Es wird laut im Februar! Der Winter, besonders in Berlin, ist kein leichter, wenn die Sonne sich für maximal zwei bis drei Tage aus den grauen Wolken traut. Da hilft manchmal ein Stupser melodischer Riffs, unterstützt mit der Power von zwei Schlagzeugen, Wunder. So ist es mit dem neuen Album „Ländmark“ der finnischen Rockband The Holy. Uns vor dem Album auch noch unbekannt, freuen wir uns umso mehr, euch das Quintett aus dem Norden im Interview genauer vorzustellen! Inklusive wertvoller Anspieltipps und, viel wichtiger, einer Headline-Tour durch Deutschland im Gepäck bringen The Holy euch sicher durch den restlichen Winter.
The Holy im Interview
Anna: For a smooth start, can you introduce yourselves and your band to people here in Germany who haven’t heard from you yet?
The Holy: We are The Holy, a rock quintet from Helsinki, Finland. The band was founded in 2014 and we have released an EP and two albums with a third one set to be released in February 2024. We love making records but we are most known for our energetic live shows.
Anna: To point out the most obvious fun-fact about your band: you have two drummers. It may seem a simple question, but why? Do you feel like this opens more musical spaces to explore that you couldn’t with a single drummer?
The Holy: We started out with two drummers because we had two people that both wanted to play drums in the band hah! But also because we were the most interested in making the biggest wall of sound possible. Today we feel that it opens a lot of options in the rhythmic landscape and makes the band sound unique. And also because a third drummer wouldn’t fit the stage!
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Anna: Growing up in Finland, what music did you grow up with? What was the musical landscape like when you started out as a band almost 10 years ago?
The Holy: I think most of the band has been growing up with our parents a-class vinyl collections. But also around international music media, like Pitchfork, Stereogum and NME.. So kind of all the dad rock, fusion jazz, folk and early heavy metal meeting up with contemporary pop music, hip hop and indie.. I doubt that the Finnish music scene or tradition has been that influential for us at all.
Anna: Can you name three Nordic artists or bands that inspire you right now and you want to recommend to us? We’re always looking for new good music input!
The Holy: Of course! Elia Lombardini is violin prodigy with finnish and italian roots. He has collaborated with us in the past both in records and live but is now building his own career with cinematic contemporary instrumental music. Virtais an instrumental jazz trio, but expanding their sound also to electronic, post rock and psychedelic landscapes. They just released their new album a few months ago and we are very excited to play some shows together in the future. Antti Hevosmaa from the band also contributed some horns on our latest record. Jonsjooel is finnish but now berlin based composer, singer and multi-instrumentalist who just released his debut last year. He is also helping us out on tour with his insane drumming this year.
„The record’s main aesthetic is to be an invitation to come see us live.“
Anna: Talking about your new album “LÄNDMARK”, it’s your third album as a band. How excited are you releasing it? And how different was the process compared to your first two albums?
The Holy: We are of course insanely excited to put out new music after a long break! We released our previous album Mono Freedom in the middle of covid-times roughly three years ago and have been waiting since to release new music. We have been sitting on top of these songs for a long time. Many other bands have also been in this same position. It feels like a new era is starting in our scene.
The making process was very different than while doing the previous albums. During covid break we were able to study ourselves and mirror back what we have done before. That made it more clear that we want to focus on the live energy of the band. So during the process we dropped all the songs that we knew might not work that well in live situations. We also wanted the sound to represent that aspect. The record’s main aesthetic is to be an invitation to come see us live. And to expand the experience of the songs. We had challenges to actually finish the record and to actually do the recordings. We wanted to use different kind of unconventional spaces for natural and unpredictable ambiences and challenge the process in that way. While we had mostly fun doing it, in mixing we had to do plenty of revisions and edits. Our mixing engineer Magnus Lindberg of course is a wonderful professional and handled our mayhem really well and with extraordinary precise.
„Kind of post-apocalyptical dream.“
Anna:If you can, how would you describe LÄNDMARK visually?
The Holy: I had this dream of a cold windy ocean and Escher -esque patterns and repetitive lines really burned into my eyes when I started to work on these songs. Saturated landscapes and mountains… deep forests and waters… kind of a post-apocalyptic dream from a city living person’s perspective. Some kind of study and reflection of the modern relationship between human and nature. A need for nature, but the dream and memory about it is starting to saturate, glitch and break down…
Klicken Sie auf den unteren Button, um den Inhalt von Spotify zu laden.
Anna: You have a couple of instrumental songs on the album and I was wondering, when do you decide that a song needs lyrics or when it doesn’t?
The Holy: Basically, all of our songs start with a prepared demo that Eetu has made. We listen to it first and then start to work on it as a group and after a while it starts to feel like The Holy. Putting instrumental songs into the album was not a decision made beforehand, but during the recording process we started to have discussions about what our concept is and that we need to trust our gut instinct better. After that we just realised that there are a few songs in the album that carry a big emotional load that we want to just deliver to the listener to be interpreted.
„The atmosphere at Haldern Pop was electric.“
Anna: First and foremost, you are a live band, and all of your songs sound like they will unfold an incredible amount of energy played live. What is it that you love about playing shows the most? Which are the shows you played that you will never forget and why?
The Holy: First and foremost, we love the way our music comes alive on stage. Each of us always gives 110% of ourselves on stage. It’s cleansing and every gig is kind of a therapy session for each of us. The connection we create as a band in a live situation is something unique. All your worries and cares are forgotten for a moment.
It’s hard to pick one particular gig, but there have been a few unforgettable moments for sure. Certainly one of the most unforgettable gigs was when the Covid restrictions were still in their final stages and we played under restricted conditions in Haldern Pop, Germany. Everyone in the audience and performers were tested for Covid and we were booked for two shows, one during the day and one in the evening. The first gig was in the middle of a field where the audience came in bike groups to watch the gig. It was weird. Huge field and maybe 100 people. Then in the evening, at our second gig in the centre of a small town, the energy of the audience somehow exploded. The originally seated audience just went wild and no longer cared about any safety restrictions and people were dancing, kissing, and hugging. It felt like being part of something very special. The atmosphere was electric and that energy was reflected to us from the audience. A great moment and a great festival.
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Anna: Being people who enjoy live music so much, what were your top 5 favourite concerts you saw last year?
The Holy: Zwei Last year seeing Christine and The Queens live in Flow Festival was probably the highlight show of the year. Such a boss. Also the legendary Moderat performing at the same festival was a blast. Gilla Band playing in a small cap Helsinki venue Kuudes Linja made a huge impact and was really inspiring to see in a small joint. Jonsjooel record release show in Korjaamo was a blast, and also Erki Pärnoja playing his new album “Jäljed” in Tallinn with an orchestra and visuals by Kaupo Kikkas was a wholesome experience.
Anna: Are there any plans of touring Germany? What is your impression of German rock fans when you played here during previous festivals and tours?
