Schlagwort: bedroom pop

  • Vacations im Interview: »The best thing is making art and traveling the world with my best friends«

    Vacations im Interview: »The best thing is making art and traveling the world with my best friends«

    Habt ihr auch Lust auf Urlaub? Mit über 10 Millionen monatlichen Hörer*innen auf Spotify, über 500 Millionen Streams auf Singles und Auftritten in bekannten US Fernsehsendungen haben Vacations aus Australien bereits beachtliche Meilensteine in ihrer Karriere erreicht. Ihre Songs erreichten vor allem durch TikTok und Feel-Good Playlisten eine breite, junge Hörer*innenschaft. In Deutschland scheint die Band trotzdem noch weniger bekannt zu sein. Dass der angenehme, catchy Sound so beliebt ist, ist jedoch kein Wunder. Zwischen Indie-Rock und Bedroom-Pop legen sich die vier Australier seicht dazwischen. Dabei ist der Name Vacations nämlich Programm: Musikalisch klingen sie nach warmen Sonnenstrahlen, sanften Wellen am Strand und endlosen freien Tagen. Assoziationen, die unmittelbar durch die Kopfhörer mitfließen. Im Januar veröffentlichte die Band ihr drittes Album No Place Like Home mit 10 neuen, eingängigen Tracks, die sich ganz unaufdringlich anschleichen und doch ihren Platz im Kopf finden. Zwar klingt das Album nicht überraschend anders als seine Vorgänger, so beweist die Band, dass das auch nicht immer der Fall sein muss, um erfolgreiche und qualitative Musik zu veröffentlichen. Ich habe Sänger und Bandgründer Campbell Burns dazu mit ein paar Fragen gelöchert.

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    Campbell von Vacations im Interview

    Dascha (untoldency): Hi Campbell! How would you introduce yourselves to someone who is not yet familiar with your band?

    Campbell (Vacations): Australia’s greatest boy band.

    Dascha (untoldency): How did you come together as a band?

    Campbell (Vacations): Through house parties, tertiary education, and a Facebook ad.

    Dascha (untoldency): You recently released your new album No Place Like Home. How would you describe the album in three words?

    Campbell (Vacations): Nostalgic, bittersweet, transformative.

    Dascha (untoldency): When did you start working on the album? What did the process feel like?

    Campbell (Vacations): Late 2022, in December. The process felt therapeutic since we had all been through so much collectively. I was happy to be in the studio again and working towards something.

    Dascha (untoldency): What does “home” mean to you?

    Campbell (Vacations): Honestly, I’m not sure. I’ve only just stopped travelling after 14 months of almost constantly moving. I’m learning how to be still again in Los Angeles, my new home.

    Dascha (untoldency): What feeling would you like your listeners to get from the album?

    Campbell (Vacations): Anything, just as long as they feel strongly about it.

    Dascha (untoldency): What themes inspired the album and how did you work them into it? Is it easy for you to put personal feelings into music?

    Campbell (Vacations): Home, belonging, acceptance. There’s a lot more, but I try not to analyse my own work, I simply let it happen. I think it’s easy because it’s what I’ve been doing for the past ten years, it’s how I express myself. I don’t really know any other way how to do so.

    Dascha (untoldency): Do you personally have a favorite song on the album? And if so, why?

    Campbell (Vacations): Lost in Translation, it’s hardly a song. I think that’s why it’s interesting to me, because it’s so different to what I’d normally write. I’m not following a conventional pop structure like with most of our output.

    Dascha (untoldency): What do you think has changed the most since the first album to this point? What is the biggest development you’ve made so far?

    Campbell (Vacations): That we’re more sure of ourselves and our artistic direction. There’s a greater sense of collaboration as well as purpose. The production has stepped up a few notches too.

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    Dascha (untoldency): Some of your songs have gone pretty viral on TikTok and have been used for all sorts of random videos. What do you think of that? Do you think TikTok is destroying music culture or giving it new opportunities?

    Campbell (Vacations): I think it’s wonderful that people are expressing their feelings about our music in their own unique way. People are discovering us and becoming fans, that’s great!
 For your other question, it’s both. There’s no barrier for entry into music anymore, this is a good thing. Musicians are easily able to get themselves out there now, however, people are also reducing their artist practice to fit the mould of what’s trending or what’ll be perceived as successful.

    Dascha (untoldency): You recently played at Jimmy Kimmel Live, that’s huge! How was that experience for you?

    Campbell (Vacations): I blacked out on strumming the first chord, but it went well and it felt surreal to be on national US television later that same day.

    Dascha (untoldency): Your Instagram bio says: “Australia’s greatest boy band”. Who would be the greatest non- Australian boy band?

    Campbell (Vacations): Boy band adjacent, but SWV.

    Dascha (untoldency): You moved to the US recently, right? How do you think this will influence your music and career in the future? How does it influence the feeling of “home“ for you?

    Campbell (Vacations): I did! I live in Los Angeles now. Moving here has already been influential. You’re in a city with some of the best musicians, songwriters, producers, and so much more. The celling is limitless. I feel like I’m not restricted like I would be back home. Everyone here is incredibly supportive and there’s a strong community of people that simply want to make great art.

    Dascha (untoldency): What is the best place in the world to play concerts?

    Campbell (Vacations): New York City.

    Dascha (untoldency): What’s the best thing about being in a band?

    Campbell (Vacations): Making art and traveling the world with my best friends.

    Dascha (untoldency): What is something you definitely want to do or achieve as a band in the future?

    Campbell (Vacations): I think we’ve achieved so much already, anything from here on out is a bonus. I’d love to play more festivals though.

