwie 70.000 Anmeldungen für diesen Film, was riesengroß ist für ein Dokumentarfilm in Deutschland. Aber die Resonanz ist super, das hat mich auch gewundert, weil das auch schon bisschen her ist, aber dann ist es ja auch ne zeitlose Geschichte. Wir haben eins der meistverkauften Alben in dem Jahr produziert mit zwei Leuten. Wir haben keine Kohle gehabt, wir hatten gar nix. In der Doku erfährst du alles, über Plattenvertrag abgelehnt und Label gegründet und alles irgendwie selber gemacht. Ich glaub, das ist schon ne spannende Story.
     
    Anna: Soll der danach noch über andere Plattformen verfügbar sein?
     
    Fynn: Wissen wir auch noch nicht. Es haben sich viele Leute beschwert, aus Österreich und der Schweiz, weil die hätten das ja alle nicht gucken können und das hab ich nicht so richtig bedacht (lacht). Das ist natürlich eine Sache, die man einrechnen muss. Ich will eigentlich auch jedem die Chance geben, dass man das sehen kann. Kino ist für mich das, was Vinyl bei Musik ist. Das ist so die Art und Weise wie man seinen Film im besten Fall einmal rausbringt. Den einmal ins Kino zu bringen ist genau wie eine Vinyl zu veröffentlichen, danach kannst du’s trotzdem noch bei Spotify streamen, aber die Vinyl gibt’s halt nicht mehr. Ich find dieses einmalige Kino-Erlebnis eigentlich schon voll geil. Wir müssen mal gucken, wie da die Lösung ist.
     
    Anna: Du bist ja seit Jahren am Projekte umsetzen und neu planen, machst alles, was dir so in Kopf kommt. Was ist dein To-Go Plan, wenn dir das alles ein bisschen viel wird?
     
    Fynn Kliemann, Untoldency, Untoldency Magazin, Indie, Musik, Blog, Blogger, Online Indie Musik Magazin, Interview, Fynn Kliemann, POP Album, oderso, Kliemannsland, fimbim
    © Chris Fraczkowia

    Fynn: Naja, also Zuhause ist schon bisschen so genau das. Ich hab hier die Möglichkeit, mein Telefon auszumachen, mich ans Klavier zu setzen und ein bisschen rumzudaddeln, mit dem Hund spielen und so. Das sind schon Sachen, die bringen mich runter. Aber meistens ist es dann auch Musik.
     
    Anna: Priorisierst du dann deine Projekte? Hast du das Album zum Beispiel nebenbei produziert oder dafür andere Sachen kurz auf Pause gemacht?
     
    Fynn: Nee, das kann ich nicht so gut, ich mach immer alles gleichzeitig (lacht). Aber Prio für mein Leben hatte in der Zeit von der Albumproduktion schon das Album. Also ich hab da ein Jahr lang dran gearbeitet, jede Nacht, und hab’s niemanden erzählt. Das heißt, alles, was in der Zeit passiert ist, mit dem Hausboot und dem ganzen Kram drum herum, war so im Fokus der Außenwelt, dabei hab ich eigentlich ein ganz anderes Leben geführt. Ich hab ein Jahr lang wirklich jeden Tag nur an diesem Album gearbeitet, es aber keinem erzählt, bis es fertig war. Das war halt schon ein bisschen stramm, die Woche so strukturieren, dass man nicht merkt, dass ich 50 % der Zeit was völlig anderes mache (lacht).
     
    Anna: Hättest du vor fünf Jahren gedacht, dass du einmal heute hier landest, in einem Interview über dein zweites Album?
     
    Fynn: Nee nee nee (lacht). Also erstmal vor fünf Jahren hätte ich nie gedacht, dass ich jemals überhaupt Musik mache. Hättest du mir gesagt, ich release irgendwann mal einen richtigen Song, hätte ich gesagt „alter nee“. Das waren die richtigen Leute am richtigen Ort und dann irgendwann meinten alle „ey Fynn, du hast da hunderte Skizzen auf dem Rechner und davon ist auch irgendwas richtig ok (lacht), mach da damit mal was“. Und durch diesen ganzen Ansporn dachte ich „okay na gut, arbeite ich mal was aus“.
     
    Anna: Gut, dass du’s gemacht hast!
     
    Fynn (lacht): Danke!
     
    Anna: Aus aktuellem Anlass: Wie beeinflusst dich die Corona-Krise momentan, hat das Auswirkungen auf den Release von POP?
     
    Fynn: Auf den Release nicht, nee, bis zum 29.05. kann man weiterhin vorbestellen. Was sein kann ist, dass sich die Auslieferung ein bisschen verschiebt. Ich kann’s halt nicht garantieren, normalerweise haben wir den 29.05. als Abschluss von der Vorbestellungszeit, auch alsfinales Lieferdatum für alle, die bis zu einem bestimmten Datum bestellt haben, angesagt.

    Und das ist jetzt halt kompliziert geworden. Die Presswerke haben gerade geschlossen, das heißt, ich kann grad gar nicht pressen. Kino ist in Gefahr, das Album, der Versand des Albums und überhaupt die Produktion des physischen Datenträgers ist in Gefahr, das Kliemannsland-Café hat geschlossen, unser Elektrofestival fällt wahrscheinlich aus, also das hat gerade schon weitreichende Konsequenzen, auf jeden Fall.

     
    Anna: Und wie sieht dein Tagesablauf momentan so aus?
     
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    Fynn: Ich mach ja sehr viele Sachen, unter anderem habe ich noch ne Agentur, mit der wir Websites und Shops bauen, das fluktuiert jetzt natürlich wahnsinnig. Und dann naja, erstmal den ganzen Stress mit Kino und Album richtig in die Wege leiten, das Musikvideokommt morgen raus, die ganzen Dinge. Ich steh morgens um halb sieben auf, geh um drei Uhr morgens ins Bett und arbeite den ganzen Tag halt, nur eben von zuhause. Das ist die stressigste Zeit meines Lebens gerade (lacht).
     
    Anna: Die letzte Frage fungiert bei uns immer als Blank Space, heißt, hier kannst du jetzt ein bisschen Selbstpromo, aber vielleicht auch einpaar aufmunternde Worte an alle, die seit Wochen in ihrer Wohnung hocken, dalassen.
     
    Fynn: Jetzt gerade ist ne wichtige Zeit für Musik, also für Hörer, aber auch für Musiker und Musikerinnen. Indem man Musik von zuhause streamt, kann man damit halt voll einfach Musiker und Musikerinnen unterstützten. Aber auch für seine eigene Psyche kann Musik helfen, das ist ja die stärkste Waffe, find ich. Das ist total einfach über Musik von zuhause irgendwo hinzureisen, wo man gerade will, nur eben in seinem Kopf. Von daher, nutzt das!
     
    Anna: Hast du schön gesagt. Dann danke dir für’s Interview.
     
    Fynn: Gerne, danke dir auch.
     
     
     
    Checkt hier das mit 2906 Darsteller*innen rekordbrechende Video zu Schmeiß mein Leben auf den Müll:

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