The Holy: We will be back in Germany in October! We love playing in Germany, Germans are taking the music seriously. They are REALLY into music, they buy shirts and records and are so passionate about it. It’s wonderful. And if they don’t like it, they’re not afraid to show it either. In general, the music culture in Germany is so alive and well and it seems like every little village has its own annual festival where they want the best bands to play. It’s really rare these days and it’s really something to be envied. That’s why we’re thrilled to come back:
17. – 19.05. Beverungen, Orange Blossom Special 21.10. Aschaffenburg, Colos Saal 22.10. Langenberg, KGB Kultur.Güter.Bahnhof. 23.10. Berlin, Privatclub 25.10. Hamburg, headCRASH 26.10. Köln, Yard Club Kantine
Anna: For our last question we always ask for an untold story – something you’ve never shared in an interview before. Is there something you want to get off your chest now?
The Holy: The first ever German festival we did, the whole trip took only 16 hours in total. We left Helsinki, drove to the festival site, did a quick soundcheck before the show and then played in front of a killer audience. After that we packed up, took a quick nap at the hotel and headed home. It was a good introduction to touring abroad!
Hier könnt ihr in das neue Album Ländmark reinhören!
Klicken Sie auf den unteren Button, um den Inhalt von Spotify zu laden.
Power Plush haben wir schon ganz am Anfang ihrer Band-Reise lieb gewonnen. Nun haben die vier Musiker*innen aus Chemnitz ihr DebütalbumCoping Fantasies im Februar veröffentlicht. Zwischen leichtem, verträumtem Indie-Pop Sound, eingängigen Melodien und warmen Umarmungen, erwarten die Hörer*innen aber auch ganz klare Ansagen. Das Album nimmt mit in eine pastellfarbene Power Plush-Utopie, die sich so wohltuend anfühlt, dass man sie gar nicht verlassen will. Verschiedene Geschichten und Perspektiven von inneren Gefühlswelten und Beziehungen gleiten smooth in einander und spenden sowohl Trost, als auch Platz für Identifikation. Genauso sympathisch und respektvoll wie Svenja, Maria, Anja und Nino und ihr Umgang mit einander sind, meint man das auch in ihrer Musik zu hören. Auch eine positive Weiterentwicklungzu vorherigen Veröffentlichungen ist deutlich erkennbar, denn es scheint so, als würde die Band nun ihren eigenen Sound so richtig gefunden haben, aber auch Spielraum für weitere Entwicklungen andeuten. Power Plush haben außerdem ein volles Jahr mit vielen Festivals und unter anderem Touren mit Blond und Kraftklubhintern sich. Wir erwarten von ihnen noch ganz, ganz viel in der Zukunft, das der Musiklandschaft garantiert einen liebevollen und offenherzigen Schliff verpassen wird!
Klicken Sie auf den unteren Button, um den Inhalt von Spotify zu laden.
Dascha (untoldency): Wie geht es euch zur Zeit? Wie fühlt ihr euch kurz vor dem Release von eurem Debütalbum? Fühlt es sich schon real an?
Anja: Es passiert gerade so viel auf ein mal.
Maria: Ich finde es fühlt sich so in Wellen real an. Manchmal kommen so Momente, in denen man denkt: Oh, wir haben ja wirklich ein Album. Ich vergesse das manchmal.
Anja: Wenn Leute sagen oder schreiben, dass sie es schon gehört haben, ist das so: Oh mein Gott, es existiert wirklich! Ansonsten proben wir zur Zeit auch viel.
Svenja: Entweder man ist gerade nur am hustlen und denkt gar nicht so viel darüber nach oder man hat Momente der Realisation und wird mega aufgeregt, weil es schließlich das erste Album ist.
Dascha (untoldency): Wann habt ihr angefangen an dem Album zu arbeiten?
Anja: Also im Proberaum haben wir schon im Oktober 2021 angefangen Songs zu spielen, aber mit unserem Produzenten Mario Simic haben wir im Januar 2022 angefangen.
Svenja: Es hat sich dann bis August über das ganze Jahr gezogen, da hatten wir es fertig.
Anja: Das war auch örtlich alles verteilt.
Maria: Stück für Stück ist es dann ein Album geworden.
Dascha (untoldency): Also für mich macht der Titel voll Sinn, wenn ich das Album höre, aber ich will es nochmal von euch wissen: Was bedeuten für euch Coping Fantasies?
Anja: Es war ursprünglich als Weiterführung von der EP Vomiting Emotions gedacht, wo es darum ging alles rauszulassen, egal was man fühlt. Also eine Art Ventil. Aber Coping Fantasies ist einen Schritt weiter, eher ein Versuch irgendwie einen Umgang damit zu finden. Oder sogar auch nur die Vorstellung davon, wie es wäre, mit einer Sache gut umgehen zu können. Mit dem Album wollten wir eine Welt schaffen, in der man die Chance hat mit Sachen umgehen zu können. Egal, ob das bedeutet sich einzukuscheln und nicht ansprechbar für die Welt zu sein oder es rauszuschreien.
Es soll ein Ort sein, an dem Leute wissen, dass sie mit dem ganzen Scheiß nicht alleine sind und dass es Leute gibt, denen es genauso geht. Auch wenn du gerade strugglest – we’re in this together. Es bietet nicht wirklich Lösungsansätze, weil es nicht möglich ist, außenstehend allen Personen zu helfen, aber es kann zumindest ein Safe Space sein.
Svenja: Auch ein Ort, an dem man fantasieren kann, wie man mit etwas umgehen könnte. Es heißt ja Fantasies und nicht Coping Strategies. (lacht)
Dascha (untoldency): In den Songs werden verschiedene Gefühls- und Sichtperspektiven aufgezeigt. Was ist dann das, was sie im Endeffekt zu einem Ganzen bündelt? Ist es das Gefühl eines Safe Space?
Maria: Ich denke wir haben den Titel schon so gewählt, damit die Bewältigung quasi der gemeinsame Nenner aller Songs ist. Es sind unterschiedliche Perspektiven und unterschiedliche Bereiche des Lebens auf die sich die Songs beziehen. Manchmal ist es eine gesellschaftliche Ebene und manchmal eine sehr zwischen menschliche. Es ist sind immer Momente der Bewältigung, aber immer ein bisschen unterschiedlich. Dadurch ist für uns eine Art Klammer entstanden, durch die wir die Songs dann sehen konnten.
Dascha (untoldency): Ich finde das Album reflektiert auch vieles und spricht auch erstere Themen geschickt an wie auf Leave Me Alone und Girl, He Toxic, ohne dass die Songs dabei total düster klingen. Was bewegt euch dazu solche Themen in euren weichen Indie-Sound zu packen? Was ist der richtige Umgang mit sensiblen Themen in der Musik?
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Anja: Ich glaube es gibt nicht einen richtigen Umgang. Das war der Umgang, den wir gewählt haben, diese Themen zu bewältigen in dem man den Song rockig macht oder vielleicht sogar ein bisschen Humor reinbringt. Girl, He Toxic ist zum Beispiel auch ein ziemlich ernstes Thema, es wird einer befreundeten Person gesagt: Girl, hau ab, he is a toxic ass! Aber trotzdem ist der Song eine tanzbare Wir-klatschen-alle-in-die-Hände-Nummer. Das hat sich in dem Moment einfach richtig angefühlt beziehungsweise ist es auch das, was man die Leute fühlen lassen möchte.