    Dascha (untoldency): Our last interview question is always an untold story. A story, a fun fact or a little secret that you haven’t told publicly yet. Can you think of anything?

    Campbell (Vacations): Due to acid reflux, I can’t really hiccup. So instead, I make this terradactyl noise that’s really frighting to people that aren’t used to it.

    Dascha (untoldency): Thank you for your time!

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  • The Haunted Youth im Interview: »Great music first needs to be therapy for the writer in order to become therapy for anybody else«

    The Haunted Youth im Interview: »Great music first needs to be therapy for the writer in order to become therapy for anybody else«

    Seit geraumer Zeit hat es mich weg aus Deutschland ins Nachbarland Belgien verschlagen. Das soll jetzt aber kein Ratgeber fürs Leben als Expat werden. Nein, es geht natürlich um Musik. Belgien hat neben den Niederlanden und Luxemburg musikalisch viel Spannendes zu bieten. Wer sich ein Bild machen möchte, dem empfehle ich unsere „indie export – the sound of benelux“ Playlist (die hat übrigens kürzlich ein frisches Update erhalten).

    In den kunterbunten Mix leitet einer ein: The Haunted Youth. Seit der Single „Teen Rebel“ und dem im November letzten Jahres erschienen Debütalbum „Dawn Of The Freak“ haben sich Sänger Joachim Liebens zusammen mit seiner Live-Band zu den Indie-Lieblingen schlechthin gemausert. Mit einem Mix aus Shoegaze und Dream Pop schaffen die verträumten Gitarren einen Sound für eine ganze Generation, gezeichnet von tiefer Traurigkeit und unendlicher Freiheit zugleich.

    Ich habe mit dem Sänger hinter der gequälten Jugend gesprochen.


    The Haunted Youth im Interview

    Evelin: Hey Joachim, thanks for joining! First thing’s first: I myself have been living in Belgium for a few years now and heard a lot about you already. But for the people who might not know you: Who are you and how would you describe your music?

    Hey! Well I would describe my music as coming from a place that’s internal. It’s very introspective, makes you think but also forget. And I made it in a way to exorcise my own demons, and with that sometimes I exorcise someone else’s demons, at least while the song is playing. That’s how i would love it to be (laughs).

    Evelin: In what creative mindset do we find you at the moment?

    The Haunted Youth - by Robin Todde 026 (1)

    It’s kind of a trip, sometimes I feel like my life or my music is going nowhere in the studio, and the next day I feel inspired and focused. When it comes to playing shows, that’s always nice, I think it’s being on the road for a while now that makes me face new ways of going about creating music. And sometimes that’s hard, but I love going through it, it always ends up somewhere exciting!

    Evelin: Your artist name is very carefully chosen. How much does your youth still affect you to this day? Does it still haunt you?

    Well, our youth kinda shapes us in ways, and as we grow older we unconsciously try to make up for things, when this childhood was missing something. In ways, I feel like pursuing this dream was a way for me to be able to unconditionally live as a child, and free something that was imprisoned in me because of my past. While also growing up in other ways, like making a living and sharing a house with my girlfriend. 


    „There’s always traces that follow you around

    Evelin: Your debut album „Dawn of The Freak looks back on a very specific time in your life and in previous interviews you almost sound a bit bitter about your past. Can you explain what the album means to you and what state you were in mentally while writing the album?

    Well, growing up where I did, in the social environment that I did, I just felt isolated. Like I was different, and something was missing. I found something in skateboarding, I found something in punk rock, and when I really started to discover my own world, it was censored and controlled and judged by the people who should be there for me.

    After the divorce of my parents and years of depressing vibes between them, lies they would tell us about each other, to extreme levels, I decided to not see them anymore as soon as I had the chance. So I tried to fight things I felt about it in songs and that became the album. Because even though I left and my worst days seem to be behind me, there’s always traces that follow you around, and haunt you.

    I was sick of feeling like shit because of this and decided music was always my best way to fight it, besides skateboarding, or smoking weed, doing drugs, etc. I wanted to also give back this message to the community like: „Hey this music has been there for me. I made something in return, which I hope will do the same for someone out there.“

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    „I’m not trying to evoke anything in anyone

    Evelin: The main messages in your album revolve around the struggle of finding your place in life. Do you think you found that now? If so, what does that look like for you?

    I feel like I found at least a big picture of it (laughs). I’m pretty happy with my life now. I seem to have it pretty much under control, it just seems to flow, you know. A lot of old passions came back on me, like I just started skating again, and that feeling combined with being on the road with the band.

    They’re my carefully chosen family of freaks and my queen freak, Ammu. She’s my girl and I’m so in love with her. We really come from the same place traumatically speaking, even though she has her own story, but we bond on that deeply. We both make music together, like really hardcore punk shit, you know.

    And I don’t know, things just feel like they fell into place by making this album and everything that came along with it. And there’s been a lot of struggles to get here, but it makes me enjoy it more as it’s happening.

    The Haunted Youth - by Robin Todde


    Evelin: Your upbringing is characterized with contrasts, and it shows in your music. Whereas the melodies are often quite soft and dreamy, the lyrics can get rather dark. What do you hope to evoke in people with that?

    I’m not trying to evoke anything in anyone. I follow what evokes something in me, and weirdly, that’s how I end up making other people feel things with music. By first chasing that feeling for myself, and have me be the judge. Because I am the hardest to please, other people might like something I might not feel. So why do that. I think great music first needs to be therapy for the writer in order to become therapy for anybody else in such a profound way. Not always though, but mostly.


    „Just go until the gas runs out

    Evelin: You write and produce your music basically all on your own and sort of thrive in isolation. Now you released a song together with one of your bandmate’s projects King Victor. How did that more collaborative process work out for you?

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    Well, Tommy (Tom, Teil von King Victor und Gitarrist bei The Haunted Youth) is the only one I share a certain musical connection with. The therapy part, and the way this therapy sounds to us, is something very particular. I think this kind of connection is really rare, but that’s why he got in the band in the first place.

    And one day he had this song, and sent me the demo, and I hated his vocals on it, but loved the song and proposed to sing on it. I still did it alone, 4 am, high as fuck, and a little depressed. I did a few takes, and sent it to him. He loved it and we decided to go with it.



    Our label manager later decided to make it a collaboration thing with the feature, so his song would get the attention it deserved. We later ended up putting it in this year’s live set.

    Evelin: You released your debut album last year in November, after touring and the upcoming festival summer. What is next for The Haunted Youth?

    Just feeling the vibe, riding the waves and rocking in the free world, making lots more music, just go until the gas runs out, and we run out!

    Evelin: At the end of each interview, we always ask for an untold story. This could be a random fact about you, an anecdote, something funny that happened during recording, touring etc. Anything that you haven’t shared with the world yet, but want to now. 😊

    Well, me and my girl have a dog, a Tervuren shepherd. She’s called Kensy, and she’s our little wolf. Every so often we sit with her and we howl together, as a wolfpack. It’s said to strengthen the bond between you and the dog. It’s as if we’re singing a song together! (laughs)


    The Haunted Youth auf Tour

    Wer sich genauso wie Joachim von Traumata und Sorgen mithilfe der Musik loslösen möchte, dem spreche ich eine warme Empfehlung für das Debütalbum „Dawn Of The Freak“ aus.

    Nach bereits vergangenen Shows und Festivals um und in Deutschland gehen The Haunted Youth außerdem im November wieder auf Tour. Unter anderem in Deutschland, Österreich und der Schweiz. Heißt, ihr könnt euch auch noch von euren Dämonen frei tanzen. Holt euch hier eure Tickets!


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    Fotocredits: Robin Todde

  • Borninmay im Interview: »Der Sound soll die verschleierte Wahrnehmung an die Vergangenheit beschreiben.«

    Borninmay im Interview: »Der Sound soll die verschleierte Wahrnehmung an die Vergangenheit beschreiben.«

    Würde man den Blog nach dem Wort „Nostalgie“ durchsuchen, würde man sicher so einige Treffer landen. Aber wie schön ist das? Dass Musik so starke Gefühle in uns erweckt, dass wir sie mit ganz persönlichen Ereignissen assoziieren? Situationen und Menschen, die uns derart geprägt haben, dass nur ein paar Gitarrenklänge, nur ein paar tiefsinnige Zeilen ausreichen. Und sofort werden wir zurück zu diesen Momenten katapultiert.

    Heute stellen wir euch jemanden vor, der genau das perfektioniert hat. Borninmay, neu auf dem Radar, aber schon ganz groß darin diesen träumerischen Schleier in seine Musik zu legen. Ich habe mit dem Newcomer über seinen musikalischen Werdegang, seinen charakteristischen Sound sowie seine persönlichen Geheimtipps gesprochen.


    Borninmay im Interview

    Evelin: Erstmal ein herzliches Hallo! Schön, dass es geklappt hat. Wie geht es dir, wie war dein Tag bis jetzt?

    Borninmay: Danke für die Einladung! Mir geht’s super, mein Tag war bisher entspannt und ich freue mich dieses Interview mit dir führen zu können.

    Evelin: Nach meinem Empfinden bist du mit einer der aufregendsten Newcomer*innen. Denen, die dich noch nicht auf dem Radar haben, würdest du dich und deine Musik kurz vorstellen?

    Borninmay: Ich bin Borninmay, 23 Jahre alt, komme aus einem kleinen verschlafenen Städtchen in Rheinland-Pfalz und produziere von meinem Zimmer aus Indie/Bedroom Musik. Neben meinen eigenen Songs beteilige ich mich auch an Produktionen für Künstler*innen aus verschiedenen Genres.

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    „Ab einem bestimmten Punkt wusste ich dann was ich machen wollte“

    Evelin: Unter anderem hast du bereits einiges für andere Künstler*innen produziert. Wie und wann kam die Entscheidung selbst zu releasen? Was war dein musikalischer Weg bis du bei deinem aktuellen Solo-Projekt gelandet bist?

    Borninmay: Bis zu meinem jetzigen Solo-Projekt bin ich einige große Umwege gefahren und habe sehr lange nach einer Möglichkeit gesucht, mich musikalisch auf eine Art und Weise auszudrücken, die mich zufriedenstellen würde, weshalb ich mich in vielen Musikrichtungen ausgetobt habe. Die Entscheidung eigene Musik unter Borninmay zu veröffentlichen kam mir Anfang 2021. Zu diesem Zeitpunkt habe ich seit ca. eineinhalb Jahren eigene Beats und sehr experimentelle Musik à la Jai Paul und Ben Khan produziert und dachte, dass ich mich musikalisch endlich gefunden hätte. Dabei ist eine EP mit insgesamt 6 Songs entstanden, welche nun auf meiner Festplatte verweilt.