Svenja: Bei dem Song soll es auch einfach ermutigend rüber kommen.
Maria: Bei Leave Me Alone war es uns einfach wichtig, dass es für uns auf der Bühne empowernd ist, ihn zu spielen. Dass es sich stark anfühlt, den Punkt zu nennen von: Hey, lasst uns doch einfach in Ruhe, wir wollen doch einfach unser Ding machen. Wir wollen nachts draußen rumlaufen ohne komisch angequatscht zu werden. Deshalb haben wir in der Musik extra danach geschaut, dass es diesen starken Effekt für uns hat.
Anja: Es gibt ja auch richtig dramatische oder traurige Momente auf dem Album, auch die haben sich in dem Moment einfach richtig angefühlt. Das ist wahrscheinlich wirklich auch Moment-abhängig. Wie man in dem Moment mit dem Thema umgehen möchte und kann.
Maria: Das ist ja auch ein Stilmittel ernstere Themen mit einem locker flockigem Sound zu untermalen. Einfach weil wenn ein Thema an sich schon schwer ist, muss man es nicht zwingend noch mehr beschweren. Auch das hilft zum Teil bei Bewältigung, da noch eine neue Ebene reinzuziehen.
Dascha (untoldency): Ich finde bei Girl, He Toxic auch lustig, dass ein mal das Wort Ass so ganz lang gezogen wird.
(Alle lachen)
Svenja: Das ist der beste Moment! Vor allem auch, weil unsere Backings das „Ass“ so mega dramatisch wirken lassen.
Maria: Es macht ja irgendwie auch Bock, in solchen Themen doch etwas Spaß zu finden.
Dascha (untoldency): Ja, voll. Mir hat eure letzte Single Emergency // Freeze sehr gut gefallen, ich konnte mich da sehr wiederfinden. Was könnt ihr zu diesem Zustand sagen, den ihr darin besingt? Und habt ihr eine Idee, wie man eventuell dagegen ankommen kann?
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Anja: Ich glaube wir kennen alle diesen Freeze-Zustand an unterschiedlichen Stellen. Vor allem wenn man eine sensible Person ist, der es eher schwer fällt, Struktur in das eigene Leben zu bringen. Dieser Freeze-Zustand, das ist das Gefühl gerade nichts ausrichten oder ändern zu können, obwohl du eigentlich weißt, dass du es könntest. Aber du kannst es einfach nicht, weil du wie eingefroren in einem Ohnmachtsanfall-Gefühl bist. Gleichzeitig ärgerst du dich über dich selbst, weil du weißt du könntest es eigentlich und du hättest die Option. Aber in dem Moment kannst du es einfach nicht. Aus Erfahrung würde ich sagen, dass man den Zustand auf jeden Fall überwinden kann, aber das benötigt an vielen Stellen viel Arbeit. Es ist ein Prozess. Am besten sagt man sich „du hast es schon mal geschafft, du kannst es auch nochmal schaffen“ und vor allem sollte man auch nett zu sich selbst sein. Auch wenn du es mal wieder nicht geschafft hast, solltest du lieb mit dir umgehen. Aber man kann es immer wieder probieren, aus dieser Starre rauszukommen. Es wird zwar nicht immer funktionieren, aber vielleicht mal doch. Doch eine ultimative Lösung dafür? I don’t know! (lacht)
Dascha (untoldency): Ich glaube niemand hat dafür eine perfekte Lösung.
Anja: Ja, ich kenne aber auch viele Leute, die das Gefühl gar nicht haben. Die sind so „Ich mach’s jetzt einfach“ und dann sprechen die das einfach an oder organisieren das einfach. Das ist ja übelst toll, dass Leute das direkt umsetzen können. Ich glaube manchen Leuten liegt das einfach nicht und das ist in Ordnung. Aber es für sich selbst immer mal zu probieren, ist glaube ich trotzdem eine gute Sache. Mal einen Schritt nach vorne zu schaffen. Das klingt jetzt alles so abstrakt gesagt, aber das ist eben nicht auf eine bestimmte Situation bezogen, sondern auf viele verschiedene Stellen im Leben.
Maria: Wir sind natürlich Musiker*innen und keine Psycholog*innen, aber ich denke das hat auch viel mit Verhaltensgewohnheiten zu tun. Man kann es schon schaffen, daraus auszubrechen, aber das ist halt Arbeit und anstrengend. Es gelingt nicht immer, das ist okay.
Anja: Lieb zu sich und anderen sein hilft an vielen Stellen.
Dascha (untoldency): Danke für die Motivationsstunde! Wie sähe denn eure ultimative Power Plush Utopie aus? Natürlich auch auf euren Song Utopia bezogen.
Svenja: Keine Macker. Macker-Verbot!
Maria: Lieb sein ist auf jeden Fall Teil der Power Plush-Welt. Ich denke dadurch könnten Menschen sich freier ausleben und entfalten.
Anja: „Lieb“ ist irgendwie so ein krasser wichtiger Begriff bei uns. Natürlich muss man nicht immer nur lieb sein, aber wenn man merkt, dass Intention ist, eine aufrichtige gute Person zu sein: mit solchen Menschen umgibt man sich einfach gerne. Wir sind einfach richtige Softies. Wir finden aber auch, dass in Softness sehr viel Stärke. Deswegen natürlich auch unser Bandname Power Plush. Die Welt könnte soft sein, dann haben wir uns alle gern.
Maria: In einer Power Plush-Welt können auch alle mitgestalten.
Dascha (untoldency): Und soll diese Welt auch so aussehen wie das Cover vom Album?
Alle: Ja!
Anja: Das passt auch zu der Mitgestaltung. Es könnte jede*r Bäume basteln, Sterne basteln, eigene Wege basteln.
Dascha (untoldency): Inwiefern unterscheidet oder gleicht sich diese Vorstellung von eurer Realität? Habt ihr etwas davon schon umgesetzt?
Anja: Im Kontext der Band und unseren Freundeskreisen schafft es schon weitergehend sich diese Safe Spaces gegenseitig zu geben und gemeinsam zu erschaffen. Natürlich trifft man beispielsweise auch immer wieder auf irgendwelche Macker oder Leute, die nicht lieb sind, auch wenn man das gar nicht möchte. Aber innerhalb unserer Gruppe versuchen wir das gut zu machen.
Maria: Ich würde sagen wir haben dafür gearbeitet, dass das in unserem direkten Umgang mit einander so umgesetzt ist. Als kann man schon sagen, dass wir uns eine Art Power Plush-Welt erschaffen haben. Darüber hinaus sind wir selbstverständlich trotzdem in größere soziale Strukturen eingebettet und können das daher nur bedingt verwirklichen. Bei uns selbst gelingt das aber, finde ich, ganz gut.
Anja: Das heißt nicht, dass wir nicht auch mal sauer auf einander sind. Meinungsverschiedenheiten sind menschlich. Aber wir wissen immer von einander, dass wir eigentlich nur das Beste von einander wollen. Das ist wahrscheinlich der Startpunkt, um einen schönen und sicheren Umgang miteinander zu finden.