    Zum selben Zeitpunkt arbeitete ich zusammen mit Tom Blanc seit Anfang 2020 an Instrumentals für sein Solo-Projekt und mit jeder Skizze gingen die immer mehr in Richtung Indie/Alternative Rock, Post Punk etc. Ab einem bestimmten Punkt wusste ich dann was ich machen wollte. Es war für mich ein Back To The Roots Ding. Viele Monate experimentieren, um letztendlich dann doch bei der Musikrichtung zu landen, die man sein Leben lang gehört hat. Da ich durch meinen Dad bereits als Kind, mit dem Gitarre spielen angefangen habe und sehr vertraut mit dem Rock Genre bin, war es die logische Schlussfolgerung in diesem Bereich zu bleiben und auch eigene Musik in diesem Stil zu produzieren. Wie schon erwähnt, habe ich viel experimentiert und mich in einigen Genre ausprobiert, jedoch fühlte sich keins so vertraut an wie das in dem ich mich zurzeit musikalisch auslebe.


    Nostalgie und Verträumtheit

    Evelin: Welchen Vibe, welche Gefühle soll deine Musik Hörer*innen vermitteln? Was erhoffst du dir?

    Borninmay: Nostalgie und Verträumtheit sind so ziemlich die besten Begriffe, um den Vibe zu beschreiben, den ich versuche an meine Hörer*innen weiterzugeben. Ich erhoffe mir, dass sie sich in der Musik verlieren, aber auch gleichzeitig wiederfinden können. Wenn sich Hörer*innen mit meinen Songs identifizieren können oder bestimmte Ereignisse in ihrem Leben damit verbinden, ist das für mich das größte Lob.

    Zudem erhoffe ich mir, dass die Songs nicht als kurzlebige Produkte wahrgenommen werden. Ich versuche mich so gut es geht von den jetzigen Musikstandards zu distanzieren und meinen Songs die Zeit zu geben, die sie brauchen, um sich vollständig entfalten zu können. Das Ganze bei einer Laufzeit von 2 Minuten unter einen Hut zu bringen ist für mich eher schwierig und nicht immer möglich, zumal ich gerne Zwischenpassagen einbaue in denen z. B. nur Gitarren zu hören sind. Insbesondere die Instrumentals drücken den Großteil der Emotionen aus, die ich meinen Hörer*innen vermitteln möchte.

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    Ein endloser Lernprozess

    Evelin: Gibt es bestimmte Songs oder Künstler*innen, die grundlegend verändert haben, wie du Musik machst oder erlebst?

    Borninmay: Definitiv! Ich habe von sehr vielen Bands und Künstler*innen Einflüsse mitnehmen können, um diese letztendlich in meine eigene Musik einzubringen. Um ein Beispiel zu nennen: Das Album „Down Through“ von Gleemer ist für mich eine unfassbar große Inspiration sowie auch der Frontmann der Band Corey Coffmann, welcher die Songs produziert. Bei diesem Album fasziniert mich die Komplexität der Gitarren, sprich die Akkordfolgen, Harmonien und wie diese ineinander verschwimmen, aber trotzdem sehr transparent bleiben. Alles klingt sehr warm, träge und schwer im Low-End-Bereich – ganz großes Kino für die Ohren.

    Dank dieses Albums habe ich vieles dazu gelernt. Insbesondere wenn es darum geht, ein verträumtes Klangbild zu erschaffen, während man sich von der klassischen Arrangement-Abfolge eines Songs löst, um das Instrumental für die Emotionen sprechen zu lassen. Wenn Worte mal nicht ausreichen sollten. Bands und Künstler*innen, die mich in meiner Vorgehensweise beim Produzieren ebenfalls beeinflusst haben, sind CitizenWhirrDream CeremonyDelachuteMen I Trust uvm.

    Zu der Art und Weise wie ich Musik erlebe kann ich sagen, dass sie sich tatsächlich erst dann verändert hat, als ich angefangen habe selber zu produzieren. Ich mache mir viele Gedanken über das Arrangement, das Sounddesign, den Mix, die einzelnen Instrumente und wie diese miteinander harmonieren. Mein Kopf arbeitet im Vergleich zu vorher ununterbrochen, sobald ich einen Track starte. Klingt nicht unbedingt danach als würde ich Musik genießen (lacht). Aber das Sezieren des allgemeinen Klangbildes bis hin zu den kleinsten Details macht mir sehr viel Spaß und hilft mir enorm, wenn es darum geht zu verstehen, was sich die Künstler*innen bei der Komposition/Post-Produktion gedacht haben. All diese Techniken wende ich dann letztendlich auch auf meine eigenen Produktionen an. Für mich ist alleine nur das Hören von Songs ein endloser Lernprozess, den ich wirklich sehr genieße.

    Evelin: „Feels Like We Never Met“ handelt davon, dass man für eine Person, die einst mit das Wichtigste auf Erden war, zum Fremden wird, eben als wäre man sich nie übern Weg gelaufen. Worum genau geht es in deinem neuesten Song „Moving Away“?

    Borninmay: „Moving Away“ handelt von Flucht und dem vergeblichen Versuch Abstand zu gewinnen. In Bezug auf sich selbst, emotionale Bindungen und Orte. Der Song führt im Prinzip die Thematik von „Feels Like We Never Met“ fort, was zu Beginn nicht geplant war, mir aber schlussendlich als recht logisch erschien.

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    „Die Songs stellen Erinnerungen dar“

    Evelin: Deine Songs haben eine sehr nostalgische Art. Siehst du dieses träumerische Zurückblicken als toxische Eigenschaft oder hilft es dir dabei, Dinge, – besonders in deiner Musik – zu verarbeiten?

    Borninmay: Wenn es um meine Musik geht, funktioniere ich am besten, wenn ich von Emotionen geleitet werde und so ehrlich wie möglich bin. Dafür greife ich gerne auf Thematiken oder Erinnerungen zurück, bei denen mir bewusst ist, dass es wichtig wäre sich damit auseinanderzusetzen. Das gehört irgendwie zum Prozess, ich reflektiere und verarbeite das Ganze in einem Rutsch beim Komponieren und Schreiben. Zumal sind diese Rückblicke auch Teil des Konzepts. Die Songs stellen Erinnerungen dar, die durch nostalgische und verwaschene Elemente, Rückblicke Revue passieren lassen. Dieser Sound soll die verschleierte Wahrnehmung an die Vergangenheit beschreiben, die nach und nach gemeinsam mit gewissen Emotionen verblasst.

    Evelin: Ich vermute stark, dass es um dich herum immer lauter werden wird. Und dass wir noch einige aufregende Releases erwarten können (hoffe ich zumindest 😄). Was sind sonst noch deine persönlichen Ziele für dieses Jahr?

    Borninmay: Zu den wichtigsten Zielen gehört, dass ich von nun an regelmäßig Musik veröffentliche und viel rumkomme. Des Weiteren habe ich noch ein paar Sachen geplant, die ich dieses Jahr umsetzen möchte. Was es genau sein wird, möchte ich an dieser Stelle noch nicht verraten. Abseits von meiner eigenen Musik freue ich mich darauf, die Songs für Tom Blancs Solo-Projekt fertigzustellen. An denen arbeiten wir schon sehr lange. Außerdem möchte ich mich an weiteren Projekten beteiligen. Bisher steht noch nichts fest, aber ich bin gespannt was die Zeit bringen wird. Ich habe seit dem Release von „Feels Like We Never Met“ einige spannende deutschsprachige Künstler*innen kennengelernt, mit denen ich sehr gerne arbeiten würde. Am liebsten persönlich und vielleicht auch mal im Studio statt über Zoom.

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    Borninmay’s Newcomer*innen Tipps

    Evelin: Nach ausgiebigen Stalken deiner Spotify-Page 😄, hast du eine Vorliebe für Bedroom-Pop, New Wave und Post Punk. Das spiegelt sich ja auch in deiner eigenen Musik wider. Hast du ein paar Newcomer*innen Tipps oder Artists, die wir uns ganz besonders hinter die Ohren schreiben sollten?

    Borninmay: Sehr zu empfehlen wäre an erster Stelle mein kanadischer Freund Delachute. Er produziert extrem einzigartige Musik und befasst sich in seinen Songs mit Interviews, die er mit Mördern und den Angehörigen der Opfer geführt hat. Absoluter Geheimtipp! Seine meistgehörte Single „Caligula“ überzeugt von der ersten Sekunde an. Eine weitere Empfehlung wäre Chris Yonge, ebenfalls ein Musiker aus Kanada, den ich seitdem ich ca. 13 bin höre und für den ich letztes Jahr den Song „cool kids“ produzieren durfte.

    Weitere empfehlenswerte Bands/Artists und deren Alben/Songs wären:

    Nürnberg – Skryvaj
    Whirr – Ease
     & Younger Than You
    Dream Ceremony – Hearts On Fire
    bdrmm – Happy
    Tom Blanc – Wovor hast du Angst?
    dj ignorant – i don’t want to lose you


    Evelin: Am Ende jedes Interviews bitten wir immer um eine untold story. Das kann ein random Fakt über dich sein, eine kleine Anekdote, irgendwas Witziges, das im Studio passiert ist, usw. Kurz gesagt irgendwas, was du noch nicht mit der Welt geteilt hast, was du jetzt aber gerne wollen würdest. 😊

    Borninmay: 2020 fing ich an, aktiver Beats zu produzieren. Ich bin, ohne jegliche Studio-Erfahrungen in der Rolle als Produzent gesammelt zu haben, sehr oft in Sessions mit Artists geraten, die musikalisch das absolute Gegenteil von dem waren, was ich zu Beginn produzierte und privat hörte. Es ging meistens nur um Hip-Hop, Rap, RnB usw. Zu dieser Zeit war ich in einem Tonstudio als freiwilliger Audio-Engineer aktiv. Ich kannte mich lediglich mit Mixing und Mastering aus, was anscheinend dabei half, die Illusion aufrechtzuerhalten.

    Das Ganze sprach sich ein wenig rum und mit der Zeit produzierte ich dann immer mehr Songs für Artists, deren Genre mir von der Produktionsweise her völlig unbekannt waren. Auf jeden Fall informierte ich mich während den Sessions nebenbei über die jeweilige Musikrichtung, die produziert werden sollte. Und zu meinem Glück funktionierte es ziemlich gut. Die dabei entstandenen Songs waren echt solide. Ich höre sie mir heute noch an. Ich frage mich, wie ich das zu diesem Zeitpunkt auf die Kette kriegen konnte. War stressig, aber auch ziemlich lustig und trotz der musikalischen Differenzen hatte ich viel Spaß mit den Artists. Konnte eine ganze Menge aus der Zeit in diesem Studio lernen!

    Evelin: Danke dir für deine Zeit!

    Borninmay: Sehr gerne, danke auch für die Möglichkeit!