Dascha (untoldency): Lieb! Was war denn für euch challenging bei dem Entstehungsprozess des Albums?
Maria: Zeit. (lacht)
Svenja: Aber auch, dass man sich die ganze Zeit damit auseinandersetzt. Man setzt sich unter Druck, es ist viel Stress. Da ist man ja auch permanent mit krassen Themen konfrontiert. Meistens schreiben wir über Sachen, die aus den Tiefen in uns drin kommen und dann ist man dem die ganze Zeit ausgesetzt. Das hat uns emotional herausgefordert.
Anja: Wir lieben es diesen künstlerischen Schaffensprozess gemeinsam durchzugehen, ich würde das um keinen Preis der Welt weggeben, aber auch das bringt dich an deine Grenzen. Entscheidungen haben oft auch was mit Ego zu tun und das man auch mal zurückstecken muss, wenn Teile der Band etwas anders sehen. Zum Beispiel, wenn ein Teil eines Songs, den man lieb gewonnen hat, doch nicht so gut funktioniert und der eben wegkommen muss. Sowas muss man loslassen können. Das ist schon challenging. Und dass du jeden einzelnen Tag mit den Songs aufwachst und einschläfst und keine andere Musik mehr im Kopf hast. (alle lachen)
Maria: Ich fand’s am Anfang total schwierig zu sehen, wie das ein Album werden soll und dass es mal eins wird. Man hat da diese ganzen Ideen und Skizzen und es ist schwierig sich das vorzustellen. So richtig gecheckt, dass wir ein Album gemacht haben, habe ich glaube ich, erst gegen Ende letzten Jahres. Im Prozess war es schwer das zu verstehen, weil es nicht sichtbar war. Aber haben wir alles ganz gut hingekriegt! (lacht)
Dascha (untoldency): Na das ist doch die Hauptsache! Wie Svenja schon meinte, ist man bei dem Schreibprozess ja auch mit tiefen Gefühlen konfrontiert. Findet ihr es ist eine große Überwindung das mit einander zu teilen?
Maria: Das kommt darauf an was es ist und wie roh der Text ist, den wir den anderen mitbringen. Prinzipiell ist es nicht unangenehm und wir haben zum Glück diesen Safe Space, dass wir Dinge relativ unbedenklich miteinander teilen können. Ich fand’s manchmal schon trotzdem krass Dinge auch so sichtbar und explizit zu thematisieren. Aber ich fand es auch sehr lehrreich Einblicke in die anderen zu gewinnen. Man hat über die Texte ja auch mit einander gesprochen. Ich bin sehr froh über diese Erfahrung.
Anja: Ich fand’s auch krass, die Songideen der anderen zu hören. Mit manchen Situationen war man schon etwas vertraut, weil man die aus dem Leben der Person einfach mitbekommen hat, aber das dann so gebündelt und in Kunst verpackt zu hören, ist etwas ganz anderes. Das ist auch ein totaler Vertrauensbeweis, das ist voll schön. Es bringt uns auch näher zu einander, auch wenn es am Anfang nicht immer so easy scheint.
Dascha (untoldency): Wie schön! Und was würdet ihr sagen hat sich seit der Debüt EP für euch verändert, was war die bisher größte Entwicklung als Band?
Svenja: Das Album und die EP bauen schon in gewässerweise auf einander auf, nicht nur von den Namen, sondern auch musikalisch von den Instrumenten her. Wir haben uns einfach von unseren Skills weiterentwickelt. Wir haben quasi das von der EP genommen, weiterentwickelt und das jetzt auf’s Album gebracht.
Maria: Wir haben nicht nur gelernt mit den Instrumenten besser umzugehen, sondern auch was Songwriting angeht. Wir haben ja noch mehr Songs geschrieben als die, die auf dem Album sind, wir haben uns einfach ausprobiert. Für mich ist live spielen auch ein Teil der Entwicklung. Ich denke wir machen in der Hinsicht große Steps, weil wir so viel live spielen. Das find ich übelst schön, das macht so viel Spaß.
Anja: Ich find’s auch einfach cool, dass das Album jetzt so als Ding da ist. Man hat als Künstler*in ja oft das Impostor-Syndrom, so mäßig „Is this a real job?“, aber letztes Jahr haben wir wirklich viel gearbeitet. Da hat man selbst begriffen, wie viel Arbeit man reingesteckt hat, das ist auch eine Art Weiterentwicklung. Wir haben uns den Arsch aufgerissen, als yes, this is a job! Zwar ein sehr schöner, aber immer noch ein Job.
Maria: Man findet mit der Zeit auch immer mehr Selbstbewusstsein. Alles wird ein bisschen besser. (lacht)
Dascha (untoldency): Unser erstes Interview zusammen ist nun genau zwei Jahre her. Da hatte ich euch gebeten, eure Musik in drei Wörtern zu beschreiben. Ihr habt folgende genannt: „Kraftvoll, weich und Safe Space-ig.“ Würdet ihr diese drei Wörter heute immer noch so wählen?
Anja: Wow, schon zwei Jahre? Ich finde die Wörter passen immer noch, aber ich denke wir würden auch andere nennen.
Svenja: Ich erinnere mich noch genau an die Situation, als wir das beantwortet haben.
Maria: In letzter Zeit wurde oft das Wort „plüschig“ verwendet. „Kraftvoll“ auch immer noch. Und „poppig“.
Anja: „Dramatic“ auch, das ist das Album schon an vielen Stellen. Aber das ist einfach geil.
Svenja: Stimmt, die EP war nur sweet, aber jetzt sind wir erwachsener geworden. An manchen Stellen könnte man auch „tanzbar“ als Wort nehmen.
Anja: Dann sagen wir jetzt plüschig, kraftvoll und dramatic.
Dascha (untoldency): Ja, das passt alles sehr gut. Ihr habt ja vieles als Band erlebt im vergangenen Jahr. Was waren eure absoluten Highlights?
Svenja: Mit Kraftklub auf Tour zusammen Kein Gott, Kein Staat, Nur Du zu singen fand ich richtig krass.
Anja: Generell die ganze Tour mit so coolen Leuten, das war echt special.
Maria: Mein eines Highlight war das Immergut Festival, weil das Zelt bei uns so voll war und die Leute auch mitgesungen haben. Und das andere war auf dem Kosmos. Ich kam noch Stunden nach dem Konzert immer noch nicht drauf klar.
Anja: Ja, das war eine richtig volle Hometown Show mit vielen Freund*innen, aber vorne standen auch viele Leute, die wir nicht kannten, die einfach Power Plush Fans waren! An dem Tag war so viel verschiedenes los, aber die sich entschieden zu unserem Konzert zu kommen! Das war so krass für uns.
Dascha (untoldency): Jetzt sagt das nicht so, als wäre es unmöglich das zu glauben.
(Alle lachen)
Maria: Es ist irgendwie so schwierig sich vorzustellen, dass Leute einfach nur unsere Musik feiern und deshalb vorbeikommen.
Anja: Das Album war natürlich auch ein Highlight. Der Moment, in dem wir das fertige Album abgegeben haben, hat sich so unreal angefühlt. What a year!