    So wie ich Borninmay im Interview sowie im generellen Austausch miteinander erlebt habe, merkt man, wie engagiert und passioniert er ist. Und das wird sich auszahlen, da bin ich mir sicher. So rund wie die ersten Songs schon klingen, kann alles, was noch kommt, nur genauso geil sein. Tut euch selbst einen Gefallen und hört in beide Songs rein! Bei einem Stream wird es da safe nicht bleiben 😉

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    Fotocredits: Philip Svigersøn
  • Nostalgische 80s Synths in Dayglow’s „Harmony House“

    Nostalgische 80s Synths in Dayglow’s „Harmony House“

    Retro Klänge und Synthies aus den 80ern feiern nicht erst seit gestern ein großes Comeback! Dass die Popkultur gerne Sounds und Styles vergangener Jahrzehnte ausgräbt ist auch kein Geheimnis. Das konnte man im letzten Jahr beispielsweise schon am Album Future Nostalgia von Dua Lipa sehen, aber auch auf dem neuen Dayglow-Album Harmony House finden sich vieeele viele 80er Jahre Synths-Sounds mit einem modernen Anstich. Und was soll ich sagen: it’s a vibe!

    Mit seinem Debüt Album Fuzzybrain hat Sloan Strube, der hinter dem Namen Dayglow steckt, es sich zum Ziel gemacht gute Laune und Glücksgefühle mit seiner Musik zu verbreiten. Und genau da knüpft er auch mit Harmony House an. Mit warmen Synths, super catchigen Melodien und groovigen Bässen kann man nur schwer stillhalten oder Trübsal blasen.


    The 80s called, they want their synths back
    Dayglow Harmony House Cover

    Ja dieser Joke musste kommen, verzeiht. Vor allem die erste Hälfte des Albums ist gespickt mit 80s Vibes. Mit dem Eröffnungstrack Something lädt uns Dayglow in sein Harmony House ein und versprüht damit eine erste kurze Ladung gute Laune. Hört ihr die Melodie ab 00:45 min., die so ein bisschen gepfiffen aber auch ein bisschen flötenartig klingt? Prägt euch die mal lieber ein!

    Thematisch besingt Dayglow Themen rund um die Anziehung zwischen zwei Menschen. Nicht in chronologischer Reihenfolge und auch nicht auf jedem Song des Albums, aber dennoch lassen sich von den ersten Blicken bis zum Ende einer Beziehung einige Stadien einer Beziehung in verschiedenen Songs wiederfinden. In Close To You geht es um die elektrische Spannung zwischen zwei Menschen, die sich auf einer Party sehen, aber niemals richtig Hallo sagen. Man malt sich Szenarien in seiner eigenen Fantasie aus, die so aber nie stattfinden.

    In Crying on the Dancefloor habe ich sofort diese Abschlussball Szene eines Coming Of Age Films im Kopf. In diesem Song geht es um das Ende einer Beziehung.


    „I thought that I could keep myself together,
    but I fall apart when you walk through the door.
    And now my eyes are looking like the weather,
    now I’m crying on the dancefloor.“


    Ich glaube diesen Moment hat auch jeder schonmal durchgemacht. Wenn man denkt man hat das schlimmste überstanden, aber nur ein kurzer Augenblick, in dem man die andere Person sieht, lässt alles wieder hochsprudeln.

    Harmony House‚ is about dealing with change and realizing that change is ok, that everything changes and it doesn’t have to be overwhelming“, wie Sloan selbst zum Album sagt. Besonders in dem Track Woah Man geht es um das Loslassen, damit man selbst wachsen kann. Anfangs sollte der Song für einen Freund von Sloan sein, der eine schwere Phase durchmachte. Im Nachhinein merkte er, dass der Song sehr viel mehr um ihn selbst geht, als er das anfangs intendiert hatte.


    Bedroom Pop at its finest

    Auf seinem Instagram Kanal hat Dayglow ein Snipped von den ersten Instrumentals des Songs Close To You geteilt. Das hat er angefangen zu schreiben, als er im Sommer 2019 Zuhause war – in dem selben Zimmer wo auch Fuzzybrain entstanden ist. Damit wird einiges klar: Dayglow ist wohl König des Bedroom Pops. Nicht nur, dass er sich selbst beigebracht hat Gitarre, Bass, Drums und Keyboard zu spielen, sondern auch wie man Songs produziert und mixt. Kleiner Content-Tipp für Menschen, die sich für Musikproduktion interessieren: Auf seinem YouTube-Kanal hat er einige Videos, in denen er erklärt wie einige seiner Songs entstanden sind. Unter anderem auch eines zu seiner ersten Single Auskopplung Close To You.

    Man merkt gleich wie viel Freude es Sloan macht über Musik zu sprechen, denn wie er selbst im Video sagt: „This is all i ever think about“. Er erklärt Stück für Stück wie er welchen Teil des Songs gebastelt hat. Damit der Song (und wahrscheinlich auch der Rest des Albums) so authentisch wie möglich nach 80er Jahren klingt, benutzt er zum Beispiel wirklich Synthesizer, die aus den 80er Jahren stammen. Denn ihm zufolge sind die Synths-Sounds der Ort, wo die Magie des Songs wirklich sitzt. Der Part der mich ein bisschen zum Schmunzeln gebracht hat ist, als er erzählt, dass der Song eigentlich als Duett gedacht war, aber er eine introvertierte Person ist und deshalb der Song ein Duett mit ihm selbst wurde – wobei ich jetzt wirklich gerne eine Version als „richtiges“ Duett hören würde.

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    In meinem Kopf war wieder diese Melodie, nanana

    Ihr wisst noch, die Melodie vom ersten Song Something? Wenn ihr das Album komplett durchhört, werdet ihr dieser Melodie noch ein paar Mal begegnen. In Into Blue taucht sie gegen Ende des Tracks ab 02:40 min. wieder auf, diesmal etwas langsamer und mit der E-Gitarre. Gleich im nächsten Song Moving Out findet ihr sie wiederum mit einem pfeifenden Synthie-Sound (ab 02:16 min.), aber auf eine andere Art als beim ersten Song des Albums. Und zu guter Letzt kommen wir zum vierten Song, in dem diese Melodie wieder zu finden ist. Als wunderschön runder Abschluss muss sie natürlich auf dem letzten Track der Platte sein. Auf Like Ivy wird die Melodie nicht nur durch Instrumente, sondern diesmal auch durch die Stimme interpretiert (ab 01:10 min.).

    Habt ihr die Melodie noch an anderen Stellen auf dem Album entdeckt? Ich persönlich liebe es ja, wenn so kleine Easter Eggs versteckt sind und wenn sich Muster, Melodien oder andere Dinge wiederholen, weil es die Songs auf einem Album auf eine Art mit einander verbindet. Und eins ist klar: Wenn euch das einmal aufgefallen ist, könnt ihr das gar nicht mehr überhören und habt nebenbei auch einen Ohrwurm für den Rest der Woche.

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    Fotocredit: Pooneh Ghana

  • Goat Girl und ihr zweites Album „On All Fours“

    Endlich veröffentlicht die Londoner Band Goat Girl ihr heißersehntes Album „On All Fours“. Seit der Veröffentlichung der neuen Singles und der Ankündigung des Albums letztes Jahr war der Hype für mich jedenfalls perfekt.

    Ich kann mich noch gut an den Tag erinnern, als ich das erste Mal mit der Musik von Goat Girl in Berührung kam. Es war einer dieser schmerzlich vermissten Nachmittage im Plattenladen im Jahre 2018. Je knapper das Geld wurde, desto genauer und länger hörte ich mir im Plattenladen auch die Alben an. Muss sich ja auch lohnen. Da kam es schon häufiger vor, dass drei oder vier Stunden ins Land zogen und meine Freunde einfach nur noch genervt und/oder schon mal vorgegangen waren. So muss es damals auch gewesen sein. Und das Debüt Album von Goat Girl zog ich ganz zum Schluss aus der Plattenkiste. Ich habe die Scheibe aufgelegt, die ersten anderthalb Minuten gehört und wahrscheinlich meine letzten 20€ des Monats meinem Plattendealer anvertraut.

    Heavy Bedroom Pop

    Nach shame mit ihrem grandiosen Album „Drunk Tank Pink“ ist Goat Girl jetzt die zweite aufstrebende Band aus South London, die dieses Jahr ein neues Album veröffentlicht. South London ist seit einigen Jahren schon die hippe Brutstätte von zukunftsorientierten und angenehm diversen Newcomer Bands, die alle irgendwie und irgendwann mal in der Kultlocation The Windmill, Brixton ihr Konzertdebüt gefeiert haben. Auch wenn der für South London typische Post-Punk-Sound auf dem neuen Album nicht mehr ganz so stark zu vernehmen ist, ist Goat Girl ein lebendiges und wichtiges Mitglied dieser Szene.

    Die verzerrten Gitarren und Pogoparts des ersten Albums hat die vierköpfige Band bei „On All Fours“ gegen analoge Syntheziser und raffinierte Chorarrangements eingetauscht. Spotify würde die Songs wahrscheinlich als „Chamber Psych“ kategorisieren, was tatsächlich irgendwie auch wirklich gut passt. „Heavy Bedroom Pop“ gefällt mir aber noch besser.

    Trotzdem ist Goat Girl keine Band, die es nötig hat in Genre Schubladen sortiert zu werden. Die vier selbstbewussten MusikerInnen zeigen auf „On All Fours“, dass sie sich längst ihr eigenes Genre geschaffen haben. Gleich das erste Stück „Pest from the West“ bezeugt den Wandel ihres Bandsounds, als nach einem ruhigen Gitarren Arrangement mit tollen, eingängigen Akkorden ein sogenannter „Arpeggiator“ das Klangbild aufmischt. Dieser rhythmische Syntheziser war zumindest im Debüt so noch nicht zu hören. Der Text des Openers handelt von gescheiterter bzw. fehlender Genderpolitik und die angestaute Wut darüber, die für die junge englische Generation steht, aber sicherlich in der ganzen Welt im Moment wie die Faust auf’s Auge passt.

    „Words remain in the suits of today,
    And I have no shame when i say step the fuck away
    I’ll be glad that when it’s the end,
    You’ll be caught and torn when there’s no law to fall in“

    Auch was für Nerds

    Nie zu konkret und mit einem gewissen ironischen Abstand scheint Goat Girl in ihrem neuen Album sowohl politische Themen, als auch persönliche Probleme wie z.B. Angststörungen zu verarbeiten. Generell zeichnet das Album eine gewisse melancholische Grundstimmung aus, die nicht zuletzt durch die warme und tiefe Stimme der Sängerin Lottie Cream zum Leben erweckt wird und irgendwie den Weltuntergang einläutet.

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    In einem anderen politischen Kontext steht der folgende Song „Badibab“, der die eigene Schuld an der zerstörerischen Kraft der Menschheit in Bezug auf den Klimawandel reflektiert. Die poppige Songstruktur passt auf absurde Art wirklich gut zu diesen düsteren Gedanken. Zum Ende hin gerät diese Struktur dann doch noch ins Wanken und formiert sich zu einem chaotischen Getöse. Eine gelungene Überleitung zum einzigen Instrumentalstück auf dem Album, „Jazz in the Supermarket“. Mit Jazz im eigentlichen Sinne hat dieser Song zwar vermeintlich nichts zu tun, er beweist aber eindrucksvoll, dass die vier MusikerInnen ein ausgeprägtes Gespür für ungewöhnliche Harmoniekonstruktionen haben. Das lässt sich auch in jedem weiteren Song auf „On All Fours“ erkennen und macht mich als Nerd sehr glücklich.