Dascha (untoldency): In einem Jahr frag ich euch dann nochmal zu 2023 aus.
Svenja: Das ist jetzt unsere Konstante wie dieses Billie Eilish Vanity Fair Interview.
Dascha (untoldency): Ja, stimmt! Die letzte Frage kennt ihr auch schon, das ist bei uns ja eine untold story. Also eine Geschichte, die ihr noch nicht öffentlich erzählt habt.
Anja: Wir waren ja im Herbst ewig lange unterwegs, da haben wir um die 27 Konzerte gespielt. Wir haben uns angewöhnt immer beim Reinfahren in eine neue Stadt auf Spotify nach der Stadt zu suchen. Also was für Songs es über die Stadt gibt, da haben wir schon absolute Banger entdeckt. Wir empfehlen an dieser Stelle „Würzburg“ von der Band Kleinrinderfeld. Und „Lingen (Ems)“. (Alle singen)
Maria: Wir werden in diesem Jahr auch weiter Städte-Songs sammeln.
Svenja: Wir gehen ja auch auf TOUR!
Maria: Auf TOUR entstehen neue untold stories.
Anja: Vielleicht seid ihr ja dabei auf unserer TOUR!
Viel Raum für tiefe Gedanken und ganz viel Platz für sinnliche Atmosphären: Dorothy Bird lässt uns auf ihrem Debüt-Album „BELONGING“ durch ihre musikalischen Träume wandern und wir sind uns unsicher, ob wir jemals zurück in die Realität finden, geschweige denn zurückwollen. Das am 24. Juni als Vinyl erschienene Album ist seit gestern (Freitag, den 02. September) endlich auch auf allen Streaming-Plattformen zu finden.
#Klavier-ASMR
Ein sanftes akustisches Klavier reicht uns den Schlüssel zum Album und ebnet uns den Weg in die weite „Galaxy“. Das Intro der Platte strahlt so viel Wärme aus, dass uns ganz heiß um die Ohren wird. Wenn es die Rubrik „Klavier-ASMR“ noch nicht gibt, machen wir sie heute auf! Die angenehmen Hintergrundgeräusche des Klaviers, das leichte Atmen des Pedals und das leise Klacken der Tasten geben dem Stück einen besonderen Charakter. Hinzu kommen sphärische Sounds, die dem Klangraum Größe verleihen und uns hypnotisch in den Bann ziehen.
Vocals aus Seide
Aus der musikalischen Weite tritt seidenweich die Stimme von Dorothy Bird hervor. Der Titeltrack des Albums gibt der im Intro eingeführten Klangästhetik eine Form und lässt dabei weiterhin abschweifende Gedanken zu. Während die Worte über einen Ort der Heimat sinnieren, nimmt der Song mit Hilfe der einsetzenden Streicher und Drums zunehmend Schwung auf. Die Stimmung von „Belonging“ soll sich von nun an in wandelnden Nuancen über die gesamte LP spannen, stets getragen von der schwebenden Kopfstimme von Dorothy Bird.
Transzendenz
Der dritte Song „Silent Warrior“ führt neben atmosphärischen Gitarrenmelodien, dramatischen Streichern und trip-hoppigen Schlagzeug-Grooves ein weiteres wiederkehrendes Element der Song-Produktionen ein. Ein knarzender, mechanischer Synth fügt sich in den Beat ein und verleiht der Stimmung Nachdruck ohne abzulenken. Immer wieder tauchen metallische Klänge in den Stücken auf und schenken den transzendenten Momenten noch mehr kosmische Größe.
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Das Debütalbum von Dorothy Bird bleibt sich stets treu. Die musikalischen Farben bleiben jederzeit stimmig und konsistent. Was moderne Popalben regelmäßig vermissen lassen, bringt „BELONGING“ auf den Punkt. Viel Gefühl, nachdenklich schwebende Stimmungen mit düsteren Nuancen und ein kleines bisschen Harry Potter Zauber verstecken sich auf diesem wunderbaren Album. Das Einzige, was uns noch fehlt, ist ein passendes Wort, das diese Stimmung zusammenfasst. Das schöne ist, dass die klare musikalische Linie keine Irritationen bei Hörer:innen hervorruft. Entweder man kann sich in diese Musikwelt hineinversetzen oder man geht auf die Suche nach einer anderen Hörerfahrung. Es gibt keine Aussetzer und auch keine Überraschungen. Das ist ein Kompliment an die Homogenität der Songs, die ein sanftes Abtauchen in andere musikalische Dimensionen zulässt.
Klicken Sie auf den unteren Button, um den Inhalt von Spotify zu laden.
Ich weiß nicht, wie es euch geht, aber bin leider komplett im Winterblues gefangen. Aber da kommen die drei Jungs von Soft Drug genau zum richtigen Zeitpunkt mit ihrer ersten Singleauskopplung „Same“ ihrer Debüt-EP um die Ecke und bringen ein paar kleinen Sonnenstrahlen in mein Kopfkino. Wenn ihr auch ein bisschen Westcoast-Feelings zum Träumen gebrauchen könnt, seid ihr hier gerade genau richtig. Und eins kann ich vorab verraten: die Melodie sitzt seit einer Woche ein meinem Kopf fest!
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Ich muss euch gestehen, als ich den Song das aller erste Mal angehört habe, hat es keine fünf Sekunden gedauert bis sich bei mir ganz große Frank Ocean-Lost-Vibes breit gemacht haben. Und das meine ich im aller positivsten Sinn überhaupt! Ich denke mal nicht, dass ich damit die einzige bin, der diese Assoziation in den Sinn kommt. Ich wünschte gerade, ich hätte mehr Ahnung von Instrumenten und Musikproduktion, damit ich euch irgendetwas über die Synthies erzählen kann. Leider muss ich da passen. Allerdings war meine erste Reaktion wortwörtlich: „Oha das hat ja doll Ohrwurmpotential„. Und tja, was soll ich sagen, die Melodie ist SOFORT in meinem Kopf hängen geblieben und hat es sich dort sehr bequem gemacht. Vor allem aber gibt sie mir so ein warmes, spätsommerliches, aber gleichzeitig auch ein melancholisches und sehnsüchtiges Gefühl.
Eine Prise 2000er R’n’B
Dass die Jungs von Soft Drug vielleicht selbst auch ganz gerne Frank Ocean hören, konnte ich nach einer kurzen Recherche (= das Instagram Profil der Band stalken) ohne großen Aufwand rausfinden. Diese kleine Hommage an das Album „blond“ von besagtem Künstler fand ich dabei besonders lieb. Ich bin generell immer großer Fan davon, wenn Musiker*innen teilen, welche Musik und welche Einflüsse sie selbst inspirieren und prägen.
Noch mehr Einflüsse aus Pop und R’n’B der 90er und 2000er inklusive Westcoast-Vibes bekommt man beim Ansehen des Musikvideos zu „Same“. Ich erzähle euch auch gleich mehrere Gründe, wieso ich nicht nur das Lied sehr gut finde, sondern auch, warum das dazugehörige Video genau das ist, was sich bei diesem Song in meinem Kopfkino abspielt.
Erstens: die 90er Ästhetik mit dem 4:3 Bildformat und diesen analogen Touch. Wer schon mal einen anderen Text von mir gelesen hat weiß vielleicht, dass ich das persönlich einfach super nice finde. Da schwingt immer so viel Nostalgie mit, was ich liebe.
Zweitens: der Westcoast Vibe. Wenn ich die Szenen von Brücken voller Graffiti, von Maschendrahtzäunen umgebenen Baseballplätzen und betonierten Hinterhöfen sehe und dann noch die pure Sonne dazu kommt, muss man doch einfach an irgendeine Stadt in Kalifornien denken, oder nicht?
Drittens: die Farbgebung im Video. Warm, starke Kontraste und harte Schatten und alles in einem gelblichen Ton angehaucht. Genau das meinte ich am Anfang mit warmen, spätsommerlichen, aber auch melancholischen und sehnsüchtigen Gefühlen, die der Song mir beim Anhören gibt. Und jetzt stellt euch mal vor, ihr würdet an einem Nachmittag in der Sonne allein durch die Stadt laufen mit diesem Track auf den Ohren, ich find das geht so gut zusammen. Nicht umsonst wird über die Band gesagt, sie bringen einen Hauch von L.A. in den Melting Pot Berlin, und das versteh ich komplett.
Und wie ich mit meinen ausgezeichneten Stalking Skills rausfinden konnte, haben Soft Drug sowohl das Video in eigen Regie gefilmt als auch geschnitten. Ich finde, dass sollte zumindest kurz erwähnt werden, weil ich mir vorstellen kann wie viel Liebe und Arbeit in Song und Video reingeflossen sind.
Von Verarbeitung und Veränderung
Apropos Melancholie und Sehnsucht: Welches Thema passt zu diesen beiden Worten besser als eine gescheiterte Liebe? Und genau dieser Schmerz wird in „Same“ behandelt und endet mit der Einsicht, dass es nie wieder dasselbe sein wird.
„since you’re in love with a girl I can’t tell pleasure from hurt but all I know for sure is nothing’s ever gonna be the same„
Alles in Allem also ein sehr rundes Ding, wie ich finde. Und bis sich die Erde ein bisschen weiter um die Sonne gedreht hat, dass auch die meteorologischen Begebenheiten zu dem Track passen, lieg ich hier auf meinem Sofa und stimme mich mit diesem Song schon mal auf das Sommer Gefühl für dieses Jahr ein. Außerdem kann ich es kaum abwarten, wenn im Frühsommer die erste Soft Drug EP erscheint!
Klicken Sie auf den unteren Button, um den Inhalt von Spotify zu laden.
Ach, wie schwelgt man doch gerne in Erinnerungen an die guten alten Zeiten? Und zu eurer Überraschung bin ich nicht 60+, sondern erinnere mich einfach auch mal gerne an die sorgloseren Zeiten als Kind. Auch ISLAND haben sich damit auseinandergesetzt. In ihrem neuen Album Yesterday Park, welches diesen Freitag rauskommt, reflektieren sie kritisch über Nostalgie, Verantwortung und fragwürdige Gerüche im Proberaum. In meinen Augen ist es ein Unding, dass die Jungs aus London nicht schon ganze Arenen füllen. Dieser Vibe von klassischen Indie-Rock Hymnen gepaart mit so viel Emotion und Euphorie zieht mich einfach in den Bann. Zusammen mit Toby, dem Drummer und James, dem Bassist der Band, habe ich über das neue Album Yesterday Park gequatscht.
ISLAND im Interview
Evelin: Hey guys, I’m glad this worked out! Are you excited about the release of your new album Yesterday Park this Friday?
Toby: Hey, thanks for having us! People keep asking that and I think I should probably be more excited, but now that people are asking, it’s getting exciting, definitely.
James: Oh, I can’t wait! It’s been a long time coming.
Evelin: Yeah, I guess it’s been in the works for a while. Since when exactly?
Toby: We started writing this album in Summer 2019. So, it’s been a while. But we recorded it over the summer.
Evelin: Yeah, there’s a lot of things that come into play. It is the album following your debut. Do you feel the pressure?
Toby: Yeah, everyone talks about the difficult second album.
James: Most people feel the pressure of the second album because they don’t have any time to write and get it out because they need to keep up momentum, but we kind of had that with the first album (Feels like air). Because we got a deal and then didn’t have any material that we wanted to record for it. So, it was a mad rush that time and then this time we’ve had two years. So, it’s kind of the opposite, but it feels alright.
„Seeing where our actions have led us personally and as a species“
Evelin: The overall theme of the album revolves around nostalgia, reminiscing and memories. Could you go more in depth about the theme and the influences in the album?
Toby: Until we decide on a theme to write around, we don’t really have any structure. So, we decided on this nostalgia theme quite early on and then again it fell into place there. Musically, we’re trying to push for 90’s influenced music. We were listening to a lot of 90’s hip-hop and trying to get that across in some of the drums and beats. And then again, with other guitar bands from the 90’s, like Chilis (Red Hot Chili Peppers) and other old music that we grew up with. Lyrically, Rollo (singer) mainly writes the lyrics, and he had this theme of nostalgia, so a lot of the songs are written around that. But not just looking back, also current relationships and environmental issues. It touches its own topics and subjects, but all within the realms of taking responsibility and looking back and how things changed.
James: Good answer, I think you pretty much summed it up. It’s as much about nostalgia in the good things about it as well as reflection and seeing where our actions have led us personally and as a species.
Evelin: Would you say that you look more optimistic or rather resentful into the past and the future?
Toby: I would say it’s a bit of both because we look back to the past with these rose-tinted glasses on and everything seemed happy-clappy and amazing and you wish it was like this again. It reflects on how you look back positively but then also reminding yourself that it wasn’t that easy and amazing. But then at the same time looking forward to the positive future, taking the responsibility. So, it’s a mixture.
„We started making spreadsheets and getting really OCD about everything“
Evelin: I have to get the Corona question out of the way. You said that you started writing it beforehand. But still it feels like the album comes at the right time because it is centred around nostalgia and reconnecting with people. Did the current events still influence you in the process of making the album?
Toby: We definitely had had everything ready pre-Covid. We finished demoing the songs, decided on the twelve and written 95% of each. So, we definitely hit a point of Covid where we realized that actually what we’ve done was becoming even more relatable and current because of Covid. I suppose subconsciously maybe we had that in the back of our minds when we went in the studio to record and how we approached things. But because of Covid, we actually ended up having more time than we ever have to get really organised about how we were going to record. We started making spreadsheets and getting really OCD about everything. Which we would never ever (dramatic hand gesture) had done if it wasn’t lockdown.
James: It’s interesting, because you’re not the first person to say that it feels like the album is coming at the right time and it feels even more poignant because of what has happened over the last 18 months. And I guess there could be an element of the subconscious. It took part of the process in a different direction than it would’ve done, but it definitely wasn’t conscious. I don’t know if you could call it fortunate, but we got really lucky in terms of the message of it. But also in terms of the process of recording it. All of the lockdowns, we were perfectly fine to not see each other. And then every time we were out of lockdown, we needed to meet up and record. Honestly, you just couldn’t have timed it better, although it sounds bad.