    Dass es ebenfalls rhythmisch gut zur Sache geht, zeigt uns „Never Stays The Same“. Das Album lief bei mir die letzte Woche wirklich auf Heavy Rotation und bei diesem Song hab ich meine verstaubten Tanzbeine jedes Mal zum zappeln bringen können, sogar im Auto (bitte nicht nachmachen). Die Angst vor Veränderung und die Angst vor der Stille stehen hier textlich im Vordergrund und schlagen damit ein weiteres thematisches Kapitel des Albums auf. Hier zeigt sich eine weitere Parallele zum neuen shame Album, das dort einen ähnlichen thematischen Strang verfolgt und damit auf den für junge Bands schwierigen plötzlichen Stillstand der Pandemie hinweist.

    Plot Twist

    In dieses Raster passt auch „P.T.S. Tea“, der die psychische Krankheit „PTBS“ diffus und etwas undurchsichtig zu behandeln scheint und konträr dazu mit lockerer Synth-Pop Atmo und einer Ohrwurmmelodie um die Ecke kommt.

    „PTSD from a hot cup of tea,
    Chug chug chug along on the ferry,
    Dumb man wouldn’t even look back at me“

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    Musikalisch etwas völlig neues wagen die vier MusikerInnen dann mit dem Song „Sad Cowboy“, der schon sehr früh vorab als Single erschien und mir persönlich richtig gut gefällt. Im Morricone-Western-Style galoppieren Gitarrenriff und Drumbeat durch meine Gehörgänge und reißen mich mit, obwohl ich überhaupt nicht auf Western stehe. Der Song wandelt sich durch zunehmende Präsenz von Synthezisern und Filterfahrten zu einem repetitiven Housetrack. Ein gelungener Plot Twist!
    Zugegeben, nach Erscheinen der Single hätte ich mir auch mehr solcher Experimente auf dem Album gewünscht und vorstellen können. In dieser Form bleibt der Song auf „On All Fours“ aber unter sich.

    Das rockigere „The Crack“ mit seinen psychedelischen Lyrics und dem surrealistischen Video spielt mutmaßlich auch wieder auf die egoistischen Verhaltensweisen unserer Gesellschaft an und zwingt zur Selbstreflektion – wenn auch für mich irgendwie nicht ganz so eindrucksvoll wie zuvor schon auf dem Album gehört. Deutlich interessanter wird es für meinen Geschmack mit dem Song „Closing In“. In diesem Song versprüht Goat Girl ihren vollen Charme. Das Songwriting und das Arrangement wirkt so luftig und leicht, regt zum Träumen an gehört für mich mit zu den besten Songs des Albums.

    Tranquilize it

    Ebenso der darauf folgende Song „Anxiety Feels“, der eine besonders gut ausgearbeitete Melodie und einen derbe lässigen Laid-Back Feel verbreitet, ist einer meiner Favs. Hier kommt das gekonnte Arrangement der Backingvocals gut zur Geltung, das sich ebenfalls auf dem ganzen Album als Alleinstellungsmerkmal von Goat Girl etabliert.

    „Please don’t leave me alone,
    Staring out the window
    I know I should get out the house,
    Make myself useful
    (Na na na na na na)“

    Das verträumte „Na Na Na“ ist der eigentliche Clue des Textes, der dadurch die unangenehmen Gedanken und Ängste zu übertönen versucht. Eingelullt in dieses weiche und irgendwie dumpfe Instrumental, bekomme ich wirklich das Gefühl, vollgedröhnt mit Tranquilizern in der hintersten Ecke meines Zimmers zu hocken. Da reiht sich auch passender Weise „They Bite On You“ mit ein. Träge und schwer schleppt sich der Song durch und Lottie Cream besingt Schlafprobleme und das angenagte Nervenkostüm.

    Vorbildfunktion

    Die Stücke „Egos“ und das darauffolgende „Where Do We Go From Here?“ lassen sich textlich als offensive Abwehr des Patriarchats und Anklage gegen die politischen Machthaber interpretieren, die schon auf dem Debüt Album eine prägende thematische Rolle gespielt haben. Hier knüpft das Album wieder an seinen Anfang an und beeindruckt mit sprachlicher Raffinesse.

    „So put them in the middle to start with,
    Push out all their egos they hide in,
    It’s funny where the mind goes without it,
    Now it’s a simple silence.“

    Mit „A Men“ zieht Goat Girl ihren Schlussstrich und beendet mit den Worten „Bless God, he tries“. Sie lassen uns ein wachrüttelndes Album zurück, das sehr genau beobachtet und viele Missstände aufdeckt. Auch wenn viele der Themen absolut keine Neuigkeiten mehr sind und sicherlich einigen Menschen zum Halse raushängen, ist es umso wichtiger, sie immer und immer wieder anzusprechen. Gerade Songs mit feministischer und diverser Haltung machen Goat Girl zu einem absoluten Vorbild für eine hoffentlich wachsende neue Generation von weiblichen und transsexuellen MusikerInnen.

    Fazit

    „On All Fours“ lässt uns auf allen Vieren die Scherben unserer Taten und die der Generationen vor uns aufsammeln. Ein insgesamt wirklich eingängiges Album, das jeder Zeit zu überraschen weiß und mit jedem Hören besser wird.

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    Fotocredit: Holly Whitaker