„Creative music man sweat“
Evelin: In a lot of songs, you explore feelings of nostalgia, but also places that stem from childhood. Is there a specific space, smell or even just a random memory that takes you right back to your childhood?
Toby: I have a very sensitive smell. There are certain smells that sometimes I smell, and I think: „Wow, that was then“ and it’s incredible. The memory in your nose is almost more powerful than your brain in some ways. There’s this Patchouli smell, it’s this really strong, horrible smell. My mom’s living room had this fireplace and it always smelled like Patchouli and when I smell that I’m just 6 years old again and it’s amazing.
James: I can’t think of anything necessarily childhood related. Maybe if I smelled something, then I would. But we recently got back in the studio and there’s one smell that I can tell you never changes and that is the smell of a rehearsal room. Smells like sweaty dudes. If you go into a locker room that’s different sweat. It’s not like creative music man sweat, it’s different. And then the mixture of beer and crisps (laughs).
Toby: That sort of ties in with how you know everyone has their own smell, but you don’t really know what it is. I have this weird self-conscious thing when someone comes over, I’m like: “What are they smelling? What is it, is it a weird smell, is it a nice smell?” And I think when you know people really well, like your good friends, you do know how they smell and that becomes a nostalgic thing about how you remember your friends.
„Nostalgia isn’t reality, it’s abstract“
Evelin: Moving on from the smell and sweat. My favourite song is Octopus, especially because I love the video. It’s so weird, but so genius. I was wondering, is there one song, that you had the most fun making?
James: I’ve had a lot of fun with a lot of them. With the first record we basically just got in a room and recorded it as we play it live, that was how restricted we were with the first record. With this one, we really opened a door into allowing a producer in to have his creative input and to things like using a drum loop for example. Young Days took a really different structure from when we wrote it to when we laid it out in the studio. Do You Remember The Times as well. There’s all sorts of metal clangings and weirdness in the intro and throughout most of the tune. That’s Toby playing a keyboard stand with bits of metal strapped to his drum kit. We’ve never done that kind of thing before and it was nice to let the creative juices flow a bit more.
Evelin: You mentioned Young Days, the song feels like a mantra dedicated to the younger generation. Especially in that song, you explore themes of inequality, legacy and heritage and as you said taking responsibility. Can you explain the meaning behind it in more detail?
James: If you were going to choose one tune to sum up the album, it would be Young Days for me. It encapsulates the whole theme of nostalgia. It’s not just looking back and having fond memories, thinking: „Things were so much better then“. The difference between memories and nostalgia are the rose-tinted glasses. Memories are what happened, nostalgia is looking back at what happened with perspective of today. The reason we wanted to have that living room setup in these weird places is because nostalgia isn’t reality, it’s abstract. I might look back at something in a different way to someone else who looks back at the same thing. Everyone that gets to this point, even the younger generation will do the same and everyone that went before us has already done the same. We’re all just going to do as well as we can and we’ll be fine.
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Evelin: You said it’s the first time you took a producer on board. With Yesterday Park following your debut, how would you say you evolved musically from Feels Like Air to now?
Toby: We just wanted to broaden our horizons a bit more and go from just being that 4-piece live band to actually making a studio album. Mikko (Mikko Gordon, producer)coming on board was our first step to try and release control. Normally we’re very hands-on and DIY and like to do every little detail ourselves. So, this was the first time where we had to go: „Right, someone else is going to be coming in, let’s be open to their ideas. They might be good, they might be rubbish.“ He brought some really nice ideas to the table and made us realize that we didn’t have to sweat the small stuff. Just think more about the bigger picture. Just opening our eyes to things, we had been quite stubborn about before. We wanted to be a bit looser with it. It did change our whole process quite a lot.
James: The nicest part was, that we never really had someone to direct and just say: “Today we’re gonna get this done and this” or “let’s try this”. Normally, it was us taking the reins and just ticking boxes of record the drums, record the bass, etc. So, it was nice to have a bit of a routine and let someone sort of steer the ship.
Evelin: I’m always happy to see you guys releasing stuff because I really love the music. Next to the album, is there anything you’re particularly excited about happening for ISLAND soon?
Toby: Obviously, not being able to play any shows has been a bit weird whilst trying to release music. We’ve only got a small tour in October for the UK. We’re quite sad about not having anything booked for Europe. And not just because of Covid, but Brexit-wise as well, it’s all a bit difficult at the moment. We would like to say we have a huge tour booked for early 2022 but sadly we don’t. We’ve got a couple little things this summer, a few little festivals. We’ve been getting back into the studio in the last two weeks for the first time in maybe 6 months. Just rehearsing has been really nice, playing songs together and remembering how it feels building the set together. And even though we’ve only got a few shows in October, it’s really exciting. So, fingers crossed that they go ahead.
„It was pretty rock ’n‘ roll“
Evelin: That’s still super exciting to be able to celebrate with at least some shows! At the end, we always ask for an untold story. An anecdote, a random fact, something you haven’t shared yet. Maybe something fun that happened during recording or filming or again related to childhood memories.
Toby: We’re so open, I feel like we don’t keep much secret. So bad at keeping secrets.
James: Anything untold, maybe should stay untold (laughs). Maybe something that happened on the Everyone’s The Same video. That you (Toby) liked wearing make-up a little bit too much.
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Toby: The initial idea for the Octopus video was just going to be us playing on a basketball court. But then the company we worked with found this amazing basketball court on the beach. So, we added these beach elements. We were doing weird things in the sea. I’ve been doing some hoovering, Jack was doing some ironing and Rollo felt a bit left out. He didn’t really have anything to do. So, towards the end and this was – bear in mind, we were shooting in December in England – freezing cold. And he was like: “Guys, just give me the mic” and he was just gone in the sea. It was like *I need to outdo these guys. I need to really show off*. He came out and was so cold. He ripped off his clothes, he was just naked, and he put on … what was it a onesie?
James: It was like ski onesie.
Toby: (laughs) Yeah, it was like a skiing outfit. It was as if he prepared, as if he knew he was going to do it but hadn’t told us. He went and sat in the van. He was shivering for the next two weeks. But it made the end of the video and it doesn’t look as extreme as it was. But at the time, it was pretty rock ‘n’ roll. Props to Rollo for doing this. So yeah, that wasn’t planned.
Evelin: So, that’s actually everything already. Thank you so much! Good luck with the release, I’m really excited for you guys!
Toby & James: Thank you, Evelin! Bye!
Hier könnt ihr in das neue Album Yesterday Park von ISLAND reinhören und in Erinnerung schwelgen.
Klicken Sie auf den unteren Button, um den Inhalt von Spotify zu laden.
La Femme sind anders, La Femme sind unglaublich, La Femme sind ein Mysterium. Letztere Aussage fällt ziemlich häufig in Verbindung mit der in Paris lebenden Band, aber nun ja; Es ist die Wahrheit. La Femme, die eigentlich aus Biarritz stammen, wurden 2010 von den Songwritern und MusikernSacha Got und Marlon Magnée gegründet. Somit bilden die beiden das Herz der Band und sie erhielten im Laufe der Zeit immer mehr Unterstützung von weiteren Musiker:innen. Spätestens seit ihrer Single Où va le monde (2016) sind La Femme international gefeiert und geliebt.
Ihr musikalischer Stil lässt sich unmöglich in eine Schublade packen, dafür ist ihre Bandbreite viel zu groß und das beweisen sie vor allem auf ihrem neuen, dritten Album Paradigmes. Irgendwo zwischen Cold und New Wave, Yéyé, Psychedelic, Surf Rock, Elektro und Punk, haben sie schon lange her ihren ganz eigenen Sound kreiert und dabei bleiben sie nie konstant. In den neuen Songs wird statt wie gewohnt Französisch auch mal auf Englisch gesungen in Foreigner, Spanisch in Le jardin oder total absurdBanjo mit Opern-Gesang kombiniert in Disconnexion. Mit hypnotischen Sounds und oftmals sehr düsteren Texten zieht Paradigmes seine Hörer:innen in seinen Bann und führt sie in eine verdrehte Welt. Keiner der 15 Tracks ist so wie der andere, es gibt so viel unterschiedlichen Inhalt auf einem Album zu entdecken und trotzdem reiht sich alles ein und wird zu einem großartigen Ganzen.
Verstehen oder nicht verstehen?
Wahrscheinlich hat man bereits rausgehört, dass mich La Femme persönlich sehr begeistern — und das trotz meiner sehr eingestaubten Französisch-Kenntnisse. Dabei bin ich mir ziemlich sicher, dass man überhaupt kein:e Kenner:in der Sprache sein muss, um sich für diese Band begeistern zu können, denn sie ist einzigartig, fesselnd und die Atmosphäre universell spürbar. Und mal ehrlich, wofür gibt es online Text-Übersetzer und die Untertitel-Funktion bei YouTube? Ihre Musikvideos, die eher wie Filme wirken (vor allem zu Le sang de mon prochain und Paradigme, große Empfehlung!) und ihre Art sich zu präsentieren, verleihen den Eindruck La Femme seien eigentlich gar keine Band, sondern in ihrer Gesamtheit eher ein Kunstprojekt.
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Immer, wenn ich irgendwann mal in die Kommentarspalte der YouTube Videos oder Instagram-Posts von La Femme geschaut habe, gab es mindestens eine Person, die sie als „Genies unserer Zeit“ oder als „nicht von dieser Welt“ bezeichnete. Tatsächlich wundert es mich überhaupt nicht, dass Fans aus allen verschiedenen Ecken der Welt in den Kommentaren diese Ansicht teilen. Das Bizarre, der abstrakte Sound und die Überromantisierung der typisch französischen Ästhetik, die La Femme mit allen Mitteln ausreizen, erwecken die Neugier. Man kann La Femme nicht wirklich begreifen, aber das muss man auch gar nicht, um ihre Präsenz zu genießen. Nun hatte ich die Ehre Sacha Gotzu fragen, was mir auf dem Herzen lag. Um ganz ehrlich zu sein, hätte ich am liebsten einfach nur mit einem „Wie macht ihr das bloß???“ losgelegt.
La Femme im Interview
Dascha: Hey, I’m glad this worked out! How are you? Are you excited about the album release?
Sacha Got: Yes! I’m very happy to finally put it out. It’s been too much time we had the songs in our hardrive. We are happy to share it now.
Dascha: When did you start working on that album? How long was this process?
Sacha Got: It’s a mix of a bunch of songs we did over the years, from 2012 to 2018. In many different places but we finished it between France, Spain and the USA.
Dascha: The songs on Paradigmes are so different from each other; there are so many styles and themes. Where did you get your ideas and inspirations from?
Sacha Got: From everything, I would say. For the music we like to cross all the styles we love and they can be very different. From country to electro, arabic music or rap. We like to mix everything together.
Dascha: Was there a specific concept that guided you through this whole album?
Sacha Got: There is no concept. But at the end we found a concept with the videos and we are even working on a full movie that is gonna come out with the record.
Dascha: Which mood or feeling would you like to get a person in by listening to Paradigmes?
Sacha Got: We like to go deep. And let the listeners have some big feelings inside their bodies. It can be happiness, sadness, nostalgia or hope or anything else. But we like to feel.
Dascha: Why do you decide to sing in other languages than French sometimes? Like on Foreigner or Le jardin.
Sacha Got: Because we are making world music.
Dascha: Nouvelle-Orléans was one of the songs that immediately caught me. Could you explain what the song is about? Especially for those who don’t understand any French.
Sacha Got: It is about a guy going on the road and leaving his hometown, New Orleans. He went to a dark moment and he lost his mom. But now he wants to go back to the light and shine and leave all the negativity behind him.
Dascha: Do you personally have a favorite song on the album?
Sacha Got: No, it depends on the moment.
Dascha: I really enjoyed your latest music videos, especially the one for Disconnexion and the Paradigmes: Introduction with the Michel Foucault impression. Can you help me to understand the music video? There were so many characters and in my head, I was torn between a couple of deep interpretations and „Ah, this guy is on drugs and just having a crazy trip“.
Sacha Got: Mmmh, it’s like a metaphor of the artifices, that everybody uses in life. The guy is doing a smoky speech and then going through his mind.
Mit dem Laden des Videos akzeptieren Sie die Datenschutzerklärung von YouTube. Mehr erfahren
Dascha: Speaking of Disconnexion; there are so many different music genres mixed up in one song. One might think that they would never fit together but somehow you still make it work in an incredibly nice way. Why did you decide to mix them together in a song?
Sacha Got: I think this is the funny part about making music in 2020. You can’t invent a new style like rock and roll or soul. But you can mix all of those. It’s just an evolution. And music and art have always worked like that since the very beginning.
Dascha: How did the band change since your last album and what made these changes happen? Both, the music and the band members. Did you collaborate with new people on this one?
Sacha Got: It’s still Marlon and me writing the songs and Sam working with us in the studio, too. We did more on our own on this time. We all have little home studios in our places now and we can record with protools everywhere. On this record there are more additional musicians like the horns and the banjo players.
Dascha: Whenever I listen to one of your songs, I think „Yeah, this is so La Femme-style!“. Did you have a specific idea of the sound you wanted to create when you started as a band?
Sacha Got: At the beginning we were mixing 60’s French Yéyé, surf music, and cold wave. We wanted to make a band between The Velvet Underground, Kraftwerk and The Brian Jonestown Massacre, in this spirit.
Dascha: At the end of interviews we always ask about an „Untold Story“, that means a little secret or a story about you that the public might have not heard yet. Do you have anything in mind?
Sacha Got: I went to Gibraltar two years ago and it was one of the most weird experiences ever. It was like the space and the time went wrong and different. I felt like Marco Polo. It was unique and since then I thought about my life in a different way.
Dascha: Thank you for your time! I’m really looking forward to see one of your shows on tour when life gets back to normal.
In 2022 sind La Femme übrigens auch in Deutschland auf Tour!
Klicken Sie auf den unteren Button, um den Inhalt von Spotify zu laden.
